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Channel: EL ESPECTADOR venezolano
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La foto de la mujer desnuda

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Hay que releer a Jung  para encontrar explicaciones  naturales.
En los tiempos convulsos que vivimos en este planeta, el teatro todavía es una íntima y grata lección de esperanza y coraje, de trabajo en equipo, de empeño colectivo, parafraseando al crítico español Marco Ordóñez. El teatro es un inobjetable modelo de conducta que debería ser copiado por nuestros políticos y comerciantes, porque es una disciplina donde hombres y mujeres hablando a hombres y mujeres, respirando y latiendo juntos en la oscuridad, y anhelando salir de las salas de representación para continuar ese viaje con final que es la vida misma, tras emerger con satisfacción de ese oasis en que se convierte la escena; porque nadie puede negar que “el teatro une, ilumina, calienta y salva”.
Y como prueba de ello  está  la grata sorpresa que hemos recibido del montaje La foto, autentica creación artística del Grupo Actoral 80, el cual bajo, la dirección  y con la actuación protagónica de Héctor Manrique se atrevió a mostrar el delicado tema del uso de las redes sociales, a raíz del manejo indelicado de una fotografía de un mujer semidesnuda, gracias  a un inteligente y atrevido mecanismo dramatúrgico de  Gustavo Ott (Caracas, 1963) para proponer una reflexión profunda -bordeando las teorías de Carl Gustav Jung- sobre los precipicios afectivos de la mediana edad de hombres y mujeres y además logra  enfrentar a dos generaciones dentro de los nada fácil de controlar  que son los  fenómenos virales y el efecto devastador de aquellos escándalos prefabricados y exaltados gracias a las redes sociales, cuando estas son usadas con impericia y envenenadas con esa “salsa maldita” de una nefasta incultura machista o sexista.
Toda una temática compleja y una inteligente y bien cuidada representación por parte del GA-80 que permite el valioso y estético espectáculo, además de didáctico, y relativamente corto (75 minutos), que no es más que un viaje íntimo sobre los precipicios afectivos de la mediana edad colocando en juicio la dinámica de dos generaciones enfrentadas dentro del fenómeno viral, y el efecto devastador de los escándalos prefabricados. Toda una temática de mucha actualidad y una peculiar representación poco frecuente en los escenarios venezolanos, que termina siendoun orgullo para la institución Trasnocho Cultural y para las sufridas y comprometidas artes escénicas criollas.
LA FOTO
Para los malos tiempos siempre hay muy buenas caras de actores comprometidos con sus proyectos profesionales y lo decimos porque Juan Carlos Gardié, Martha Estrada, Patty Oliveros, Angélica Arteaga, Pedro Borgo y Claudia Rojas son los comediantes que ensayaron La foto, para que, bajo la producción de Carolina Rincón, se presentara hasta el 13 de diciembre, allá en el Centro Comercial Paseo Las Mercedes, donde espera, en los sótanos, el Teatro Trasnocho Cultural. Pero el hombre dispone y el diablo siempre cambia las cosas: un accidente de salud pospuso el estreno durante una semana, porque se le desprendió o desgarró una retina a Gardié y tuvo que ser sustituido por el director Manrique, precisamente en un rol que además no era nada fácil.  
La foto, de Gustavo Ott , cuyo texto hemos leído gratamente, es una pieza melodramática que ganó el concurso del Centro Cultural Trasnocho Cultural para la promoción de los autores venezolanos. Hasta ahora se puede adelantar para los lectores, eventuales espectadores del montaje, una sinopsis, bien comprimida, de esta nueva pieza de Ott, quien reside actualmente en Estados Unidos donde trabaja como docente en una universidad de Washington, y es el autor criollo más representado en los escenarios venezolanos e internacionales durante los últimos años, además de ser uno de los mejores escritores teatrales.
En La foto, Laura (Estrada), madre de la adolescente, Kelly, (Rojas), quien está a punto de cumplir los 50 años y no tiene esposo,  se ha reencontrado a través de las redes sociales con un viejo amor de cuando estudiaban el bachillerato. Se trata de Denis (Manrique).Y aunque todo ocurre a través de sms privados y contactos vía Facebook, sin encuentro físico, la emoción de esta nueva posibilidad es experimentada por ambos con una intensidad incontenible. Es la comezón de la edad mediana. Pero Denis está casado y también tiene un hijo adolescente, Fran (Borgo), además le ha hecho saber a Laura que su matrimonio no marcha nada bien. Leña para esa hoguera de pasiones de los espíritus que nunca se apaga. Por su parte Laura, esperando que Denis tome una decisión y para animarlo o estimularlo se toma una foto desnuda y, de manera privada (Facebook), se la envía a su teléfono celular. Este hecho desencadena una serie de acontecimientos típicos, con los dimes y diretes de las parejas en conflicto que sacudirá no solo la vida de los directamente implicados sino también la de sus familiares más cercanos y hasta en las instituciones educativas en las que sus hijos se desenvuelven, además de divorcios inesperados, nuevas viviendas para los separados y reiniciar caminos. Todo por una broma fotográfica.
Es, pues, la depurada saga teatral de una foto que nunca debió ser llevada a las redes sociales porque fue vista o malentendida por los demás, generándose así una grave crisis en un círculo íntimo y muchas otras cosas que alteran las cotidianas vidas de un grupo de clase media de cualquier pais americano. La realidad es superior a lo que ha planteado Ott.
ESPECTACULO
Este montaje, como el que hizo Manrique, hace varios años,  con Art, de Jazmina Reza, es una clase magistral de la simplificación escénica: todo reducido al  único espacio escénico vacío, donde varias sillas y mesitas de  metal son utilizadas por los actores-personajes para crear las habitaciones o zonas  que sus situaciones requieren,  mientras atrás, el foro, un  gigantesco panel traslucido funge como  ventanal público  o como la fachada cual tótem sagrado de un celular inteligente, uno de esos que Laura usa para sus juegos nada inocentes  con Denis. Una iluminación correcta y un ritmo que se hará más preciso a medida que los actores concreten la vida íntima de sus convulsos personajes. Un montaje económico, creemos, adecuado para los tiempos de crisis económica, pero de contundentes contenidos
Es una lección de cómo llevar a la escena un texto que podría pecar de demasiado literario, pero que Ott debe haberlo creado mirando a los habitantes de su bucólico Washington, la capital del imperio, urbe donde ha pergeñado otras obras.
Las actuaciones son óptimas, especialmente Martha que saca provecho y Manrique, así como Patty Oliveros quien encarna a “la esposa de armas tomar” de Denis. Los  jóvenes Borges y Rojas son “el infeliz complemento” de ese ritual tan doloroso, pero que en la ficción escénica se quedan con sus hogares desechos, porque sus padres rompen la cama matrimonial, dejando a   Fran y Kelly  como los perdedores, por así decirlo. Son las verdaderas víctimas de los excesos de sus padres, que ahora achacan a las redes sociales, que es como acusar al automóvil de ser el causante de los accidentes de tránsito.
 La foto  no es más que  un viaje íntimo sobre los precipicios afectivos de la mediana edad colocando en juicio la dinámica de dos generaciones enfrentadas dentro del fenómeno viral, y el efecto devastador de los escándalos prefabricados. Toda una temática y una peculiar representación poco frecuentes en los escenarios venezolanos, donde la crisis del matrimonio como institución es el telón de fondo.
MATRIMONIO EN CRISIS

Esta obra de Ott, obliga al espectador que quiera explicarse el más allá de los personajes que ha creado el autor y conocer así algunos aspectos del proceso de transformación psíquica dentro la relación matrimonial –que está profundamente cuestionada en La foto- bajo los parámetros de Jung. Este enseña que para el hombre común el amor en su verdadero sentido coincide con la institución del matrimonio, mientras que para la mujer el matrimonio no es una institución sino una relación humana de amor. En tanto la mujer es mucho más “psicológica” y en esa medida más abierta al inconsciente, en el hombre predomina la lógica que, más que un apoyo, constituye un obstáculo para la integración de los contenidos del inconsciente. “Esta ventaja de la mujer moderna sobre el hombre en el proceso de individuación ayuda a explicar la crisis moderna del matrimonio. La integración por parte de la mujer de elementos considerados culturalmente como masculinos, tales como la autonomía y el juicio crítico, problematizan el matrimonio tradicional para la mujer, mientras que para aquellos enamorados con la masculinidad y la feminidad per se, el matrimonio tradicional es suficiente”, según el jungiano doctor  Javier Sáenz Obregón.  Ojo, pues, con el matrimonio. ¿Un mal necesario?

Fiesta con el tango en Caracas

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Más de 80 artistas nacionales e internacionales se darán cita en Caracas entre el 13 y 19 de noviembre, para la realización del Encuentro Nacional de Tango 2017, ENTango2017, producido por la Academia de Baila Gira Tango.
Luego del éxito alcanzado en sus dos primeras ediciones, el  ENTango2017 vuelve este año con el respaldo de las Embajadas de Argentina y Uruguay en Venezuela y contará con la participación de bailarines internacionales provenientes de Colombia.
“El objetivo es difundir esta danza y llevar el tango a espacios no convencionales. Tendremos clases, milongas, conversatorios y conciertos en los 5 municipios de Caracas, dando a conocer el trabajo que músicos y bailarines realizan en el país para mantener vivo este género musical”, comentaron Siulhy Santander y Leonel Colina, bailarines fundadores de Gira Tango.
Esta iniciativa cultural tiene una variada programación que exhibirá el trabajo de más de 80 artistas, entre bailarines, agrupaciones, cantantes, músicos y profesores, provenientes de diversas regiones del país.
Para los amantes de este género tan apasionado los días 18 y 19 de noviembre en la Sala 2 de teatro de la Fundación Celarg, habrá una Gala de Tango que contará con la participación de los bailarines Miguel Bastidas y Astrid Morillo (Sub-campeones Mundiales de Tango Salón, categoría junior. Medellín, 2015 y 2017) y de Marcelo Mesa y Maria Alejandra Sánchez Campeones de Milonga en el Festival Internacional de Tango de Medellín2017 y subcampeones de la competencia Milongueros del Mundo celebrada en Buenos Aires este mismo año.
 En este espectáculo además del baile, la música se hará presente en las notas del bandoneón del maestro uruguayo Eduardo Galeán, acompañado por Samuel Campos en el bajo, Jesús Morales en el violín, Daniel Milano en el teclado y Ariel Rojas en el canto. Las entradas para el espectáculo pueden ser adquiridas en las taquillas de la Fundación Celarg en Altamira o a través de la página web www.solotickets.com
Además de este show, el jueves 18 de noviembre la Embajada de Uruguay en Venezuela estará ofreciendo un concierto gratuito en la sala José Feliz Ribas del Teresa Carreño a partir de las 7:00 p.m. Igualmente, durante la semana, de 4:00pm a 6:00pm el público podrá disfrutar de tango en las plazas con clases y conciertos; y de las 7:00pm en adelante habrá noches de milonga en espacios como Trasnocho Cultural, Centro de Arte Los Galpones, Teresa Carreño y la Fundación Celarg.
El encuentro cuenta con una variada programación que puedes revisar en la página web www.giratango.net y a través del hashtag #ENTango2017 en las redes sociales de @GiraTangoen InstagramFacebook y Twitter.
¡No pierdas esta oportunidad de vivir el tango en Caracas!


"El Rompimiento" tiene preestreno en Los Teques

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Rafael Guindad reaparece en el Estado Miranda el sábado 11.
El elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro CNT) se presenta en la IV edición del Festival de Teatro Los Teques 2017 con el preestreno de El Rompimiento de Rafael Guinand, el sábado 11 noviembre, además de sus producciones ¿Dónde está enterrado Colón? de César Rojas   este viernes 3 y Zamora...por aquí pasó de Aníbal Grunn el jueves 9, seguida el domingo 5 con la pieza Robinson en la casa de Asterión de Tomás Jurado Zavala, de la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa  
Este encuentro cultural, que se inició el pasado 26 de octubre y bajará el telón el 12 de noviembre, se realiza por cuarto año consecutivo gracias al trabajo articulado del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), Gobernación de Miranda, Alcaldía de Guaicaipuro y Compañía Nacional de Teatro, entre otras instituciones del Estado venezolano.
El director de Cultura de la jurisdicción de Guaicaipuro, Alejandro Sequera, denominó a este festival como uno de lo más grande del país, asegurando que más de 11 mil personas, durante estas dos semanas, han disfrutado de actividades teatrales a “casa llena” en salas, espacios abiertos y comunidades.Hemos tomado todos los espacios culturales del municipio con el objetivo de brindar alegría y felicidad a los mirandinos, destacando que en esta edición continuamos ganando terreno en beneficio de las artes escénicas como lo es el rescate y remozamiento de los teatros Emma Soler y Casa de la Cultura”, reiteró Sequera.
 Asimismo, Sequera enfatizó la importancia de la recuperación productiva y progresiva de los espacios culturales desde la primera edición en el año 2013, además de la formación permanente de los mirandinos con talleres en las artes escénicas.
TEATRO PARA ELEGIR
Entre las actividades de la Compañía Nacional de Teatro esta semana se encuentran la puesta en escena con temática para adolescentes y la familia ¿Dónde está enterrado Colón?, dirigida y escrita por César Rojas, este viernes en el Teatro Lamas; la producción de la Compañía de Teatro de Portuguesa  Robinson en la casa de Asterión , protagonizada por Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza, hará lo propio el domingo en la Casa de la Cultura; la pieza en honor al General del Pueblo Soberano  Zamora...por aquí pasó, estará el jueves 9 en el Teatro Lamas; mientras que el preestreno de  El Rompimiento de Rafael Guinand, dirigido por Luis Domingo González, deleitará al público en el Emma Soler  de Los Teques. Todas las presentaciones serán a las 6:00 de la tarde.
EJE DE TÍTERES
El director de Cultura de la Alcaldía de Guaicaipuro, Alejandro Sequera, refirió que este año fortalecieron en el IV Festival de Teatro Los Teques la atención social con el Eje de Títeres, llevando funciones a centros hospitalarios, casas de abrigo e instituciones, consolidando el arte de las marionetas como herramienta pedagógica y terapéutica para todas y todos los mirandinos.
 Las presentaciones del Eje de Títeres a cargo de la agrupación Los Coquitos, que nació a partir de la iniciativa de formación por parte de la alcaldía, iniciarán el miércoles 8 de noviembre en el hospital Victorio Santaella; el jueves 9 en las casas de abrigo Nueva Esperanza y Una Mano Amiga de la parroquia Cecilio Acosta y el viernes 10 en la unidad educativa para niñas y niños especiales Francisco Miranda.


Caracas Cenital en la UCAB

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Como parte de la identidad visual de la segunda edición de la Feria del Libro del Oeste de Caracas UCAB 2017, que celebrará el 450 aniversario de la ciudad capital, y tendrá a Italia como país invitado; se recibirá a la exposición Caracas Cenital, auspiciada por la Fundación para la Cultura Urbana, que reúne una selección de gigantografías de fotografías aéreas tomadas por Nicola Rocco.
 Caracas Cenitalforma parte del Proyecto Cenital desarrollado por la  Fundación para la Cultura  Urbana, y consta de fotografías de Nicola Rocco, realizadas, durante quince vuelos en helicóptero, por iniciativa del  arquitecto William Niño Araque, publicadas en  el libro  Caracas Cenital, en 2005.
    Se trata de imágenes con una inusual visión de la ciudad, donde se amalgaman elementos como la naturaleza, la transparencia de la luz solar caribeña y la obra construida, para mostrar la gran urbe que se expande   desde su centro histórico hasta Guarenas-Guatire, los Altos Mirandinos y el Litoral Central.
   El libro Caracas Cenital (2005) forma parte del Proyecto Cenital, compuesto por las obras Valencia Cenital (2006) y Maracaibo Cenital (2007).
                                           NICOLA ROCCO
   Nicola Rocco, considerado por excelencia el fotógrafo de la escena teatral venezolana, ejerce la fotografía desde 1990, cuando se inició como corresponsal para El Tiempo, de Puerto La Cruz.  En 1993, participó como fotógrafo en la VII edición del Festival Nacional de Teatro, organizado por el CONAC; y en 1995, integró el grupo de prensa y promoción del Encuentro Mundial de Escuelas e Institutos de Teatro, organizado por el Instituto Internacional de Teatro ITI-UNESCO, capítulo Venezuela.   En la actualidad, se desempeña como reportero gráfico del diario El Universal.
                            LA FERIA DEL LIBRO UCAB 2017
La segunda edición de la Feria del Libro del Oeste de Caracas UCAB 2017, en el campus de Montalbán, celebrará el 450 aniversario de la ciudad capital, entre el 27 de noviembre y el 3 de diciembre; tendrá a Italia como país invitado; junto a la oferta editorial, brindará actividades como exposiciones, obras teatrales, conciertos Y degustaciones.    El evento cuenta con el apoyo de la Embajada de Italia, Banesco, BOD y la Fundación Konrad Adenauer, entre otras instituciones.  Entrada Libre


Julius Fucick en Unearte

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 JULIUS FUCICK
Para el  próximo martes,14 de noviembre, a las 4 PM, en la sala Horacio Peterson de la sede de Unearte, en la plaza Morelos, ha sido pautada la presentación del espectáculo Julius, del escritor argentino-costarricense Rubén Pagura, actuado por Daniel Pinto y bajo la direccion de María Teresa  Espinoza.
Este montaje Julius es consecuencia una bien documentada investigación académica de María Teresa Espinoza que ha realizado en el núcleo Unearte de Araure, estado Portuguesa, y viene a Caracas a instancias de la Compañía Nacional de Teatro en ocasión del Centenario de la Revolución Rusa.
El texto original es del escritor y actor argentino-costaricense Rubén Pagura, basado en un libro que ha sido lectura obligada para la formación política de innumerables generaciones de la izquierda mundial, Reportaje al pie de la horca, compendio de los manuscritos clandestinos del periodista y escritor checoslovaco  Julius Fucick (1903-1943) durante su confinamiento.
El 25 de agosto de 1943, Julius Fucick es condenado a muerte y en el juicio declara ante los tribunales nazis: “Sé que seré condenado a muerte y que mi vida llega a su fin, pero, también sé que hice lo que pude por nuestra victoria. Estoy seguro de que seremos vencedores. Nosotros moriremos pero otros vendrán a continuar nuestra obra”.
Apunta la directora Espinoza que la historia de los pueblos está llena de héroes anónimos que han entregado de forma silente la vida toda en medio de actos de profunda valentía y esperanza. “Julius Fucick pasa sus últimos 411 días al pie de la horca en la cárcel de Pankrác, Praga, preso a manos de los nazis por una única razón: ser militante comunista de la revolución en la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas durante la Segunda Guerra de Occidente, la cual cumple ahora un centenario”.
Durante la etapa de su confinamiento escribe a manera de reportaje sus experiencias como condenado, estos escritos salen clandestinamente de la prisión y posteriormente recopilados por su mujer Gusta Fucikova, los cuales dieron cuerpo al libro Reportaje a pie de la horca.

 “Valor, honor, traición, dolor, amor, dignidad y humanidad nos van a llevar en esta obra hacia el mundo interior de quienes formaron parte e hicieron posible uno de los procesos más importantes de la contemporaneidad. A 100 años del Octubre Rojo que cambió para siempre el curso de la historia, rendimos tributo a las mujeres y hombres que lucharon por la sociedad socialista y la verdadera libertad”, puntualiza Espinoza, quien está acompañada por Zulay Herrera y William Castellanos en esta producción.

Damocles, Federico y Bárbara

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Terceto actoral y la directora Maigualida Gamero.
Fuimos testigos de tres sucesos o eventos de importancia sociocultural para Venezuela, escenificados precisamente en Caracas, durante el pasado viernes 3 de noviembre de 2017. Curiosa trilogía de eventos, que hemos vinculado en esta crónica porque confluyen en un abierto y contundente repudio contra las diferenciaciones por las conductas sexuales y otros derechos humanos.
Se dio inicio, por parte de la Asamblea Nacional Constituyente, del proyecto de una norma que promueve la tolerancia y la convivencia pacífica entre los venezolanos. Presenciamos el estreno del espectáculo Federico y Dióscoro , que propone una reflexión sobre las últimas horas del encarcelado escritor Federico García Lorca, presuntamente, por su condición sexual; una dura crítica a un sistema que corroe, discrimina, anula y excluye al ser humano; todo eso se exhibió en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, antiguo y ahora restaurado “portaaviones” que permitió el debut y el florecimiento de autores como Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas y Román Chalbaud, a partir de 1967. Y fue estrenada y comenzó la temporada de la película venezolana Bárbara del director y guionista John Petrizzelli, rocambolesca ficción de un travesti criollo y su ocasional compañero de viaje.
SIN LEYES NO HAY REPÚBLICA
Más allá de la divergencia politiquera, es innegable que la Asamblea Nacional Constituyente (ANC) debate la aprobación de un proyecto de “Ley contra del odio y el fascismo para la convivencia pacífica”, como otra garantía de paz y seguridad en Venezuela. Es una legislación contra el odio y el fascismo, con la premisa de velar por la paz de toda la ciudadanía. Estatuto que tiene como finalidad cumplir con el compromiso original de concordia y armonía conforme a los principios humanistas. Es una espada de Damocles o castigo severo contra el odio, la intolerancia y el fascismo entre los habitantes de este país, que deberá promover la tolerancia y la convivencia pacífica entre los venezolanos, que además alude a los medios de comunicación “que promuevan el odio y el racismo”, lo cual exigirá para su cumplimiento que existan autoridades policiales e investigadoras y tribunales capaces y honestos; todo eso debe ser posible en una república que lleva más de 200 años de duro trajinar. Esa normativa, más otras que serán procesadas por la ANC, reformarán la actual Carta Magna de 1999 y todo aquello deberá ser aprobado finalmente por votación popular.
GARCÍA LORCA DE NUEVO
Federico y Dióscoro, del autor español Rubén Buren (Madrid, 1974) es un texto, de estructura nada convencional, donde se combinan la narrativa novelesca y la técnica teatral, lo cual impacta porque obliga a reflexionar sobre los últimos días del escritor Federico García Lorca quien es encarcelado, presuntamente, por su condición sexual, y recrea lo que pudo ser aquel desasosiego carcelario. Es pues, una dura crítica a un sistema que corroe que anula al ser humano. Sin embargo entre ensoñaciones y poesía se van develando secretos y podemos ponderar la condición excluyente de ciertas sociedades.
No hay nada nuevo bajo el sol, como enseña el rey Salomón en esta pieza, todo es conocido gracias a otros autores que han pretendido recrear las horas finales del autor de La casa de Bernarda Alba. Eso no es malo ni bueno, simplemente no es novedoso, pero se acepta por todo el trabajo ahí presente. Creemos que el autor hispano venezolano José Antonio Rial es quien mejor plasma esas horas finales en su texto La muerte de García Lorca, gran espectáculo de Rajatabla cuando vivía Carlos Gimenez.
Ahí, en un acto, no superior a los 75 minutos de representación, se muestra a Federico vinculado a Dióscoro en una celda de condenados a muerte, un maestro transgresor; de igual manera nos presenta a Luis Rosales, un gran amigo del escritor, el único contacto con el exterior. Rubén Buren logra crear un texto que se construye fragmentariamente como una película, una especie del discurso cinematográfico que nos lleva a una propuesta estética y escénica multimedia que se conjuga desde la puesta en escena con videos y microfónicas, como advierte la directora Maigualida Gamero.
Hay que recordar que hace 81 años España se desangraba en fratricida contienda. Una guerra civil por injustificables motivos escindía la historia de una nación que había imperado en Europa y América, pero que por la intolerancia de los bandos enfrentados se convirtió en cadalso de caínes y abeles. Las consecuencias todavía atormentan y desvelan a descendientes de víctimas y vencedores. Nadie quiere otra brecha igual.
En la larga lista de ese millón de muertos que dejó como saldo, hay un nombre en especial que evocamos, porque, precisamente, el 18 de agosto de 1936 fue fusilado el poeta y dramaturgo Federico García Lorca, a los 38 años. Todo un artista de sólidos principios y no un soldado o un guerrillero de pacotilla, a quien los fascistas eliminaron, creyendo que así lo borrarían de la historia. ¡Jamás!
García Lorca es uno de esos artistas de quien casi todo el mundo ha oído hablar pero al que, lamentablemente, muy pocas personas han leído a fondo. Su personalidad extravagante, además de la forma tan trágica como murió, desgraciadamente ha opacado sus verdaderos logros y su importancia como escritor de vanguardia. Algunos recuerdan más su sórdido final y no lo otro, lo que rompe el silencio de los tiempos, su obra.
Federico, por muchas declaraciones escandalosas que había hecho para defender al socialismo de la república española, y por haberse convertido en una ‘loca pública’, había despertado el odio de conservadores y reaccionarios españoles. Estaba marcado y que sus enemigos querían deshacerse de él, a cualquier precio. Y así lo hicieron, pero su obra ha derrotado al tiempo, una victoria por encima de la muerte.
El documental Lorca. El mar deja de moverse, de Emilio R. Barrachina, desvela que la muerte del célebre escritor “nació en el seno familiar”. Ahí se afirma que Juan Luis Trescastros Medina, casado con una prima lejana del padre del poeta y dramaturgo de Fuentevaqueros, sería el autor material de su muerte, “Fue quien, después del asesinato, fue contando por ahí que le había metido dos balas en el culo por maricón”, dijo el hispanista Ian Gibson, uno de los historiadores que más profundamente investigó este episodio. En ese documental están las palabras de 25 personas y las de Rafael Amargo, quien declara que a Lorca lo mataron sus primos. “El run, run popular de que los familiares eran los instigadores, ahora se confirma”, dice.
El documental acredita que la homofobia “como componente político” es también “una de las causas de la muerte del poeta. Siempre se ha tratado de tapar su homosexualidad, incluso por parte de la izquierda, porque un mártir de izquierda no podía ser homosexual”, dice Barrachina.
Federico y Dióscoro es un juego de la mente hecho teatro, donde Isaac De Lima encarna al poeta, Carlos del Castillo es Dióscoro y Ademir Alfonzo es Luis. David Blanco es el responsable de la iluminación, mientras que el diseño de la escenografía es de Armando Zullo. Y la creadora de todo eso ritual es Maigualida Gamero, como una directora general de una densa ceremonia con ritmos de lectura dramatizada y de teatro de acción que se alternan. Toda una producción bien lograda y digna de aplauso, además de oportuna para los tiempos que se viven en la patria de El Libertador.
TRAVESTI PROTAGONISTA
Bárbara es un filme de John Petrizzelli, su segundo largometraje de ficción, un road movie rodado en las llanuras venezolanas, producidas por Sudameris Cinema, el CNAC, la Villa del Cine y distribuidas por Amazonia Films y Cines Unidos. Plasma en la pantalla la saga de Bárbara, viejo travesti que es destronado por otro más joven y en venganza roba a su ex jefe y ex amante un valioso maletín, y se fuga al Llano.
Inventó un travesti pobre, mitómano, mentiroso, manipulador, con un ego gigantesco que se asume como Donna Summer pero que vive en un cuarto de pensión, gana un sueldito y es desplazado por la ley del mercado del espectáculo que rige mucho más en el mundo travesti, del show fonomimico, que es la ley del más joven. Los travesti que ya están viejos quedan para hacer las doñas del espectáculo o las presentadoras, pero no pueden tener el protagonismo de la vedette, ha explicado el director, quien coescribió el guión con Luis Ángel Duque y Rafael Pinto.
Bárbara se topa con Sixto, un joven campesino que huye de los carteles de la droga. A pesar de sus profundas diferencias, se ven forzados a escapar juntos. Su relación muta del conflicto inicial da paso a una particular amistad. Al final, Bárbara aprende a ser sincero y Sixto se convence de que sus sueños pueden hacerse realidad.
Petrizzelli afirmó que es pura casualidad que repita en su cinematografía con el tema LGBTI, luego del estreno de Tí@s (2015). Realmente lo único que los une como temática es que todos son personajes excluidos o marginados u odiados, pero un día viendo un periódico amarillista encontré una foto de un asalto que hubo en una discoteca gay caraqueña, el Ice Palace, en la que entraron unos delincuentes disfrazados de travestis con pelucas y demás, y asaltaron a todo el mundo. Para mala suerte de ellos, cuando iban saliendo la policía los agarró y a uno lo mataron, y quedó la foto del supuesto travesti tendido con la peluca a un lado y los zapatos de tacón volteados. “Ahí fue que vino la chispa para la historia”, puntualiza.
Bárbara se une a la lista de películas venezolanas que abordan con dignidad la temática gay, las cuales en años recientes han conseguido importantes reconocimientos en los principales festivales de cinematografía del mundo. “El cine venezolano salió del closet, finalmente, y si observa seriamente la mayoría de las películas venezolanas premiadas en festivales de los últimos años son LGBTI. Los directores finalmente asumimos trabajar esa temática”.
Prometemos a los lectores una reseña de este filme, cuya temática ha sido abordada con saciedad por los dramaturgos venezolanos, desde que en 1971 Isaac Chocrón mostró La revolución, dirigida por Román Chalbaud.
NOTA
El 8 de noviembre,en las horas de la tarde, la ANC aprobó la “Ley contra del odio y el fascismo para la convivencia pacífica”.



"El rompimiento" llega a Los Teques

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Un elenco de El rompimiento.
La Compañía Nacional de Teatro (CNT), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura desde 1983, no ha detenido sus labores internas y externas para llevar los mejores espectáculos venezolanos y universales a la audiencia caraqueña. Y ahora prepara el triple montaje del legendario sainete criollo El rompimiento, de Rafael Guinand, en fechas definitivas que serán anunciadas próximamente, pero este sábado,11 de noviembre, hay un preestreno en el Teatro Emma Soler de Los Teques, a las dos de la tarde, dentro de la programación del Festival de Teatro que organiza dicha comunidad
El rompimiento, estrenado 5 de enero de 1917, en el teatro Nacional, es el sainete elegido por la directiva de la CNT para conmemorar además los 67, años de la muerte de  su ilustre autor Rafael Guinand, nacido en Caracas en 1881, y, como es obvio, el  primer centenario de su estreno el 05 de enero de 1917. Tampoco se puede olvidar que hace 30 años, la CNT lo escenificó y ahí actuaba el primer actor Rafael Briceño.
En este sainete, El rompimiento, se muestra la doble moral expuesta a través de un personaje caricaturesco (Esparragoza), que es la excusa para representar las costumbres éticas y morales imperantes en la primera década del siglo XX en la capital. Detrás de este sainete se oculta una sátira aguda sobre el tipo de vida que hacían las madres y las niñas casaderas, el lleva y trae de los vecinos, el jovenzuelo que enamoraba a unas cuantas mujeres y a pesar de todo sale airoso de sus embrollos.
 El elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que fue seleccionado en un severo casting, trabaja actualmente en los tres montajes o versiones escénicas de El rompimiento. Livia Méndez dirigirá la versión musical y será un montaje para teatro de calle que se estrenará en la plaza Bolívar de Caracas, mientras que Luis Domingo González hará una escenificación tradicional o clásica en el teatro Nacional y Arturo Santoyo tendrá a su cargo   una versión experimental para ser exhibida en una casona del centro caraqueño.
VISION DE LOS DIRECTORES
La directora y actriz Livia Méndez, que se vinculó por primera a la CNT en la temporada de 1986, y que ahora   llevara su musical a la plaza Bolivar, considera que el sainete es un pieza breve jocosa y tradicionalmente popular, “nunca pierde vigencia porque refleja siempre la realidad y retrata los arquetipos sociales”.
Manifiesta que su montaje se exhibirá en la plaza Bolívar caraqueña, donde sus actores además cantaran, durante la escenificación de una retreta con orquesta. “Mis actores son una maravilla y así lo demostrarán al público en la tarde del 19 de noviembre, posiblemente. Creo que El rompimiento está muy vigente, 100 años después. Y además esto hace parte de un homenaje de la CNT a Rafael Guinand y Rafael Briceño, quien  lo hizo travestido en las temporadas de los años 80 de la Compañía Nacional de Teatro, que para ese época la dirigía Isaac Chocrón, su fundador.
 El director y actor Luis Domingo González afirma que el sainete como estructura teatral es universal y tiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes. “Mi montaje es tradicional y mi elenco ha cuidado mucho sus personajes porque deben adecuarse al lenguaje de la época. Creo que se mostrara en el teatro Nacional, sede artística de la institución productora".
Arturo Santoyo, el más joven de los puestistas y quien trabaja con una puesta en escena no tradicional, no duda en afirmar que el sainete, y en particular El rompimiento, es una pieza teatral de alto contenido critico a la sociedad de su tiempo y también alude a la época actual venezolana, por su arquetipos, "porque seguimos siendo los mismos, cien años después. Hemos cambiado en el vestuario y en la música, pero las costumbres son las mismas. Mi montaje sale de los espacios escénicos tradicionales y buscar llegar o contactar al público más directamente. Lo debo mostrar en una casa colonial, en su patrio central. Mi elenco ya capto la esencia de los personajes y lo que pretendía el autor. Ojala que sea en una casona del casco central caraqueño”.
ELENCOS
Los seis personajes y un presentador, para las tres puestas en escenas, serán encarnados, alternamente, por Aura Rivas, Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz y Juan Manuel Pérez para el montaje del director González.
  Livia Méndez, Edilsa Montilla, Juliana Cuervos, Ludwig Pineda, Francisco Aguana, Orlandys Suarez y Dayana Cadenas en la puesta en musical que aborda Livia Méndez.
Varinia Arráiz, Kala Fuenmayor, Maria Tellis, Trino Rojas, Kelvin Zapata, Larry Castellanos, Sandra Moncada, Ana González, Yaimira Martínez, Keudy López y Julio Enrique García, bajo la dirección de Santoyo


Buscan investigadores y escritores del hecho teatral

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El Centro Nacional de Teatro, CNT, extendió prórroga para participar en el Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 hasta el 30 de noviembre para que creadoras, creadores, gestores culturales, organizaciones, investigadores, docentes, estudiantes y la comunidad de las artes escénicas en general envíen sus proyectos en la búsqueda de fomentar la construcción de conocimientos y saberes teatrales.
Los aspirantes a esta segunda edición del premio podrán enviar sus ensayos (un solo trabajo de investigación de acuerdo a su categoría) asumido de forma literaria y también como espacio creativo de desarrollo e investigación desde sus procesos de gestión y prácticas artísticas para acercarnos al hecho teatral y a la reflexión desde “el hacer”.
El Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 que promueve la institución, de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), tiene como objetivos fomentar la investigación y construcción de conocimiento desde la praxis escénica y teatral actual; con temáticas desde la formación, aprendizajes y diálogos de saberes, diversidad de integración y desde la acción social, con aspectos simbólicos e imaginarios que divulguen el pensamiento creador del teatro y artes escénicas de nuestro país.
El Centro Nacional de Teatro en apoyo a la creación artística, asegurando la incorporación de nuevas estéticas y lenguajes para la construcción de la hegemonía cultural bolivariana, otorgará cuatro premios en metálico, según las categorías: Creadores, gestores o investigadores emergentes y Creadores, gestores o investigadores de amplia trayectoria, con primer y segundo lugar, respectivamente.

Los ensayos ganadores serán publicados en un libro de formato digital de circulación libre. Los requisitos para participar e inscribirte en el Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 lo puedes descargar en la página web del Centro Nacional de Teatro: www.cnt.gob.ve. Para mayor información puedes comunicarte a través de los números de teléfono: (0212) 481.2147/7306/0715/2227. Además síguenos en Twitter: @CNT_Venezuela y Fan Page Facebook: Centro Nacional de Teatro.

Para no olvidar a Lorca

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Actores de  relevo para no muera el teatro criollo.
Hizo una breve temporada en el Teatro Alberto de Paz y Mateos el espectáculo Federico y Dióscoro, dirigido por Maigualida  Gamero, el cual regresará a los escenarios durante año próximo,como no los dijo esta aguerrida teatrera.
Este Federico y Dióscoro, del autor español Rubén Burén (Madrid, 1974) es un texto, de estructura   nada convencional, donde se combinan la narrativa novelesca y la técnica teatral, lo cual impacta porque obliga a reflexionar sobre los últimos días del escritor Federico García Lorca quien es encarcelado, presuntamente, por su condición sexual, y recrea  lo que pudo ser aquel desasosiego carcelario. Espues, una dura crítica a un sistema que corroe que anula al ser humano. Sin embargo entre ensoñaciones y poesía se van develando secretos y podemos ponderar la condición excluyente de ciertas sociedades.
No hay nada nuevo bajo el sol, como enseña el rey Salomón en esta pieza, todo es conocido gracias a otros autores que han pretendido recrear las horas finales del autor de La casa de Bernarda Alba. Eso no es malo ni bueno, simplemente no es novedoso, pero se acepta por todo el trabajo ahí presente. Creemos que el autor hispano venezolano José Antonio Rial es quien mejor plasma esas horas finales en su texto La muerte de García Lorca, gran espectáculo de Rajatabla cuando vivía Carlos Gimenez.
FRATRICIDIO ESPAÑOL
Ahí, en un acto, no superior a los 75 minutos de representación, se muestra a Federico vinculado a Dióscoro en una celda de condenados a muerte, un maestro transgresor; de igual manera nos presenta a Luis Rosales, un gran amigo del escritor, el único contacto con el exterior. Rubén Burén logra crear un texto que se construye fragmentariamente como una película, una especie del discurso cinematográfico que nos lleva a una propuesta estética y escénica multimedia que se conjuga desde la puesta en escena con videos y microfónicas, como advierte la directora Maigualida Gamero.
Hay que recordar que hace 81 años España se desangraba en fratricida contienda. Una guerra civil por injustificables motivos escindía la historia de una nación que había imperado en Europa y América, pero que por la intolerancia de los bandos enfrentados se convirtió en cadalso de caínes y abeles. Las consecuencias todavía atormentan y desvelan a descendientes de víctimas y vencedores. Nadie quiere otra brecha igual.
En la larga lista de ese millón de muertos que dejó como saldo, hay un nombre en especial que evocamos, porque, precisamente, el 18 de agosto de 1936 fue fusilado el poeta y dramaturgo Federico García Lorca, a los 38 años. Todo un artista de sólidos principios y no un soldado o un guerrillero de pacotilla, a quien los fascistas eliminaron, creyendo que así lo borrarían de la historia. ¡Jamás! 
García Lorca es uno de esos artistas de quien casi todo el mundo ha oído hablar pero al que, lamentablemente, muy pocas personas han leído a fondo. Su personalidad extravagante, además de la forma tan trágica como murió, desgraciadamente ha opacado sus verdaderos logros y su importancia como escritor de vanguardia. Algunos recuerdan más su sórdido final y no lo otro, lo que rompe el silencio de los tiempos, su obra.
Federico, por muchas declaraciones escandalosas que había hecho para defender al socialismo de la república española, y por haberse convertido en una ‘loca pública’, había despertado el odio de conservadores y reaccionarios españoles. Estaba marcado y que sus enemigos querían deshacerse de él, a cualquier precio. Y así lo hicieron, pero su obra ha derrotado al tiempo, una victoria por encima de la muerte.
El documental Lorca. El mar deja de moverse, de Emilio R. Barrachina, desvela que la muerte del célebre escritor “nació en el seno familiar”. Ahí se afirma que Juan Luis Trescastros Medina, casado con una prima lejana del padre del poeta y dramaturgo de Fuentevaqueros, sería el autor material de su muerte, “Fue quien, después del asesinato, fue contando por ahí que le había metido dos balas en el culo por maricón”, dijo el hispanista Ian Gibson, uno de los historiadores que más profundamente investigo este episodio. En ese documental están las palabras de 25 personas y las de Rafael Amargo, quien declara que a Lorca lo mataron sus primos. “El run, run popular de que los familiares eran los instigadores, ahora se confirma”, dice.
El documental acredita que la homofobia “como componente político” es también “una de las causas de la muerte del poeta. Siempre se ha tratado de tapar su homosexualidad, incluso por parte de la izquierda, porque un mártir de izquierda no podía ser homosexual”, dice Barrachina.
ESPECTACULO 2017
Federico y Dióscoro es un juego de la mente hecho teatro, donde Isaac De Lima encarna al poeta, Carlos del Castillo es Dióscoro y Ademir Alfonzo es Luis. David Blanco es el responsable de la iluminación, mientras que el diseño de la escenografía es de Armando Zullo. Y la creadora de todo eso ritual es Maigualida Gamero, como una directora general de una densa ceremonia con ritmos de lectura dramatizada y de teatro de acción que se alternan. Toda una producción bien lograda y digna de aplauso, además de oportuna para los tiempos que se viven en la patria de El Libertador.


Caracas baila tango

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Un   conversatorio  sobre  la visita de Gardel a Venezuela,  así  como el impacto del ritmo  del dos por  cuatro, en la  sociedad  venezolana; y la importancia, como espacio cultural,  de las peñas tangueras;  tendrá lugar, en el marco del Encuentro Nacional de Tango, con la  participación del  Encargado de Negocios de la Embajada  Argentina,  Eduardo Porreti,  y el  guitarrista, arreglista, compositor y productor musical, Aquiles Báez,  el martes 14 de noviembre, de 6:30 pm a 7:30 pm, en el Centro de Arte los Galpones, ubicado en la Octava Transversal  con Avenida Ávila,  Los Chorros.  
     LA POPULARIDAD DEL TANGO
   El tango, que   nació en el Rio de la Plata entre Argentina y Uruguay se convirtió en uno de los géneros musicales, cuya presencia se ha vuelto familiar, al que le rinden culto hombres y mujeres de todo el planeta; al punto de convertirse en Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, según la Declaración emitida por El Comité Intergubernamental de la UNESCO el 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo. 
    En la nominación, se describe al tango como “un ejemplo del proceso de la sedimentación cultural” y “de la transformación social a través del tiempo”.  Y como un baile seductor con letra melancólica que debe ser salvaguardado. El tango "personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo".
   En Venezuela, la presencia del tango se remonta a la primera década del siglo XX, son muchos los seguidores de la música, la danza y la poesía del tango.   Un ejemplo, lo tenemos en la campaña del cantante Luis Felipe Izquierdo, quien logró, en 1960,   reunir 30.000 firmas, para que se le diera el nombre de Gardel a una calle en la capital venezolana.
          LOS INVITADOS
   Eduardo Porretti, (Entre Ríos, Argentina, 1963),  es un narrador que se desenvuelve con acierto entre la escritura de ficción y el ensayo, con creaciones como “Naturaleza Humana”, compuesto por 31 relatos escritos en La Habana, durante su desempeño en el cargo de Consejero Cultural de la Embajada de su país en Cuba, (Ediciones del Dragón).   Recientemente, en agosto pasado, presentó “Geografía Anímica” de la editorial El Estilete, responsable de la publicación del libro de relatos en Venezuela.
   Porretti, estudió Ciencia Política en la Universidad Nacional de Rosario; Ciencias Sociales en FLACSO. Master en Global Affaires, New School for Social Research.   Desde 1993, se desempeña como miembro del Servicio Exterior de la Nación Argentina. Por sus labores diplomáticas, estuvo en las delegaciones de Argentina en Colombia y Cuba. Antes de llegar a Venezuela para asumir como Encargado de Negocios, trabajó en la Misión Permanente de la República Argentina ante las Naciones Unidas.
Aquiles Báez (Caracas, 1964) Es un guitarrista, arreglista, compositor y productor musical, considerado como uno de los artistas más importantes del país. En su biografía destaca su participación en el documental Calle 54 del español Fernando Trueba, documento que registra la escena musical latina en Nueva York.  Estuvo también en el proyecto Outro Centro de América Contemporánea grabado en Sao Paulo, Brasil; grabó en el disco La passion según San Marcos publicado por la Deutsche Grammophon. Tiene en su haber más de 13 producciones discográficas.
   En 2006, grabó junto al tenor Aquiles Machado La Canción de Venezuela, volumen I, del cual también se editó un DVD. Tres años después repitió con La Canción de Venezuela, volumen II, que reunió una vez más a Báez y Machado pero sumando a otro grande de la música: Alexis Cárdenas.   Báez ha compuesto música para cine, teatro, danza, televisión. Es fundador junto a Ernesto Rangel de Guataca Producciones.



"El rompimiento" se muestra en tres escenarios caraqueños

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El rompimiento para festejar al teatro nacional.
La Compañía Nacional de Teatro (CNT), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura desde 1983, no ha detenido sus labores internas y externas para llevar los mejores espectáculos venezolanos y universales a sus audiencias. Y ahora exhibirá el triple montaje del legendario sainete criollo El rompimiento, de Rafael Guinand, desde el viernes 17 al domingo 19, en tres escenarios caraqueños diferentes.
Estrenado 5 de enero de 1917, en el teatro Nacional, El rompimiento es el sainete elegido por la directiva de la CNT para conmemorar además los 67, años de la muerte de  su ilustre autor Rafael Guinand, nacido en Caracas en 1881, y, como es obvio, el  primer centenario de su estreno el 05 de enero de 1917. Tampoco se puede olvidar que hace 30 años, la CNT lo escenificó y ahí actuó el primer actor Rafael Briceño.
En este sainete, El rompimiento, se muestra la doble moral expuesta a través de un personaje caricaturesco (Esparragosa), que es la excusa para representar las costumbres éticas y morales imperantes en la primera década del siglo XX en la capital. Detrás de este sainete se oculta una sátira aguda sobre el tipo de vida que hacían las madres y las niñas casaderas, el lleva y trae de los vecinos, el jovenzuelo que enamoraba a unas cuantas mujeres y a pesar de todo sale airoso de sus embrollos.
 El elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que fue seleccionado en un severo casting, trabajó en los tres montajes o versiones escénicas de El rompimiento. Livia Méndez dirigirá la versión musical y será un montaje para teatro de calle que se estrenará en la plaza Bolívar de Caracas, mientras que Luis Domingo González hará una escenificación tradicional o clásica en el teatro Nacional y Arturo Santoyo tendrá a su cargo una versión experimental para ser exhibida en la Casa Natal del Libertador. .
VISION DE LOS DIRECTORES
La directora y actriz Livia Méndez, que se vinculó por primera a la CNT en la temporada de 1986, y que ahora   llevará su musical a la plaza Bolívar (domingo 19, 3PM), considera que el sainete es una pieza breve jocosa y tradicionalmente popular, “nunca pierde vigencia porque refleja siempre la realidad y retrata los arquetipos sociales”.
Manifiesta que su montaje se exhibirá en la plaza Bolívar caraqueña, donde sus actores además cantaran, durante la escenificación de una retreta con orquesta. “Mis actores son una maravilla y así lo demostrarán al público en la tarde del 19 de noviembre, posiblemente. Creo que El rompimiento está muy vigente, 100 años después. Y además esto hace parte de un homenaje de la CNT a Rafael Guinand y Rafael Briceño, quien  lo hizo travestido en las temporadas de los años 80 de la Compañía Nacional de Teatro, que para ese época la dirigía Isaac Chocrón, su fundador.
 El director y actor Luis Domingo González afirma que el sainete como estructura teatral es universal y tiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes. “Mi montaje es tradicional y mi elenco ha cuidado mucho sus personajes porque deben adecuarse al lenguaje de la época. Se mostrara en el teatro Nacional, sede artística de la institución productora, del viernes 17 al domingo 19, a las 5PM".
Arturo Santoyo, el más joven de los puestistas y quien trabaja con una puesta en escena no tradicional, no duda en afirmar que el sainete, y en particular El rompimiento, es una pieza teatral de alto contenido critico a la sociedad de su tiempo y también alude a la época actual venezolana, por su arquetipos, "porque seguimos siendo los mismos, cien años después. Hemos cambiado en el vestuario y en la música, pero las costumbres son las mismas. Mi montaje sale de los espacios escénicos tradicionales y buscar llegar o contactar al público más directamente. Lo debo mostrar en una casa colonial, en su patrio central. Mi elenco ya capto la esencia de los personajes y lo que pretendía el autor. Se presentara en un espacio especial de la Casa Natal del Libertador, desde el viernes 17 al domingo 19, a las 3PM”.
 ELENCOS
Los seis personajes y un presentador, para las tres puestas en escenas, serán encarnados, alternamente, por Aura Rivas, Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz y Juan Manuel Pérez para el montaje del director González.
  Livia Méndez, Edilsa Montilla, Juliana Cuervos, Ludwig Pineda, Francisco Aguana, Orlandys Suárez y Dayana Cadenas en la puesta en musical que aborda Livia Méndez.
Varinia Arráiz, Marcela Lunar, Kala Fuenmayor, Maria Tellis, Trino Rojas, Kelvin Zapata, Larry Castellanos, Sandra Moncada, Ana González, Yaimira Martínez, Keudy López y Julio Enrique García, bajo la dirección de Santoyo


Formarán profesionales del teatro

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Gerardo Blanco en el proyecto Escénica
Los actores del teatro y la televisión, además del cine en Venezuela, deben resetearse, o revisarse, o adaptarse a los nuevos tiempos para estar a tono con el desarrollo del espectáculo mundial. Y para eso hay talleres, cursos y hasta diplomados que actualizan los conocimientos y adiestramiento físicos.
Por eso, ahora en Caracas un grupo de teatreros que ya han creado y puesto en marcha a la institución Escénica, donde, precisamente, el director y escritor Gerardo Blanco está al frente de este valioso programa educativo.
 Gerardo anuncia, pues, que el proyecto Escénica es más que un Centro de Formación o Espacio para el Teatro, donde “capacitaremos profesionales en las diversas áreas. Nuestra misión es desarrollar, apoyados en el conocimiento, la técnica, la educación, la disciplina y la promoción de valores, las condiciones, disposición y la creatividad de futuros profesionales en las áreas de mercadeo escénico, dramaturgia, dirección, actuación y diseño escénico”.
¿Cuál es la visión de Escénica?
Formar profesionales comprometidos con un teatro inteligente y de calidad que proyectaran las artes escénicas con la competitividades necesarias, que permitirán un desarrollo estable y productivo de esta área. Ahí hay que diseñar, como es obvio, un programa que permita interiorizar la constancia, la disciplina, el esfuerzo, la ética, la creatividad, compromiso y el aprendizaje a través del suministro de herramientas acordes para potenciar al máximo las condiciones para el desarrollo.
¿Tiempo para realizar ese programa general?
La propuesta está dirigida a promover una carrera de carácter 
técnico, con especializaciones. Conformada en dos niveles: uno básico, de dos años, y una especialización en un año. Esos estudios estarán divididos en trimestres. Los años básicos nos permitirán dotar a los estudiantes de los conocimientos esenciales para desarrollar y además apuntalar su participación en cualquier actividad de las artes 
escénicas. Así como dotarlo de las herramientas necesarias que contribuyan a la toma de una decisión acertada en cuanto a la especialización. Un año de especialización permitirá que el estudiante se adecue al área que más le interesa en su formación, Profundizando en ella cada una de las materias indispensables para su desarrollo. Ese año servirá a su vez para que bajo la guía de expertos en el área puedan llevar adelante los trabajos prácticos necesarios que le permitan involucrarse de manera directa en el quehacer teatral y que les servirán como trabajo de grado. Son tres años de estudios académicos.Por ahora, porque recién estamos empezando,en Escénica tenemos: mercadeo escénico, dramaturgia, dirección, actuación y diseño escénico.
¿Desde cuándo en estos avatares del teatro?
Desde 1979, hace un poco más de 38 años, marqué mis inicios con el grupo de teatro Bagazos, fundado en el colegio El Ángel. Una experiencia única para esa época, con la participación de alumnos profesores, padres, personal administrativo y obrero del colegio. Desde ese momento y hasta hoy mi objetivo principal ha sido abrir espacios para la formación teatral. Ya hace 46 años de mi primer encuentro con un grupo de alumnos. Mi profesión soy docente de profesión y siempre me he dedicado a educar, a formar o, en el sentido más estricto y hermoso de la palabra, a intentar ser maestro. 
¿Cómo será este diplomado que usted comanda?
Esto es un sueño, una idea siempre presente ,poder abrir un espacio de formación académica  para el encuentro y la preparación del hombre y la  mujer de teatro, donde los principios éticos tengan una importancia primordial . Esta idea se materializa gracias al encuentro y coincidencia en la idea de la creación de una escuela de teatro, con un excelente y brillante ser humano:  el maestro y gerente cultural Salvador Itriago, creador del Centro de Artes Integradas  y con su hija Trina Itriago, que toma el testigo del  proyecto. Es así que nace Escénica, Centro de Formación para el Teatro. Nuestra primera tarea fue elaborar los programas de estudio, tarea que realicé con el gran apoyo y participación de Inés Muñoz Aguirre. Juntos convocamos y coordinamos a un grupo de reconocidos profesionales que fueron elaborando los programas sobre los que se fundamentará nuestro centro de formación para el teatro .El pénsum académico de Escénica es moderno e innovador.  Tenemos que agradecer el trabajo y dedicación de los especialistas que participaron en la elaboración del mismo: Matilda Corral diseñó el programa educativo de Actuación I y II; Costa Palamides elaboró el programa de Dirección;  Valentina Sánchez, Aspectos técnicos de la puesta en escena; Felix Humberto Herrera, El cuerpo y la Escena; Pedro Ignacio Muñoz desarrolló el programa de El Arte de Escribir ; Elio Palencia diseñó la cátedra de Ética, Teatro y Texto teatral; mientras que Tito Fuentes fue el encargado del programa  de Historia Universal.  Ignacio Márquez por su parte está al frente al programa de Teatro, Cine y Televisión.  Y Producción a Mariam Krasner. Y perdona que repita que nuestro diplomado tiene una duración de tres años, dos de estudios básicos y uno de especialización. Estos estudios serán abordados trimestralmente. Las especializaciones son: Dramaturgia, Dirección, Actuación, Diseño escénico y Producción.
MONTAÑA CREATIVA
¿Qué se busca con esta actividad académica?
Queremos formar profesionales comprometidos con un teatro de calidad. Buscamos fomentar en nuestros alumnos la constancia, la disciplina, el esfuerzo, la ética, la creatividad, el compromiso el aprendizaje, una formación integral. Sabemos que no es fácil, pero creemos que sobre estos principios se fundamentan los cambios que tanto necesitamos.  Escénica forma parte del Centro de Artes Integradas (CAI) y funcionará en la Montaña Creativa. Cuenta con las instalaciones de la Caja Teatral, sede del Grupo Bagazos, en la Urbanización Terrazas del Ávila, Avenida Universidad Metropolitana, primer cruce a la izquierda, edificio Centro de Artes Integradas. Teléfonos: 0212-24238382421161.El personal directivo lo conforman: Trina Itriago, directora del Centro de Artes Integradas y de la Asociación Venezolana de Conciertos; Gerardo Blanco López, director de la escuela Escénica Centro de Formación para el Teatro y director del Grupo Bagazos; y Pilar Pérez Baldó, coordinadora de las escuelas del CAI. Están incorporados para el inicio del primer trimestre de nuestra escuela el 29 de Enero, los docentes Matilda Corral (Actuación), José Tomás Angola (Dirección), Valentina Sánchez (Aspectos técnicos de la puesta en escena), Ignacio Márquez (Diferencia entre teatro cine y televisión), Carolina Rodríguez (Ética y teatro) y Rebeca Gómez (El arte de escribir).

El puto inolvidable se conoce en Caracas

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El Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, ofrece dos actividades artístico formativas, con la intención de apoyar e impulsar el trabajo, que la comunidad sexo diversa venezolana realiza en el país, para el reconocimiento y respeto de sus derechos en la sociedad.
La jornada comenzará el lunes 20 de noviembre, con la realización del taller Activismo Cinematográfico LGBTIQ+,dirigido a todas las personas interesadas en conocer y aprender sobre el tema; en el que se pretende brindar herramientas básicas para la construcción de discursos y otros elementos que puedan asumir y ejecutar, de forma alternativa y dinámica.
El taller será dictado porJosé Alirio Peña, líder de la Fundación Famicine y organizador delFestival Venezolano de Cine de la Diversidad- FestDivQ; en la Sala de Lectura José Gabriel Núñez, del Teatro Alberto de Paz y Mateos, de 2:00 a 5:00 de la tarde.
Finalizará la jornada el viernes 24 de noviembre, con el estreno, en Venezuela, del documental Elputo inolvidable, original de Lucas Santa Ana, proyección que se hará, a las 5:00 de la tarde, en la sala principal del recinto cultural.
El filme narra la vida del activista por los derechos igualitarios, Carlos Jáuregui, primer gay fuera del clóset en salir en la portada de una revista argentina en los años 80. Amigo, amante, luchador e ícono inspirador de masas, quien con su convicción y valor cambió la vida del colectivo LGBTIQ+ argentino y la historia de un país.
La inscripción para el taller se podrá realizar a través de los siguientes correos electrónicos: teatroapm@gmail.com y fundafamicine@gmail.com o través del número (0212) 899.28.72. Ambas actividades son gratuitas.
De esta manera, el Instituto de las Artes Escénicas y Musicales  reactiva sus espacios con la intención de apoyar procesos que, a través del arte, apunten a la inclusión y a la sana convivencia ciudadana.  


Regresa el sainete para revalorizar las raíces del teatro contemporáneo

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Un sainete al estilo 2017.
 La Compañía Nacional de Teatro (CNT) creada el 22 de mayo de 1984, por decreto del Ejecutivo y cuyo primer presidente fue el dramaturgo Isaac Chocrón, es actualmente una institución renovada, adscrita al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, comprometida con los cambios que vive nuestra sociedad y participa activamente en las manifestaciones de la actividad teatral que se desarrollan en las distintas latitudes del país. La investigación, la capacitación, la documentación, la conservación, el trabajo con las comunidades y el rescate de la memoria del teatro se suman a su repertorio, como lo atestiguan sus largos 33 años de labores continuas, las cuales han apuntalado el desarrollo del teatro venezolano e incrementado el público con sus largas temporadas en el coso de la esquina de Cipreses, el teatro Nacional, que es su sede artística.
Recordamos esto porque la CNT para cerrar su programación 2017 ha programado y exhibirá hasta fin de año sendas versiones escénicas de tres montajes del conocido sainete El rompimientode Rafael Guinand (1881-1957), dirigidos, respectivamente por Livia Méndez. Luis Domingo González y Arturo Santoyo, los cuales estarán haciendo temporadas en la Casa Natal del Libertador, en el teatro Nacional y en la plaza Bolívar, con un elenco global de 30 actrices y actores.
A buena hora, la CNT ha mirado por el retrovisor de la historia y mostrado en este siglo XXI a El rompimiento, legendario texto, por cuanto el sainete en Venezuela llega a parodiar situaciones sociales y retrata tipos característicos cuyo perfil fue ironizado e invertido, como lo hizo Rafael Guinand (1881-1957), actor y sobresaliente escritor de sainetes y diálogos cómicos, periodista y, ocasionalmente, poeta festivo. “Fue el más importante creador de personajes populares en la Caracas de su época y uno de sus mejores intérpretes en escena. Sus personajes están arraigados en las zonas marginales o arrabaleras de la capital”, según lo apunta la acuciosa investigadora Mireya M. Vásquez Tortolero.
EL ROMPIMIENTO
Estrenado en el Teatro Nacional de Caracas el 05 de enero de 1917, El rompimiento muestra la doble moral expuesta a través de un venezolano personaje caricaturesco (Esparragosa), que es la excusa perfecta para representar algunas de las costumbres éticas y morales imperantes en la primera década del siglo XX en Caracas. Detrás de este sainete se oculta una sátira aguda sobre el tipo de vida que hacían las madres y las niñas casaderas, el lleva y trae de los vecinos, el jovenzuelo que enamoraba a unas cuantas mujeres y a pesar de todo sale airoso de sus embrollos. Un personaje que ha sobrevivido a través de los años, aunque haya cambiado de atuendos y lenguajes, pero sigue siendo el casanova criollo: Esparragosa.
El rompimiento se materializa en la sala de una casa de familia de clase media baja y su acción escénica se desarrolla durante un día lunes, en una vivienda de la Parroquia San José en el año de 1912. El vestuario de los personajes va acorde con la época. En el curso de la acción se observa cómo en el seno de la familia Mota se desenvuelve el engaño de que es objeto Tomasita, sobrina de Ramona e Hilario, por parte de Narciso Esparragosa. Éste le hace creer a la joven que se casará con ella después de dos años de noviazgo, para así evitar los comentarios de los vecinos. Pero es descubierto, por su doble juego amoroso cuando Catalina Mijares, amiga de Ramona, llega a la casa de ésta y en medio de la conversación queda en claro la situación que dicho individuo vive en las dos familias, además de estar engañando también a la hermana de Braulio, quien trabaja en la casa de los Mota, resume Vásquez Tortolero la argumentación, quizás un poco ingenua para estas tiempos, creemos nosotros.
Hay que advertir que el sainete como técnica literaria ha sido desechada por las nuevas generaciones, pero es útil  y didáctica porque plasma un imaginario específico que afecta y filtra una percepción de la vida, produciendo una imagen nueva en la elaboración de un relato de la cotidianidad, por lo que estos  personajes saineteros , como los de Guinand,  son una verdadera mina donde se pueden encontrar en diversos estereotipos, lo cuales   pueden exagerar sus características y actuaciones para de esa manera producir el impacto deseado en el espectador. Toda una tentación para los escritores, bien sea de teatro o de televisión, subrayaríamos nosotros.
Para Vásquez Tortolero el sainete es una forma de “fictivizar” la historia cotidiana y sus elementos durante las dos primeras décadas del siglo XX. “Cabría hacer la aclaratoria de que el término fictivizar ha sido utilizado por Susana Reinz de Riverola (1979) con la acepción de ficticio. La autora afirma que ficticios son todos aquellos objetos y hechos cuya manera de ser se modificará intencionalmente por alguien durante cierto lapso. El acto de ficcionalizar incide directamente en la construcción de la pieza teatral y en el rol del autor, de los personajes y de la voz narrativa que articula el texto, como sostiene Reinz de Riverola”.
 TRES MONTAJES
Los tres directores que ahora presentan sus versiones escénicas comentan, como es el caso de Livia Méndez, vinculada por primera a la CNT en la temporada de 1986, y quien lleva su musical a la plaza Bolívar, que el sainete es una pieza breve jocosa y tradicionalmente popular, “nunca pierde vigencia porque refleja siempre la realidad y retrata los arquetipos sociales”.
Ella manifiesta que en su montaje, creado para exhibirlo en la plaza Bolívar caraqueña, u otros espacios similares, sus actores además cantaran, durante la escenificación de una retreta con orquesta. “Mis actores son una maravilla y así lo demostrarán al público. Creo que El rompimiento está muy vigente, 100 años después. Y además esto hace parte de un homenaje de la CNT a Rafael Guinand y Rafael Briceño, quien  lo hizo travestido en las temporadas de los años 80 de la Compañía Nacional de Teatro, que para ese época la dirigía Isaac Chocrón, su fundador”.
 El director y actor Luis Domingo González considera que el sainete como estructura teatral es universal y tiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes. “Mi montaje es tradicional y mi elenco ha cuidado mucho sus personajes porque deben adecuarse al lenguaje de la época. Se mostrara en el teatro Nacional”
Arturo Santoyo, el más joven de los puestistas y quien trabaja con una puesta en escena no tradicional, no duda en afirmar que el sainete, y en particular El rompimiento, es una pieza teatral de alto contenido critico a la sociedad de su tiempo y también alude a la época actual venezolana, por su arquetipos, "porque seguimos siendo los mismos, cien años después. Hemos cambiado en el vestuario y en la música, pero las costumbres son las mismas. Mi montaje sale de los espacios escénicos tradicionales y buscar llegar o contactar al público más directamente. Lo debo mostrar en una casa colonial, en su patrio central. Mi elenco ya capto la esencia de los personajes y lo que pretendía el autor”.
PREESTRENO EN LOS TEQUES
Fuimos a la sala Emma Soler, en Los Teques, el pasado sábado 11 de noviembre, para ponderar la versión escénica que logra González, que él considera “clásica”. Y hemos quedado más que satisfechos porque es respetuosa del texto y de los caracteres que propone el autor. Es una feliz combinación de talentos y una muestra de cómo las nuevas generaciones ahí presentes se calzan eso personajes que son contemporáneos. Ya el público, el crítico de las mil cabezas, dará su opinión o sus aplausos.
El texto tiene total vigencia porque casanovas pululan en estos tiempos y quizás un poco más atrevidos porque utilizan las tecnologías comunicacionales además.  Sus seis personajes son encarnados, alternamente, por Aura Rivas, Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz y Juan Manuel Pérez.
El sainete, pues, es nuestro contemporáneo y El rompimientorecuerda las definiciones que de la feminidad y la masculinidad hizo Carl Gustav Jung (Suiza, 1875/1961): amor por encima de todo y seguridad y estabilidad como normas de vida.

Dulcinea y Aldonza para los caraqueños

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Vino de España para mostrar su monólogo
Dulcinea toma la palabra es un monólogo, escrito y actuado por la  actriz, Valle Hidalgo, codirigido junto con Greivin Valverde. Es montaje de Birlibirloque Producciones de España, con una puesta en escena dinámica y ágil, que  muestra a dos personajes inolvidables, donde el amor sigue siendo el denominador común de las dos mujeres de don Quijote, Dulcinea y Aldonza, el cual se presentará, en el marco del 1er Concurso Nacional de Monólogos Uno a la Vez 2017, organizado por el Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), este sábado 18 de noviembre, a las 5:00 pm,  en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, ubicado  en Av. La Colina. Prolongación Los Manolos. Las Palmas.  Entrada tres mil bolívares (Bs 3000) en efectivo.
 Luego de la presentación, Valle Hidalgo, bautizará en nuestro país, su libro Monólogos para estar acompañada, de Birlibirloque ediciones, que contiene   Dulcinea toma la palabra, junto a los monólogos La perfecta maltratada y La maldición de Quirón.
 Valle Hidalgo llega  a Venezuela, desde Colombia, luego  de pasear a Dulcinea y Aldonza, las dos mujeres de Don Quijote, por los escenarios  de España,  Túnez, Tánger-Marruecos, Costa Rica, República Dominicana,  Perú,  Estados Unidos, Argentina y México, país donde la  actriz, escritora y directora, fue galardonada en el concurso de dramaturgia por la Asociación de Periodistas de México, “por su profesionalidad y por la ternura de sus personajes”, y demostrar que ha llegado a una madurez creativa y dramática  digna de  elogiar, porque  conoce  muy bien su  oficio.
 DULCINEA Y ALDONZA, MUJERES DE HOY
   La autora e intérprete, considera un privilegio pasear a Dulcinea y a Aldonza por escenarios hispanoamericanos especialmente donde “he podido comprobar el cariño y el respeto que se siente por Don Miguel de Cervantes y por nuestra tierra manchega”
    Valle Hidalgo confiesa que la idea de escribir surgió en 2004 cuando le propusieron hiciera una obra relacionada con el Quijote, por lo que pensó darle voz a Dulcinea, personaje que no tiene diálogo alguno en la obra.  Don Quijote es el segundo libro más traducido y más difundido, después de la Biblia en el mundo.   Razón principal que la llevó a crear Dulcinea toma la palabray reflexionar sobre los estereotipos sobre la mujer.
   A Dulcinea toma la palabra, Valle Hidalgo la considera “una obra reivindicativa en la que se da voz a las mujeres a las que se nos imponen modelos, y encajar en un modelo implica tanto sufrimiento, que a la final la mujer llega a dejar de ser ella misma. Me parece muy peligroso que el modelo que tengamos de mujer sea el que se nos imponga. (…).  Dulcinea es una mujer bellísima pero que no dice nada, y Aldonza es una mujer trabajadora, que sala puercos. Me encontré con ese mito de nuestra cultura que es la dualidad y también el mundo de los estereotipos.”
   CONOCER A VALLE HIDALGO
   Actriz, escritora, directora, productora, guionista, es miembro de la Academia de Artes Escénicas de España, y del Grupo de Trabajo Psicología y Artes Audiovisuales/Escénicas del Colegio Oficial de Psicólogos de Madrid, donde recientemente presentó la ponencia “Diferencia de géneros y nuevas responsabilidades de la mujer en el hecho escénico.” En la III Jornada de Psicología y Artes Escénicas.   Socia de la Sociedad General de Autores y Editores de España y de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales de España.
Licenciada en Psicología, por la Universidad Complutense de Madrid.  Licenciada en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza de Madrid.   Master en Guión Cinematográfico por la Universidad Autónoma de Madrid.  Fundación Viridiana. Estudios de Master en Gestión Cultural de la Universidad Complutense.  



El director es el jardinero del teatro

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José Tomás Angola Heredia, actor, autor, director y maestro,ademas venezolano.
José Tomás Angola Heredia tiene sendos retos profesionales por delante: estrenar otra de sus obras teatrales y asumir la cátedra de dirección en el diplomado que organiza Escénica. Además tiene criterios propios y no escatima palabras reflexivas para hacerlos conocer, por aquello de que el teatro es el único lugar donde el hombre puede pensar en libertad, como decía Arthur Miller.
¿Desde cuando en estos avatares del teatro?, le preguntamos.
Debuté profesionalmente en 1991, de la mano de Gerardo Blanco y el grupo Bagazos, con la pieza Cupo limitadodel mexicano Tomás Urtusástegui. Eso fue en el desaparecido Teatro Cadafe. Pero la primera obra que estrené como dramaturgo y director fue en 1992, en la Sala Alberto de Paz y Mateos, también con Bagazos. Se llamaba Los seres sobre las camas. Es decir, 26 años trepado en un escenario como actor y 25 como dramaturgo y director, intentando crear.
¿Satisfecho de lo logrado?
Los artistas no solemos estar satisfechos con nuestra propia obra. Me siento contento con el trabajo que he hecho, pero no satisfecho. Esa insatisfacción, esas ganas de decir más, de subir un peldaño más en la ruta hacia la excelencia, las ansias por explorar nuevos territorios, herramientas, lenguajes, ese deseo por hacer reflexionar y sentir al espectador es lo que espero me mantenga al menos otros 26 años sobre las tablas. 
¿Qué hace en estos momentos?
Con mi grupo, La Máquina Teatro, nos encontramos ensayando mi más reciente pieza, Ningún hombre es una isla, que estrenamos en enero de 2018 en la Asociación Cultural Humboldt. Es una pieza que toma la figura de Ernest Hemingway en sus últimos años, en su finca en Cuba, para adentrarnos en un tema que ha sido constante en mi escritura: el valor ante la vida y el valor ante la muerte. También subyacen otros argumentos: la ficción literaria como remedo de Dios y la creación, y el derecho que tenemos a ser felices. Me acompañan en este aventura mi hermano en el arte José Manuel Vieira y Andrea Miartus. Produce el querido amigo Carlos Silva. Protagonizo y dirijo. Con piezas tan personales, me gusta tener el control creativo total para presentar un discurso que entre en la definición de teatro de autor. Es un proyecto que se vale en gran medida del video mapping y la escenografía virtual. Tengo varios años explorando el camino de las nuevas tecnologías aplicadas al teatro. Y somos pocos los que hacemos eso en Venezuela.  
¿El dramaturgo nace o se hace?
Ambos caminos se complementan y son requeridos para desarrollar una carrera como dramaturgo. Se viene a este mundo con un equipaje, el talento, que mueve la pluma y la fantasía. Pero dejado todo a la intuición, el trabajo se estanca o queda trunco. Con el estudio y la preparación se adquieren las técnicas para explotar ese talento hasta sus últimas consecuencias.
¿El director nace o se hace?
Quizá aquí la pregunta es más difícil de responder. Los talentos originales asociados al director o al puestista son más difusos. Se requiere de sensibilidad, de capacidad reflexiva y sentido de la comunicación. Un director debe ser un gran lector, no un escritor. Su oficio está más cercano al del jardinero, que no crea las flores pero de él depende que surjan y crezcan. Luego en el estudio se aprenden las claves para traducir la palabra en imagen, para inspirar las atmósferas, para acertar los ritmos y engranar los sentimientos. Para ensamblar la sinfonía, aunque a diferencia del director de orquesta, en el teatro el director debe desaparecer humildemente una vez que se alza el telón y comienza la vida en el escenario
¿Cómo se dispones a dar su cátedra de dirección en Escénica?
Me entusiasma mucho este proyecto. A la cabeza está un hombre que respeto y admiro, Gerardo Blanco. Y como hombre de teatro y educador ha construido un diplomado que viene a llenar una carencia enorme que tenía nuestra medio. En Venezuela se estudia teatro o en carreras convencionales, muy teóricas, ceñidas a doctrinas pedagógicas antiguas y con referencias y criterios superados, o en cursos exprés muy introductorios y con poca hondura. No existía un punto intermedio, el diplomado, en donde se amalgamaran conocimientos teóricos con prácticas efectivas, extraídas de la experiencia constante sobre el escenario y no de la simple imposición del taller-montaje. Los programas han sido desarrollados por creadores con mucha experiencia real en la solución artística de problemas estéticos, dramáticos y psicológicos en los procesos teatrales que han abordado. Es entonces diferente el enfoque pues supe un ejercicio documental de enorme significación para quien asume el teatro como oficio. Yo dictaré la cátedra de dirección que ha confeccionado Costa Palamides, un artista con muchos logros en su carrera. 
¿Cómo se preparó para esa docencia?
Para prepararme he recurrido a un acto revisionista de mi vida. Entender cómo ha sido mi propio proceso de aprendizaje y cuales son mis certezas y mis dudas para exponerlas con total honestidad. Provengo de una formación en la dirección con maestros como Gerardo Blanco, Marcos Reyes Andrade o Carlos Angola que se formó como director en España con Pilar Miró. Así que mi escuela tiende a la dirección de actores como germen de todo proceso escénico de puesta.
¿Está esperanzado en el avance del teatro venezolano?
El teatro en Venezuela está sometido a una profunda crisis a lo interno y a lo estructural. Es decir una crisis sistémica. Después de venir de una etapa en donde el Estado fue la plataforma financiera que permitía la creación y la experimentación, el proceso se revierte y ahora el Estado es el principal obstáculo para el desarrollo artístico libre. No solo es un asunto de subsidios y promoción, que ya no los dan o son usados para penalizar y castigar, hablamos de salas que se programan por criterios políticos, de cierre de grandes iniciativas como los festivales internacionales de teatro o espacios que eran sedes de agrupaciones y ahora están inoperantes, del uso del arte teatral como un simple mecanismo de propaganda y manipulación ideológica. Ante esa realidad el verdadero artista está enfrentado a una dualidad con la que es muy difícil lidiar: trabajar para comer y trabajar para crear. Muchos quisieran hacer Hamlet o Fuenteovejuna, pero deben montar comedias ligeras e intrascendentes en aras de convocar al mayor público posible pues la taquilla es el sustento. 
Toda crisis es una oportunidad. La destrucción del teatro emprendida desde el gobierno debería ser un punto de inflexión para decidir nosotros el "parricidio" artístico. Desprendernos del "papá" Estado y proponer un camino propio, honesto y gestado por y para nosotros y nuestras audiencias. Lejos del chantaje gubernamental y la claudicación moral. Obviamente eso pasa por redefinirse en los alcances de las producciones y las posibilidades reales de la producción ejecutiva. Sustituir con creatividad lo que antes permitía el dinero. Me imagino que es un reto parecido al que se enfrentaron los creadores alemanes cuando ascendió el nazismo al poder. Y de allí emergieron Bertold Brecht o Peter Weiss. Pero esa reinvención solo ocurrirá cuando dejemos atrás egos y envidias, esa noción primitiva de la tribu que nos aísla en grupúsculos que se miran el ombligo en vez de integrar esfuerzos y vernos solidariamente como gremio. Lastimosamente la grotesca lucha por el poder que se observa en la política, se replica en el teatro con ganancias y cuotas bastante risibles, como a quien le dan más temporadas en una determinada sala o lograr más espacio en los pocos medios de comunicación que quedan.
Sin embargo tengo fe en el teatro venezolano porque tengo fe en sus creadores. Los veo día a día sobre las tablas, batallando contra el demonio de mil cabezas que habita fuera de la puerta de la sala. Ellos siguen ahí, a pesar de los muchos que se han ido, ellos siguen ahí y cada noche hacen subir el telón para luego salir victoriosos con el enorme premio, único premio cierto en este oficio: el aplauso del público.



María Fernanda Lairet ganadora en los Global Art Awards en Dubai

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El pasado 11/17/17 fueron anunciados los ganadores de los premios internacionales para las artes visuales  Global Art Awards  en el Burj Khalifa, Armani Hotel Dubai. 
La artista visual y fotógrafa venezolana María Fernanda Lairet resultó ganadora en la categoría Street Art con su collage visual de papel moneda “Dubai-Lairet”. El simbolismo y los valores espirituales de los billetes fueron recreados, superpuestos, derivados y "geometrizados" para lograr una interpretación particular del patrimonio cultural de los Emiratos Árabes Unidos.
El jurado estuvo conformado por respetados profesionales del arte, coleccionistas, galeristas, críticos y emprendedores, así como miembros del Middle East Art Collector Association entre los cuales figuran: Mahmood Bin Karam Al Farsi (UAE), Sophie Neuendorf (USA), José Ignació Ruiz Caparrós (China), Cristoph Noe (Hong Kong), Satoshi Maruhashi (Japan), Daryl Goh (Singapore), Jean Minguet (France), Ghada Kunash (UAE) y Joobin Bekhrad (Toronto).
 Lairet, quien se encuentra residenciada en Georgia - USA cursando estudios en el Savannah College of Art and Design - SCAD, en su afán por innovar y buscar nuevas maneras de acercarse al público, ha recurrido a nuevos formatos, instalaciones y juegos arquitectónicos que interactúan con el espacio, la luz y el color. 
Una de sus series más conocidas, Narrativas Globales, evidencian una transformación hacia la abstracción geométrica mediante la combinación de formas simples y composiciones subjetivas sobre espacios irreales, que buscan expresar el proceso de desaparición del valor del papel moneda.
 Este importante reconocimiento de Lairet coincide con la instalación de una de sus series en el Aeropuerto de Silicon Valley en la ciudad de San José - California, uno de los centros más importantes de innovación tecnológica con casi 11 millones de pasajeros al año.
Además, la artista ha sido seleccionada por la revista Nashville Arts Magazine como una de las fotógrafas del año y cuyo trabajo será publicado en la edición de diciembre 2017.
María Fernanda cuenta con un extenso portafolio que integra obras pictóricas, series fotográficas y collages virtuales de delicada estética donde integra lenguajes que buscan romper barreras entre lo artesanal e industrial y que la han hecho una referencia en el arte latinoamericano. 



El teatro venezolano se muda a Guanare

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Un evento que tiene 35 años de continuidad.
Para este año 2017, el Festival de Teatro de Occidente, en Guanare, organizado por la Compañía Regional de Teatro del Estado Portuguesa y el Teatro Estable de Portuguesa arribará a su trigésima quinta edición y su director general Carlos Arroyo anunció la programación, pero antes resaltó el generoso apoyo de los organismos culturales del Estado venezolano, como el Ministerio del Poder Popular para la Cultura y la Compañía Nacional de Teatro, entre otros entes oficiales.
Además hay una programación infantil a las 3 pm, en las comunidades, todos los días y a las 9 de la noche, mientras que la programación musical y de espectáculos de circo se realizará en el espacio La Perra que llora.
Es muy importante destacar el sentido experimental que siempre ha caracterizado al Festival de Teatro de Occidente, “por eso es un festival en movimiento y que este año lo dedicamos por entero a la dramaturgia venezolana. Ya que todas las obras son escritas por autores nacionales, incluyendo los espectáculos de danza”.
BALANCES Y PROYECTOS
¿Qué balance puede hacer respecto a estos 35 años que alcanza el festival y de cómo ha logrado tener vigencia?
El resultado es positivo. Haber sembrado el Festival y haber conformado una familia centroccidental que año tras año espera encontrarse por medio del evento es realmente positivo. Somos una ventana latinoamericana para el teatro en Venezuela. Un sin número de compañeros espera por esta vitrina. Nos hemos convertido en referencia. Grandes figuras del teatro de América Latina han pasado por los escenarios de Portuguesa, Barinas, Lara, Yaracuy, incluso por Cojedes, cuando trabajamos con ese estado. Si bien, Guanare es una ciudad pequeña, el festival se hizo tradición y gracias a este evento logramos construir un centro teatral con dos salas de teatro, depósito, biblioteca y centro de documentación.
¿Cuál ha sido la clave?
La constancia, el trabajo en equipo, la no desesperanza, el sacarle provecho a las dificultades… no todo ha sido color de rosa, sin embargo, levantamos el telón y en ese momento sentimos una gran felicidad. Al subir el telón aportamos desde nuestra pequeña trinchera a la construcción de un país que tiene que soñar a través del teatro. Detrás del festival se encuentra un gran equipo humano, de hombres y mujeres que han fundado bloque a bloque este espacio.
¿Metas y proyectos?
Seguir siendo una ventana para el mundo y América Latina, esa siempre será nuestra intención… que el mundo pueda observar el teatro que se produce en Venezuela. Hay que reconocer que el teatro venezolano tiene que avanzar en la conquista de escenarios internacionales, eso depende del esfuerzo que despliega el teatro venezolano y del estímulo político-gerencial del Ministerio, Gobernaciones y Alcaldías, en función de posicionar nuestro lenguaje teatral, cómo lo abordamos y cómo es su sonoridad…sin obviar la interacción con el mundo, ya que por más pequeño que sea un lenguaje, siempre es importante observar los fenómenos de esos pueblos que, con voz propia, interpretan su quehacer cultural.
PROGRAMACIÓN
Lunes 20/11/17: Centro Teatral Herman Lejter. Inauguración 7:00 p.m con el espectáculo de danza contemporánea Blanco de orilla, Unidad de creación Artística de Danza- Unearte-Ceca Portuguesa.
Martes 21/11/17 y Miércoles 22/11/17/ Sala Federico Collado/ 6:00 pm. Zamora, por aquí pasó de Aníbal Grunn- CNT, dirección Carlos Arroyo. Sala Alberto Ravara/ 8:00 pm. Criminales de Reinaldo Hidalgo, Teatro de la Ópera de Maracay, dirección Reinaldo Hidalgo.
Jueves 23/11/17/Sala Federico Collado/ 6:00 pm/Cuentos de guerra para dormir en paz de Karin Valecillos, Cía. Regional de Teatro de Portuguesa, dirección Aníbal Grunn.
Jueves 23/11/17 y viernes 24/11/17/Sala Alberto Ravara/ 8:00 pm/El hombre de la rata de Gilberto Pinto, Teatrela, dirección Costa Palamides.
Viernes 24/11/17 y sábado 25/11/17/ Sala Federico Collado/6:00 pm, Estoy aquí, espectáculo de danza teatro del grupo Caracas Roja, dirección Rafael Nieves.
Sábado 25/11/17/Sala Alberto Ravara/8:00 pm, Piano de cola de Manuel Manzanilla-Batahola, dirección Mayeli Delfín.

Funkatonic en el Teresa Carreño

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La agrupación musical caraqueña FunKatonic, llenará de funk, soul, r&b y blues los espacios alternativos del Teatro Teresa Carreño, con una presentación en Utopía  Bohemia Bar este próximo jueves 30 de noviembre, en el marco del Festival Jazz Venezuela.
Después de un año y medio de inactividad y luego de sus exitosos espectáculos Winehouse Back To Soul y Back to Soul: canciones de alma negra (2013-2015)que rinden tributo a grandes exponentes de estos géneros afroamericanos, que revolucionaran la historia de la música contemporánea, la agrupación FunKatonicvuelve a los escenarios de Caracas con una nueva propuesta, nuevos integrantes y estrenando nuevo repertorio, dentro de su estilo habitual.  La banda viene presentándose desde el año 2013 en distintos escenarios de la ciudad capital como: La Fundación Celarg, el Teatro Urban Cuplé, Hard Rock Café Caracas, y Discoteca The Place además de participar como invitados en festivales como Festival Micro Teatro (2014) y Pasa la Hoja (2014 y 2015).Y está integrada por Sinaí(voz principal) Arturo Ramírez(cajón flamenco/batería) Luis Contreras(guitarra y dirección musical)Yosman Albarracín(bajo y coros). 
El espectáculo, entrada libre,  se presentará a partir de las 8:00 de la noche en Utopía Bohemia Bar (Teatro Teresa Carreño, Nivel Corchea, Terraza Sala Ríos Reyna)  como parte de la programación del Festival de Jazz Venezuela a realizarse del 26 de noviembre al 3 de diciembre en los espacios del Teatro Teresa Carreño.
Si desean mayor información sobre los próximos shows de la banda o ponerte en contacto con ellos, escribe a sinaiaproducciones@gmail.com o comunícate por los teléfonos. También puedes seguirlos en sus redes sociales: @Funkatonicmusic


Pablo García Gámez ganó Premio Apacuana

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Pablo el venezolano que vive en Nueva York.
El dramaturgo venezolano Pablo García Gámez  ganó el Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017, por su texto Oscuro de noche según el veredicto entregado por las autoridades de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), institución adscrita al Ministerio del Poder Popular para la Cultura.
 El mencionado documento puntualiza que  la  CNT en la búsqueda de estimular la creación de obras que reconozcan los avances del lenguaje de la dramaturgia y nuestra identidad, realizó la tercera edición del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017, dirigido a “la pluma de autoras y autores venezolanos y extranjeros con temáticas relacionadas con el proceso liberador, las acciones de paz y cooperación en la búsqueda de nuevos lenguajes y de profundizar la identidad y lo que hemos logrado durante las dos últimas décadas en el país” cuya convocatoria inició el pasado 28 de agosto y finalizó el 31 de Octubre de 2017, con un total de 15 textos dramatúrgicos postulados.
El jurado encargado de evaluar y elegir las obras ganadoras estuvo integrado por los escritores y directores de teatro Paúl Williams, José Gabriel Núñez y Elio Palencia, quienes el día miercoles 22 de Noviembre de 2017 se dieron cita en las instalaciones del MPPC para evaluar las obras participantes y deliberar la obra ganadora.
El jurado por unanimidad declaró como ganadora a la pieza Oscuro de noche de la autoría de Pablo García Gámez,por haber concebido una estructura dramática dotada de unos elementos adecuadamente articulados con un interesante manejo de la relación tiempo-espacio, que conforma una propuesta ágil, sugerente y de singular teatralidad. Cabe destacar la pulcritud en el uso del lenguaje, así como también la creación de personajes claramente perfilados, que consolidan el valor de la pieza”.         
Además el Jurado decidió el otorgamiento de dos menciones especiales entre las obras restantes dada su alta calidad dramatúrgica, recomendando su publicación y promoción: De por qué Ana Rosa Colmenares casi mató a Greta Pitres, por el amor de Edgar Padrón (Folletín teatral) de César Rojas y Mercdonalds de la autoría de Jorge Cogollo.
Pablo García Gámez es dramaturgo y profesor venezolano, actualmente residenciado en Nueva York desde hace más de 20 años. Se encuentra preparando su disertación doctoral sobre Almargen: Teatro y comunidades hispanas en Nueva York 1997-2011, en CUNY, Nueva York.  Ha recibido reconocidos premios: HOLA, ACE, ATI, Proyecto Asunción y Abniel Marat por sus piezas Blanco, Las damas de Atenea, Noche tan linda, La vieja herida, Olvidadas y Yo no soy Lupita. Su pieza Noche tan linda fue publicada en la revista Conjunto #175.   
 El galardón incluye el montaje de la pieza ganadora Oscuro de noche paraser estrenadael venidero año 2018, bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro y formará parte del repertorio de montajes de la compañía.Este concurso que se llevó a cabo por primera vez en el año 2015 por parte de la Compañía Nacional de Teatro , de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC) , es parte de las políticas de fortalecimiento de la dramaturgia nacional y enalteciendo la capacidad creativa y la producción artística criolla.
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