EL ESPECTADOR venezolano

David Morales ahora sera Simón Bolívar

Nadie sospechó que las románticas cartas íntimas de Manuela Sáenz y Simón Bolívar fuesen utilizadas, al cabo de casi 200 años, para ser teatralizadas y exhibidas en Caracas. Pero así será, porque el bailador y coreógrafo David Morales (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1971) ya está en la capital venezolana alistando la exhibición del gran espectáculo de danza y música de Amores en libertad, durante los días miercoles 20 y jueves 21 de diciembre, en sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, una producción de la Compañía Nacional de Teatro.

El artista español reconoció, a la prensa venezolana, que vino a Caracas, en septiembre de 2016, para una temporada en el Teatro Teresa Carreño de su espectáculo Lorca, muere de amor, un musical flamenco dedicado al granadino, con la música de Daniel Casares y la dirección de audiovisuales de Juan Estelrich.

Contó que cuando regresaba a España, el entonces ministro de cultura, Freddy Ñáñez, le obsequió el libro Las más hermosas cartas de amor entre Manuela y Simón. “En el avión prácticamente devoré ese texto. Aquello fue verdaderamente apasionante y mi cabeza estalló: tenía que buscar la forma de llevar eso a la escena. Venía de una temporada internacional en varios paises americanos sobre los amores del poeta Federico García Lorca y encontré, por supuesto, una serie de similitudes entre esos hombres que nunca se conocieron pero que amaron la libertad de tal manera y por ella se sacrificaron. Nació de ahí mi primer borrador de proyecto artístico que ahora mostrare, acompañado de talentosos artistas venezolanos.

¿Cómo se proyecta ese espectáculo?

Lo primero que yo pensé, tras de leer y releer ese compendio de las cartas entre Manuela y Simón, era que debía llevarlo a la escena como un lenguaje artístico, didáctico y contemporáneo. Hice varios contactos telefónicos y me crucé con varios emails con especialistas para indagar y encontré que no había ninguna referencia sobre un espectáculo centrado en los amores de estos dos seres que fueron tan importante para toda la historia latinoamericana y en especial para Venezuela. La oportunidad de que fuese único y novedoso me atrapo definitivamente y fue así que me propuse llevar a escena ese amor de Manuela y Bolivar. Quedé muy impactado por las formas y manera como ella escribe y la poesía que mana en todo lo se decían. Pensé en todos los obstáculos que tenían que superar para vivir y amarse hasta donde pudieran. Tiempos difíciles vivieron, pero se amaron y no se amilanaron y lucharon por ellos y por todos los demás. Llevo un año leyendo todo lo que hay escrito sobre ellos y viendo también las peliculas que existen. La empresa artística en que me metí es muy importante y muy grande, además que Venezuela se merece contemplar esa visión artística sobre su Libertador.

-¿Qué tipo de espectáculo se ha propuesto crear y mostrar?

-Es danzario, todo el tiempo.

¿Bolivar bailaría flamenco?

No solo flamenco, sino también otros bailes de la época, de los cuales algunos han que sobrevivido en el tiempo, como el joropo, lo mismo Manuela. Eso es lo que yo sé hacer. Es, como toda obra de arte, una respetuosa aproximación.

¿Y usted seria Bolivar?

-Yo, por supuesto encarno a Simón. Tengo su estatura física y me acompañara su espíritu.

¿Cómo avanza la preproducción?

Para ver su estado de avance he venido, pero lo estoy haciendo periódicamente, desde marzo. Me marcho este fin de semana y regreso en noviembre, para el montaje final. Son muchos los ensayos que hay que hacer. Ya tenemos el guion, la música y lo más importante, en mayo hicimos una serie de audiciones para seleccionar el elenco definitivo.

¿Y Manuela?

A medida que estructuraba el guion me di cuenta que Manuela tenía que ser una mujer de estas tierras, además hay un personaje especial que es la Libertad .Todo este texto está muy enlazado con la poesía romántica de Pablo Neruda. Ya escogimos a la protagonista femenina y las bailarinas de flamenco y danzas tradicionales y contemporáneas. Desde el año pasado estanos trabajando en todo lo que puede ser el espectáculo.

¿A que vino, concretamente, en esta ocasión?

Vine, como dije antes, especialmente para algunos aspectos de la preproducción, porque las funciones inaugurales ya están definidas. Aunque, he estado viniendo en otras épocas de este año. Necesitamos hacer unas filmaciones o trabajar con material fílmico existente, que sería para mostrar al Bolívar épico. Mi intención es que ese audiovisual sea sobre el Bolívar histórico y en el escenario mostrare al Bolívar personal al romántico, al revolucionario. La música es de Salvador Andrade, un compositor muy conocido en España; la dirección del audiovisual es la de Julio Fraga; las coreografías son mías y el guión lo he logrado con la colaboración de Gabriel de Molina. Ese espera que sea mi Amor en libertad.

¿Ira a otros paises, a España, por ejemplo?

Nuestra intención es llevarlo por el mundo, teniendo en cuenta el trasfondo histórico de los personajes que inspiran el trabajo artístico. Es un espectáculo musical teatral y con mucho flamenco, que son mis herramientas de trabajo.

¿Por qué esa pasión suya por las cartas de Bolivar y Manuela?

Hay mucha coincidencia en el romanticismo que impulso a García Lorca y a Bolívar en diferentes épocas y escenarios de sus paises. Admiro las dificultades que ambos tuvieron que vencer. Federico fue asesinado por los fascistas en una guerra civil y Bolívar fue perseguido en los últimos meses, a pesar de un luchador como pocos y un enamorado de la vida, del amor y de la libertad, fue también un luchador como pocos y un enamorado de la vida y la libertad

-¿Usted sabe el reto de encarnar a Bolívar?

Sí, yo estoy bailando desde que tenía seis años, he estudiado mucho al legendario personaje caraqueño y admiro la oportunidad que tengo de postrarlo. Bolívar estuvo en Cádiz, se apasiono por el proceso europeo de principios del siglo XIX. En mi espectáculo es muy importante la música, porque él era un buen bailarín y hay mucho de fandango y nuestra música. Todos, por supuesto, bailan, porque es el lenguaje general del espectáculo.

¿Cómo ve a Manuela?

Me gusta también la historia de Manuela, una mujer que fue muy maltrata por la sociedad latinoamericana por sus amores, pese a sus amores.Vivio una época muy difícil para las mujeres. Desafío rencores y dejo un legado de sus luchas contra la violencia de género. Vamos a ver qué pasa con ese personaje, que además escribía muy bien.

El elenco de "Peludas en el cielo"

Para exaltar a la actriz Francis Rueda por su Premio Nacional de Teatro 2017, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) se instala en la sala Anna Julia Rojas, de Unearte, durante este fin de semana, donde presentará el montaje Peludas en el cielo, una obra de Gustavo Ott, puesta escena por Carlos Arroyo y protagonizada por la comediante homenajeada, junto a Aura Rivas, Vanessa Vásquez y Luis Domingo González, dentro del dispositivo escenográfico del finado Rafael Sequera. Las funciones del espectáculo están pautadas para el sábado 21 y el domingo 22 de octubre, a partir de las 4:00 de la tarde, con un costo de 800 bs por entrada.

Aura Rivas, quien obtuvo el Premio Nacional de Teatro en el año 2010, comentó que le parece más que justo que Francis Rueda reciba el Premio máximo de las artes escénicas venezolanas porque su carrera profesional es impresionante, tanto en número de montaje y en la calidad de cada uno de sus trabajos, además de haber tenido un respetable trabajo en la televisión y el cine venezolanos. “Yo la conozco desde los años 73, cuando se enamoró de Gilberto Pinto, con quien se casó y concibieron a un hijo, Máximo. Con ella participe en los años 80 para la fundación de la Compañía Nacional de Teatro, que dirigió Isaac Chocrón, y es también por su insistencia que ahora la CNT se ha abierto a contratar un elenco estable y mantener así una temporada permanente de teatro, precisamente en el teatro Nacional, como sede. No me cansare de repetir a todos los vientos que Francis es un valioso ser humano y una profesional que a buena hora se le premia, porque es digno ejemplo para la juventud venezolana y además es una mujer comprometida con los avances sociales de la feminidad lograda en este proceso revolucionario, iniciado por el comandante Hugo Chávez. Y estoy, además satisfecha, de que se le haga este homenaje en Unearte”.

PELUDAS EN EL CIELO

Hay que recordar que Peludas en el cielo, ganadora del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015, creado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, puede calificársele como un sainete venezolano contemporáneo y es una producción de la Compañía Nacional de Teatro.

Esta obra, que fue estrenada en el estado Zulia y también participó en el Festival de Teatro de Caracas 2016, plasma en la escena teatrallos temibles vuelos de las mariposas palometas peludas en la región del Delta del Orinoco, las cuales han retornado. Ahora no serán en la región oriental venezolana, sino en Caracas. Que no cunda el pánico ante la reaparición del peligroso lepidóptero distrisio o hylesiua metabus y sus pelos que producen enfermedades epidemiológicas entre las que destacan: erosiones, alergias en la piel y conjuntivitis; en algunos casos estas afecciones están acompañadas por fiebre y trastornos respiratorios.

Cuenta el director Arroyo (Chabasquén, 14 de octubre de 1965, Portuguesa) que la pieza transcurre en este temible siglo XXI, en la población de Piacóa, Delta del Orinoco, al noroeste venezolano, en la humilde casa de las Pacheco (Mariana y Yesenia), donde coinciden la maestra Rita y el amigo Luis Domingo González. Estos personajes, amantes de la libertad pero conscientes de las limitaciones que tienen por sus precarios recursos económicos, superan cualquier asomo del aburrimiento cotidiano recordando los tiempos idos, paseándose por las inconmensurables páginas de la poesía universal y la que la ellos mismos pueden componer o armar, y especialmente sueñan con todo lo que podrían hacer, como viajar a París, si se ganan la lotería para lo cual compraron un billete. Pero se les presenta un delicado problema: cómo dominar la invasión de mariposas peludas que les pueden destruir todos sus anhelos si llegan a enfermarse con la plaga que ellas transmiten y mucho más ante las naturales carencias de medicinas adecuadas para curarse.

Por supuesto que las palometas peludas son una metáfora del autor que le propone a sus espectadores venezolanos, porque las incómodas mariposas son algo más de lo que representan físicamente.

Para Arroyo, el dramaturgo Ott (Caracas, 1963) es un digno heredero de la escuela teatral de José Ignacio Cabrujas porque toma personajes y situaciones venezolanos y los recrea dentro de un espacio simbólico para desarrollar sus tareas escénicas, que siempre son críticas y que en esta pieza su mayor conflicto son las palometas peludas y todo lo que ellas ocasionan y el peligro que representan, tanto en lo físico como en lo simbólico. No es una pieza con intenciones ecologistas, sino que utiliza la existencia real de las mariposas para invitar a reflexionar más allá.

Francis y Aura,protagonistas de "Peludas en el cielo"

La exitosa pieza Peludas en el Cielo regresa para rendirle homenaje a la galardonada con el Premio Nacional de Teatro 2017, Francis Rueda, quien junto a las actuaciones estelares de la primera actriz Aura Rivas, el primer actor Luis Domingo González y el talento joven Alexandra Vásquez se presentarán en la sala Anna Julia Rojas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte) el sábado 21 y domingo 22 de octubre, a partir de las 4:00 pm.

La producción, escrita por el dramaturgo Gustavo Ott y dirigida por el reconocido Carlos Arroyo, proyecta una crítica sobre los antivalores y caprichos de la sociedad, basada en una metáfora que se originó a raíz un fenómeno natural llamado “La Peluda”, en la localidad de Piacoa en Delta Amacuro.

La historia invita al público a hacer una radiografía del país y sus habitantes presentando a cuatro personajes que se pasean por un universo de escenarios, luego que a ese lejano pueblo del sur del país lo acechara una calamidad que ocurre cada siete años, donde los residentes deben encerrarse en sus casas para esperar la oscuridad que se genera con esta “plaga”.

La casa de la familia Pacheco se convierte en el epicentro de la trama, donde Yesenia (Francis Rueda), una mujer de carácter recio y afectada por un problema en la pierna producto de un accidente automovilístico que le ocasionó “La Peluda” en el cielo y su hija Mariana (Alexandra Vásquez), se ven obligadas a quedarse en su hogar, porque la "oscuridad" llegó al pueblo. El conflicto del montaje se teje cuando entra en escena el personaje de Rita (Aura Rivas), una maestra de dudosa procedencia europea, quien desata un sinfín de emociones, miserias y carencias humanas que se extrapolan a la realidad misma.

El 23 y 24 de octubre la cinta venezolana dirigida por Ignacio Castillo Cottin, se presentará en México en el marco del reconocido Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en su quinceava edición. Asimismo, El Inca se proyectará en Brasil donde competirá en la sección de Nuevos Directores en La Mostra de Cine de San Pablo.

Es la segunda ocasión que el director Castillo Cottin compite en dicha categoría, ya que participó en 2008 con La Virgen Negra, su Opera Prima y también el largometraje de ficción basado en la vida del dos veces campeón mundial de boxeo Edwin ¨El Inca¨ Valero, hará su debut en Asia participando en el Festival Internacional de Cine de India (IFFI), próximo a realizarse en la ciudad de Goa.

En Venezuela la cinta se mantiene censurada. Esta semana se cumplen cuatro meses desde que el Tribunal Supremo de Justicia (TSJ), a través de una medida cautelar provisional, la retiró de las salas de cine. Los productores siguen a la espera de que se convoque la audiencia en el TSJ para poder defender su caso nuevamente y lograr que El Inca sea exhibida libremente en el país.

A través de las cuentas de Facebook, Instagram y Twitter @Palospanasprod, y usando la etiqueta #ElIncaFilm, los espectadores podrán seguir el recorrido que está haciendo esta película, así como conocer más detalles del tras cámaras de esta cinta independiente producida por Pa’ los panas producciones.

SINOPSIS

Basada en la historia del invicto dos veces Campeón Mundial de Boxeo Edwin Valero, El Inca es un poderoso drama biográfico sobre el talento y el carisma, el amor y la ambición, el exceso y la autodestrucción. Valero, alias "El Inca", se elevó de raíces humildes a celebridad internacional al derrotar a un rival tras otro y estableció un récord mundial sin precedentes al ganar sus primeras 18 peleas por knockout en el primer round. A todas partes que Valero iba su esposa estaba a su lado. Pero a medida que la vida profesional de Valero floreció su vida personal empezó a tambalearse, dando lugar a infidelidades, inseguridades y una adicción peligrosa que terminó la vida de la pareja de una manera abrupta y terrible.

El Inca cuenta sobre un ascenso emocionante, una caída trágica, y las exhibiciones fascinantes de dominio atlético en el medio

Terror y miseria del Tercer Reich

El fascismo resucitó de entre sus cenizas, cual ave fénix, y amenaza capturar de nuevo el poder en Europa, por ahora, tras haber perdido la guerra hace 72 años frente a una poderosa alianza de sus enemigos: el Reino Unido, Francia y Estados Unidos. Y es por eso que el teatro venezolano ha tomado una plausible posición ideológica y artística con sendos montajes que hacen temporada en Caracas. Nos referimos a 1984 de George Orwell y Terror y miseria del Tercer Reich, de Bertold Brecht, los cuales se presentan en la Sala Alterna del Trasnocho Cultural y en la Sala Rajatabla de Unearte, respectivamente.

Pero antes de referirnos al montaje rajatablino, el segundo texto de Brecht que exhibe esa institución en 46 años de labores, hay que puntualizar a los lectores, eventuales espectadores, que el analista Francisco Martín Moreno (El País, Madrid, 16.03.2017), advierte que, cuando a raíz de la conclusión de la Segunda Guerra Mundial, la comunidad de naciones creyó haber superado para siempre los horrores del fascismo enterrándolo bajo siete capas de tierra, ahora resulta que empieza a resurgir entre cadáveres y osamentas, como si se hubieran olvidado sus perniciosos efectos.

“Todo lo anterior viene a cuento porque a pesar de que el fascismo mundial quedó sepultado en ruinas, ya que Alemania fue destruida en términos absolutos y Japón fue devastado con bombas atómicas arrojadas en Hiroshima y en Nagasaki y se perdieron 60 millones de vidas humanas, ahora, en pleno siglo XXI, resurgen de nueva cuenta las tentaciones diabólicas populistas entre algunas de las grandes potencias que asistieron el siglo pasado a la peor hecatombe conocida en la historia de la humanidad”.

ASOMA LA XENOFOBIA

Explica Martín Moreno que la xenofobia británica, expresada a través del Brexit, logró el descarrilamiento de la locomotora inglesa del convoy promisorio de la Unión Europea. “Los políticos del Reino Unido que impulsaron la salida de Inglaterra de la Unión Europea, una de las grandes conquistas políticas de la posguerra, difícilmente podrían ocultar su penacho fascista. El Reino Unido habrá de pagar muy caro el precio del populismo suicida. De la misma manera que aparecieron simultáneamente, en la primera mitad del siglo XX, países neofascistas como Alemania, España e Italia, ahora surge también en Francia la tentación fascista de Marine Le Pen, quien de llegar al Palacio del Elíseo excluiría a su país de la UE, para asestar un golpe mortal a esta ejemplar organización política y económica. Algo huele a podrido en Francia porque la ultraderecha, es decir, la xenofobia nacionalista, podría llegar al poder con terribles consecuencias para Europa. El mundo entero se ha convertido en una vecindad. Ahí está Donald Trump, un presidente de extracción fascista, otro xenófobo obnubilado, que amenaza con deportar a 11 millones de ilegales que radican en Estados Unidos, sin detenerse a considerar que deportarlos, si es que esto fuera posible, equivaldría a darse un tiro en el paladar, porque precisamente estos extranjeros ilegales que perciben ingresos muy bajos por su condición migratoria, son quienes lamentablemente hacen el trabajo sucio que los norteamericanos se niegan a llevar a cabo. ¿Cómo sustituirlos?”.

No cita este articulista español los brotes de neofascismo detectados en toda América a finales del siglo XX y buena parte de las dos décadas del XXI, ante el evidente fracaso socioeconómico de las políticas neoliberales aplicadas por diversos gobiernos populistas, de los cuales los latinoamericanos hemos sido no solo testigos sino también las hemos padecido, pero dejemos eso para otro momento.

SEGUNDO BRECHT

Marisol Martínez, nieta de los pioneros del teatro venezolano, como lo fueron Gabriel Martínez y Lili Alvarez Sierra, se propuso hacer de este montaje una metáfora básica para generar una reflexión en el espectador sobre los sistemas de gobiernos y otros poderes económicos operantes en el mundo, especialmente el fascismo. Y especialmente puntualizó aquellos microhistorias donde el espectador criollo pudiese verse reflejado y donde el peso de las caracterizaciones femeninas fuese fundamental. “Quería realzar el peso del histrionismo femenino; aparte traté de buscar las imágenes que tuviesen más vigencia en el contexto social que vivimos. Ahora es muy difícil que el espectador venezolano se conecte con teatro sin contenido, que no se asocie con nuestras preocupaciones más inmediatas”, reitera Martínez.

Para este montaje, que se desarrolla en un espacio bifrontal, participaron Rossana Hernández, Carolina Torres, Gonzalo Guerrero, Kevin Jorges, Jósbel Lobo y Armando González. La pieza encaja perfectamente en el contexto criollo actual, asevera la actriz Rossana Hernández. “Pareciera que Brecht la hubiese escrito para este tiempo. Salvando distancias, un espectador venezolano puede comprender las angustias de estos personajes porque nosotros sabemos de represión, violencia, escasez y lo que es callar por miedo. Este tipo de textos son necesarios, son universales, pero en algunos momentos históricos tienen más cabida”, añade el comediante.

El espectáculo comienza con un sometimiento rudo que le aplican dos soldados a los espectadores, para después mostrar los personajes, quienes saben que están condenados de antemano, al tiempo que se desarrolla una pesada atmósfera en la escena. Ahí se plasma a una mujer que es obligada a dejar su tierra o pais por no ser “genéticamente” aceptable, mientras unos panaderos son apresados por colocarle afrecho al pan o unos militantes que se oponen a su gobierno y que están dispuestos a entregar su vida por poder decir lo que piensan, son algunas de las historias que revelan las condiciones bajo las cuales millones de personas debieron vivir por años, hasta que fueron derrotadas las tropas del loco Hitler.

Las 12 historias de la pieza se hilvanan a través del hip hop interpretado por los mismos actores en escena. La directora de Terror y miseria del Tercer Reich concreta que “Brecht es un autor que invita al público a una reflexión, pero desde lo intelectual, más allá de lo emocional. Para unir cada pieza él utiliza prólogos que explican el contexto de cada escena. Nosotros decidimos agregarle música y dinamismo; de esa forma reforzamos el acercamiento que el público puede tener con lo que se está diciendo en escena y que se dé cuenta de que estamos hablando de una realidad cercana”.

FICHA TÉCNICA

El montaje, que no alcanza los 75 minutos de duración, contó que unos plausibles comediantes que recibieron adiestramiento vocal de Juan Pablo García y utilizaron vestuario de Marisol Martínez y Andrea Pedrón. Se desplazaron dentro de un espacio escenográfico creado por Héctor Becerra y Pedro Rondón, con la iluminación de David Blancoy el sonido de Eduardo Bolívar. La asistencia asistencia de escena es de Miguel Mendoza, la asistencia de dirección de Armado González , la producción artística de Luz Dary Quitian, Francisco García y Hany Rivera, la producción ejecutiva de Hany Rivera, la producción general de William López y la dirección general de Marisol Martínez.

Terror y miseria del Tercer Reich estará disponible desde el 12 de octubre al 29 de octubre en la sala Rajatabla, jueves y viernes a las 7:00 pm, sábados y domingos a las 6:00 pm. Entradas a la venta en las taquillas del teatro.

Alberto Ravara explica su trabajo social con el teatro desde Parque Central.

Es otro Quijote que en este caso vino desde Argentina hacia 1981 y se quedó recorriendo y trabajando en Venezuela por sus cuatro costados, enseñando el teatro como pensamiento y acción. Desde hace 17 años, instalado en Parque Central de Caracas, proyecta, organiza y presenta un singular Festival Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de toda la zona metropolitana caraqueña. Y es por eso que entre el 13 de octubre y el 5 de noviembre, con entrada libre y gratuita, realiza el Fetcom 17.

Hablamos de Alberto Ravara, una especie de gurú del teatro sociocultural, que con papeles en mano revela como está realizando la muestra de este año 2017 con 18 grupos teatrales nacionales y dos internacionales, con los cuales ha proyectado 59 funciones, 59 conversatorios, 15 talleres motivadores en las comunidades de la Gran Caracas. Además adelanta tres talleres magistrales, 77 registros audiovisuales, además de encuentros y reconocimientos. En suma ejecutará, él y toda lo gente, voluntariosa y muy comprometida, que lo acompaña, unas 215 actividades de promoción investigación, difusión y formación teatral en valores humanos y sociales.

El, Alberto Ravara, insiste en que está dispuesto al debate inteligente razonado y por eso repite, parafraseando a un legendario periodista que fue víctima de los nazis en Checoslovaquia, que “con férrea voluntad trabajamos, con cierta inteligencia y sensibilidad proyectamos, con inmensa alegría vivimos, nuestra impronta y nuestro nombre nunca debe ser asociado a la tristeza, a la ignorancia o al rencor. Por la vida, por la alegría y por el teatro vivimos y así seguiremos en los tiempos con los saberes milenarios del teatro”.

Lamenta y se lo manifestó a este periodista que no pudo programar a otras 264 agrupaciones idóneas que querían participar. No tenía los recursos y lo que ahora hace se ha logrado de manera autosustentable. Se quedó esperando las ayudas prometidas, pero espera que para fechas posteriores lo hagan, le cumplan, porque no trabaja para él, sino para el pueblo venezolano que cada vez más ama y hace su cultura. Y espera que en el teatro La Rampa (que lo dirige José Gregorio Magdaleno), en el sótano del edificio San Martín, pueda recibir a la gente ansiosa de ver teatro.

Nosotros veremos lo que está a nuestro alcance y reseñaremos como nos corresponde, porque otro mundo es posible si somos capaces de imaginarlo.

Nada mejor que recordarlo en estos tiempos de revolución ya que no podemos contactarlo en el más allá, en ese espacio ignoto de las ondas gravitacionales donde está su voz ronca, agorera y entusiasta,. Murió vivo y legó vastísima obra literaria que lo sobrevive. Nació el 17 de julio de 1937 en Caracas y le falló el corazón en Porlamar, el 21 de octubre de 1995. Era José Ignacio Cabrujas, vitriólico y original intelectual que amó demasiado a esta Tierra de Gracia y quien sí enseñó las claves de su método, cabrujiano, para interpretarla. Lo recordamos hoy para que nadie, inteligente y además patriota, lo borre de sus agendas y menos en este año cuando se cumplen 22 años de su desaparición física.

Imposible evocar a Cabrujas sin aludir al crítico Leonardo Azpárren, quien, auspiciado por la Universidad Simón Bolívar, adelantó la compilación de toda su obra teatral, y la periodista y escritora Yoyiana Ahumada porque en su libro El mundo según Cabrujas , importante compendio de 320 páginas, impresas por Editorial Alfa, con textos ineludibles que recogen las impresiones de una de las intelligentzias más complejas y brillantes del siglo XX criollo; ahí reposa una parte de la consecuencia del periplo intelectual y humano del legendario autor de El día que me quieras , Acto Cultural , Profundo y El Americano Ilustrado, para citar algunas piezas memorables de ese mural de la Gran Venezuela que nos enseñó a conocer y amar. Pero dejemos que sea esta apasionada trabajadora cultural quien revele más detalles sobre esta joya literaria nacida de un acto de amor.

Vigencia de un autor

La colega Ahumada puntualizó que cuando un investigador se obsesiona con un autor, y eso es exactamente “lo que me ha sucedido a mí. Desde mi tesis de Magister Literarae en la Universidad Simón Bolívar, hasta los artículos que he escrito, los seminarios etcétera, me han permitido descubrir claves cabrujianas sobre una de las intelligentzias más completas del siglo XX venezolano como lo fue, o lo sigue siendo Cabrujas”.
Pero Ahumada no propone a Cabrujas como modelo, “porque en su permanente juego dialéctico, y su brillante juego paródico, siempre marcó distancia con voces como la de Arturo Uslar Pietri, que fungía de una especie de oficiante del “deber ser” del venezolano. Cabrujas rompió con el modelo del intelectual distante del país, del venezolano de a pie y se puso de tú a tú con él. Creo que las nuevas generaciones deberían estudiarlo para comprender las claves del fracaso del proyecto de Venezuela como país, para profundizar en los tópicos sobre los cuales hemos construido la idea de la venezolanidad y el porqué de nuestras taras: la provisionalidad, la distancia entre las instituciones y el individuo; el fracaso de esas propias instituciones, el concepto del Estado Mágico; el país como lugar de paso, la ciudad del “mientras tanto y por si acaso”, el redentorismo entre otras. Comparto lo de que dice el escritor Alberto Barrera Tyzka en cuanto a que “El Estado del Disimulo”, una entrevista realizada en el marco de la Comisión para la Reforma del Estado (1987) debería ser un texto fundamental en el bachillerato”.

-¿Vale la pena recordar a Cabrujas, cuando no lo montan con la frecuencia que se merece?

-El hecho de que no lo lleven a escena es un tema que habría que preguntarse, y siempre me ha llamado la atención que salvo Profundo y por supuesto su obra más famosa, El día que me quieras, sean las únicas que se hayan montado varias veces. El Trasnocho Cultural ha hecho varios homenajes a través de lecturas dramatizadas y montajes, pero hasta ahí llega. Pienso en Acto Cultural (mi favorita) que hoy día tiene mucha vigencia, mucho que decirle al país sobre un proyecto cultural que a troche y moche se quiere imponer al país. Me refiero al anacronismo de la cultura endógena de pájaros guarandoles, y chiriguares, de un teatro político mediocre; y marcado por una orientación del “prolet kult”. Creo en la resistencia cultural e insisto ir en contra de la desmemoria.

-¿Qué es lo importante de Cabrujas?

-Cabrujas me apasiona en primer lugar porque desde el punto de vista dramatúrgico es un genio que combina con maestría el manejo de técnicas modernas de intervención ficcional, como la parodia, la ironía, etcétera, con géneros aparentemente arcaicos como el sainete. Su construcción de personajes es muy profunda y ese es un gran hallazgo que no se repite en otros autores venezolanos, la construcción de personajes que llegan a convertirse en arquetipos Pío Miranda por ejemplo. Son personajes con los cuales el autor te permite establecer empatía porque son como uno, meten la pata, con una ingenuidad, que sólo te despierta compasión y ese giro ya los hace inolvidables y profundamente humanos.
En cuanto a los argumentos indudablemente la capacidad de “historiar” el teatro es extraordinaria, de que la historia nacional le sirva como telón de fondo para un argumento es un teatro enraizado en la venezolanidad para hurgar en esa Gran Historia, la de Eduardo Blanco o Gil Fortuol y parodiarla, y decirnos “mira epa no sigas creyendo que somos un país grande”, sino un gran país mediano donde un protocolo, como el de Rojas Freire, borra 300 mil kilómetros del Esequibo porque se derramó una compota de hicacos como en la escena de El americano ilustrado . Cuando llevaron a escena El día que me quieras , yo la veía y decía está hablando de Pío Miranda, un comunista que ni siquiera leyó el Manifiesto, que ni sabía por qué lo era. Símbolos vaciados de significado. Así mismo desde el punto de vista de la estructura dramática Cabrujas y eso lo recoge buena parte del trabajo crítico sobre su obra está construida como una partitura porque era melómano y erudito de la ópera.

Cabrujas publicó casi todas sus obras y otros libros, entre ellos recordamos: Profundo, Acto Cultural, Fiésole, El día que me quieras, Una noche orienta, El Americano Ilustrado, Autorretrato de artista con barba y pumpá y Sonny. Y un libro póstumo, Latinoamérica inventó la telenovela, resultado de un taller que dictó sobre “El Libreto de Telenovelas”, en el Instituto de Creatividad y Comunicación (ICREA).

Para el crítico Azpárren Giménez, El Americano Ilustrado es la coda del conjunto de obras que hicieron de él un dramaturgo indispensable. La historia de los hermanos Lander y sus relaciones con Antonio Guzmán Blanco, el Ilustre Americano, trasciende los enredos de la intriga para presentar el mundo de privaciones, anhelos y frustraciones de los personajes. Arístides y Anselmo Lander no resuelven, al igual que los personajes de obras anteriores, sus incompetencias en sus vidas privadas, en particular las relaciones con la pareja, al tiempo que su proyección pública, uno Ministro de Asuntos Exteriores y el otro Obispo, termina siendo un grotesco lamentable

A Santana lo fotografiamos en los espacios de la Villa del Cine,uno de sus proyectos .

El fantasma del dramaturgo y guionista de cine Rodolfo Santana Salas recorre escenarios y también oficinas públicas y privadas de productores y empresarios teatrales. No descansará todavía, a pesar de haber muerto el 21 de octubre de 2012, porque se marchó sin culminar uno de sus más ambiciosos proyectos: la institucionalización del Festival Nacional de Teatro Venezolano. Sí, institucionalizarlo, o sea dotado de un presupuesto proveniente del Estado y adecuado para lo que ese ambicioso proyecto cultural exige y, por si fuera poco, libre de rémoras y alcabalas que suelen casi siempre ahogar proyectos semejantes.

Santana luchaba para que, cada dos años, las salas teatrales de Caracas y otras ciudades albergaran los montajes de los dramaturgos nacionales y de esa manera hacer conocer al público la existencia del pensamiento, el sentimiento, la historia y los mitos de los hijos e hijas de esta Tierra de Gracia, poetizados y convertidos en espectáculos.

Logró la promesa de recursos económicos y físicos, además de logísticos, para ese gran evento teatral, y solo faltaba que fijaran la fecha y las respectivas convocatorias destinadas a los teatreros y la organización de sus agendas de trabajo. Inicialmente el Estado avaló el proyecto y algunas progresistas instituciones se iban a sumar a tan magna empresa impresionadas ante esa “hemorragia teatral” que se avecinaba y de la cual la televisión y el cine sacarían obvios beneficios.

Por eso ahora su fantasma esta por ahí merodeando y maquinando para que no lo echen al olvido, lo encarpeten o lo pospongan para la próxima semana. En Venezuela es larga la historia de instituciones culturales que se hundieron tras la desaparición de sus gestores, dañando así a nuevas generaciones y echando cenizas sobre esas memorias positivas para la identidad nacional.

FESTIVALES CARAQUEÑOS

Mientras tanto, porque lo de Santana tenía tiempo gestándose, la Alcaldía de Caracas y su brazo cultural, Fundarte, se entregaron a la tarea de tantear “el terreno” de lo que sería esa gran muestra teatral y optaron por evaluar “la musculatura” disponible.

Para eso ejecutaron durante los dos últimos meses de 2011 el Festival de Teatro de Caracas, el cual sirvió además para reinaugurar una serie de teatros del casco central capitalino, magno proyecto para salvar el patrimonio nacional afectado o abandonado.

Y como los resultados de la asistencia de los espectadores fueron tan positivos, optaron por planificar y ejecutar el segundo Festival de Teatro de Caracas, entre el 23 de febrero y el 10 de marzo de 2013- a pesar del fallecimiento de Santana -un evento que arroja unos cómputos cercanos a los 70 mil espectadores, quienes disfrutaron 300 funciones de unos 150 elencos, todos criollos por supuesto, además de una serie de talleres y conversatorios. Un festival caraqueño con abundante representación de agrupaciones regionales, donde el espectador solamente pagó 10 bolívares por boleto para cada representación.

La muerte sin aviso de Santana afectó a la gente de Fundarte y es ahora cuando aún no se conocen los planes concretos para hacer el primer Festival Nacional de Teatro del siglo XXI, contando además con el apoyo de la Compañía Nacional de Teatro, ente del Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

Hay obras suficientes, de nuevos y consagrados autores, hay diversos espacios teatrales, y los necesarios recursos financieros están disponibles. Nunca antes hubo tanto interés para echar a caminar esa sana ambición que tenía Santana: tun evento teatral dedicado a mostrar a esta Venezuela desde la escena, algo nunca jamás visto.

Creemos, pues, que el Festival de Teatro Venezolano deberá llevar el epónimo de Rodolfo Santana, como reconocimiento a la calidad y la cantidad de sus obras comprometidas profundamente con esta nación que lo pario y le permitió mostrar los mejores frutos de su talento.

DRAMATURGIA

Rodolfo Santana (Caracas, 24 de octubre de 1944/Guarenas, 21 de octubre de 2012) aclaraba que el teatro fue, es y será intrincado, tanto que su acceso se vuelve misterioso por lo que abarca. Él, que pergeñó no menos de 100 textos, además de 13 guiones cinematográficos, afirmaba que “ante las complicaciones que ofrece el arte teatral, lo más habitual es ubicar sus aportes a nivel de maricones exhibicionistas u orgias post estreno. Me perdonaran los poetas y narradores venezolanos, pero Cabrujas Chocrón, Chalbaud, Rengifo, Ott, Viloria, Agüero y otros más, constituyen una parte sustancial de la cultura venezolana”. Lo que pasa, insistía, “también es que el dramaturgo latinoamericano posee una minusvalía extraordinaria. Por lo general se le considera un extraviado entre la literatura y el mal decir. Una excrecencia al pie de una columna dórica. He visto dramaturgos extraordinarios como Tito Cossa -estrenado en todo el mundo-confesando atributos de galeote y peón de arte. Y no es raro. Los dramaturgos latinoamericanos, con buenas obras, debemos enfrentarnos a la estulticia de los directores, a los planos del lenguaje convencional de las instituciones, al terrible hermetismo de las editoriales. El crítico Rubén Monasterios, a los autores de los años 70 nos denominó “dramaturgos de gaveta”, un término que, personalmente, he utilizado para saltar sobre la humillación de crear sin ningún sustento”.

HOMENAJE

En el emblemático Teatro Nacional, durante este mes de octubre, el Circuito Teatral de Caracas, a través de la Fundación para la Cultura y las Artes (Fundarte), rinde un sentido homenaje a uno de los grandes iconos del teatro venezolano,) quien fue en vida un célebre dramaturgo y director, con la presentación de sendos espectáculos basados en dos de sus obras más conocidas.

La Farra fue la pieza dispuesta para la gran inauguración del sábado 14 de octubre. Es un montaje dirigido por David Blanco con la interpretación de la compañía Teatro Katia con K. La trama expone cómo la inmoralidad, conducta invisible del ser humano, bajo ciertas circunstancias, puede ser el detonante de la venganza y el crimen. La iglesia, la política y la milicia son tres escenarios donde ese sombrío juego se desarrolla.

Esta obra, escrita en los años 60, no solo indica la culminación de un sistema político, sino también, habla del agotamiento de un modo de encarar la vida colectiva. Describe las nefastas consecuencias de todo lo hecho contra la estabilidad del mundo. La Farra estará disponible los días 13, 14, 28 y 29 de octubre a las 5:00 p.m.

La siguiente obra dramática será El animador, producida por la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa. Esta puesta en escena, resuelta por Carlos Arroyo y con las actuaciones de Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza, se caracteriza por su impacto controversial. Narra cómo se entrecruzan las desiguales vidas de Marcelo, dueño de un canal de televisión, y Carlos, un hombre criado frente al destello de tal aparato, quien secuestra a Marcelo con el propósito de hacer una programación a su medida. A través de situaciones tragicómicas, la pieza se pasea entre el drama y el humor negro.

El animador es una clara sátira a los medios de comunicación masivos y sus efectos negativos sobre las personas. Es punto de partida para corroborar como el consumo de películas y comerciales contribuyen a la generación de trastornos y desordenes de la personalidad. La misma estará disponible los días 21 y 22 de octubre a las 5:00 p.m.

Las entradas para estos espectáculos tendrán un costo de mil bolívares (1000 Bs.) y podrán ser adquiridas el mismo día de la función en las taquillas del Teatro Nacional a partir de las 2:00 p.m.

Teatro multisápido en el festival comunitario de Caracas

Con la presentación, en La Rampa , antiguo Teatro Altosf, en el sótano 1 del edificio San Martín de Parque Central, de la agrupación del Teatro Municipal de Oncativo, Córdoba, Argentina, con una obra que aborda, en tono de comedia, algunas de las primeras veces en la vida de los seres humanos, Prima non daturd, texto y dirección de Mario Arietto, con las actuaciones de Gonzalo Maldonado y del propio Mario Arietto, se inició la programación internacional del XVII Festival Internacional de Teatro y Títeres en las Comunidades de Caracas (Fetcom) 2017, que organiza El Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela (Iiave).

Las funciones de la agrupación argentina continuarán el lunes 23 y martes 24 octubre, a las 6:00 pm, con entrada libre y gratuita, al igual que todas las actividades que brinda el Fetcom en espacios públicos y convencionales.

TEATRO MUNICIPAL DE ONCATIVO

Los grupos de los talleres de la Escuela Municipal de teatro de Oncativo, funcionan ininterrumpidamente desde el año 1993, con participaciones en distintas localidades y festivales dentro y fuera de Argentina. Mario Arietto, su director, es actor y dramaturgo, titulado en Filosofía, Ciencias de la Educación y en la Enseñanza de Teatro. Se formó en la Universidad Nacional de Córdoba y en la Escuela de Teatro Roberto Art.; además de participar en cursos y seminarios con maestros como Eugenio Barba y José Sanchís Sinisterra.

Gonzalo Maldonado, es actor nacido en Oliva, Provincia de Córdoba, inició sus estudios con Mario Arietto, luego continuó su formación con diversos docentes de la ciudad de Córdoba, entre ellos Toto López (Radio Nacional), Leo Rey (María Castaña), Hernán Sevilla y Oscar Mercado. En Buenos Aires estudió con Augusto Fernández, Rubén Schuchmacher, Diego Burzomi, Francisco Civit y Julio Molina. Y cursó talleres y seminarios con Mauricio Kartun, Lautaro Vilo, Gonzalo Marull, y Cecilia Propato. En la actualidad está a cargo del Taller Municipal de Teatro de la ciudad de Oliva.

GRUPO TEATRAL S&V DE BUENOS AIRES

La otra agrupación argentina participante es el Grupo Teatral S&V de Buenos Aires con la obra de teatro Todos vivosde Marcos Perearnau, protagonizada por Fernando Martín. Una pieza que propone una revisión de la historia de la nación sureña. La trama se ubica en el 2 de abril de 1982. Luis, un muchacho de 18 años, es convocado a la guerra de Malvinas. La idea de ir al combate lo paraliza y el terror le hace perder la razón. Desde entonces, es un excombatiente que vive a la intemperie del sentido, un veterano que camina en el límite entre la realidad y la ficción de propia historia argentina. Las funciones se realizarán Del miércoles 1° al viernes 3 de noviembre.

LA PROGRAMACIÓN DE FETCOM 2017

La programación de la muestra teatral continuará hasta el 5 de noviembre. Para el miércoles 25, está prevista la función de Zamora pasó por aquí , a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y al siguiente día, jueves 26, será el turno de la Red Teatral del estado Vargas con una versión de La casa de Bernarda Alba.

El Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela (Iiave), también se presentará en la sala La Rampa, con el monólogo Pícaras confesiones de una fea , que interpretada por Lilybell Trejo, bajo la dirección de Alberto Ravara.

Teatro Batahola, del estado Portuguesa, presentará el sábado 28 la pieza Piano de cola y el domingo 29 el grupo Termites, de Caracas lo hará con la obra Préstame tu marido .

Iiave, se presentará en un montaje conjunto con Visión Arte para la obra Leche, que se presentará el lunes 30 de octubre. Para el martes 31, el programa contempla una función de ¿Dónde está enterrado Colón?, de César Rojas y con la producción del CNT.

Del miércoles 1° al viernes 3 de noviembre, tal como se dijo en líneas anteriores, el Grupo Teatral S&V de Argentina ofrecerá funciones de Todos vivos.

Finalmente, la programación en Sala del Fetcom se despedirá con la obra Sonoro, de Carlos San Diego, con la Compañía Noel Lovera de Anzoátegui. Y la pieza Al unísono, de Elizabeth Schon, montaje del Teatro Estable de Villa de Cura. Las funciones serán el sábado 4 y domingo 5 de noviembre, respectivamente.

LOS DETALLES

El Fetcom 2017, que comenzó el pasado 13 de octubre, presenta a 18 grupos teatrales nacionales y dos grupos internacionales, ofrecerá 60 funciones de teatro, títeres, magia y circo, así como 60 conversatorios entre el público y los artistas, 15 talleres motivadores en comunidades, tres clases magistrales, encuentros y reconocimientos. En suma, son 215 actividades de promoción, investigación, difusión y formación teatral en valores humanos y sociales.

La muestra artística llega a distintas parroquias de la gran Caracas, con funciones en espacios comunitarios, nuevos urbanismos, escuelas, universidades, plazas y otros espacios públicos para el disfrute de niñas, niños y el resto de la familia.

El Centro Nacional de Teatro (CNT) extendió plazo de la convocatoria del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017, creado para autoras y autores, con el objetivo de estimular la creación de un nuevo lenguaje en la dramaturgia venezolana, hasta el próximo 28 de octubre.

Por lo tanto, en virtud de continuar brindándole espacios a dramaturgos, creadoras y creadores del país, estos pueden seguir participando con obras inéditas y originales con temáticas relacionadas con el proceso liberador, las acciones de paz y cooperación que conduzcan a la búsqueda de nuevos lenguajes y a profundizar la identidad de lo que hoy somos y hemos logrado durante las dos últimas décadas en el país.

La tercera edición de este reconocimiento está dirigido a la pluma de autores venezolanos y extranjeros con un mínimo de cinco (5) años de residencia en Venezuela y que las piezas no pueden haber sido escenificadas anteriormente en ningún país. Además, la obra premiada se estrenará el venidero año 2018 bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro.

Este concurso que se llevó a cabo por primera vez en el año 2015 por parte del Centro Nacional de Teatro, de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC) como parte de las políticas de fortalecimiento de la dramaturgia nacional y enalteciendo la capacidad creativa y la producción artística criolla, estableció tres premios en metálico por lo que el máximo ganador obtendrá 200 mil bolívares fuertes.

Participa por el Premio a la Dramaturgia

La planilla de inscripción, las bases del concurso y los requisitos para participar en el prestigioso Premio Apacuana 2017 las puedes descargar en la página web: www.cnt.gob.ve. Para mayor información puedes comunicarte a través de los números de teléfono: (0212) 481.2147/7306/0715/2227. Además visitay sigue nuestras redes sociales: Twitter: @CNT_Venezuela y Fan Page Facebook: Centro Nacional de Teatro.

La reflexión sobre el hecho teatral es necesaria para el desarrollo de las estéticas

El Centro Nacional de Teatro (CNT) inició la convocatoria para el Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 hasta el 10 de noviembre, donde podrán participarcreadoras y creadores, gestores culturales, organizaciones, investigadoras e investigadores, docentes, estudiantes y la comunidad de las artes escénicas en general en la búsqueda de fomentar la construcción de conocimientos y saberes teatrales.

Los aspirantes a esta segunda edición del premio podrán enviar sus ensayos (un solo trabajo de investigación de acuerdo a su categoría) asumido de forma literaria y también como espacio creativo de desarrollo e investigación desde sus procesos de gestión y prácticas artísticas para acercarnos al hecho teatral y a la reflexión desde “el hacer”.

Este Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017, que es promovido la institución CNT, de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), tiene como objetivos fomentar la investigación y construcción de conocimiento desde la praxis escénica y teatral actual; con temáticas desde la formación, aprendizajes y diálogos de saberes, diversidad de integración y desde la acción social, con aspectos simbólicos e imaginarios que divulguen el pensamiento creador del teatro y artes escénicas de nuestro país.

El Centro Nacional de Teatro en la búsqueda de estimular y apoyar la creación artística, asegurando la incorporación de nuevas estéticas y lenguajes para la construcción de la hegemonía cultural bolivariana, otorgará cuatro premios en metálico, según las categorías: Creadores, gestores o investigadores emergentes y Creadores, gestores o investigadores de amplia trayectoria, con primer y segundo lugar, respectivamente.

Los ensayos ganadores serán publicados en un libro de formato digital de circulación libre.Cabe destacar, que el ensayo ganador del primer lugar en la edición del año 2016 lo obtuvo María Alejandra Pérez, por el trabajo Oblivio , creación escénica e interacción con el espectador desde el teatro postdramático y el performance, sobre una experiencia estética a partir del manejo de teorías contemporáneas y actualizadas.

En la premiación de la categoría de autores con amplia trayectoria seleccionado el máximo galardón lo obtuvo Carlos Dimeo Álvarez, por el ensayo Hierofanías de la violencia en el teatro venezolano, inmersas en las líneas del discursos estéticos y aportes teóricos.

Participa a través de nuestra web

Los requisitos para participar e inscribirte en el Concurso de Ensayos sobre Teatro 2017 lo puedes descargar en la página web del Centro Nacional de Teatro: www.cnt.gob.ve. Para mayor información puedes comunicarte a través de los números de teléfono: (0212) 481.2147/7306/0715/2227. Además síguenos en Twitter: @CNT_Venezuela y Fan Page Facebook: Centro Nacional de Teatro.

Memorable teatro creado en Guanare.

Imposible concebir la historia de Simón Bolívar sin la presencia de su maestro Simón Rodríguez. Y ha sido el teatro venezolano el que la ha rescatado. A instancias de José Ignacio Cabrujas, quien la dirigió y con la complicidad de los actores Flavio Caballero y Fausto Verdial, Isaac Chocrón escribió y estrenó el 3 de marzo de 1983, en la sala Juana Sujo del Nuevo Grupo, la singular elegía al Libertador en su Bicentenario: Simón. Lúdica comedia que muestra al joven Bolívar y su maestro Simón Rodríguez en histórico recorrido entre París y Roma, durante los años 1804 y 1805, entre la coronación de Napoleón y el juramento en el Monte Sacro.

Ahora Simón Rodríguez, o Samuel Robinson (nombre que usa tras la ruina de la conspiración de Gual y España, 1797), retorna como hermoso ente teatral gracias al autor Tomás Jurado Zabala, el director Carlos Arroyo y los comediantes Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza, quienes mostraran en la sala Anna Julia Rojas de Unearte y en la Sala de Cultura de los Teques sendas funciones del espectáculo Robinson en la casa de Asterión.

Robinson en la casa de Asterión, producción de la Compañía Regional de Portuguesa, reivindica a Simón Rodríguez y lo exalta como lo que fue: gran pensador, revolucionario que desafió a toda la naciente sociedad latinoamericana al desarrollar y poner en práctica, arriesgando hasta su vida misma, por su original concepción- bajo la influencia de Jean Jacques Rousseau- lo que deseaba: educar a las nuevas naciones liberadas del yugo español por la espada de Bolívar y sus generales. Educación para derrumbar la herencia colonial y formar auténticos ciudadanos republicanos como seres del conocimiento y expertos en diversos oficios.

Jurado Zavala ficciona y combina al mitológico Asterión, según el cuento de Jorge Luis Borges, con las peripecias del brillante intelectual (Caracas, 28 de octubre de 1769/Amotape, Perú, 28 de febrero de 1854), e invita al espectador a revisar sus conocimientos sobre quien “enseñaba divirtiendo”.

El espectáculo, creado en Guanare por Arroyo y su equipo de artistas, se desarrolla en un espacio vacío y sobre un piso que reproduce, con líneas blancas, al laberinto del minotauro de Creta, donde irrumpe Robinson para enfrentarse con el Asterión (hombre con cabeza de toro), momentos antes de morir y drenar sus fracasos y las culpas de quienes a lo largo de su vida tuvieron que ver con la ruina de los mismos, con el mariscal Sucre a la cabeza.

Gracias a la concepción minimalista del montaje y la desenfada actuación de Aníbal y Wilfredo, lo vemos desafiar a quienes lo acusaron de ladrón, de hereje, de promiscuo, cuando su objetivo era educar y crear hombres libres para formar verdaderas repúblicas en la América española. Al final se da cuenta que su salvación está en sus escritos que leyó tantas veces y que nadie supo comprender. Logra demostrar una vez más que, el hombre es grande y trasciende en la historia y el tiempo por sus pensamientos y sus saberes.

La saga y el legado de Simón Rodríguez o Samuel Robinson no se perdieron en los largos y angustiosos 200 años de historia de esta república. Es una referencia obligatoria en todo lo referente a la educación de la sociedad y es por eso que en Caracas, hacia octubre de 1971, se fundó la Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez y en más reciente fecha se creó la Misión Robinson, un programa social del gobierno nacional durante la presidencia del comandante Hugo Chávez.

Robinson en la casa de Asterión vivirá en el espacio de Unearte el 27 y el 28 de octubre, a las 5 pm, y en Los Teques el domingo 5 de noviembre, a las 5PM.

¡Creemos que hay Simón Rodríguez o Samuel Robinson para muchas décadas más!

Todo el poder del Estado mirandino para un evento de no menos de 30 mil espectadores.

Desde este jueves 26 de octubre el municipio Guaicaipuro sube el telón para darle la bienvenida a la IV edición del Festival de Teatro Los Teques 2017, donde los asistentes podrán disfrutar de 171 funciones en 16 sedes, 500 artistas en escena y 62 agrupaciones que derrocharán el talento del mirandino.

La información se dio a conocer durante una rueda de prensa en los espacios del auditorio Leoncio Martínez de la Casa de la Cultura de Los Teques, donde participó el Alcalde de Guaicaipuro, Francisco Garcés, Luis Figueroa en representación del Gobernador de Miranda; así como Alfredo Caldera, vocero de la Compañía Nacional de Teatro.

Garcés informó que la inauguración del IV Festival de Teatro se realizará el jueves 26 de octubre en las instalaciones del Teatro Emma Soler de Los Teques, espacio recuperado gracias al rescate de la Gobernación de Miranda. “Nosotros inicialmente íbamos hacer la inauguración del festival en nuestro Teatro Lamas, espacio que fue restado mediante la Alcaldía y CorpoMiranda el año pasado, pero hemos decidido realizarla en el Teatro Emma Soler, al igual que en la Casa de la Cultura, espacios que anteriormente le pertenecían a la Gobernación de Miranda, pero que ahora con la victoria del 15 de octubre pasó a manos del pueblo. Las puertas están abiertas para todas y todos que quieran hacer del aspecto cultural, un hecho incluyente, después de nueve años renacemos y recuperamos estas instalaciones”.

El Alcalde de Guaicaipuro indicó que en esta oportunidad el Festival de Teatro se dividirá en ocho ejes, dedicados a: todo público, infantil, estudiantil, circense, obrero, comunitario, mimos y títeres. “Este año se contará con la participación del Teatro de México (Grupo Tiripititi); además se realizarán concursos de fotografías. Toda la agenda de las artes escénicas llegará a las seis parroquias productivas de Los Teques, donde se presentarán 36 funciones variadas. La alegría del festival también se estacionará en la Casa de Abrigo una Mano Amiga, en La Bermúdez, Hospital Victorino Santaella, Casa de la Cultura Cecilio Acosta, y Escuelas de Educación Especial”.

Asimismo, expresó que este año se prevé superar la cifra de asistencia, más de 30 mil personas que disfruten de estas puestas en escena. “Queremos que nuestros hijos crezcan con cultura, con valores y felices. El festival llegará a las comunidades; llevaremos nuestro mensaje de Paz y formación a comunidades atacadas por la violencia. El Festival y sus funciones son totalmente gratis. Queremos que hagamos de estas tres semanas de mayor alegría, de participación y de mayor compartir”.

Por su parte el Presidente de CorpoMiranda Luis Figueroa indicó que la Corporación se suma a apoyar el Festival de Teatro de Los Teques, con la adecuación de espacios, iluminación y despliegue técnico.“Todo nuestro apoyo para estas actividades que reúne a todas las familias mirandinas. El Festival de Teatro son actividades organizadas para enaltecer la cultura, valores y para el libre entretenimiento de grandes y chicos en distintos espacios y de manera gratuita; está demás decir que el festival contará con todo el apoyo del Gobernador de Miranda Héctor Rodríguez”.

Al tiempo que Alfredo Caldera, vocero de la Compañía Nacional de Teatro, manifestó que nunca más la cultura saldrá del Teatro Emma Soler. “El pueblo se empodera de este espacio para que nunca más la cultura salga de aquí y siempre quede presente para todo lo que tenemos por delante. Es un placer con la compañía nacional de teatro poder apoyar con tres obras en esta oportunidad, tenemos una programación de lujo que todo el público en general podrá disfrutar; en tres semanas vamos a poder ver todo lo mejor del teatro mirandino y muchísimas obras de otros estados que estarán en las tablas”.

Asimismo Elizabeth Romero, integrante del despliegue y comité organizador del festival de teatro Los Teques, añadió que el Festival de Teatro muestra el resultado del esfuerzo de cuatro años del Gobierno Bolivariano en la recuperación de los espacios públicos de Miranda para la cultura. “Tenemos un festival hermoso, una edición amorosa llena de muchos sujetos sociales que se han visibilizados a lo largo de todos estos años de gestión y que hoy lo podemos mostrar a ustedes”.

El Festival de Teatro, que ha de culminar el próximo 12 de noviembre, también se estará presentando en el Parque Cultural Social Villa Teola.

80 años de vida útil para la cultura.

Hay fiesta en los sectores populares del teatro venezolano, especialmente entre los que lo cultivan y lo exhiben en Caracas, ya que el maestro, autor, director, escenógrafo, maquillador, vestuarista y poetaYorlando José Conde Villamizar festeja sus 80 años de vida útil para la cultura y los celebra a lo grande, en la sala Anna Julia Rojas de Unearte, con el espectáculo teatral Semblanza de un saltimbanqui que escribió, produjo y dirigió un antiguo alumno suyo, Willy Torrealba, este domingo, 29 de octubre, después de la 4 PM.

Yorlando, escapando de una violenta lluvia en el cafetín de Unearte, en la tarde del pasado martes 24 de octubre, confiesa que Willy Torrealba, el gestor de este “super cumpleaños” es un ex alumno suyo, a quien conoció cuando “el muchacho tenía 14 años”.

-¿Cuántos años tiene ahora Torrealba?

-No, se, pero creo que anda por los 60, más o menos. Lo importante es todo lo que ha hecho y lo que ahora se dispone a mostrar. El escribió un texto muy bonito y se dedicó a buscar gente y como mostrarlo en la sala, más importante de Unearte, donde funciono durante muchos años el Ateneo de Caracas, pero antes, para ese día, habrá un toma de los espacios abiertos de esta edificación de este edificio con unos afiches y unas tarimas donde varios colectivos culturales harán sus programaciones.

¿Qué dice esa obra en el espectáculo organizado?

Tengo en mi poder varios ejemplares de ese guión, el cual es una aproximación poética a mi biografía, donde yo además actúo y participara mucha gente más. Ahí se alude a la vida de un ser humano que ha vivido intensamente y que le ha dedicado muchos años de esa vida a combatir, dentro de la lucha de clases, por los más desfavorecidos, no solo en Venezuela sino en el mundo.

-¿Eso por supuesto alude o es parte de su vida?

Si, que ha sido publica, desde los 5 años, y que todo el mundo conoce. Recuerdo que con esa edad recite el poema Bandera de Venezuela por qué yo te quiero tanto en el colegio “9 de Diciembre”, el cual estuvo ubicado cerca de la plaza Capuchinos de Caracas. Fue ahí cuando descubrí que tenía vocación para el teatro y desde entonces no dejé de amar la actuación. Años después, en Santiago de Chile, me gradué en estudios formales de las artes escénicas. Aquello fue en 1966 y tuve maestros como Pablo Neruda y Víctor Jara, entre otros. Pero lo que me terminó de formar fueron mis estudios del marxismo como filosofía y como proyecto de lucha, eso fue lo que me definió y lo que enrutó mi teatro para favorecer a los oprimidos, a los trabajadores. Eso me ayudo para hacer un teatro de los obreros para los obreros. Un teatro comprometido con las causas laborales. Y también hice un teatro de estudiantes y para los estudiantes. Y también hice un teatro para los alumnos de las escuelas primarias. En todo esto se me han ido 80 años de mi vida.

¿Satisfecho por todo lo hecho?

Si, por supuesto que sí.

¿Quienes actúan ahora en Unearte para Semblanza de un saltimbanqui?

Mucha gente actuara, pero la dirección y autoría del texto es de Willy Torrealba y actúan, entre otros, Antonio Machuca, Horacio Cabrera y otras personas más. Yo participo en la escena. Estamos ensayando todavía y no puedo darte más información. Al cerrar el espectáculo yo llamara al escenario a unas 70 personas que he invitado para agradecerles lo que me dieron de su amistad durante todos estos años. Soy muy agradecido además.

¿Dónde nació?

Me contaron mis padres, que fue aquí, en Caracas, en una casa de Pepe Alemán a Cochera, en la parroquia de San Juan. Mi padre Vicente Conde fue el partero y el que corto mi ombligo. Mi mama era una yekuana, Adela Villamizar, y yo soy el menor de una camada donde hubo dos hembras y dos varones más. Vine al mundo un 29 de octubre de 1937.

¿Y qué paso para que 80 años después Yorlando Conde celebre esas décadas en un acto público con teatro incluido?

-Viví y ustedes los periodistas han sido testigos de buena parte de esos años. Esto es todo y esto se lo debo a la vida, que me ha dado tanto, como dice la canción de Violeta Parra. Este es un acto de amor de una parte de quienes fueron mis alumnos durante todos estos años. Y todo esto se hace porque ellos no querían que mi cumpleaños 80 pasara por debajo de un puente, sino en un escenario donde he vivido y hecho vivir a otros venezolanos. Lo hicieron para que hacer memoria. Hay mucha gente en este proyecto, porque son muchos los que me han acompañado, sobre todo cuando he estado preso, varias veces.

¿Por qué se lo llevaron preso varias veces?

Por hacer teatro revolucionario, por combatir al lado de los obreros en sus luchas sindicales, por protestar con ellos, por mostrar una realidad que los otros teatros no mostraron, como fue durante el régimen de Jaime Lusinchi, en aquellos largos y oscuros años de la cuarta república. Una etapa que muchos quieren ignorar. Hoy en día eso no se hace con los artistas, no se los llevan presos.

¿Ha cambiado Venezuela durante los últimos 18 años?

Si y mucho, pero todavía no tenemos la política cultural precisa, donde se reivindique la dignidad de los artistas. Y aquí me remito a los artículos 100 y 101 de la vigente Constitución de la República de Venezuela, los cuales son violados permanentemente por los medio de comunicación social, pero espero que eso cambie con la actual Asamblea Nacional Constituyente.

¿Este espectáculo se repetirá?

Si creo que sí y se mejorara, porque yo pienso vivir mil años para apuntarlo. Y todo mi bagaje teórico lo voy a escribir, especialmente mis reflexiones sobre cómo hacer el teatro en función de las edades de los espectadores y sus ocupaciones. Y subrayo que mi teatro no es para los burgueses, porque, parafraseando a Jose Martí, “con los pobres de la tierra yo quiero yo mi suerte echar”.

¿Financieramente quien los ayuda para este montaje?

Creo que hay cinco ministerios y varios particulares.Está, por supuesto, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura

Héctor Sulbarán

En tapete se ha instalado el debate acerca de la legalidad de la juramentación de los gobernadores ante la Asamblea Nacional Constituyente (ANC), acentuado esto con la asistencia de los mandatarios regionales de Acción Democrática (AD) quienes hace días juraron ante la directiva de la ANC. En opinión de Héctor Sulbarán, abogado y profesor universitario calificó este hecho como constitucional y positivo de cara a la reconciliación nacional.

Sulbaran, abogado especialista en derecho constitucional, señaló que este hecho político marca un inicio para la reconciliación nacional, en el cual los cuatro gobernadores opositores reafirman la legitimidad de la ANC y de Nicolás Maduro como Presidente, dándose con esto un reconocimiento mutuo de cara al progreso del país. “Esto puede ser un ejemplo de cara al propio Poder Ejecutivo y los empresarios que trabajando juntos manteniendo sus posiciones políticos pero colocando al país primero lograrían salir de la crisis que vivimos”, dijo.

Indicó como fundamental que todos los gobernadores, sin importar su partido político, reciban el mismo trato por parte de las instituciones nacionales, para que estos le den la celeridad correspondiente a los proyectos estadales y sean ejecutados para el provecho de la ciudadanía. “El hecho de la reunión del Presidente Maduro con los mandatarios regionales en un ambiente de cordialidad y respeto puede ser un impulso para el desarrollo socioeconómico de sus Estados, apartando la politiquería y trabajando sin mezquindades por Venezuela”.

El constitucionalista explicó que la ANC de cualquier país posee poderes especiales ya que tiene la potestad de modificar la carta magna, asimismo es importante leer con detenimiento el llamado a elecciones realizado por la Constituyente donde especificada que la juramentación debía realizarse ante este ente. “Razón por la cual al momento de postularse los candidatos aceptaban las condiciones emanadas de este organismo plenipotenciario”, concluyó.

El secuestrado y su victimario

Ya van cinco años del mutis de Rodolfo Santana Salas (Caracas, 25.10.1944/Guarenas, 21.10.2012) y su teatro sigue vivo porque hay teatreros que lo representan e instituciones que lo exhiben buscando así la deseada catarsis del público. Es el caso de las agrupaciones Teatro Katia con K y la Compañía Regional de Teatro Portuguesa, las cuales escenificaron sendas piezas fundamentales de su dramaturgia: La farra (1969) y El animador (1972), en el caraqueño teatro Nacional.

La presentación de ambas obras se hizo a instancias de Fundarte para evocar al ausente y permitir así que la comunidad reflexionara sobre el legado de Santana Salas, uno de los máximos referentes de la dramaturgia nacional, autor de no menos de 100 obras de teatro y una docena de guiones para cine, entre ellos El caracazo (1989) de Román Chalbaud. Ojala que esto se repita en años posteriores o se materialice en un majestuoso festival permanente de autores venezolanos comprometidos con la realidad de su nación, precisamente con sus mejores textos, como lo pedía César Rengifo, precursor de una auténtica dramaturgia social.

Rodolfo Santana Salas, así como otros personajes de la literatura universal, está marcado por sus primeras relaciones con el mundo, en este caso la presión familiar posterior y el momento social y político fueron factores decisivos en la configuración de su mundo interior. Venezuela siempre ha producido su gente necesaria.

PODER, CRIMEN Y TELEVISION

Sobre La farra debemos advertir que ahí se plantea la relación entre el poder y el crimen a través de tres personajes que representan la Iglesia, el Poder Político y el Poder Militar, nada menos. Mientras que El animador –el espectáculo que aquí analizamos- es una profunda y estrujante crítica a la televisión (tema que por mucho tiempo fue de gran interés para Santana) a través de dos personajes: Marcelo, dueño de un canal; y Carlos, todo un adicto a la televisión, un hombre enamorado de ese medio a quien no le importa hacer lo que sea para lograr sus propósitos.

Carlos, quien secuestra a Marcelo Ginero, presidente de una planta televisora muy importante, ha planificado y así logra materializar una especie de juego o juicio teatral con final fatal, donde culpa al responsable directo de la programación que ha afectado su vida íntima y personal. Lo somete a una paradójica tortura al convertirlo en comediante improvisado de algunos de sus recuerdos y lo lleva fríamente hasta el precipicio de esa locura compartida.

De esta trama tan especifica como es El animador, Santana Salas se vale para denunciar el daño que han ocasionado algunas de las producciones de televisión local venezolana por intermedio de seriales, telenovelas, comerciales, concursos, etcétera, en la sociedad criolla durante no menos 50 años. El protagonista culpa al presidente del canal, por creer que éste es el responsable de todos los sinsabores vividos, desde la desde su niñez hasta la última relación amorosa.

El director Carlos Arroyo y la Compañía Regional de Portuguesa llevan dos años produciendo y exhibiendo El animador, en Guanare y otras ciudades venezolanas, gracias al excelente trabajo profesional de los actores Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza, además del pulcro soporte de los técnicos Carlos Moreno y Kelynson Berrios. Una forma sobria, sin amaneramientos, de cómo hacer un teatro para los venezolanos de estos tiempos, de cómo mostrar un cuento bien echado.

Poder ver y evaluar El Animador nos remite por su originalidad de inmediato a su creador Santana Salas, quien precisamente decía que en Venezuela sería muy bueno que los creadores se dieran un paseo por las veredas del compromiso y conocieron más al pueblo para quien escriben. “Ellos, los dramaturgos, especialmente, elevarían en mucho los niveles creativos. Y más en esta etapa, donde una historia feroz nos arrebata el derecho a soñar. Nuestros conductores políticos han aniquilado las posibilidades de un mundo mejor. Del sueño posible. Los pueblos diseñan sus sueños, el hábitat ideal donde sus ilusiones fructificarán. Pienso que nuestros sueños colectivos han sido cercenados. Se nos han constreñido territorios en nuestras aspiraciones de bienestar y participación y hoy la pesadilla ronda el oxígeno común”, como lo afirma en nuestro libro Como es Rodolfo Santana (1995).

Santana Salas podía lucir impertinente cuando repetía, para aclarar algunos aspectos de sus obras, “que el béisbol y la corrupción son símbolos de la vida venezolana, porque la temporada de béisbol y la corrupción política nos son tan propias como el acudir a Sorte o a un brujo para aliviar males físicos y espirituales”. Definitivamente, la delincuencia actual logra unos tenores de malevolencia que nada tienen que ver con el malandro de los setenta que, a lo más, repartía cachazos a las víctimas que se resistían. Hoy se mata por matar. Las noches son mortíferas y la gente no sale; y si lo hace se pasa el tiempo moviendo la cabeza como un tiovivo, esperando un eventual incidente. Los tiempos han cambiado y por lo regular los premilenarios y los milenarios ofrecen estos cambios desorbitados.

MONTAJE PORTUGUESEÑO

La versión escénica de Arroyo con El animador deja a la pieza como una ecuación de primer grado, nada de artificios, nada de trampas coloquiales para que el espectador se evada. Carlos y Marcelo se presentan y luchan: uno con mucha inteligencia y sagacidad y el otro con simpleza y deseo de retaliación. El más fuerte pierde y queda la duda: el burgués cede y gana el pueblo reivindicativo. ¿Es lo correcto? o ¿quizás merecía otra oportunidad? o ¿hay que buscar una segunda oportunidad?

Es una polémica que únicamente el público en un foro podría dilucidar o profundizar, pero hay que recordar que Santana siempre nos recordaba, que, por ejemplo, la noción de compromiso ha variado y seguirá cambiando. “Es de mal tono mencionarlo. A quien se compromete se le mira con sospecha o lástima. Se habla con soltura sobre el talento y la fuerza creadora, a secas, obviando para mí lo esencial: el compromiso al lado de la humanidad ante los que la vejan y engañan”.

En síntesis, hay que seguir exhibiendo a Santana Salas y a otros autores venezolanos, porque son los poetas teatrales los que forman conciencia y dan una honesta pauta a los pueblos, como lo hicieron la pléyade de los maestros griegos, o como Shakespeare o Moliere lo manifestaron y cambiaron a sus comunidades.

Así lo captamos durante un ensayo en el viejo Ateneo de Caracas.

Se marchó Humberto Orsini este 26 de octubre de 2017. Estaba en recuperación de sus dolencias. Pero este teatrero nunca morirá porque fue y seguirá siendo una Leyenda Viviente del Teatro Venezolano y Mundial. Había nacido en Santa Cruz del Orinoco, Anzoátegui, el 4 de abril de 1926.

Su afición al teatro comenzó a los 5 años cuando actuó en una velada organizada por su maestra Ignacia Mata de Aguirre, donde él hizo el papel de un campesino que viene “tomado” de una fiesta, con un cuatro, una botella de ron y desde luego con alpargata y sombrero de cogollo. En 1933, su padre, comerciante de ganado y vegas, lo envió a Ciudad Bolívar con un primo que tenía negocios, con la finalidad que Humberto fuera comerciante. Trabajó en una pulpería 13 años. De día trabajaba en el negocio y de noche asistía a una escuelita llamada Escuela de Artesanos y Obreros, donde estudió hasta tercer grado. Sin embargo la idea del teatro lo perseguía, pues en la escuelita montaba obritas escritas, dirigidas y actuadas por él.

Esto fue determinante para las inclinaciones teatrales de Orsini, al punto que en 1941 escribió El Conde de Luna, un drama romántico en 13 actos, que tenía entre otros personajes al Rey de España, Don Alfonso de Borbón, seguramente bajo la influencia de las óperas que oía por radio junto con su mamá. La finalidad de escribir esta obra era que se representara en carnaval pero los cómicos de la legua, que no memorizaban textos sino que improvisaban, al ver las 150 páginas del libreto se alarmaron; la obra nunca se montó y el libreto se extravió más tarde.

A los 20 años de edad, 1946, Orsini rompió con la profesión de comerciante, que desde luego no era su vocación, se retiró de la pulpería y se fue a trabajar en las compañías petroleras de Anzoátegui, en San Tomé y Puerto La Cruz, pero solamente duró un año, ya que trabajaba en teléfonos y allí querían que él se especializara en ese oficio, que tampoco era de su agrado. Así que se retiró y volvió a Ciudad Bolívar.

En Ciudad Bolívar comenzó a trabajar en la Creole Petroleum Corporation y como en la pulpería, entre otras cosas, había aprendido algo de inglés, la empresa lo transfirió, en 1949, al departamento de ventas en la ciudad de Caracas, donde necesitaban una persona que hablara inglés y conociera de materiales. Continuó los estudios de inglés, tomó diversos cursos de otras especialidades y continuó haciendo deporte, que fue lo único que hizo con placer en San Tomé. Así pasó el tiempo hasta que en julio de 1950 vio en la prensa un aviso del Curso de Capacitación Teatral, donde ofrecían clases de teatro y no lo pensó dos veces, se inscribió de inmediato. El Curso fue clausurado dos años después, Orsini se incorporó por poco tiempo al Grupo Teatral Cuicas, que había fundado Gilberto Pinto. Ya que en 1953, en conjunción con algunos compañeros del Curso del dramaturgo César Rengifo y de otras personalidades de la cultura, fundaron el Grupo Teatral Máscaras, un pionero de los grupos de teatro popular en Venezuela, que durante una década (1953-1963) recorrió el país montando obras venezolanas y universales de acento social, en hospitales, colegios, cárceles, manicomios, cuarteles y donde quiera que hubiera un público cautivo deseoso de ver teatro.

Orsini se casó en 1953 con Carmen Gavidia (Malú del Carmen), compañera cofundadora del Grupo Máscaras, quien también cantaba y trabajaba en la radio y la televisión, de cuyo matrimonio nacieron Ylich y Hely, ambos músicos.

Orsini continuó trabajando en la Creole de día y por las noches hacía teatro y generalmente los fines de semana montaban obras en la provincia. Pero en 1958 se planteó vivir solamente del teatro y se retiró de la Creole. Con las prestaciones que le dieron se fue de viaje. Realizó un recorrido por 17 países de Europa y los Estados Unidos durante seis meses, viendo teatro, visitando museos, observando escuelas de teatro, viendo ensayar a muchos de los grandes directores teatrales de la época, en el Old Vic de Londres, en el Teatro de Jean-Loui Barrault en Paris, a Jean Vilar en Avignon, a Strehler en el Pícolo Teatro de Milán, a los directores del Berliner Ensemble en Berlín y a los directores del Teatro de Arte de Moscú.

En este viaje a Orsini se le abrió el mundo. Todo lo que había leído en los libros ahora lo confrontaba directamente. En él se produjo un cambio muy profundo. Y a su regreso comenzó a hacer en Máscaras y en otros de sus grupos, una especie de revolución estética. Un crítico llegó a decir: “en Orsini se produjo no una evolución con este viaje sino una revolución”. Vinieron los grandes montajes: El diario de Ana Frank , “Una libra de carne, Lo que dejó la tempestad, El Quijote, las obras de Teatro NOH Kantan y La almohada mágica, Zoológico de Cristal, La cantante calva y La otra historia de Hamlet, por sólo mencionar algunos de aquellos célebres montajes.

Había dirigido no menos de 120 obras teatrales de todos los géneros y estilos. Escribió, versionó o adaptó 20 obras teatrales. Había viajado por 50 países. Hablaba inglés, francés, alemán, ruso y español. En los últimos tiempos estaba dedicado al estudio y reflexión sobre la enseñanza teatral en Venezuela, sobre la cual tiene críticas severas y soluciones muy revolucionarias, pero difícil de instrumentar en la actualidad.

El 27 de marzo de 1995,con motivo del Día Mundial del Teatro, dijo que se permitía convocar a los hombres de teatro del mundo para que “le devolvamos al teatro su maravilloso poder de divertir, de conmover nuestros corazones, de despertar nuestra conciencia frente a las terribles desigualdades en que vivimos los hombres de este planeta, de detener la ira de los guerreros conquistadores de pedazos de patrias ajenas, de transportarnos aunque sea por unas horas a ese mundo aún desconocido que reposa en el fondo de nuestro ser y de descubrir cada día nuevos lenguajes teatrales que permitan un más efectivo diálogo del hombre con el hombre”.

Seguirá, pues, vivo, mientras se le recuerde en el teatro.

El teatro es siempre una enseñanza.

El fascismo resucitó de entre sus cenizas y amenaza capturar de nuevo el poder en Europa, por ahora, tras haber perdido la guerra hace 72 años frente a una poderosa alianza de sus enemigos: el Reino Unido, Francia y Estados Unidos. Y es por eso que el teatro venezolano ha tomado una plausible posición ideológica y artística con sendos montajes que hacen temporada en Caracas. Nos referimos a 1984 de George Orwell y Terror y miseria del Tercer Reich, de Bertold Brecht, los cuales se presentan en la Sala Alterna del Trasnocho Cultural y en la Sala Rajatabla de Unearte, respectivamente.

Pero antes de referirnos al montaje rajatablino, el segundo texto de Brecht que exhibe esa institución en 46 años de labores, hay que puntualizar a los lectores que el analista Francisco Martín Moreno (El País, Madrid, 16.03.2017), advierte que, cuando a raíz de la conclusión de la Segunda Guerra Mundial la comunidad de naciones creyó haber superado para siempre los horrores del fascismo enterrándolo bajo siete capas de tierra, ahora resulta que empieza a resurgir entre cadáveres y osamentas, como si se hubieran olvidado sus perniciosos efectos.“Todo lo anterior viene a cuento porque a pesar de que el fascismo mundial quedó sepultado en ruinas, ya que Alemania fue destruida en términos absolutos y Japón fue devastado con bombas atómicas y se perdieron 60 millones de vidas humanas, ahora, en pleno siglo XXI, resurgen de nueva cuenta las tentaciones diabólicas populistas entre algunas de las grandes potencias que asistieron el siglo pasado”

ASOMA LA XENOFOBIA

Explica Martín Moreno que la xenofobia británica, expresada a través del Brexit, logró el descarrilamiento de la locomotora inglesa del convoy promisorio de la Unión Europea. De la misma manera que aparecieron simultáneamente, en la primera mitad del siglo XX, países neofascistas como Alemania, España e Italia, ahora surge también en Francia la tentación fascista de Marine Le Pen, quien de llegar al Palacio del Elíseo excluiría a su país de la UE, para asestar un golpe mortal a esta ejemplar organización política y económica. Algo huele a podrido en Francia porque la ultraderecha, es decir, la xenofobia nacionalista, podría llegar al poder con terribles consecuencias para Europa. El mundo entero se ha convertido en una vecindad. Ahí está Donald Trump, un presidente de extracción fascista que amenaza con deportar a 11 millones de ilegales que radican en Estados Unidos, sin detenerse a considerar que deportarlos, si es que esto fuera posible, equivaldría a darse un tiro en el paladar, porque precisamente estos extranjeros ilegales que perciben ingresos muy bajos por su condición migratoria, son quienes lamentablemente hacen el trabajo sucio que los norteamericanos se niegan a llevar a cabo. ¿Cómo sustituirlos?”.

Segundo Brecht en Rajatabla

Carlos Giménez (fundador y guía único de Rajatabla) hizo un creativo montaje de El ama buena de SeChuan, durante la décadade los 80, y ahora le tocó el turno a Terror y miseria del Tercer Reich, gracias a la audacia y la inteligencia, además del rigor profesional, de Marisol Martínez, quien tomó solo 12 microhistorias de las 24 que escribió Brecht para mostrar las desgracias que asfixiaron a la acosada población alemana, con el único fin de vanagloriar a un líder y su régimen que quería apoderarse del mundo. El payasesco Adolfo Hitler impuso, pues, un sórdido sistema represivo que se extendió desde el 30 de enero de 1933 al 8 de mayo de 1945, durante el cual hombres y mujeres fueron terriblemente perseguidos por su identidad sexual, su ideología política y religiosa siendo atacados principalmente los judíos, señalados y segregados de sus propias vidas, brutalmente maltratados, delatados por sus parientes y amigos, los cuales deben sobrevivir sometidos al sistema nazi. Marisol Martínez se propuso hacer de este montaje una metáfora básica para generar una reflexión en el espectador sobre los sistemas de gobiernos y otros poderes económicos operantes en el mundo, especialmente el fascismo. Y especialmente puntualizó aquellos microhistorias donde el espectador criollo pudiese verse reflejado y donde el peso de las caracterizaciones femeninas fuese fundamental. “Quería realzar el peso del histrionismo femenino; aparte traté de buscar las imágenes que tuviesen más vigencia en el contexto social que vivimos. Ahora es muy difícil que el espectador venezolano se conecte con teatro sin contenido, que no se asocie con nuestras preocupaciones más inmediatas”, reitera Martínez. Para este montaje, que se desarrolla en un espacio bifrontal, participaron Rossana Hernández, Carolina Torres, Gonzalo Guerrero, Kevin Jorges, Jósbel Lobo y Armando González. La pieza encaja perfectamente en el contexto criollo actual, asevera la actriz Rossana Hernández. “Pareciera que Brecht la hubiese escrito para este tiempo. Salvando distancias, un espectador venezolano puede comprender las angustias de estos personajes porque nosotros sabemos de represión, violencia, escasez y lo que es callar por miedo. Este tipo de textos son necesarios, son universales, pero en algunos momentos históricos tienen más cabida”, añade el comediante. El espectáculo comienza con un sometimiento rudo que le aplican dos soldados a los espectadores, para después mostrar los personajes, quienes saben que están condenados de antemano, al tiempo que se desarrolla una pesada atmósfera en la escena. Las 12 historias de la pieza se hilvanan a través del hip hop interpretado por los mismos actores en escena. La directora de Terror y Miseria del Tercer Reich concreta que “Brecht es un autor que invita al público a una reflexión, pero desde lo intelectual, más allá de lo emocional. Para unir cada pieza él utiliza prólogos que explican el contexto de cada escena. Nosotros decidimos agregarle música y dinamismo; de esa forma reforzamos el acercamiento que el público puede tener con lo que se está diciendo en escena y que se dé cuenta de que estamos hablando de una realidad cercana”.

Basilio Álvarez en memorable caracterización

El viernes 2 de noviembre regresa al teatro la obra Rojo del dramaturgo estadounidense John Logan, en un montaje en el que un nuevo actor acompañará a Basilio Álvarez en los papeles principales. Se trata de Aníbal Cova, quien interpretará el personaje de Ken. Es el asistente del pintor Mark Rothko, encarnado por Basilio Álvarez.

Daniel Dannery es el director de la pieza, que fue estrenada en Caracas en 2016, en el Festival de Teatro Estadounidense, y recientemente tuvo un montaje con las actuaciones de Álvarez y Gabriel Agüero.

La historia se inicia cuando uno de los arquitectos más conocidos del momento, Philip Johnson, le encarga a Rothko pintar unos murales para el restaurante Four Seasons del Seagram Building de Nueva York, que en su momento sería la cumbre del capitalismo. Le ofrece para ello una cifra que no había sido pagada a ningún artista de la época. Ken es el encargado de ayudar a Rothko en la elaboración de los cuadros, mientras un debate entre el presente y el futuro del arte se libra entre ambos.

Rojo es una pieza de contradicciones, que tiene como correlato un choque entre la luz y la sombra, y entre el rojo y el negro. También está presente el conflicto entre maestro y discípulo, y el que es propio de la brecha generacional.

Dannery ha dicho que el taller hace referencia a la relación de Rothko y el también pintor Jackson Pollock. Fueron dos artistas diferentes que formaron parte del mismo movimiento en los años cincuenta: el expresionismo abstracto.

Cova fue fundador del Grupo Actoral Dram-ON. Entre sus trabajos más resaltantes figuran Hurly-Burly de David Rabe (I Festival de Dramaturgia Contemporánea Estadounidense, 2014) y Shopping and Fucking de Mark Ravenhill (I Festival de Dramaturgia Contemporánea Europea, 2017). En 2015 obtuvo una Mención Honorífica del Premio Marco Antonio Ettedgui. Las funciones de Rojo son el Espacio Pural del Trasnocho cultural. Todos los jueves a las 7pm

Rafael Guinand nuevamente con su sainete caraqueño.

La Compañía Nacional de Teatro (CNT), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura desde 1983, no ha detenido sus labores internas y externas para llevar los mejores espectáculos venezolanos y universales a la audiencia caraqueña. Y ahora prepara el triple montaje del legendario sainete criollo El rompimiento, de Rafael Guinand, en fechas definitivas que serán anunciadas próximamente.

El rompimiento, estrenado 5 de enero de 1917, en el teatro Nacional, es el sainete elegido por la directiva de la CNT para conmemorar además los 67, años de la muerte de su ilustre autor Rafael Guinand, nacido en Caracas en 1881, y, como es obvio, el primer centenario de su estreno el 05 de enero de 1917. Tampoco se puede olvidar que hace 30 años, la CNT lo escenificó y ahí actuaba el primer actor Rafael Briceño.

En este sainete, El rompimiento, se muestra la doble moral expuesta a través de un personaje caricaturesco (Esparragoza), que es la excusa para representar las costumbres éticas y morales imperantes en la primera década del siglo XX en la capital. Detrás de este sainete se oculta una sátira aguda sobre el tipo de vida que hacían las madres y las niñas casaderas, el lleva y trae de los vecinos, el jovenzuelo que enamoraba a unas cuantas mujeres y a pesar de todo sale airoso de sus embrollos.

El elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, que fue seleccionado en un severo casting, trabaja actualmente en los tres montajes o versiones escénicas de El rompimiento. Livia Méndez dirigirá la versión musical y será un montaje para teatro de calle que se estrenará en la plaza Bolívar de Caracas, mientras que Luis Domingo González hará una escenificación tradicional o clásica en el teatro Nacional y Arturo Santoyo tendrá a su cargo una versión experimental para ser exhibida en una casona del centro caraqueño.

VISION DE LOS DIRECTORES

La directora y actriz Livia Méndez, que se vinculó por primera a la CNT en la temporada de 1986, y que ahora llevara su musical a la plaza Bolivar, considera que el sainete es un pieza breve jocosa y tradicionalmente popular, “nunca pierde vigencia porque refleja siempre la realidad y retrata los arquetipos sociales”.

Manifiesta que su montaje se exhibirá en la plaza Bolívar caraqueña, donde sus actores además cantaran, durante la escenificación de una retreta con orquesta. “Mis actores son una maravilla y así lo demostrarán al público en la tarde del 19 de noviembre, posiblemente. Creo que El rompimiento está muy vigente, 100 años después. Y además esto hace parte de un homenaje de la CNT a Rafael Guinand y Rafael Briceño, quien lo hizo travestido en las temporadas de los años 80 de la Compañía Nacional de Teatro, que para ese época la dirigía Isaac Chocrón, su fundador.

El director y actor Luis Domingo González afirma que el sainete como estructura teatral es universal y tiene una total vigencia para el público venezolano por la viveza criolla de sus personajes. “Mi montaje es tradicional y mi elenco ha cuidado mucho sus personajes porque deben adecuarse al lenguaje de la época. Creo que se mostrara en el teatro Nacional, sede artística de la institución productora".

Arturo Santoyo, el más joven de los puestistas y quien trabaja con una puesta en escena no tradicional, no duda en afirmar que el sainete, y en particular El rompimiento, es una pieza teatral de alto contenido critico a la sociedad de su tiempo y también alude a la época actual venezolana, por su arquetipos, "porque seguimos siendo los mismos, cien años después. Hemos cambiado en el vestuario y en la música, pero las costumbres son las mismas. Mi montaje sale de los espacios escénicos tradicionales y buscar llegar o contactar al público más directamente. Lo debo mostrar en una casa colonial, en su patrio central. Mi elenco ya capto la esencia de los personajes y lo que pretendía el autor. Ojala que sea en una casona del casco central caraqueño”.

ELENCOS

Los seis personajes y un presentador, para las tres puestas en escenas, serán encarnados, alternamente, por Aura Rivas, Citlaly Godoy, Zair Mora, Randimar Guevara, Rosana Marín, Jhuraní Servellon, Andy Perez, Angel Pelay, Wahari Meléndez, Nitay de la Cruz y Juan Manuel Pérez para el montaje del director González.

Livia Méndez, Edilsa Montilla, Juliana Cuervos, Ludwig Pineda, Francisco Aguana, Orlandys Suarez y Dayana Cadenas en la puesta en musical que aborda Livia Méndez.

Varinia Arráiz, Kala Fuenmayor, Maria Tellis, Trino Rojas, Kelvin Zapata, Larry Castellanos, Sandra Moncada, Ana González, Yaimira Martínez, Keudy López y Julio Enrique García, bajo la dirección de Santoyo

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