El reconocido bailador andaluz David Morales, bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro, revivirá la historia de Manuela Sáenz y Simón Bolívar a través de la danza y la música con el espectáculo Amor en Libertad el 20 y 21 de diciembre, en la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño.

El coreógrafo de talla internacional que encarnará al "Libertador de América" y bailarinas venezolanas ensayó el montaje de esta producción desde marzo cuando se realizaron audiciones con la participación de más de 50 profesionales de diferentes disciplinas, entre las que quedaron seleccionadas 18 criollas.

“Estamos trabajando y preparándonos desde hace meses con mucha ilusión de llevar a escena un espectáculo que reúne a más de 20 artistas de ambas naciones hermanas, donde recrearemos nuestros ritmos “con cantaores”, músicos venezolanos y bailarinas para contarle al público esa parte romántica de Bolívar y Manuela, sin descuidar la relación con el amor de su vida, su esposa María Teresa”, reiteró Morales.

Asimismo, Morales ratificó que se pasearán por los momentos importantes que vivieron ambos personajes, “contados a través del mejor testimonio que nos pudieron dejar, sus cartas de amor”.

Es importante destacar que el también director de la Compañía Danza Flamenco, que lleva su nombre, se inspiró para realizar este montaje tras leer las apasionadas expresiones de afecto que se reflejan en el libro Las más hermosas cartas de amor entre Manuela y Simón , luego de su gira en el año 2016 cuando se presentó por varias ciudades del país con el espectáculo “Lorca: Muerto de amor”.

La coproducción entre España y Venezuela, Amor en libertad , de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), Compañía Danza Flamenco David Morales, Compañía Nacional de Teatro, Compañía Nacional de Danza, Teatro Teresa Carreño, Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM) y Villa del Cine, mezclará el flamenco, danza tradicional venezolana (joropo, tambores y vals), ritmos caribeños y africanos, acompañado de audiovisuales en pantalla gigante para que el público disfrute de una pieza en “tres dimensiones”.

Este evento cultural, enmarcado en los intercambios entre países hermanos para consolidar las artes en el país, también contará con escenas importantes donde se resaltará “la libertad, el imperio, la bandera, el papel de la mujer y la fuerza del amor entre ambos próceres”.

Terminó la temporada teatral caraqueña de 2017.Y hay que hacer un recuento de aquellos espectáculos que marcaron pautas. Ya reseñamos lo que fueron los montajes Reina pepeada de Román Chalbaud y Acto Cultural de José Ignacio Cabrujas. Y ahora nos detenemos en Cortos y variados, novedoso y variopinto evento que reunió seis obras cortas, de 20 minutos cada una, el cual se presentó en una sola función diaria (de jueves a domingo), durante los meses de mayo, junio y julio, y después en noviembre y diciembre en el Teatro Escena 8 de Las Mercedes. ¡Ejemplar persistencia!

A PESAR DE LAS GUARIMBAS

Por supuesto que la crisis sociopolítica venezolana de 2017 no tiene puntos de comparación con la que vivió y sufrió España. Durante esa Guerra Civil (1936-1939) se escenificaron en la zona republicana diversos tipos de espectáculos claramente diferenciados, que tenían circunstancias muy distintas de representación. Por un lado, estaba el teatro producido en el frente de batalla, con una extrema economía de medios, que se caracterizaba por una relación directa con las necesidades de la conflagración (donde hubo descarada intervención extranjera) y una función formativa sobre el público. Y un teatro con mayores aspiraciones estéticas, representado en las salas de las grandes ciudades y que tenía como objetivo canonizar momentos fundacionales de la épica del pueblo, presentando una imagen idealizada de los combatientes. La censura para los contenidos y las básicas formas de actuación imperaron como es obvio en la zona gubernamental y también en el sector rebelde o nacionalista.

Recordamos esas características del teatro que se hizo en la zona republicana española, a manera de información, ya que en Caracas, el teatro no se detuvo por las famosas “guarimbas” y es por eso que Cortos y variados se pudo mostrar durante sus temporadas. Además, y esto hay que reiterarlo, las otras salas caraqueñas exhibieron sus montajes y hasta hicieron funciones gratuitas bajo el rotulo de Teatro en Resistencia. Y hubo, como es natural, un descenso notable en las taquillas porque el público pensó dos veces antes de salir a la calle, precisamente de noche y con muchos “chicos malos” sin controles en las calles.

Cortos y variados, “este experimento” según lo denomina su organizador, el productor José Manuel Ascensao, permitió ponderar montajes como El reto, Las amantes presidenciales Los trajes del muerto, Quedé loca por bocona, Afuera y Chicas venganza, escritos y dirigidos por Johnny Gavlovski, Carmelo Castro Fernando Martínez y Arnoldo Maal, Yanosky Muñoz, José Simón Escalona y Angélica Escalona y Dairo Piñeres. Estos espectáculos permitieron conocer argumentos, muy venezolanos además, y detalles de sus montajes y las respectivas caracterizaciones, según lo reseñamos a continuación:

EL RETO

Texto denso, una investigación muy profesional de su autor, el psicólogo Gavlovski, sobre orígenes y límites del mal y el bien, materializados en un par de caballeros, vestidos cual alienados oficinistas contemporáneos, que cuidan un archivo: uno es Gabriel, el bien (cual ángel Gabriel), y el mal, o sea Lucio o Lucifer. Agudo análisis sobre seres de carne y hueso que al final deciden comerse una manzana, después de una alucinante tarea física para quedarse con el control de los archivos. EL contenido de esta mini pieza es de características filosóficas y suscita rechazos o aceptaciones. Las actuaciones, encomendadas a Gabriel Blanco y José Manuel Ascensao son impactantes, especialmente el segundo, porque su personaje luciferino es más humano y creíble. Hay, pues, una tarea muy aguda por parte del director, el mismo Gavlovski.

LAS AMANTES PRESIDENCIALES

Se dice que al lado de un gran hombre hay siempre una gran mujer, bien sea esposa o amante o concubina. Es por eso que la historia íntima de los gobernantes es para novelas, telenovelas y teleteatros, además de películas. Ahora, bajo el formato de alta comedia, se presentaron las anécdotas amatorias de cuatro controversiales Presidentes de Venezuela: José Antonio Páez y Cipriano Castro, de la tercera república; Carlos Andrés Pérez y Jaime Lusinchi, de la cuarta república. Gracias a la investigación y al trabajo de Carmelo Castro (sobrino nieto de Cipriano Castro), se logró mostrar lo que fue el queridaje en la institución familiar, en cuatro sagas sobre igual número de mujeres que acompañaron a esos machos poderosos y además significaron su fuerza o su perdición en sus mundos íntimo. Ahí, pues, desfilan, desde Barbarita, la amante de Páez, hasta Cecilia Matos, que después Pérez la hizo su esposa legítima, además de “La Chanito”, la concubina de Castro, y Blanca Ibáñez, también desposada por Lusinchi.

La intimidad y la fuerza femenina logró atrapar al espectador en lo que representa "el queridaje como institución", donde la mujer que acompaña al poderoso puede ser su fuerza o su perdición; y subraya que la mujer con su sexo puede hacer y deshacer hasta un país. Es el mejor texto de investigación y el trabajo actoral más ambicioso, resuelto por Maga González y Carlos Dugarte con interpretaciones bien diferenciadas.

QUEDÉ LOCA POR BOCONA

Basada en hechos reales y existenciales de un personaje del mundo LGTBI caraqueño, el escritor y director Yanosky Muñoz mostró una historia un tanto inverosímil, pero cuyos actores le dan una gran dimensión escénica, donde el cuento teatral pasa a un segundo plano y se destacan más sus performances individuales.

Ahí está, por ahora, Adrián, varón de clase media, que sueña con ser famoso y pertenecer al mundo del espectáculo, quien cuenta las peores situaciones por las que ha pasado en su vida a consecuencia de no quedarse callado cuando es oportuno y dejar que las cosas fluyan por sí solas. "Somos dueños de lo que callamos y esclavos de lo que decimos", este dicho él jamás lo ha tenido claro y es entonces cuando se conoce cada uno de los enredos y problemas donde está envuelto el protagonista. Yanosky Muñoz se inspiró en casos sonados de la farándula, la política y la vida cotidiana de amigos cercanos para llevar a las tablas esta comedia, que cuenta con la actuación estelar de Jose Gregorio Martínez y su Sancho Panza, pero más delgado, Ramphis Sierra.

EL TRAJE DEL MUERTO

Adam, excéntrico millonario coleccionista de objetos del más allá, tiene una pelea con su hija a causa de su afición por los objetos embrujados. Adquiere un supuesto fantasma que lo atormenta, y lo persigue hasta llevarlo a la muerte. Escrito por Fernando Martínez, bajo la dirección de Arnoldo Maal y Fernando Martínez, es un espectáculo que debe ser depurado, especialmente su texto sobre temática sobrenatural, y dejar así que los trucos teatrales sean apreciados y degustados por el público. Tiene un primer actor como Luis Carlos Boffill, secundado por la bella Marilyn Ascensao, que muy bien podría contar y actuar lo que sucede con su personaje.

AFUERA

José Simón Escalona rompió esquemas y se atrevió con el monólogo de Marquito, quien cuenta como salió del closet y lo hizo de manera didáctica y sin cortapisas. Es una bofetada a la hipocresía machista, que ha abusado de él. El humor escénico resulta de sus rocambolescas peripecias para conjurar su inusitado y extraordinario culo y el drama se ve representado irónicamente, en la misma provocación que emancipa sus extravagantes nalgas. El personaje revela facetas de su vida en un intento de auto exorcismo, de desfachatez para equilibrar su soledad y lo que busca es "liberarse del culo". La obra deja sin aire al espectador pacato por la performance actoral de Víctor Hugo Gomes. Un trabajo perfecto de este comediante, conducido por Angélica Escalona.

CHICAS VENGANZA

Interesante y bien escrita “página negra” sobre la cotidiana violencia nocturna caraqueña, la cual exalta a las víctimas, tres mujeres asaltadas y violadas por un malandro, y de cómo ellas se vengan y terminan despedazándolo hasta matarlo. Es una pieza pergeñada y dirigida por Dairo Piñeres, que tiene correctas actuaciones, compartidas, de Andreína Mesa, Patricia Amenta, Bárbara Mijares y Grecia Augusta Rodríguez. Es, sin lugar a dudas, el plato fuerte de este Corto y variado.

Más allá de las valoraciones o evaluaciones de cada uno de los montajes que integran a Cortos y variados, hay que resaltar el hecho cultural como tal, el que hayan logrado reunirse y generar un espectáculo que contribuye a drenar los sinsabores de esta Caracas del 2017. Felicitaciones para todos ellos y que viva el teatro, el único lugar donde aún el hombre puede pensar o soñar en libertad.

La mejor hallaca es la que hace mi madre.

El sansón de la comida venezolana sigue rompiendo barreras y un ejemplo claro ocurrió en España con la realización a pocos días de navidad del Primer Concurso La Mejor Hallaca de Barcelona 2017. Este Concurso se ha realizado durante 7 años consecutivos en Madrid y esta vez le tocó la oportunidad a la ciudad condal. Teniendo como resultado un verdadero revuelo en la gastronomía ibérica, siendo confirmado por centenares de visitantes que acudieron al evento.

Vane López Cruz, internacionalista egresada de la UCV, diseñadora de modas y cocinera quien hace un año emigró a España, comentó que desde hace tiempo seguía las noticias del concurso desde Caracas, y soñaba un poco con alguna vez llegar a participar, ya que desde niña siempre hacia hallacas con su familia en víspera de la Navidad, y pues le generaba un poco de emoción la idea del evento: “El año pasado me vine a vivir a Barcelona y no me imaginaba que harían el evento aquí, pues mi sorpresa ha sido un día que vi una publicación de Bayron Sánchez donde recordaba que faltaban pocos días para cerrar las inscripciones para poder participar. En ese mismo momento le pedí las reglas sólo por curiosidad”, dijo

López Cruz confesó que tenía pocas probabilidades de poder participar, ya que justo en esa semana estaban haciendo una remodelación en la cocina de su casa y no tenía el mejor espacio para trabajar. “Me llegué a sentir algo afligida, era el evento que siempre seguía desde Venezuela y no quería perdérmelo, de paso, sería la primera edición en Barcelona así que para mí era aún más atrayente”.

Pero la cocinera a pesar de la dificultades, parecidas a las que viven muchos venezolanos en el exterior se armó de valor y comenzó a trabajar en el Concurso, eliminando todos los obstáculos posibles y logró participar “Conseguí una cocina prestada, me inscribí y fui al evento obteniendo el segundo lugar de la mejor hallaca de Barcelona y de toda España este 2017”, afirmó entusiasmada.

Expresó sentirse honrada al lograr la premiación, sintiéndose realmente feliz, porque fue una manera de demostrar que cuando uno quiere hacer algo uno puede lograrlo. “Quiero cerrar diciéndoles el que persevera alcanza, hay que trabajar muy duro para llegar a las metas, pero si se puede. Ahora estamos entrando en invierno, es la estación más difícil para nosotros, en ocasiones el frío es medio deprimente. No se dejen afligir, busquen y logren sus sueños, Siempre con la mejor actitud y los mejores ánimos. Querer es poder, demostremosle a este país que nos ha dado la oportunidad de estar en él, que somos los mejores inmigrantes. Trabajamos duro y dejamos el nombre de Venezuela en alto”, exclamó la chef.

Aprovechó la ocasión para agradecerle a los organizadores del evento, por su esmero, dedicación y el compromiso adquirido con la cultura venezolana, también hizo mención a los patrocinantes por el apoyo y los premios. “Ellos fueron parte de la motivación y el incentivo para que sigamos participando y teniendo cada día más eventos así. Gracias a Jorge Luis Gando, Arepai Cava, Mandoca Tamarindo Express, Barcelona Unbululu y la Feria de la Chinita Barcelona. Por supuesto, también agradecerle al jurado calificador compuesto por, Eugenia Adam, Emmanuel, Adnaloy, Beatriz, y Jeff, a todos, muchísimas gracias por la colaboración con el evento”, concluyó con un grito de ¡Viva Venezuela!

Contacto:

Vane López Cruz: Internacionalista UCV, diseñadora de modas y cocinera/Telf. +34 627 86 19 71/@VaneLopez_Cruz

Francis Rueda en El pez que fuma.

¿El teatro venezolano está en deuda con su público o Venezuela está en mora con sus teatreros? Son preguntas que proponemos aquí a los lectores, precisamente cuando terminó la temporada caraqueña de 2017 y hay que hacer un balance o recuento de aquellos seis espectáculos criollos que marcaron pautas o dejaron huellas.
Ya reseñamos los montajes Reina pepeada de Román Chalbaud, Acto Cultural de José Ignacio Cabrujas y Cortos y variados, novedoso y variopinto evento que reunió seis obras cortas, de 20 minutos cada una, de seis autores, el cual se presentó en una sola función diaria (de jueves a domingo). Y ahora nos corresponde abordar lo que significaron los espectáculos El pez que fuma de Román Chalbaud y El rompimiento de Rafael Guinand, producidos por la Compañía Nacional de Teatro (CNT), y cerramos con La foto de Gustavo Ott, una producción del Grupo Actoral 80.

PERIPLO DE LA CNT

Pero antes es conveniente recordar que la CNT fue creada el 22 de mayo de 1984, al publicarse en la Gaceta Oficial No. 32.982 los decretos No 133 y 134, para apoyar la labor de los profesionales que contribuyeron al desarrollo del teatro, así como propiciar la promoción y capacitación de los nuevos valores y mostrar las mejores obras del teatro venezolano e internacional para el disfrute del público. Y finalmente comisionó tal tarea al dramaturgo Isaac Chocrón, un desafío administrativo y artístico, el cual subió el telón el 27 de febrero de 1985 con el estreno de la pieza Asia y lejano oriente del mismo Chocrón, en el teatro Nacional.

Al cabo de 32 temporadas, cuando sus montajes superan el centenar y el público se contabiliza en miles de aplausos, la CNT, ahora comandada por Alfredo Caldera y Carlos Arroyo, mostró El pez que fuma, bajo la dirección de Ibrahim Guerra, en el Teatro Teresa Carreño y pasó al teatro Nacional para culminar su única temporada de 18 funciones, tras haberse exhibido en el Teatro de la Opera de .Maracay

El pez que fuma, en versión escénica del Guerra, se estrenó el 17 de febrero de 2017 con Francis Rueda, Luis Domingo González, Jesús Hernández, Francisco Aguana, Larry Castellanos, Juliana Cuervos, Citlalli Godoy, Keudy López, Andy Pérez, Jean Manuel Pérez, María Alejandra Tellis, Marcela Lunar, Ángel Pelay y Aura Rivas.

Chalbaud escribió sobre personajes que habitan o visitan un burdel, en este caso El pez que fuma, porque los prostíbulos son sitios donde, especialmente los hombres, drenan pasiones y tratan de conseguir por horas ese amor que se sale no solo por la boca. Hay muchos sueños o anhelos que ahí se forjan o que naufragan. El poder y el amor son las dos grandes pasiones de los seres humanos y eso ahí está muy bien marcado o definido. Además, a todos nos atrae un burdel, porque en esos antros pasan muchísimas cosas. En estos tiempos hay otros sitios o espacios que han intentado sustituirlos, pero los lupanares siguen existiendo. El teatro es un espectáculo y los venezolanos son muy inteligentes y agarran todo lo que unos les dice y lo reitero yo que tengo más de medio siglo en estos avatares del teatro y el cine, además de la televisión , dijo el autor.

Debemos resaltar que en la versión de Guerra este recrea las acciones y los textos de tres personajes chalbaudianos para escenificar una estrujante subtrama, que corre paralela al esqueleto argumental central de La Garza y sus melodramáticos problemas amatorios con Dimas, Tobias y Juan. Esta audacia del versionista amplía la crítica del espectáculo a la situación de la mujer en el amor, en las relaciones familiares y en la prostitución por necesidad, al tiempo que cuestiona la conducta de un maestro de escuela, cliente promiscuo y borracho, que fallece en una cama del prostíbulo durante una noche loca, precipitando el epilogo de esa fiesta lúdica y erótica que es la pieza de principio a fin, especie de mini carnaval que se desarrolla dentro un espacio que a su vez funge de cárcel.

Toda esta historia con muy buen ritmo, se desarrolló en 120 minutos, no agotó ni al público ni a los actores por la perfecta sincronización del espectáculo hiperrealista, todo un acierto del director y su amplio equipo de actores y técnicos.

LA VIGENCIA DE GUINAND

El homenaje oportuno al escritor y artista Rafael Guinand, por parte de la CNT con su sainete El rompimiento se hizo en tres versiones escénicas logradas por Luis Domingo González, Livia Méndez y Arturo Santoyo, quienes hicieron sus primeras presentaciones en el teatro Nacional, en un patio de la casa Natal del Libertador y en la caraqueña plaza Bolívar, con desenfadado talento actoral por parte de Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz, Juan Manuel Pérez Livia Méndez, Edilsa Montilla, Juliana Cuervos, Ludwig Pineda, Francisco Aguana, Orlandys Suarez, Dayana Cadenas Varinia Arráiz, Kala Fuenmayor, Maria Tellis, Trino Rojas, Kelvin Zapata, Larry Castellanos, Sandra Moncada, Ana González, Yaimira Martínez, Keudy López, Julio Enrique García y Marcela Lunar.

Guinand fue uno de los exponentes de las costumbres y características de la Venezuela de la primera mitad del siglo XX, dando así fuerza al costumbrismo criollo. Vimos los tres montajes de El rompimiento de 2017.Abrimos fuegos, por así decirlo, con el encomendado al director y actor Luis Domingo González quien nos había advertido que el sainete bien escrito tiene una estructura teatral universal y mantiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes, como lo había detectado especialmente con El rompimiento. Su montaje resultó ser “tradicional” y su elenco cuidó mucho a sus personajes porque debían adecuarse al lenguaje y maneras sociales de la época. Se mostró al público, primero, en el teatro Emma Soler, de Los Teques, y después hizo sus presentaciones en el teatro Nacional, sede artística de la institución productora. “No acostumbro explicar lo que hago en el teatro y dejo al público que lo disfrute”, nos dijo previamente.

Y tiene razón González, pues su trabajo con la pieza de Guinand fue transparente y respetuoso de la esencia del texto, buscando un montaje tradicional, sin mayores alteraciones y cuidando el purismo de los personajes y sus actores, sin caer en exageraciones.

Creo que esta versión de González es la más depurada, la que más exigió a sus intérpretes. Citlaly Godoy, Andy Perez y Nitay de la Cruz son un trío fundamental del espectáculo por sus virtuosismos histriónicos y su capacidades para improvisar, como los vimos en la capital mirandina, en un pre estreno, cuando se rompió el zapato derecho de Esparragosa y fue cubierto el incidente en medio de una habilidad de las manos de sus compañeros y las inteligentes morcillas aplicadas.

LA FOTO DE OTT

En los tiempos convulsos que vivimos, el teatro todavía es una íntima y grata lección de esperanza y coraje, de trabajo en equipo, de empeño colectivo. El teatro es un inobjetable modelo de conducta que debería ser copiado por nuestros políticos y comerciantes, porque es una disciplina donde hombres y mujeres hablando a hombres y mujeres, respirando y latiendo juntos en la oscuridad, y anhelando salir de las salas de representación para continuar ese viaje con final que es la vida misma, tras emerger con satisfacción de ese oasis en que se convierte la escena; porque nadie puede negar que “el teatro une, ilumina, calienta y salva”.

Y como prueba de ello está la grata sorpresa que recibimos con La foto, auténtica creación artística del Grupo Actoral 80, el cual bajo, la dirección y con la actuación protagónica de Héctor Manrique quien se atrevió a mostrar el tema del uso de las redes sociales, a raíz del manejo indelicado de una fotografía de un mujer semidesnuda, gracias a un inteligente y atrevido mecanismo dramatúrgico de Gustavo Ott (Caracas, 1963) para proponer una reflexión profunda sobre los precipicios afectivos de la mediana edad de hombres y mujeres y además logra enfrentar a dos generaciones dentro de los nada fácil de controlar que son los fenómenos virales y el efecto devastador de aquellos escándalos prefabricados y exaltados gracias a las redes sociales, cuando estas son usadas con impericia y envenenadas con esa “salsa maldita” de una nefasta incultura machista o sexista.

Toda una temática compleja y una inteligente y bien cuidada representación por parte del GA-80 que permitió el valioso y estético espectáculo, además de didáctico, y relativamente corto, que no es más que un viaje íntimo sobre los precipicios afectivos de la mediana edad colocando en juicio la dinámica de dos generaciones enfrentadas dentro del fenómeno viral, y el efecto devastador de los escándalos prefabricados. Una temática de actualidad y una peculiar representación poco frecuente en los escenarios, que termina siendo un orgullo para la institución Trasnocho Cultural y para las sufridas y comprometidas artes escénicas criollas.

El exótico edificio naranja de Chacao

Diversas obras de teatro, conciertos, seminarios, conferencias, y exposiciones, de corte nacional e internacional, marcaron un exitoso 2017 en el CCCH-Centro Cultural Chacao. Bajo el brazo ejecutor de la Alcaldía de Chacao, en alianza con Embajadas, instituciones culturales, productores y la empresa privada, se hicieron posibles interesantes encuentros que llenaron de arte y reflexión al espectador, consolidando al CCCH como el centro cultural por excelencia de toda Caracas.

La Caja, espacio de investigación visual, se engalanó con la exposición binacional Italia-Venezuela, titulada Disio, bajo la curaduría del italiano Antonello Tolve. La muestra propuso en un cuadro de inciertos equilibrios económicos, políticos y sociales, la magia del despertar, el entusiasmo de retomar la tradición y la fraternidad, y el deseo de un compromiso común. La galería le abrió también las puertas a las exposiciones Áspero de Starsky Brines, Enay Ferrer, Paul Parrella y José Vivenes; Entre Caracas y La Guaira de Jonathan Carvallo Salas; y Manual de jardinería de Teresa Gabaldón, entre otras. Todas abiertas de manera gratuita al público.

La Experimental, por su parte, se convirtió en una vitrina de entrada libre para dar a conocer el Arte de hacer ciudad de la mano de la plataforma creativa Taller de Bicicletas. Asimismo, proyectó el XIII Festival de Cine Italiano 2017, el Festival de Cine Alemán, ciclos de cine argentino, español, coreano y de los países bajos, apto para todo público. De igual manera, fue el epicentro del ciclo de charlas de Filosofía en la ciudad protagonizadas por el Doctor Wolfgang Gil, Alfredo Vallota, Sandra Pinardi y Érik del Búfalo, entre otros. En sus espacios también se presentó el ciclo de conciertos de Bancaribe pone la música, con las voces y melodías de Atapaima, el CVA Big Band y Juan Pablo Barrios Latin Jazz, entre otros.

El ciclo Teatro En Resistencia, a mediados de año presentó en el teatro a la exitosa obra Fresa y Chocolate, que no sólo le llevó un mensaje de afecto, tolerancia y respeto al público, sino que también permitió comparar el escenario político y social de Cuba, con el vivido en otros países.

La reconocida revista musical A todo volumen se sumó igualmente a esta iniciativa, con el propósito de reafirmar la idiosincrasia del venezolano. Otra de las producciones teatrales de este ciclo, fue Rojo, la cual retrató la convivencia entre el pintor expresionista Mark Rothko y su joven discípulo, Ken, durante un lapso de dos años. Las tres piezas ofrecieron funciones gratuitas.

El Teatro del CCCH también fue escenario de la exitosa conferencia gratuita Comunicaciones para tiempos sin Internet. Manual de supervivencia, protagonizada por un panel de lujo, constituido por los reconocidos periodistas Luis Carlos Díaz, Víctor Amaya y Arnaldo Espinoza. En sus instalaciones se realizó el estreno nacional del cortometraje Lo que el mar se llevó, en memoria de la actriz venezolana Mónica Spear y el resto de los venezolanos que han sucumbido en manos de la delincuencia. Sumado a esto, se presentó un documental por los 10 años del cierre de RCTV, entre otros.

Las escenas de las famosas óperas Cosí Fan Tutte de W.A Mozart, Lucia de Lammermoor de Gaetano Donizetti y Rigoletto de Giuseppe Verdi, también se sumaron a la programación del teatro, con una función de Humor, amor y venganza en la ópera.

En apoyo al talento emergente, La Viga albergó piezas teatrales interesantes tales como Cuando tengamos que irnos bajo el lema “Apostar por la esperanza”, Comegato de Gustavo Ott y Cría de Canguros de Karin Valecillos. De igual manera, fue el escenario para la exitosa conferencia Periodismo en zonas de conflicto en el siglo XXI. Presente y futuro de los corresponsales de guerra, dictada por el periodista español Ángel Sastre. Este corresponsal de guerra obtuvo en 2010 el Premio Larra a la mejor trayectoria profesional para reporteros jóvenes de la Asociación de la Prensa, y más recientemente la distinción de la Cátedra UNESCO, los premios HOY de Extremadura, el NHIPO a la trayectoria periodística y el Francisco Valdés.

Otro de los eventos que se apoderó del CCCH en 2017, fue el 15° Banff Mountain Film Festival, que reunió una impresionante colección cinematográfica que invitó al espectador a adentrarse en sublimes paisajes constituidos por esbeltas montañas, extravagantes cordilleras, paradisíacas playas y demás escenarios donde el turismo de aventura fue el protagonista.

Sumado a este evento, figuró la sexta edición del Seminario Fundación Cisneros, Muestra, cuenta, que examinó la gestión cultural, personalidades y exhibiciones, realizadas en América Latina, además de la presentación de propuestas culturales para Venezuela.

El espectáculo británico de hip hop, Live Vibe, ofreció una oportunidad única a jóvenes artistas del mundo de la danza y música, para presentar su trabajo en un ambiente profesional en las etapas más tempranas de sus carreras. Y si de artistas musicales de talla internacional se trata, en este 2017 se presentaron en el CCCH, el estadounidense Oscar Williams and The Band of Life y la trompetista neerlandesa Maite Hontelé, quienes pusieron a bailar al público con sus propuestas.

La gestión del CCCH se hizo posible a las alianzas con organizaciones públicas y privadas, entre otras, el Caracas Press Club y el Instituto de Investigaciones de la Comunicación, Ininco-UCV, que trajo una propuesta educativa interesante mediante diversos foros.

En noviembre el Teatro del CCCH arribó a sus seis años, ocasión que coincidió con el Festival Venezuela Cantat, en el marco de los 50 años de la Schola Cantorum de Venezuela y los 80 años de vida de su fundador el maestro Alberto Grau.

En 2018 el CCCH continuará abriendo sus puertas a propuestas artísticas en todas las disciplinas, para todo tipo de público, y con los mayores estándares de calidad posibles, porque cree en la construcción de ciudadanía y de país, a través del arte y la reflexión

Dramaturgo venezolano Rodolfo Santana Salas (1944/2012)

Su capacidad de trabajo, aunada a su talento para la actuación, la dramaturgia y la dirección, lo hacen víctima de “las verdes envidias”, desde hace casi 40 años cuando se instaló en Venezuela. Precisamente ahora su texto cómico Todos o ninguno o AFull Pompis es presentado con éxito de público y de crítica en Miami. Y por si fuera poco ya tiene lista la versión de la comedia dramática Baño de damas, original de Rodolfo Santana , con la cual la Compañía Nacional de Teatro abre la temporada 2018 en abril, en el teatro Nacional, sede artística de esa institución del Estado venezolano, creada en el año 1983 por el gobierno del presidente Jaime Lusinchi y encargada al dramaturgo Isaac Chocrón (Maracay,1930/Caracas,2011) inicialmente.

Nos referimos, pues, a Aníbal Grunn, quien, desde Guanare, donde trabaja para Unearte y la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, confiesa su felicidad por el éxito de público y de crítica de su texto Todos o ninguno en manos, cuerpos y cerebros de un grupo de teatreros latinoamericanos en Miami.

Todos o ninguno fue escrita hacia el 2002 pero es durante la temporada del 2004 que se muestra en la Casa del Artista y ahora está en la cosmopolita ciudad de Florida donde la dirige Eduardo Pardo, producida por Pedro Pablo Porras, con un elenco donde hay un colombiano, un chileno, un boricua, un cubano, un mexicano y un venezolano. Pagan derechos de autorrigurosamente, cada semana, y de eso no se puede quejar Grunn, quien asumió el compromiso de versionar y dirigir Baño de damas y en lo cual está trabajando con mucho ahínco después de haber participado en las audiciones para el elenco 2018 de la CNT.

SANTANA EN SEGUNDA ETAPA

¿Por qué las mujeres pasan mucho tiempo en el baño? Baño de damas tiene la respuesta. Es una de las obras más famosas de Rodolfo Santana que se originó en Caracas y la cual transcurre en el baño de mujeres de un bar o discoteca. La trama se inspiró en la grabación de audio de un incidente real, donde los temas de la conversación de las mujeres fueron sus condiciones médicas, sus trabajos, las hijas de las mujeres, las políticas, y sus esposos. También, en ese baño hay un hombre transvestido que imita a una celebridad muy famosa porque la imitación es una parte de su espectáculo.

Grunn ha logrado una pulcra versión del texto original de Santana, que el prestigioso director Ibrahim Guerra estrenó en la sala Anna Julia Rojas, para entonces Ateneo de Caracas, el 6 de noviembre de 1987, con un elenco donde participaron Mirtha Borges, Haydée Balza, Irene Arcila, Carlota Sosa, Virginia Urdaneta, Francis Romero y otros destacados comediantes. La producción fue del grupo Cobre, del mismo Santana.

El director y versionista Grunn no suelta prenda sobre el tratamiento que le ha dado al texto de Santana, porque la ira puliendo a medida que avancen los ensayos, a partir del próximo lunes 8 de enero. Es muy respetuoso de las líneas de tan importante escritor, pero debe resolver algunos “detalles provocados por la temporalidad”, precisamente porque la pieza se escribió en los años 80. Pero es el texto tal cual, asegura.

Con respecto al elenco de este Baño de damas del 2018, Grunn reconoce que tiene excelentes actrices, como Maria Brito, pero ahora vienen las lecturas y las revisiones en mesa. Y hace hincapié en que la esencia del espectáculo parte de la pregunta: ¿cuántas mujeres han pedido a su amiga que la acompañe al baño en una fiesta o en cualquier lugar público?

COMEDIA DESOPILANTE

¿Cuál es el misterio que encierra esta costumbre? Si los caraqueños desean saber la respuesta, sin dejar de reírse, podrá encontrarla en este nuevo montaje Baño de damas,comedia original que se ha presentado en muchas ciudades americanas y llevada al cine por el peruano Michel Katz, hacia el año 2003, donde se plasman los incidentes que ocurren en la pista de baile y en el baño de damas de una discoteca tropical de moda cambiarán la vida de un diputado machista, una esposa ingenua y sojuzgada, una pareja de lesbianas no muy fieles, donde además hay un travestí que sueña con cambiar de sexo y una profesora de colegio atildada que pierde los papeles por las bebidas alcohólicas.

El argumento se desarrolla en el baño de una discoteca, ese espacio íntimo y enigmático que resulta tan atractivo para aquellas mujeres que desean compartir sus experiencias, expresan sus alegrías, tristezas, anhelos, frustraciones y hasta se aventuran a intercambiar sus parejas. Entre las subtramas sobresale la historia de Carmen Antonia, la encargada de limpieza del susodicho baño, quien mientras ejerce su labor recibe una noticia que le cambiará la vida. Otra se centra en Aurora, una damisela abandonada que ahoga sus penas en el alcohol ante la disyuntiva de si debe tener o no al hijo que espera.

COCAÍNA Y MADONNA

En este baño pueden ocurrir las situaciones más insólitas, como la performance de La Gaviota, un mesonero capaz de imitar a Madonna con inodoros como telón de fondo, pero también está una actriz de telenovelas que, para decepción de sus fanáticas, habla horrores de los personajes que las han hecho soñar. En un momento de la rocambolesca trama, una de las parroquianas sorprenderá a su hija consumiendo cocaína con sus amigas.

“Baño de damas profundiza en muchísimos aspectos de la conducta femenina, sin abandonar el tono de comedia. A través de situaciones cotidianas, descubriremos cómo las mujeres se sienten liberadas y protegidas en este sitio tan especial”, señaló la directora venezolana Adela Romero que le montó en Miami.

HOMENAJE

El dramaturgo venezolano Rodolfo Santana fue Premio Nacional de Teatro 1970. Su obra incluye no menos de una docena de guiones de cine y 100 textos para la escena. Entre los títulos más conocidos sobresalen Barbarroja, El sitio, Tarántula y La empresa perdona un momento de locura, llevada al cine por Mauricio Wallerstein.

Este montaje de Baño de damas es un homenaje al autor caraqueño, muerto el 21 de octubre de 2012 en Guarenas, tras haber nacido el 25 de octubre de 1944.Y por una paradoja del destino, para llamarlo de alguna manera, será la segunda pieza de este dramaturgo que monta la CNT. La primera fue durante en la temporada de 1991 y se trató de Encuentro en el parque peligroso, con Orlando Urdaneta y Elba Escobar. Se mostró en el teatro Las Palmas, dirigida por Ricardo Lombardi y con escenografía de Max Pedemonte. Y la segunda es en este intento, precisamente, Baño de damas, que el 27 de noviembre de 2002 se estrenó en la sala Anna Julia Rojas, bajo la dirección de Gerardo Blanco, y con la participación de Caridad Canelón, pero solamente se hicieron cinco funciones porque se suspendió la temporada como consecuencia de un delicado accidente de la protagonista. Era una coproducción de la CNT y el grupo Cobre del mismo Santana. Para ese entonces la institución del Estado la dirigía Hector Manrique.

José León en su histórica caracterización de Carlos Marx

El bicentenario de Carlos Marx no podía “pasar por debajo de la mesa en Caracas” y por eso que la Compañía Nacional de Teatro y el grupo Los Monigotes presentarán la coproducción Marx en Caracas, durante el próximo 5 de mayo, fecha del natalicio del legendario filósofo alemán, en la sala de Conciertos de la Universidad Nacional Experimental de Artes (UNEARTE).

El director Oscar Acosta y el actor José León exhibirán así el unipersonal Marx en Caracas, adaptación de la pieza Marx in Soho (1999), respetuosa traducción de José Sastre (2002) sobre el original de Howard Zinn, historiador y dramaturgo izquierdista (Nueva York, 1922-2010).

A partir de una situación imposible, pero que se materializa por la magia del teatro, se logra “el retorno” de Carlos Marx (Tréveris, 1818-Londres, 1888) para cuestionar la presunta muerte del pensamiento marxista en el campo teórico-práctico del neoliberalismo contemporáneo y subrayar que todo su bagaje filosófico está vivo y disponible ante una revolución futura.

Inicialmente Zinn escribió una deliciosa y culta pieza de teatro político, donde su Marx retorna a la Tierra y lo ubica en el Soho de Nueva York, pero que en la versión venezolana ahora es en un escenario caraqueño, y frente a unos espectadores exclamara :"¡Gracias a Dios, un auditorio! Me alegro de que hayáis venido. No habéis hecho caso de esos idiotas que han dicho: ¡Marx está muerto! Bueno, lo estoy... y no lo estoy".

Su personaje se plasma como pocos lo conocieron, subrayando los principales acontecimientos de su vida y de la saga de su época: su matrimonio con Jenny, su exilio a Londres, la muerte de sus tres hijos y los conflictos políticos de aquellos momentos: la lucha de los irlandeses contra Inglaterra, las revoluciones europeas de 1848 y la Comuna de París; además de su estrecha amistad con el millonario Federico Engels y sus polémicas con el anarquista ruso Mijaíl Bakunin.

Zinn esperaba que los espectadores redescubrieran a Marx, precisamente ahora que el neoliberalismo ha fracasado para proyectar y consolidar una sociedad que le permita a la humanidad ser y vivir mejor, tener una verdadera libertad y auténticas realizaciones individuales. Y al mismo tiempo reivindica al humanismo marxista, mal utilizado por algunos revolucionarios y cuestiona los desatinos cometidos en su nombre.

El director Acosta versionó al original y logró que el excelente actor León materializara a un combativo ideólogo, humano, contradictorio, humorista, carente de dogmatismos e interesado, incluso, en conocer al socialismo del siglo XXI, para la cual expropia un clavel rojo y se la coloca en el ojal de su paltó.

Es acertado que se muestre Marx en Caracas, especialmente para que las nuevas generaciones ponderen a ese maravilloso judío alemán que cambió la historia del pensamiento universal, entre otras cosas.

Este espectáculo se estrenó durante la temporada 2013 en el Festival de Teatro Internacional de la Colonia Tovar, que coordina José Gregorio Magdaleno a finales del mes de diciembre de 2013 y fue mostrado también en el Festival de Teatro de Occidente, que comanda Carlos Arroyo, nuevo director de la Compañía Nacional de Teatro.

José Tomás Angola encarna a Ernest Hemingway.

El bardo inglés John Donne (1572-1631) enseña con su poema Por quién doblan las campanas que “ningún hombre es una isla entera por sí mismo porque cada hombre es una pieza del continente, una parte del todo. Si el mar se lleva una porción de tierra, toda Europa queda disminuida, como si fuera un promontorio, o la casa de uno de tus amigos, o la tuya propia”.

Y ahora, gracias a la magia del teatro, desde el próximo 27 de enero, el dramaturgo caraqueño José Tomás Angola Heredia (1967) y el legendario escritor estadounidense Ernest Miller Hemingway (Oak Park, 1899/ Ketchum, 1961) lo demuestran suficientemente con el espectáculo Ningún hombre es una isla,que hará temporada en la Sala Alexander Humboldt.

HEMINGWAY

Angola Heredia evoca y materializa a Hemingway porque su figura siempre le cautivó por su vida tan intensa, desafiante y titánica. “Construyó en sí mismo, su mejor personaje. Pero si nos adentramos en sus libros sorprendería la sensibilidad y la delicadeza de su prosa y sus personajes. La cuentística de Hemingway es de lo mejor del siglo XX. Algo entonces parece no cuadrar. ¿Quién era en verdad este hombre más grande que la vida que cazaba leones y pescaba grandes agujas, asistía como corresponsal de prensa a todos los frentes de batalla de su tiempo, boxeaba con quien fuera y bebía centenares de botellas de whisky?, ¿el que reflejaban los periódicos de entonces o el que subyace en sus obras?”

Puntualiza que cada protagonista de Hemingway es una creación que intenta ser su alter ego. “Él mismo se idealizaba y se volvía Frederick Henry, el soldado iluso de Adiós a las armas, o Jake Barnes, el periodista impotente por una herida de guerra, de Fiesta, o Harry Morgan, el cínico pescador y contrabandista con mala suerte, de Tener y no tener. Y por supuesto Robert Jordan, quizá su alter ego más genuino, el profesor norteamericano que se involucra en la guerra civil española, de Por quién doblan las campanas”.

FRAGIL, DEBIL Y SENSIBLE

Angola Heredia escribió, dirigió y protagonizó Ningún hombre es una isla porque esos conflictos existenciales son profundamente atractivos para cualquier argumento teatral. “Hemingway luchó toda su vida para demostrar que era un tipo duro, viril, cínico, cuando en realidad se sentía frágil, débil y sensible. Ese ruido, esa incongruencia emocional, junto con los impulsos autodestructivos debieron ser muy tormentosos. Él es una metáfora maravillosa sobre la ficción literaria. Una oportunidad estupenda para explorar temas que me interesan mucho: la creación como acto de lucha contra el determinismo de la vida, la muerte como final angustiante e inevitable, el amor como único aliento existencial”.

Advierte Angola Heredia que mucha gente en Venezuela ha oído hablar de Hemingway, pero muy pocos han leído sus obras. “Creo que lo más genuino y poderoso de él, no es su existencia cuasi mítica, sino el legado literario que nos dejó. En sus cuentos, pequeñas joyas, está contenida la tragedia del mundo. Son diminutos fragmentos donde brillan el dolor, la compasión, la solidaridad, el amor, la alegría, la piedad, la culpa, la soledad. Instantes que copan la realidad de todos los seres humanos. Poca gente sabe, por ejemplo, que Hemingway en vida estuvo muy pendiente de las corridas de toros aquí en Venezuela. Era algo que le apasionaba. Escribió sobre las faenas en el Nuevo Circo, en Valencia y Maracaibo. Sabía cuándo empezaba la temporada y llevaba una bitácora de esos meses. No sé si valga de algo esa anécdota, pero me parece simbólico que él haya estado atento de nosotros en ese trance de muerte que es el toreo, y nosotros ahora, en otro trance de muerte histórico como el que padecemos, estemos atentos de él, por eso Hemingway es ahora nuestro contemporáneo”.

FILOSOFÍA VITAL

¿Qué enseñanza nos deja este Hemingway teatral? “Para el momento tan tenebroso que vivimos, donde lo único que parece tenernos en pie es la esperanza de salir de esta pesadilla, Hemingway elabora en todas sus obras una serie de ideas que bien podrían ser aplicadas para nuestro tiempo y realidad y que trato de rescatar para la pieza. Él mismo las resumió: El mundo es un hermoso lugar, vale la pena defenderlo y detesto dejarlo, el hombre no está hecho para la derrota; un hombre puede ser destruido pero no derrotado, jamás piensen que una guerra, por necesaria o justificada que parezca, deja de ser un crimen, y el hombre que ha empezado a vivir seriamente por dentro, empieza a vivir más sencillamente por fuera”.

Ningún hombre es una isla no es un espectáculo teatral más, dentro de lo tradicional, porque gracias al mapping audiovisual es toda una novedad en la escena venezolana, ya que Angola Heredia tiene varios años y montajes trabajando con tecnologías asociadas al video, no como una simple proyección, que se usa mucho, sino como elemento discursivo propio. Usarlo como parte del lenguaje teatral, como se hace con la escenografía o el vestuario, no como adorno o efecto. El mappingle ha permitido explorar ese camino. Poco los están haciendo en Venezuela porque es costoso, requiere de equipos y personal que conozca el medio, pero además porque exige una nueva lectura del director sobre el texto teatral. El puestista debe romper con las clásicas unidades aristotélicas de acción, tiempo y unidad, pues gracias al mapping, la escenografía virtual y la estereoscopía permiten poner en escena todo lo que la imaginación sueñe. A ojos de esta posibilidad la lectura del texto teatral ya no puede ser plana y consecutiva, debe ser dimensional y poética. Entonces lo que hoy todo el mundo usa como artificio, se vuelve discurso. En el mundo de la ópera internacional y la danza es donde más se está trabajando con estas tecnologías, porque es más fácil trabajar la música y la imagen. Con el teatro de texto es mucho más complejo porque prácticamente implica reescribir plásticamente las piezas. “Pero ese es el camino si se quiere proponer nuevas e innovadores visiones sobre el escenario. De todas maneras, algo siempre será sagrado e inamovible. El teatro es un acto artístico en donde lo único que se necesita realmente es un actor, un texto, y un espectador. Todo lo demás sobra”, reitera.

Angola Heredia, profundamente venezolano, no se marcha, sigue aquí con su espacio de lucha, su motivo para permanecer escribiendo, haciendo teatro y buscando la reflexión de todos, la emoción de todos, alimentando el impulso por seguir siendo parte de este enorme sentimiento que llamamos nación y ahora más con este singular mapping de Hemingway que toma la figura del escritor durante sus últimos años, en su finca en Cuba, para adentrarnos en un tema que ha sido constante en su escritura: el valor ante la vida y el valor ante la muerte.

Otro intelectual venezolano lucha por consagrarse desde allende los mares y en este caso es Edgar Borges, quien presenta en Madrid su nueva novela La niña del salto, la cual es la historia de una mujer que quiere dar un salto hacia un lugar donde ha dejado sus sueños. “Pero también es la historia de una niña, la hija de esa mujer, que en lugar de caminar salta", ha reiterado el escritor en correspondencia enviada por internet, como se acostumbra ahora.

La niña del salto (Ediciones Carena, 2018) es la ficción más ambiciosa que, hasta el momento, ha creado Borges. Desde un inicio la novela sacude al lector por sus historias hiladas con frases poderosas. “A veces Antonia pasaba horas sentada en el váter; lo hacía para restarle tiempo a la convivencia con su marido” o “Ella hace tiempo para no llegar a casa”, son algunas de las frases que tienen que ver con la vida de Antonia, el personaje inolvidable que se debate entre sus fantasías y la rutina de un pueblo condenado al fastidio.

Un pueblo gris y antiguo; un bosque; una niña que salta en lugar de andar; una mujer con sueños rotos que es presa de sus propias rutinas; un marido saturado de ira que año tras año organiza un torneo de póker para sentir y dejar sentir su poder sobre los demás; tres simuladores de oficio que se enfundan en la piel de tres promotores de poesía, pero también de escritores. ¿Virginia Woolf?, ¿Boris Vian?, ¿Susan Sontag?, ¿Georges Perec?, ¿Ana María Matute?, ¿Diane di Prima?, ¿César Aira?. Dos fechas trágicas, un romance inusual y abundante misterio, son algunos de los elementos que el novelista propone y a la vez mueve hábilmente, como fichas de ajedrez, para componer una novela extraña, sugerente, cargada de tensiones y posibilidades.

La historia que nos cuenta La niña del salto es una especie de poema épico que se desarrolla en la villa asturiana de Santa Eulalia de Cabranes —o Santolaya, como oficialmente se la conoce en asturiano—, ¿pero realmente es allí donde acontecen los hechos o se trata quizá de un lugar distinto aunque parecido en un universo paralelo? ¿O acaso lo narrado no es más que la ebullición de uno de los tantos universos que pueden coexistir en la cabeza de un ser humano? Todo es posible en la nueva novela de este autor (con un singular y muy atractivo imaginario) que estamos seguros no decepcionará a sus lectores habituales ni, desde luego, a aquellos que se atrevan a adentrarse por vez primera en su universo literario.

La niña del salto es la tercera novela que Borges publica con el sello catalán Ediciones Carena. En 2014 logró varias ediciones con La ciclista de las solucionesimaginarias, que le mereció numerosas críticas y ampliación de los lectores. Luego, en 2016, repitió un éxito semejante con El olvido de Bruno, un drama que tiene el alzheimer como alegoría de la aniquilación del individuo. Ambas obras fueron publicadas en diversos países. Antes, en 2013 y 2015, el escritor penetró Italia con la traducción de sus novelasLa contemplación y El hombre no mediático que leía a Peter Handke, respectivamente.

La imagen de la cubierta de La niña del saltoes la actriz Mamen Camacho (célebre por sus participaciones en Anna Karenina y Casa de muñecas) captada por el lente del fotógrafo Roberto Carril Bustamante y bajo el diseño de Rocío Morilla.

En Madrid La niña del saltose presentará en la librería Rafael Alberti el miércoles 7 de febrero, a las 19:00 horas. Borges participará en una lectura con la actriz andaluza Mamen Camacho en un juego literario entre autor y personaje, para después sostener un diálogo con el escritor madrileño Juan Laborda Barceló. Dirección: Calle Tutor, 57.

Biografía

Ha obtenido diversos premios y reconocimientos internacionales. Es autor de novelas y libros de apuntes como ¿Quién mató a mi madre?, La contemplación, Crónicas de bar, El hombre no mediático que leía a Peter Handke, La ciclista de las soluciones imaginarias y El olvido de Bruno. Parte de su obra ha sido traducida al italiano, inglés, francés y portugués. Escritores como Enrique Vila-Matas y Peter Handke se cuentan entre los lectores que siguen su ficción con interés.

Agenda de presentaciones.

*Valladolid. Casa del Libro, jueves 25 de enero a las 19:30 horas. El autor conversará con el periodista y escritor Juan Martín Salamanca.

*Madrid. Librería Rafael Alberti, miércoles 7 de febrero a las 19:00 horas. Lectura dramatizada de la actriz Mamen Camacho y diálogo del autor con el escritor Juan Laborda Barceló.

*Madrid. Café librería El dinosaurio todavía estaba allí, jueves 22 de febrero a las 19:30 horas. La niña del salto ensamble. Literatura, teatro y música. El autor participará en una lectura dramatizada junto a las actrices Mamen Camacho y Silvia Campos y la música de Víctor Geyser y Ruth GM, bajo la puesta en escena de Víctor Vegas. Entrada libre hasta completar aforo.

*Gijón. Casa del Libro, viernes 9 de marzo a las 19:30 horas. El autor conversará con el escritor Diego Medrano.

*A Coruña. FNAC, viernes 23 de marzo a las 19:30 horas. El autor contará las claves de su novela con la bloguera Tensy Gesteira.

Carlos Arroyo llega a la institución fundada por Isaac Chocrón hace 34 años.

Las nuevas riendas de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), institución adscrita al Ministerio del Poder Popular de la Cultura, las asumió el reconocido director Carlos Arroyo, desde el pasado miércoles 10 de enero de este año 2018 con el objetivo de continuar consolidando, unificando y fortaleciendo la labor de los hombres y mujeres de las artes escénicas en el país.

Arroyo, quien tiene 35 años dedicado al mundo de las tablas, expresó que los grandes retos a enfrentar en su gestión serán “la visión ideológica y creativa de la teatralidad venezolana”; expandir el abanico de oportunidades para los artistas con la conformación de repertorios y producciones, además de “unificar a estos hombre y mujeres a través de núcleos de elencos estables en cada una de las regiones de Venezuela”.

El oriundo del estado Portuguesa, agregó además que en esta nueva etapa de la institución apostará al fortalecimiento de la dramaturgia, actuación, producción e investigación desde la “dimensión conceptual del teatro local, donde podamos vernos reflejados”; la generación de nuevos espacios para abarcar un mayor número de artistas, dramaturgos, productores y técnicos para fomentar la “felicidad a partir del teatro”; la activación de un “plan piloto” de repertorios fijos en los estados Miranda, Sucre y Portuguesa, que luego se extenderá por el territorio nacional, todo ello bajo el lema: “El Teatro Piensa”.

“A partir del pensamiento, el fortalecimiento y la unificación del teatro en el país queremos que las artes escénicas sean masivas y que estos proyectos de la compañía se impulsen desde el Plan Reverón 2018 como desarrollo de los procesos de identidad nacional”, enfatizó Arroyo.

Asimismo, el director de la reconocida obra Peludas en el Cielo, original de Gustavo Ott,recordó que seguirá trabajando bajo las líneas de la institución en la búsqueda de seguir consolidando los estímulos creativos a través de las premiaciones, estrenos y coproducciones, repertorio, investigaciones, formación y capacitación, el Circuito Nacional de Teatro y los Convenios de Cooperación cultural.

Más de tres décadas en el teatro

El reconocido director de teatro, Carlos Arroyo, quien nació en la población Paraíso de Chabasquén en el estado Portuguesa en el año 1964, tiene 35 años de carrera dedicados al teatro nacional, se formó en la escuela de teatro Porfirio Rodríguez, en Caracas, y tiene un doctorado otorgado por la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte) como “Maestro Honorario”, fue el creador de uno de los encuentros culturales más importantes del país, el Festival de Teatro de Occidente (FTO).

Arroyo tiene en su haber más de 70 montajes, entre las que destacan: La Colección del Peregrino, Peludas en el Cielo, Robinson en la casa de Asterión , entre otras importantes piezas que han traspasado nuestras fronteras y se han escenificado en países como Italia, Grecia, España, Chipre, México, República Dominicana, Cuba, Colombia, Argentina, Perú, Ecuador, entre otras latitudes.

Caldera deja un legado

El presidente saliente Alfredo Caldera, dejó en su paso por la institución un legado de grandes logros que enaltecieron, consolidaron y visibilizaron las artes escénicas en el país entre los que destacan: la activación de la Red Nacional de Teatro en función de fortalecer el trabajo del Estado con el Poder Popular, en ese sentido la organización del 2° Congreso de Teatro y Circo, la reactivación del Circuito Nacional de Teatro, el apoyo a los festivales nacionales e internacionales, así como también a la Red Nacional de Titiriteros, capítulo Unima Venezuela, y la Red Nacional de Arte Circense.

Asimismo, durante la gestión que realizó Caldera por más de cinco años al frente del CNT se logró que la acción del teatro trascendiera a nivel nacional producto de las articulaciones y convenios con gobernaciones, entes adscritos, alcaldías e instituciones culturales.

Por último, el también sociólogo se destacó como promotor y creador de dos de los principales galardones del teatro venezolano: Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana y Concurso de Ensayos sobre Teatro, siendo uno de sus éxitos más resaltantes la nueva conformación del elenco estable y su gran estreno con la obra del maestro Román Chalbaud, El pez que fuma, con más de 12 mil espectadores en el Teatro Teresa Carreño en 2017,dirigida por Ibrahim Guerra.

Edgar Borges,escritor venezolano con obra propia.

Salió hace largos diez años de Caracas y es instaló en España para vivir y escribir una original literatura de ficción, tras una serie de sacrificios existenciales. Ahora en ocasión del lanzamiento de su más reciente novela, La niña del salto, revela algunos detalles de su oficio, el cual le ha sido exitoso.

¿Satisfecho por lo hecho?

Escribir para mí es una necesidad, es como leer, lo hago porque lo necesito y lo disfruto. ¿Cómo no estar satisfecho si lo puedo hacer? La literatura es la mejor forma que he encontrado para liberarme de la burocracia.

¿Cree que valió la pena tanto sacrificio?

Literariamente no he tenido que hacer ningún sacrificio. Esto ha sido un gusto que ha ido fluyendo. Como escritor no participo en los canales comerciales de la industria, no me interesa. Con esto no crítico a quien lo hace, cada quien intenta seguir el camino que considera necesario para exponer su trabajo. Me interesa es la obra y la comunicación que, a través de sus lecturas, pueda establecer con los lectores. Por ello público con editoriales pequeñas o medianas, es un asunto de elección, de actitud ante el fondo de la literatura. La literatura la percibo como un zambullirse en el agua, retener el aire y después salir con un aire diferente ante la vida.

¿Ya tiene algunas metas alcanzadas?

No camino hacia los modelos de éxito que se nos venden como únicos, como la cúspide absoluta, esa no es la vida, eso no es literatura. No me interesan esos modelos. Camino hacia crear mi sentido de la ficción. Imagino que ahí hay metas, pero seguramente son imperceptibles. Quizá las veré más adelante, cuando eche la vista atrás.

¿Se sientes escritor de cuál orilla?

Me siento escritor de la orilla de la ficción.

¿Qué es lo más importante de lo alcanzado?

Recibir de una persona su lectura de alguno de mis libros completamente distinta a la que en su momento yo concebí.

¿Y ahora que viene?

En este momento en España sale mi nueva novela, La niña del salto. Ahora viene la promoción y las presentaciones, en marzo la novela saldrá en Estados Unidos, primero en español y en septiembre en inglés. Esta es una novela que, de algún modo, he vomitado. La llevaba como un volcán que necesitaba salir. Cuenta la historia de una mujer que vive atrapada entre su tristeza actual y sus fantasías del pasado, cuando soñó con ser ella. Pero también es la historia de una niña, la hija de esta mujer, que en lugar de caminar salta. Igual es la historia de un marido, la pareja de la mujer y el padre de la niña, que con su amargura domina la realidad de un pueblo. Un pueblo sumido en el aburrimiento del destino, o de la política. Al mismo tiempo es la historia de un grupo de extranjeros que llegan a ese pueblo para promocionar la poesía. Es la historia de muchas cosas, sin embargo, pienso que esta novela es la historia de la muerte de la infancia. Luego vendrán muchos pasos. En estos momentos dos de mis obras se están traduciendo. El hombre no mediático que leía a Peter Handke al serbio y El olvido de Bruno al portugués. También tengo en mente una novela distópica, me interesa ese espacio de la ficción. La literatura distópica es el mejor espejo que la ficción le puede mostrar al presente. Un espejo que muestra realidades incómodas y eso me interesa, intentar golpear desde un futuro supuesto.

¿En Venezuela ya lo editaron?

En Venezuela, Ígneo Editorial publicó Apuntes con Rubén Blades y La ciclista de las soluciones imaginarias; más recientemente, en 2017, Lector Cómplice acaba de lanzar El olvido de Bruno.

Biografía

Edgar Borges nació en Caracas, Venezuela, e| 24 de abril de 1966; desde el año 2007 reside en España. En su obra, la ficción es una fuerza inherente al ser humano que derrumba y construye realidades. Ante las circunstancias, los personajes tienen que decidir si son fichas de un destino o hacedores de una nueva trama. La literatura como confrontación y salida, “la palabra sin estorbos ni malabarismos opera como un hilo invisible que muestra historias y espacios… El arte en lugar de correr tras la realidad, la implosiona y la transforma”, así define el escritor su ideal de trabajo. Ha obtenido diversos premios y reconocimientos internacionales. Es autor de novelas y libros de apuntes como ¿Quién mató a mi madre?, La contemplación, Crónicas de bar, El hombre no mediático que leía a Peter Handke, La ciclista de las soluciones imaginarias y El olvido de Bruno.Parte de su obra ha sido traducida al italiano, inglés, francés y portugués. Escritores como Enrique Vila-Matas y Peter Handke se cuentan entre los lectores que siguen su ficción con interés.

El equipo del nuevo montaje para inaugura la temporada del Trasnocho Cultural.

Luego del éxito alcanzado durante dos años, la dupla compuesta por Basilio Álvarez como actor y Daniel Dannery en la dirección con la muy reflexiva historia sobre lo que es el arte y las relaciones humanas con Rojo de John Logan, comienzan este año con una comedia de humor negro junto a la actriz Sonia Villamizar en el Trasnocho Cultural de Caracas.

Se trata de I.D.I.O.T.A., una pieza del español Jordi Casanovas que el Grupo Teatral Skena trae a Venezuela. Con la dirección de Dannery, la producción y vestuario de Vladimir Sánchez, esta hilarante pero también sorpresiva historia se representa hoy en día en las más importantes ciudades del mundo como Madrid, Barcelona, Ciudad de México y Buenos Aires.

El secreto de I.D.I.O.T.A. es que comienza como una comedia muy divertida que poco a poco y sin abandonar la ironía y el sarcasmo, se va convirtiendo en un juego lleno de trampas, una vuelta de tuerca que la lleva a convertirse en un “thriller” que conduce al espectador, a través de su protagonista, a tratar de resolver una cantidad de acertijos para poder salvar la vida de sus seres más queridos, y la propia.

Sonia Villamizar como la doctora Edeltraud y Basilio Álvarez como Carlos Varela mantienen al espectador en vilo entre la risa y el suspenso de una historia donde “Carlos” (El Idiota) debe resolver una cantidad de enigmas que “La doctora” le forzará a responder, para llegar a conseguir una cantidad enorme de dinero, con el detalle que si no contesta correctamente estará poniendo en riesgo la vida de cada uno de los miembros de su familia.

Los personajes cómicos no le son extraños a Basilio Álvarez, actor multifácetico que ha interpretado varios muy recordados en la escena teatral venezolana durante las dos últimas décadas, en montajes como La cena de los idiotas , Art , El Crédito y Ay Carmela , entre otras. Igual la siempre activa y hermosa Sonia Villamizar también se ha sumergido en la comedia con la exitosas piezas Toc Toc , A 2,50 la cuba libre y El método Grönholm, por citar solo tres.

SOBRE EL AUTOR

Jordi Casanovas (Vilafranca del Penedès, España, 1978) es actor, director teatral y fundador y director de la compañía FlyHard desde 2005 hasta 2013. Ha escrito una treintena de textos teatrales, entre las que destacan Una historia catalana, La Revolución, Lena Woyzeck, La Ruina, City/Simcity y Wolfenstein, entre otras.

Los trabajos de este polifacético autor son variados, ya que “hay muchas cosas que contar. Es que creo que se puede hacer teatro de casi todo. Además, me han pasado muchas cosas en mi vida. Todo te da experiencia. Incluso las cosas negativas te enseñan. Además puedes utilizar las obras para responderte a las cosas que te ocurren en la vida”.

Sobre I.D.I.O.T.A., Casanovas comentó en una entrevista realizada en su natal España: “Había varias preguntas que me quería hacer. La primera es saber por qué somos capaces de ser tan obedientes y aceptar según qué situaciones. ¿Por qué nos doblamos a ciertos poderes cuando podríamos romper esta relación? También me quería preguntar qué puede provocar la evolución en un ser, ya no intelectualmente sino como persona en el camino del auto conocimiento. I.D.I.O.T.A, como cualquier otra obra de teatro, es meta-teatral, y lo que me pregunto es, cuáles son los procesos por los que un personaje acaba descubriendo cómo es él. En este caso el personaje está puesto al límite por un agente externo que lo hace descubrir su personalidad a marchas forzadas”.

En cuanto al desarrollo de la pieza comentó en otra interviú: “Su motor son los enigmas que hay. El hecho de poner a prueba un personaje de manera constante con enigmas y que vayan progresando con dificultad es muy importante. Además, el público puede jugar al enigma, hay algunos que son muy fáciles y el público encuentra difíciles y viceversa, algunos donde el personaje se atasca y el público ha encontrado la solución fácilmente. Entonces vas alternando, y el público se encuentra en situación de superioridad o de debilidad dependiendo del momento. Este juego sí ha sido deliberado y he ido tensando la cuerda. El público es el tercer personaje. Algunos de estos enigmas les he tenido que buscar y yo no los hubiera sabido resolver. Esta ha sido la parte más pensada”.

Las funciones serán en el Teatro Trasnocho viernes a las 6:00 pm; sábados y domingos a las 5:00pm. La temporada comienza el 19 de enero hasta el domingo 1 de abril.

Este 8 de febrero se cumplen dos años de la fundación de Youth Enlightenment System (YES), proyecto inspirado en el Sistema de Orquestas de Venezuela, y su fundador y director, el músico venezolano César Rangel, anuncia expansión, más servicio y una importante cita en agosto, en la feria internacional Expolit 2018.

A través de esta plataforma, YES hará su lanzamiento de difusión internacional y emprenderá una gran campaña de donación de instrumentos musicales que permita incluir a muchos más niños y jóvenes.

Igualmente, el movimiento musical, con sede en Cutler Bay, Miami, abrirá próximamente el segundo núcleo de formación en el condado de Broward County. “Pronto iniciaremos un gran proyecto de atención a niños con necesidades especiales”, ha dicho Rangel, quien estima tener presencia en las principales ciudades de Estados Unidos, en un lapso no mayor de 10 años.

YES atiende a más de 300 niños y jóvenes, con edades que van desde los 3 hasta los 20 años. Surgió con el objetivo de utilizar la música como mecanismo de formación de ciudadanía e integración social.

César Rangel fue alumno, docente y presidente del Sistema de Orquestas en el Estado Aragua en Venezuela y fue miembro de la Orquesta Sinfónica de Aragua. Su experiencia en distintas etapas de este proyecto lo inspiró a emprender un proyecto similar en EEUU.

El proyecto atiende a niños y jóvenes sin discriminación alguna, de diferentes países y, por supuesto, a público de la región. Cuenta con el apoyo de la alcaldesa de la ciudad y diferentes autoridades del sistema educativo local. YES es propuesta social que brinda sus servicios de manera gratuita y funciona con patrocinios públicos y privados a través de distintas alianzas.

En 2017, a propósito de la invitación que le extendiera el Presidente de Estados Unidos, Donald Trump, Rangel viajó con los niños de la orquesta del YES Movement a Washington DC, para participar en la celebración del Mes de la Herencia Hispana en la Casa Blanca.

La novela que vino desde España.

El escritor español Jose Acevedo desembarcó pacíficamente en Venezuela gracias a una editorial que le publicó su obra Metamorfosis y otros relatos. Desde la vieja Numancia contesto así nuestro cuestionario para que los “aborígenes” conozcan algo más del autor de tan original literatura.

¿Qué conoce de Venezuela?

Desgraciadamente, lo que nos llega a España de Venezuela es la situación política. Pero la situación política de los países, siempre, viene tergiversada por los medios de comunicación que imperan. Por lo tanto es complicado definirse realmente acerca de la realidad de un país, porque siempre dependerá de quién y cómo se cuente la historia. De Venezuela me preocupa, principalmente, su realidad social. Cómo vive su pueblo, cuáles son sus carencias, qué podría hacer la comunidad internacional para ayudar a que esa realidad pueda ser un día diferente. Pero la comunidad internacional también tiene colores, ideologías, o impone sus contrapartidas a cambio de algo. Lo hemos visto recientemente en muchos países de Hispanoamérica, incluso de Europa. Me gustaría ver una Venezuela que sonríe y es capaz de salir adelante por sí misma.

¿Cómo le editaron un libro y que enseña esa publicación?

Metamorfosis y otros relatos se publicó en España en diciembre de 2016, en Venezuela acaba de llegar a las librerías. En este caso, simplemente se le hizo llegar el texto a Lector Cómplice y aceptó gustosamente su publicación. Y me alegró especialmente esta publicación, porque ésta es mi primera edición internacional de alguno de mis libros, por eso tendré que agradecerle especialmente a Lector Cómplice la posibilidad de llegar a otro público distinto del que estaba acostumbrado, y espero, con ello, la buena acogida de los lectores venezolanos.

Metamorfosis y otros relatos es un libro de relatos con un hilo común. Teniendo en cuenta la realidad social actual, es el momento de dejar un hueco a la mujer. La realidad la hemos convertido es algo desnaturalizado y oscuro, algo que debe cambiarse, porque la gente sufre, y solamente es posible a través de la mujer. La Metamorfosis…es convertir a un hombre en mujer para que esa mujer sea capaz de transformar la realidad que la rodea.

¿Cuántos libros hasta ahora?

Como libros completos, Metamorfosis y otros relatos es mi cuarto texto editado. En 2013, Ediciones Carena publicó Relatos para la tortura de un abandonado doméstico, un conjunto de cuentos que había escrito en 2001, y del que había sido editado ya un relato en un libro de relatos colectivos doce años antes. En 2015, la misma editorial publica mi primera novela Carlos y alguien más. En 2016, Planeta Alvi edita mi segunda novela Identidad, o la importancia de ser uno mismo. Una novela de la que suelo hablar poco, porque siempre me ha parecido una pésima edición. A finales de ese mismo año, Ediciones Carena publica Metamorfosis y otros relatos, libro que ha editado Lector Cómplice para Venezuela y, en cuestión de unos días, saldrá en EEUU con La Pereza Ediciones. Además de estos libros, en este mismo 2017, mi relato Metáfora aparece en el libro de relatos colectivo homenaje a Juan Rulfo en el centenario de su nacimiento, publicado por Huso Editorial.

¿Qué literatura hace y como llega a ella?

Me gusta la literatura comprometida socialmente. Como trabajador social, la literatura es una forma de reivindicación de los problemas que acontecen en el devenir diario. Me preocupa especialmente el tema de la igualdad de género, de la violencia contra las mujeres, de la pobreza general, de la forma de vida de muchas personas como única solución a su subsistencia diaria. Intento mostrar esas realidades a través de una visión particular de la literatura, visión que emana, básicamente, de las formas literarias de la novela francesa del siglo XX, también de la narrativa norteamericana del mismo periodo

¿Qué literatura venezolana conoce?

Posiblemente, llegué a la literatura hispanoamericana a través de autores venezolanos. Cuando todos los lectores se hacían eco del boom del realismo mágico, a mí me dio por entrar de lleno en un escritor que me llamó especialmente la atención. Me refiero a Rómulo Gallegos. No solamente su Doña Bárbara, sino también Cantaclaro, Canaima o Reinaldo Solar fueron cayendo en mis manos una detrás de otra. Como siempre me ha ocurrido, cuando la literatura de un país invade mi espacio íntimo, de un autor fui llegando hasta otros. Así, a Rómulo Gallegos le sucedieron Uslar Pietri o Miguel Otero Silva. Fue la literatura venezolana la que me condujo, sucesivamente, a otros autores y a otros países del entorno.

¿Qué espera de la literatura y está satisfecho con ella?

Siempre me han dicho que escribo para mí. No solamente desde que comienzo la época de los libros publicados, sino mucho antes. Soy de las personas que si no me gusta algo, no lo hago. En la literatura me ocurre lo mismo. Me gusta la forma que utilizo para escribir, me gusta ilustrar mis historias, pero también las historias que cuento, y no pienso cambiar ni mi estilo, ni mis contenidos. Solo espero que esta visión particular de la realidad sea conocida pronto. No es una literatura al uso, no es convencional, pero sí lo que escribo son realidades que todos conocemos, directamente porque las hemos vivido en nuestra propia piel, o indirectamente a través de personas cercana. Nadie escapa a los entresijos de la vida y la literatura de Jose Acevedo es eso, una explosión de realidades que te estallan desde la primera página. Puedes llorar, puedes reír, puedes enojarte, pero nunca te dejará indiferente.

¿Vive y es feliz con la literatura que practica?

Como te he dicho antes, me siento feliz con lo que hago. No solo literariamente, sino en todas las facetas de la vida. La felicidad es una forma de vivir, de enfrentarse al día a día, a la rutina. Nuestra actitud marcará hasta qué punto hemos disfrutado de nuestra estancia en ella. Y no pienso cambiar a estas alturas.

¿El teatro y el cine le atraen y ha tenido deseos de abordarlos?

El teatro no tanto, aunque reconozco su mérito, pero sí me siento un apasionado del cine. Enamorado de la "Nouvelle Vague", mi vida ha ido siempre paralela a innumerables películas. Me hubiese encantado ser director de cine, y eso se refleja en mi obra, que para muchas personas es una literatura cinematográfica. Además pienso sinceramente, que las historias que escribo quedarían muy bien llevadas a la pantalla. Hace unos años sí tuve la oportunidad de llevar uno de mis relatos a la pantalla grande en forma de cortometraje (Flor de otoño), que está incluido en mi primer libro), me apasionaba la idea, pero el proyecto quedó aparcado por falta de dinero.

¿La filosofía le interesa y por qué?

Claro que me interesa la filosofía. Antes de estudiar Trabajo Social, estudié Filosofía. Pero más que las teorías de ciertos autores, la parte de la Filosofía que me interesa es la que se refiere a la propia vida. La forma de mirar la realidad, de acercarnos a la otra persona, de afrontar el día a día, de levantarnos todas las mañanas para seguir adelante, sin sentir el cansancio, sin desvanecernos, entendiendo que todos los días nos enseñan, aunque sean malos, que contribuyen a que seamos mejores personas, a que vivamos con otra intensidad, a que aportemos nuestro grano de arena para que hacer la vida, y los que vivimos en ella, sea más gratificante. Me gusta acostarme todas las noches pensando que la vida es maravillosa, que merece la pena. Son las palabras que intento transmitir a las personas que me rodean. Esa es mi Filosofía de la vida, la Filosofía que actualmente me interesa.

¿Satisfecho de lo vivido y del país donde se has creado y formado?

Como habrá adivinado por mis palabras de antes, por supuesto que me siento satisfecho de lo vivido, pero sé que aún queda mucho por vivir y por conseguir. Y creo que esas vivencias no están solamente en los lugares donde naces y te desarrollas como persona. Posiblemente, si hubiera nacido en otro país pensaría igual. No dudo de que las posibilidades sean distintas por el hecho de haber nacido en una ciudad u otra, pero una cosa son las posibilidades que un país te da y otra saber salir adelante a pesar de las circunstancias. Nací en Sevilla, España, pero me siento un poco ciudadano del mundo, y no creo que pensara diferente de haber nacido en otro lugar.

El militar enjuiciado en Terror.

El teatro es uno de los más expresivos y útiles instrumentos para la edificación de un país y el barómetro que marca su grandeza o su descenso. Un teatro sensible y bien orientado en todas sus ramas, desde la tragedia al vodevil, puede cambiar en pocos años la sensibilidad del pueblo; y un teatro destrozado, donde las pezuñas sustituyen a las alas, puede achabacanar y adormecer a una nación entera.

Así lo pensó y así lo dijo Federico García Lorca, hacia 1934, después del estreno de su Yerma en España. Y lo recordamos para advertirle a los lectores sobre los malos momentos económicos que vive toda Venezuela, los cuales podrían dañar seriamente su teatro, entre otras cosas, porque hay una asombrosa hiperinflación, una inflación muy elevada, fuera de control, por la cual los precios aumentan rápidamente al mismo tiempo que los bolívares pierden su valor real y la población tiene, siente y sufre una evidente reducción en su patrimonio monetario. No hay un solo rubro de la economía y de la cotidiana vida criolla que no haya sido afectado hasta ahora.

En el teatro la hiperinflación ha obligado a que las salas y las agrupaciones productoras de sus montajes teatrales incrementen los precios de sus boletos, siendo los más baratos a 30 mil bolívares o 40 mil por unidad, porque, según las explicaciones que promulgan, “hay que pagar nóminas, abonar las facturas de los proveedores y los insoslayables servicios públicos, también afectados por la temible hiperinflación”.

¿Qué puede pasar con el teatro? El público que acude, el cual históricamente ha sido bajo, desde que los cinematógrafos y los televisores atraparon los tiempos de ocio de los habitantes de este pais, acudirá menos a los emporios de los espectáculos más publicitados, como los programados en la Torre BOB y el Trasnocho Cultural, para citar a los más conocidos, además del fastuoso Teatro Municipal de Chacao. Y eso reducirá las temporadas a la mitad, por lo menos. Habrá pues, menos espectadores, por aquello de que “primero está la comida y después la diversión”. Y no hay que olvidar que los actores y los artistas en general quedaran sin empleo hasta una nueva temporada. El teatro de las salas oficiales caraqueñas, por así llamarlas, también tendrá que incrementar el valor de sus boletos, pero no tanto como los otros escenarios, particulares en su mayoría.

Esta tormenta económica pasará más temprano que tarde y arte el no desaparecerá, ya que el teatro criollo, ese que algunos llaman o califican “de arte” o “comercial”, siempre ha estado de bajo perfil, aunque haya tenido grandiosos momentos de esplendor, alcanzando no más de 20 mil espectadores por temporada de un montaje cuando este satisfizo las exigencias o los gustos de la audiencia.

Se espera que el Ministerio del Poder Popular para la Cultura formule próximamente algunas propuestas de impacto para subsidiar selectas agrupaciones, para lo cual el funcionario responsable se reunirá próximamente con los líderes de esos elencos o sectores. Hay una convocatoria precisamente para este jueves 18 de enero. También se espera que la Compañía Nacional de Teatro, dirigida por Carlos Arroyo, colme los espacios del teatro Nacional (esquina de Cipreses) con la comedia dramática Baño de damas, de Rodolfo Santana, en versión escénica comandada por Aníbal Grunn, que haría su temporada a finales del venidero marzo.

Mientras la hiperinflación avanza, algunos teatreros, como es el caso de Hector (Rodriguez) Manrique y su empresa cultural Grupo Actoral 80 (GA-80) ya se alista para mostrar tres montajes durante el primer semestre de 2018: la reposición de Terror, en la sala de Chacao, La foto en el Trasnocho, además de Los hombros de America, de Fausto Verdial, para cerrar así el primer semestre. Es de esperar que la taquilla les funcione positivamente porque son obras que ya han sido exhibidas con anterioridad y recibieron buenas respuestas de la audiencia, la cual pagó menos, por supuesto.

Mientras se conocen los cambios y recambios de la temporada teatral caraqueña, invitamos a los lectores a revisar la sinopsis de dos montajes que se verán próximamente y los cuales recomendamos.

TERROR AÉREO

Y si advertimos a los lectores sobre el pánico o el terror que provoca la hiperinflación al pais entero, es oportuno recordar, teatralmente, como un avión civil alemán, con 164 personas a bordo, vuela entre Berlín y Múnich, pero un terrorista secuestra la nave y amenaza lanzarla contra el estadio de fútbol, donde esa noche juegan las selecciones nacionales de Alemania y el Reino Unido. Las autoridades germanas mandan a contactar visualmente la aeronave con uno de sus aviones cazas, tratando así de ganar tiempo para una negociación, pero el piloto militar opta por destruir la aeronave civil, porque de lo contrario perecerían, por lo menos, 70 mil personas que presencian el encuentro futbolístico.

Se trata del espectáculo Terror, del abogado alemán Ferdinand von Schirach ( Múnich, 1964), el cual estreno, hace casi dos años, el director Héctor Manrique y el Grupo Actoral 80 en el teatro Trasnocho, donde Manrique también actuó junto a Maria Cristina Lozada o Julie Restifo, Sócrates Serrano, Daniel Rodriguez, Martha Estrada y Juan Vicente González. Y ahora se vera de nuevo, desde el 24 de enero en Chacao.

Es una pieza que ha tenido notable éxito de crítica y de público en Europa y la cual se muestra en Venezuela gracias al Instituto Goethe, porque plantea, entre otras cosas, una serie de interrogantes sobre los roles del Estado y la sociedad civil: ¿qué ocurre cuando un avión es secuestrado por terroristas y amenazan lanzarlo sobre un estadio de fútbol, ¿qué sucede si el terror domina nuestra vida cotidiana?, ¿qué significados tienen lo legal, lo moral y lo filosófico en nuestra sociedad al ocurrir una situación tan excepcional?, ¿se puede violar la dignidad humana si supuestamente hay más personas que se pueden salvar?

Terror es la primera obra de Ferdinand von Schirach, notable escritor y jurista. Ha publicado varios volúmenes de cuentos y la novela El caso Collini, traducidos y publicados al español. Es hijo de un comerciante de Múnich, Robert von Schirach, y de Elke Fähndrich,así como nieto del jefe de las Juventudes Hitlerianas. Su bisabuela estadounidense es descendiente de dos de los signatarios de la Declaración de Independencia de los Estados Unidos de América. Creció en Múnich y Trossingen, y estudió en Bonn y su Referendariat en Colonia y en Berlín se graduó como abogado en 1994, con una especialización en derecho penal. El reconocido abogado venezolano, penalista Alberto Arteaga Sánchez celebra el estreno de Terror porque plantea los retos que en ocasiones enfrenta la justicia cuando debe decidir sobre un conflicto tan dramático. “Las exigencias legales, el valor de la vida, los principios, las propias convicciones y las circunstancias concretas del hecho nos interrogan y cuestionan en torno a su decisión”, refiere el también profesor de Derecho Penal. Arteaga destaca además como en estos momentos “de graves desajustes sociales, en el contexto de una sociedad con profundas grietas en su conformación, la justicia debe ocupar el primer plano que le corresponde como instrumento de sanación que nos permite avizorar un mundo mejor… un mundo más justo”.

FOTO DE OTT

Y en los tiempos convulsos que vivimos, el teatro todavía es una íntima y grata lección de esperanza y coraje, de trabajo en equipo, de empeño colectivo. El teatro es un inobjetable modelo de conducta que debería ser copiado por nuestros políticos y comerciantes, porque es una disciplina donde hombres y mujeres hablando a hombres y mujeres, respirando y latiendo juntos en la oscuridad, y anhelando salir de las salas de representación para continuar ese viaje con final que es la vida misma, tras emerger con satisfacción de ese oasis en que se convierte la escena; porque nadie puede negar que “el teatro une, ilumina, calienta y salva” y no podemos dejar que la hiperinflación lo dañe o afecte .

Y como prueba de ello está la grata sorpresa que recibimos con La foto, la creación artística del Grupo Actoral 80, que bajo, la dirección y con la actuación protagónica de Héctor Manrique quien se atrevió a mostrar el tema del uso de las redes sociales; a raíz del manejo indelicado de una fotografía de un mujer semidesnuda, gracias a un inteligente y atrevido mecanismo dramatúrgico de Gustavo Ott (Caracas, 1963) para proponer una reflexión profunda sobre los precipicios afectivos de la mediana edad de hombres y mujeres y además logra enfrentar a dos generaciones dentro de los nada fácil de controlar que son los fenómenos virales y el efecto devastador de aquellos escándalos prefabricados y exaltados gracias a las redes sociales, cuando estas son usadas con impericia y envenenadas con esa “salsa maldita” de una nefasta incultura machista o sexista.

La CNT lidera a un amplio sector de las artes escénicas venezolanas.

Los colectivos teatrales y circenses venezolanos, agrupados en Caracas, entregaron hoy al actual ministro de Cultura, Vladimir Villegas Poljak, un documento para apuntalar su presencia y participación dentro de los proyectos del Plan de la Patria 2019-2025, donde se destacan sus deseos de que sea profundizada la masificación de las artes teatrales y circenses para todos los venezolanos.

Aquí presentamos un resumen de dicho petitorio,el cual debe ser analizado y discutido:

Históricamente el teatro en Venezuela ha demostrado altos niveles de organización, Tomando en cuenta las últimas experiencias organizativas como la creación de la Red de Teatro y Circo de Venezuela, la red IIAVE teatro de los invisibles y Uneteatro por citar algunos ejemplos que responde al esfuerzo y tesón revolucionario de hombres y mujeres siendo el resultado de años de trabajo, donde el artista como individuo ha sido esencial. Hablar de individualidad en un hecho colectivo pareciese contradictorio, pero no es así, la convicción y la voluntad del individuo en el bienestar del colectivo es determinante para la coherencia del pensamiento comunal.

Así nos hemos encontramos con grandes experiencias organizativas siendo las más recientes: I Congreso Nacional de Teatro y Circo Lara 2008, II Congreso Nacional de Teatro y Circo 2013 y Congresos Nacionales de Cultura, donde se expresaron y discutieron las necesidades, proyecciones y propuestas para el área teatral de todas las regiones del país.

Dando como resultado que el teatro venezolano y sus organizaciones se colocan en una ruta de cambios y transformaciones culturales, sociales, políticas y económicas, sustentadas en un proceso ideológico que busca incluir a las mayorías en un estado de mayor bienestar y de satisfacción de sus necesidades tanto materiales e intelectuales como espirituales.

De allí que nuestra propuesta para los aportes al Plan de la Patria 2019- 2025, tomen como punto de partida los resultados emanados y discutidos por el colectivo teatral nacional en estas experiencias organizativas.

¿Cuáles son los tres principales avances y desafíos que enfrenta la revolución en su sector en el contexto del cierre del ciclo Bicentenario?

Para el fortalecimiento de la actividad teatral en el país el avance de mayor relevancia se encuentra en la organización del poder popular del sector a través de la consolidación de la red Nacional de Teatro y Circo que consta de una organización por capítulos parroquiales, municipales, estadales y nacionales, que con el ente encargado de la rectoría de la política cultural, han diseñado programas para el Teatro y el Circo. Los principales desafíos en el sector teatral en lo inmediato se refieren a los temas de infraestructura, apoyo a la creación, difusión nacional e internacional y la Ley Nacional de Teatro. Por lo que se hace imprescindible para el relanzamiento de la actividad teatral en el país:

Avances:

1.- Organización del Poder Popular

2.- Formación:

- Creación de la Universidad de las Artes

- Implementación del Sistema de Formación de las Artes y las Culturas

- Regionalización del Programa Nacional de Formación de Teatro

3.- Apoyo a la creación

- Relanzamiento de la Compañía Nacional de Teatro

- Políticas de financiamiento a la creación

- Políticas de desarrollo del teatro infantil y juvenil

- Visibilización de las artes circenses

Desafíos:

1.- Políticas de las artes teatrales y circenses para el sistema comunal:

a.- Construcción, adecuación, restauración, equipamiento y recuperación de espacios teatrales

b.- Equilibrar, aumentar y multiplicar los aportes del Estado a los colectivos teatrales

c.- Crear un Circuito Nacional de Teatro y Circo.

d.- Apuntalar las iniciativas socio productivas del sector de las artes escénicas.

e.- Aprobación de la ley de teatro en la Asamblea Nacional Constituyente.

f.- Fortalecimiento y consolidación de la organización del poder popular teatral.

2.- Formación:

- Creación de programas formativos artístico teatrales y circenses, acordes con las necesidades del poder comunal.

- Desarrollar programas de estímulo para la generación de nuevos espectadores

- Municipalización del Programa Nacional de Formación de Teatro y Circo

¿Cuáles son las tres principales obras o acciones de envergadura considera que es trascendental incorporar en el Plan de la Patria?

.- Reincorporar al Plan de la patria 2019- 2025:

2.2.1.7 Afianzar valores que resguarden la identidad, construyan soberanía y defensa de la Patria, a partir del disfrute físico, espiritual e intelectual, y el reconocimiento de nuestro patrimonio cultural y natural.

2.2.1.8 Incrementar sostenidamente la producción y distribución de bienes culturales a nivel nacional, a través de la producción de 15.000.000 de ejemplares del Sistema Masivo de revistas 2.500.000 por año y con el aumento de la producción de libros en un 200%.

2.2.1.9 Aumentar la infraestructura cultural a disposición del pueblo, con la construcción de 336 Salas de Libros-Lectura, una por municipio que cuente con libros, mesas, sillas y muebles para la lectura.

2.2.1.10 Potenciar las Expresiones Culturales del país.

2.2.1.11 Impulsar las redes de las organizaciones de base comunitarias culturales.

2.2.1.12 Ampliar la Red de Intelectuales y Artistas y multiplicar los convenios de cooperación cultural para la producción de bienes y servicios.

2.2.1.13 Consolidar el protagonismo popular en las manifestaciones culturales y deportivas, centrado en la creación de una conciencia generadora de transformaciones para la construcción del socialismo.

2.2.1.14 Universalizar la seguridad social para artistas, cultores y creadores.

2.2.1.15 Potenciar las Expresiones Culturales Liberadoras.

2.2.1.16 Visibilizar la identidad histórica comunitaria (Misión Cultura Corazón Adentro).

2.2.1.17 Fomentar convenios interculturales de integración.

2.2.1.18 Ampliación de condiciones que garantizan los derechos de todos y todas, respetando la diversidad social, jurídica, física, etaria y cultural presente en individuos o grupos.

Además proponemos incorporar al Plan de la Patria 2019- 2025 lo siguiente.

Profundizar condiciones para generar una cultura de las artes escénicas liberadoras, ambientalista e integradora en torno a los valores de la Patria, como vía para la liberación de la conciencia, la paz y la convivencia armónica.

Profundizar la masificación de las artes teatrales y circenses.

Conformar el Fondo Nacional de las artes teatrales y circenses, para impulsar su masificación.

Ampliar la infraestructura teatral nacional y de todos los espacios públicos.

Fortalecer el apoyo integral a referentes, maestros y cultores consagrados y talentos excepcionales.

Desarrollo de tecnología y ciencias aplicadas a las artes teatrales y circenses

Fomentar la práctica sistemática, masiva y diversificada de la actividad teatral y circense en las comunidades y espacios públicos.

¿Cuáles mecanismos deben implementarse para garantizar la participación del pueblo para la construcción de poder popular en la planificación, ejecución y seguimiento de la gestión de Gobierno?

Creemos y sentimos las artes teatrales y circenses de interés público para nuestra nación, espacios paralapazylavida,tenemoslaresponsabilidaddesembrar identidad y patria desde los escenarios, ajóvenes,niñasyniñosde quienespermanentementeaprendemosy forman parte del entramado teatral pues sin ellos el teatro y el circo no existen. Por lo que proponemos para garantizar la participación del poder popular en el desarrollo de nuestra nación:

.- Participaciónprotagónicaeneldiseño,planificación,ejecución,seguimientoycontroldelapolíticacultural.

- Incorporación del poder popular de las artes teatrales y circenses, en los distintos procesos de la gestión cultural pública.- Transferencia de administración de servicios, actividades, bienes y recursos al pueblo cultural escénico organizado, para la consolidación de la unión y el espíritu y pensamiento descolonizador de nuestro Libertador Simón Bolívar.

-Velarporquesecumpla y reglamente laspolíticas,programasyproductosquegarantizanlosderechosestablecidosenlaLeydeProtecciónSocialalTrabajadoryalaTrabajadoraCulturalydelasartesylasculturaspopularesdelpaís.

.- Acompañamiento yseguimiento al cumplimiento delosacuerdossurgidosen los Congresos Nacionales de Teatro y Circo así como los Congresos NacionalesdeCultura.

- Revisión de loscontenidosenlaLeyOrgánicadeCulturaylasdemásdisposicioneslegales,ejecutivas,comunalesydegestiónenmateriadecultura.

- Garantizar los principiosdeterritorialidad del teatro y el circo,comprendiendolasrealidadeslocales y lasformasdeorganizaciónen todas lasregiones y queseantomadasencuenta.

Protagonizada por el primer actor Basilio Álvarez y la comedianta Sonia Villamizar, bajo la dirección de Daniel Dannery, llegó al escenario del Trasnocho Cultural de Caracas la polémica comedia I.D.I.O.T.A. del dramaturgo español Jordi Casanovas (Vilafranca del Penedès, 1978)

Alvarez, productor y además líder del Grupo Skena, reconoce que I.D.I.O.T.A. llegó a sus manos por pura investigación.“Siempre trato de leer sobre lo que se está montando en el mundo y por mis raíces españolas e identificación con los dramaturgos españoles trato de estar en contacto con ellos. Leí sobre la obra de Jordi y busqué la forma de comunicarme con él. Y tuve la suerte que me contestó y me envió su obra para que la conociera. El texto me desconcertó en un primer momento. Ya que comenzó como una comedia muy divertida y a los 15 minutos de lectura comienzan a pasar cosas sorprendentes que sin alejarnos de la comedia nos empiezan a cuestionar, sorprender y fascinar. En la primera lectura no estaba totalmente seguro de querer trabajarla. Pero meses después al leerla una vez más y mandársela a Daniel Dannery para que la leyera, ambos concluimos que era un texto necesario y debíamos montarlo.

¿Qué tiempo duró ese montaje?

El montaje de la obra se hizo en tres meses, sólo que compartido con el re-montaje de Rojo en el que había que adiestrar a otro actor por Gabriel Agüero y Aníbal Cova aceptó el reto (gracias a Dios) y entonces ensayábamos la mitad de la semana Rojo y la otra mitad I.D.I.O.T.A., algo que hacía muchos años que no hacíamos. Algo fantástico y revelador para que el tiempo rindiera es que Sonia Villamizar aceptara el otro personaje, jamás había trabajado con ella como actriz y la verdad, gracias a su entrega, profesionalidad y excelente trabajo se hizo posible.

¿Qué tipo de obra es y en que tendencia del teatro mundial la ubica? ¿Cómo define o resume al I.D.I.O.T.A.?

I.D.I.O.T.A. es una obra que ronda entre la comedia y el thriller. Al mismo tiempo que los dos personajes caminan sobre la delgada línea del humor negro, se va desarrollando paralelamente la historia personal de ambos, en la que es inevitable tener un reflejo de la situación del país y de la tragedia que nos ha tocado vivir en estos últimos años. El autor la escribió cuando la crisis económica en España por lo que termina identificándose con muchos de nuestros problemas. Esta obra no es más que la saga de Carlos Valera, quien se presenta a unas pruebas psicológicas muy bien remuneradas después de leer un aviso de prensa publicado por una extraña “Fundación para la Investigación Neurosicológica”. Lo que él piensa que será una manera fácil y sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos se convertirá en una auténtica trampa. Una atractiva psicóloga, o la doctora, le formulará preguntas y enigmas que le pondrán nervioso y que le obligarán a sacar lo mejor de sí para evitar el fatal final. El tercer personaje el público.

¿De donde sacó a este director que es relativamente desconocido? ¿Llenó sus expectativas?

Me encanta esta pregunta porque envuelve varias cosas... Primero: La definición de "desconocido" es muy interesante. ¿Quién es alguien "desconocido"? ¿Quiénes son los que no lo conocen para ser "desconocido"? En el teatro hay creadores y artistas entregados desde hace muchos años y sin embargo "nadie los conoce". El teatro es un arte silencioso muchas veces, por eso siento que a veces los más conocidos, los que tienen más seguidores, o aquellos que son los más "mediáticos" no necesariamente son los más "creadores" y "cultores" del teatro verdadero. Y por eso con Daniel Dannery, puede que el público general no lo conozca, pero es un joven que lleva ya alrededor de unas siete obras dirigidas dentro de los talleres de Skena y en el plano profesional dirigió el musical infantil Popeye, luego Rojo y ahora I.D.I.O.T.A. Y para mí es un honor ser dirigido por uno de mis alumnos que entró a Skena hace ya más de 10 años cuando era un jovencito. Con Dannery está pasando algo como lo que sucedió con Armando Álvarez cuando dirigió ¡Ay Carmela!, su primer montaje profesional, cuando ya llevaba más de diez años dirigiendo obras en los talleres de Skena. Ambos Armando y Daniel siempre llenaron mis expectativas mucho antes de que fueran "conocidos".

¿Satisfecho por lo logrado?

Muy satisfecho. El esfuerzo que se hace para traer grandes obras que se están haciendo en las grandes capitales del mundo para que nuestro público también las conozca es muy grande y con Rojo lo logramos junto con la Caja de Fósforos y ahora I.D.I.O.T.Aque actualmente se presenta en Buenos Aires, Ciudad de México, Santiago de Chile, Madrid, Barcelona y ahora en Caracas, que a pesar de toda la crisis socioeconómica que estamos viviendo hemos logrado conseguir los derechos y hacer el esfuerzo por lograr una producción de calidad.

¿Está claro o informado que la hiperinflación puede reventar al movimiento de teatro no financiado por el Estado por el incremento de los costos?

Por supuesto que estoy claro. Pero pasa algo terrible y al mismo tiempo místico entre los "verdaderos" trabajadores de teatro durante todos los tiempos. Que para ellos, el teatro es como respirar. Y no puedes dejar de respirar aunque todo esté en contra. Es triste porque a veces los sacrificios son totales. Pero es así. Dejaremos de tener ganancias, dejaremos de tener el reconocimiento de públicos masivos o específicos, pero la condena es que no podemos dejar de respirar. Así que gracias a Dios para el artista esa "condena" se convierte en "creación" y "revelación" en cada bocanada de aire que aspiramos.

¿Hasta dónde va con esta producción?

No soy muy ambicioso con los montajes. En Skena tratamos de darles una vida decente y propia a cada obra tratando de descubrir la verdad que hay en ella... y luego que la misma vaya viviendo su propia existencia. Por ahora llegaremos hasta el 1 de abril y en el Teatro Trasnocho, donde hemos tenido la suerte de ser programados en el primer horario: viernes 6pm, sábados y domingos 5pm, cosa que no es sencillo de conseguir, pero ya que nos han brindado esa oportunidad, trataremos de hacerlo lo mejor posible.

La unica escena al desnudo en la obra y se apagan las luces.

El teatrero Aníbal Grunn festeja sus primeros 70 años con muchos aplausos por su trabajos actorales y docentes en Guanare y en Caracas, pero ahora en Miami también lo festejan, donde escenifican su comedia A full pompis.

Este indoblegable y versátil teatrero cuenta, que, durante el año 2001, “un común amigo, productor de teatro me pide que le escriba una obra para siete actores, estrellas de televisión. Me entrega además un cuento australiano (Ladys night) y una película (Fullmonty) y me dice: Has algo como esto, pero en venezolano".

“Me entusiasma la idea y luego de leer el cuento y ver varias veces la película, comienzo a escribir. Unas semanas después nos reunimos con el elenco, leemos todos y se hacen los cambios y las sugerencias que cada uno aportó al texto. Cuando iban a comenzar los ensayos, abril del 2002, sucede lo que todos conocemos y se desaparece el proyecto. Unos meses después, cuando vuelve la calma, retomamos la idea, pero surge un escándalo con uno de los actores y nuevamente nos vemos obligados a parar todo. Finalizando el año 2002, en pleno paro petrolero, me uno a otros actores y decido encarar personalmente el reto. No fue posible, pelearon entre ellos y me veo obligado nuevamente a posponer la idea. Un amigo, que también formaba parte del proyecto me asegura que él me consigue a los actores y que no desista de la idea. Me convence y al otro día comienzan los ensayos con un nuevo elenco, todos jóvenes no famosos pero con muchas ganas de hacer teatro”.

“Pero no todos los problemas iban a terminar ahí, no. Una semana antes de estrenar nos quitan la sala. Desesperados comenzamos a buscar a tocar puertas, a rogar un espacio y nos dan la sala Doris Wells de la Casa del Artista. Ahí nos fuimos y en Junio del 2003, por fin estrenamos O todos o ninguno o A full pompis, transformándose en un éxito de público, realizando funciones de jueves a domingo, dos el sábado y dos el domingo. Con preventas de entradas y colas larguísimas. Luego inauguramos temporada en Escena 8 y giramos por varias ciudades de Venezuela”.

“Hace ya unos años uno de los actores se residencia en Miami y me pide el texto. Se lo envío. Me dice que Eduardo Pardo, otro gran amigo, está interesado en dirigirla y que él, Pedro Pablo Porras, la va a producir. Acepto fascinado y el 1 de diciembre del 2017, se estrenó en Miami, en el Paseo de las Artes, con un rotundo éxito. Van para el segundo mes y no paran. Han tenido los mejores comentarios y críticas de gente especializada”.

“Es un elenco de actores latinoamericanos: un chileno, un cubano, un venezolano, un puertorriqueño, un mexicano y un colombiano, lo cual le ha dado a la obra otro carácter, la ha hecho más universal. No me han dicho que planes tienen pero por ahora siguen cosechando el éxito. Algo poco usual en Miami, donde las obras son de cortas temporadas. Ellos, para decirlos con sus nombres de pila, son:Pedro Pablo Porras, Boris Roa, Santi Sierra, Francisco Porras, Joel Rod, Andrés Vargas y Enmanuel Mendoza.; la producción es tarea de Pedro Pablo Porras y John Paul Pérez; la dirige Eduardo Pardo. Las funciones son los viernes, sabados y domingos, en el Paseo de las Artes, de Miami, por supuesto”.

“Yo tengo más de 70 obras escritas y unas 30 versiones y nunca había tenido esta experiencia. Me hace muy feliz. Me siento como pez en el agua en cualquiera de las disciplinas que me imponga el arte escénico. Cuando escribo, cuando actúo, cuando dirijo o cuando doy clases, lo hago con la misma entrega, ninguna es más importante que la otra, todas son apasionantes”.

“Me han invitado a dirigir a Miami y Panamá, pero aún lo estoy pensando. Amo Venezuela, puedo salir unos días, irme gira, asistir algún festival, dar talleres, clases, conferencias. Pero quiero vivir aquí. Mi vida está en Venezuela, en Caracas y Guanare, donde desde hace casi 45 años decidí enterrar el ancla de mis naves y quemar sus velas. Ahora me alisto a dirigir y estrenar la comedia dramática Baño de damas, de Rodolfo Santana, una producción de la Compañía Nacional de Teatro, que comanda Carlos Arroyo. Aquí, pues, sigo y no sé hasta cuándo”.

Periodista y ministro de la cultura en la Venezuela actual

La necesidad de motorizar un auténtica revolución cultural y prestarle más atención a las poblaciones vecinas de la Gran Caracas, calificadas cariñosamente como ciudades dormitorios, son algunas de las preocupaciones del periodista y político Ernesto Emilio Villegas Poljak (Caracas, 29 de abril de 1970), el actual ministro de Cultura de Venezuela. En un rápido encuentro periodístico exclusivo para el diario La voz, declaro así:

¿Cómo encontró o cómo encuentra al sector cultural venezolano del cual usted ahora es su ministro?

Debo decir que el mundo cultural venezolano está compuesto por hombres y mujeres que nunca serán suficientemente bien reconocidos, porque cumplen una labor extraordinaria en el seno de la sociedad venezolana. Toda sociedad necesita de esos seres especialmente sensibles y con un talento particular quienes se ganan el privilegio de jugar – y ojo con esta palabra- con las emociones y la conciencia de la gente. Así son los artistas y creadores de Venezuela.

Agrego que desde el punto de vista de la gestión cultural y de la organización del mundo cultural, “me ha dado la impresión de que vivimos en una excesiva fragmentación o atomización, tanto dentro de la gestión como de la organización de los artistas como tal. Creo que hay un que dar un salto cualitativo en los dos terrenos o ámbitos, tanto en la gestión para optimizar los esfuerzos que en forma dispersa se vienen realizando, como en el plano organizativo para llevar adelante con éxito una reivindicación de sus roles en la sociedad y de sus avances concretos en la revolución de la cultura, dentro del marco de un proceso que se autodefine como revolucionario. Desde los clásicos hasta los hombres de pie confluyen en el lugar común de que sin revolución de la cultura no hay revolución posible”

¿Cómo es eso de la revolución cultural?

Para esta revolución de la cultura es necesaria una mayor organización del mundo cultural, para que se levanten las fronteras artificiales que se han erigido entre algunos grupos y sectores y se pueda así visibilizar el verdadero musculo que tienen los artistas y creadores en el seno de la sociedad venezolana. Hay millones de artistas, de cultores y de usuarios dedicados la cultura venezolana.

¿Cómo está avanzando con su gestión ministerial?

Hemos construido ya una propuesta sobre las bases generales del actual y vigente Plan de la Patria. Nosotros no tenemos el complejo de Adán y Eva, no creemos que con nosotros nace la especie humana y en el caso concreto la nueva cultura venezolana. Formamos parte de un trayecto colectivo donde mujeres y hombres han trabajado por y para la cultura. Estamos reconociendo las políticas existentes y de hecho existe el Plan de la Patria en curso, hay otro en otro en construcción, que será el Plan de la Patria 2018-2025 y dentro de ese contexto el profesor Adán Chávez Frías, durante su tiempo en el ministerio de la Cultura, ya había delineado un plan llamado “Orgullo de ser venezolano” Nosotros ya hemos fijado las líneas de un plan que no ha cubrir este año 2018 y parte del 2019, que hemos bautizado como el Plan Reverón, para llevar un toque de luz y de locura si es necesario a nuestro devenir.

“Para este Plan Reverón, que es para todo el territorio nacional y destinado a todos los sectores sociales, vamos a utilizar toda la infraestructura del ministerio y muy especialmente los espacios museísticos, los cuales queremos convertir en vibrantes casa de la cultura o centros de una mayor actividad cultural. Esto puede interpretarse como superfluo o suntuario para aquellos que están dedicados exclusivamente al problema económico o material que existen en la Venezuela contemporánea. Pero yo estoy convencido de que en la medida de que la situación material nos acose debemos darle mayor presencia a la actividad intelectual y cultural. Nosotros hemos podido sobrevivir como nación gracias precisamente a nuestros logros culturales y deportivos que son una vanguardia de la cultura de la vida. El pueblo venezolano ha podido sobreponerse a las dificultades vividas durante el primer trimestre de 2017 y cauterizar las heridas de esos episodios nefastos de la violencia”.

Finalmente, el ministro Villegas Poljak se refirió a las poblaciones de La Guaira, Guarenas, Guatire y los valles del Tuy, donde viven millones de compatriotas, para quienes se van a organizar una serie de actividades culturales durante los próximos meses, teniendo en cuenta la pujanza de sus cultores y artistas, buscando cambiar así esa imagen de que son solo “ciudades dormitorios”, Todo ese conglomerado social podrá disfrutar próximamente de una programación especialmente elaborada para ellos.

Leonardo y el importante libro editado en España.

Es un libro poco frecuente para ser leído y muy difícil para ser expendido en Caracas, en 20 euros. Se trata de Análisis de la dramaturgia venezolana actual, perteneciente a la serie Análisis Teatral, que edita, en Madrid, el ministerio de Economía, Industria y Competitividad de España. Es una bien cuidada publicación de 278 páginas, donde, siguiendo un mismo método propuesto por José-Luis García Barrientos, se analizan seis obras de sendos dramaturgos venezolanos contemporáneos, a la par que se esbozan las claves de la dramaturgia de cada uno de ellos.

Se trata de El insólito y verídico caso de la peluca del fraile de Carlos Sánchez Delgado, Ultimo piso en Babilonia de Xiomara Moreno, Tres esqueletos y medio de Gustavo Ott, Doña Bárbara, la perfecta ama de casa de Elio Palencia, Matria de José Tomás Angola y La Luna en tu ventana de José Miguel Vivas. Seis investigadores venezolanos y dos españoles Firman los respetables y enjundiosos estudios. Este es, pues, el quinto volumen de una serie de nueve que, como resultado de un proyecto de investigación del Plan Nacional de Investigación y Desarrollo del Gobierno, pretende analizar la dramaturgia actual en lengua española.

El crítico e investigador Leonardo Azpárren (Barquisimeto, 1941), coordinador de esta publicación afirma, en el prólogo, que los dramaturgos venezolanos, aquí compilados, nacieron después del 23 de enero de 1958 y crecieron en un pais democrático y sin la experiencia de las crisis que culminaron en esa fecha. “Espectadores de un nuevo teatro en el que el pais ocupó mucho espacio, alcanzaron la razón dramática cuando afloraron las primeras crisis del modelo social democrático a comienzos de la década de los ochenta, modelado por la crisis petrolera como la columna vertebral de su vida económica y social, y referencia universal para exigirle al Estado todo lo necesario para vivir bien. Cuando los nuevos dramaturgos comenzaron a escribir a finales de la década de los setenta y a lo largo de la siguientes, sintieron los golpes de las primeras crisis, principalmente la financiera en 1983 y la política y social en 1989 que desmontaron la ideología de la Gran Venezuela, con la que los venezolanos fuimos entretenidos a partir de 1974”.

Para Azpárren, Carlos Sánchez Delgado (1958), Xiomara Moreno (1959), Gustavo Ott (1963), Elio Palencia (1963), José Tomas Angola (1967) y José Miguel Vivas (1975) forman parte de una veintena de dramaturgos que debutó en la década de los ochenta, algunos vinculados con nuevas agrupaciones como el Theja de Jose Simón Escalona y al Sociedad Dramática de Maracaibo, de Enrique León o bajo el patrocinio de El Nuevo Grupo y Rajatabla. “Incorporados a la vida pública y teatral de un pais que comenzaba a padecer una crisis que continuo por varias décadas, pero al mismo en un contexto de florecimiento teatral engalanado por el Festival Internacional de Teatro de Caracas (FITC), en la escritura de estos novísimos autores están patentes el cambio y las contradicciones que implicaron una ruptura con el discurso dominante desde 1958”.

El texto de Sánchez Delgado es abordado por Azpárren y sus claves están a cargo de Rennier Piñero; la pieza de Moreno es evaluada por Penélope Hernández Lara, quien también lo hace con sus claves. Ocdilys Rodriguez Velásquez analiza la pieza y las claves de Ott, mientras Juan Martins se dedica a Palencia en sus dos aspectos. Concepción Reverte Bernal toma a Matria de Angola y las claves de su escritura teatral, mientras que María Carolina García apunta al texto y la obra en general de Vivas.

La lectura y el análisis de esta publicación es un buen ejercicio para la inteligencia de todos nuestros dramaturgos y críticos, además de los meritorios teatromaníacos venezolanos. Y para cerrar esta reseña de tan importante libro, citamos como Ocdilys Rodriguez Velásquez remata su crítica a la dramaturgia de Ott “quien viene a completar un cuadro de desencanto demasiado conocido en Venezuela, donde a la masacre y la insensatez generalizadas se unen esos seres que se bañan en la sangre de los traicionados mientras ríen, con el público, a carcajadas”.

No podemos dejar de exaltar la tarea hercúlea de García Barrientos para dedicarse de lleno a esta noble tarea de impulsar el análisis de la dramaturgia de nueve paises latinoamericanos, una tarea que no la hace nadie más, hasta ahora.

Bolívar y Manuela bailan flamenco en Amor en Libertad

La importancia de Cortos y variados

Venezolanos con su festival de las hallacas generan revuelo en gastronomía de España

Los seis mejores espectáculos del 2017

PERIPLO DE LA CNT

LA VIGENCIA DE GUINAND

La cultura tuvo notable audiencia en Chacao

"Baño de damas" para el 2018

Carlos Marx regresa a Caracas en mayo

Hemingway finalmente en Caracas

Edgar Borges presenta otra novela en Madrid

Carlos Arroyo dirige ya la Compañía Nacional de Teatro

Edgar Borges,novelista por necesidad

Otro idiota para divertir al público del Trasnocho cultural

YES es otro germen de El Sistema en Estados Unidos

La novela de una mujer que transforma la realidad

Teatro venezolano con hiperinflación

Proponen desarrollo y masificación del teatro y el circo

Otro I.D.I.O.T.A. contra la hiperinflación

"A full pompis" o Desnudos en Miami

Agilizar revolución cultural pidió el ministro Villegas a intelectuales y artistas

Análisis de la dramaturgia venezolana actual