EL ESPECTADOR venezolano

Vladimir en otro comienzo, pero ahora en tierra de PabloNeruda

Los venezolanos y demás habitantes de esta Tierra de Gracia pueden irse hasta donde le alcancen sus sueños o quedarse si su sobrevivencia no está en peligro o si encontraron esas vías mínimas para alcanzar sus desarrollos sociales y económicos. No se emigra por moda, salvo que se tenga la respetable afición a las aventuras. Siempre hay de trasfondo ese no-se-que de carácter existencial, el más frecuente, para tomar ese tipo de decisiones. Decimos esto porque son varias las docenas de artistas e intelectuales, quienes se han asentado en el exterior, para señalar ese segmento importante de la colectividad. El caso más reciente es del director de Vladimir Vera y su esposa, la actriz Fedora Freites, lideres del grupo teatral Teatro Forte, quienes ahora se reportan desde Santiago de Chile.

Vladimir, vía Internet, respondió así a nuestro cuestionario:

¿Cuánto tiempo llevan en Chile y hasta cuándo esperan estar ahí?

Arribé a este generoso país del sur americano a mediados de marzo. Estoy tratando de buscar un nuevo asidero para mi búsqueda creativa y he sentido que se me han abierto muchas puertas en Chile. Espero estar el tiempo necesario, aunque es muy fácil enamorarse de esta tierra.

¿Qué está haciendo?

Bueno, espero hacer mucho por acá, si esta ciudad me lo permite. Por ahora, hace unas semanas grabé con el apoyo de Trampa Films mi primer cortometraje chileno, que se tituló Casting, contando con el apoyo de uno de los directores de fotografía más potentes o importantes de Chile: Valentín Atias y la productora Tamara Dupre. También mi agrupación Teatro Forte está en los ensayos de un remontaje de nuestro espectáculo Crónicas Palahniuk, para estrenarlo durante los próximos meses, con un excelente elenco y con una interesante diversidad de nacionalidades: los venezolanos Fedora Freites (mi cómplice en las artes), Alexander Solórzano y María Alejandra Rojas, el actor español Alonso Torres y la actriz chilena Ignacia Santa María.

¿Llevó obras venezolanas para montar?

Siempre tengo en mente a los grandes dramaturgos, no solo a los venezolanos, sino a los de cualquier parte de la orbe. Pero hay textos maravillosos de Gustavo Ott, de Xiomara Moreno, de Elio Palencia, de Néstor Caballero, de Gennys Pérez; que recorren de manera constante mi imaginario.

¿Cuál es su balance de lo realizado en Venezuela?

Hay experiencias que he optado por olvidar, como otras que atesoraré de por vida. Llevar por dos años la dirección artística de Rajatabla, es por ejemplo algo que siempre agradeceré. Según la historia teatral, en tiempos de crisis es cuando surgen las obras más importantes de un país. Veremos si es así. Algo que también me nutrió como creador es la maravillosa oportunidad de haber formado a muchos jóvenes que poseen un increíble talento, un talento y una disciplina que me hace pensar que si hay esperanzas en esta nueva generación. El tiempo dirá como les irá.

¿Satisfecho de su experiencia en Caracas?

Es un ciclo. No sé si está cerrado, pero por lo menos está en pausa. Satisfecho de trabajar con los excelentes profesionales que me topé en el camino. Satisfecho de la entrega en el arte de muchos. Insatisfecho con la mala vida que lleva el artista y el escaso apoyo. Insatisfecho con lo difícil que es desarrollar o investigar estéticas contemporáneas en un país que se ha cerrado a las influencias más modernas de la creación universal. Pero en el talento de los jóvenes es allí donde veo una luz en medio de la penumbra.

Balance Rajatabla

Para Vladimir Vera la historia del teatro venezolano siempre tendrá en cuenta el nombre de Rajatabla. “No sólo por la labor excepcional y titánica realizada por Carlos Giménez (1946/1993), sino por el desfile de directores que hicieron montajes de alta factura dentro de la agrupación (Raúl Bambilla, Basilio Álvarez, Paolo Magelli, Rolando Giménez y Ugo Ulive, entre otros). Rajatabla está ahora en una encrucijada conceptual; se encuentra entre la institución que añora los grandes montajes de su historia o la agrupación de vanguardia que busca nuevos derroteros creativos. En Rajatabla monté los espectáculos La piel en llamas del catalán Guillem Clua, El marqués de Sade de Yukio Mishima y La casa de Bernarda Alba de Bernarda Alba, de Federico García Lorca además de El fantasma de Hiroshima de Gennys Pérez, los cuales arrojaron valiosos récords de público y de críticas, montajes que fueron reseñados por ti, además”.

Elio Palencia, a sus 53 años se atreve con otro tema prohibido.

Desde el 28 de Junio, en la Sala Horacio Peterson de Unearte, se presenta la nueva obra Donde caerme viva, de Elio Palencia, la cual tendrá, por ahora, una minitemporada de 10 funciones hasta el 10 de Julio, de miércoles a sábados a las 6 p.m. y los domingos a las 5 p.m., bajo la dirección general de Costa Palamides.

Donde caerme viva aborda la candente temática de la sexodiversidad, según la dramaturgia de Palencia, para explicarnos vehementemente la problemática venezolana en sus más profundas vertientes. Seis personajes femeninos interpretados por siete actrices que mantienen el repertorio de la agrupación Teatrela a viva voz en un derroche de emociones sobre la relación lésbica en un país donde los LGTB siguen siendo en materia legal ciudadanos de segunda. Un grito que espera calar hondo en el espectador, como lo han sido las obras de este autor venezolano Elio Palencia.

El estreno mundial de la obra Donde caerme viva sirve también para los reencuentros con tres actrices que han estado en más del 80 por ciento del repertorio teatral de la agrupación que más ha difundido el teatro latinoamericano en Venezuela. Se trata de Nirma Prieto, Marisol Matheus y Norma Monasterios. Debutan con Teatrela,en esta celebración de sus 30 años de labores útiles a la cultura criolla, junto a Juliana Cuervos, Daifra Blanco y María Alejandra Tellis, así como también la española Ruth Cabeza quien da el carácter internacional a esta celebración con visos iberoamericanos.

El plantel de creadores escénicos vinculados al repertorio de Teatrela continúa con el dispositivo escenográfico firmado por Oscar Salomón; el diseño de luces es de Darío Perdomo; la música original de Pantelis Palamides y la producción general de Juan Carlos Azuaje, actor fundador, director y productor general de la agrupación cumpleañera.

Elio Palencia (Maracay, 1963) explica mayores detalles sobre este texto que estremecerá a unos y unas, seguramente.

¿Qué ocurre con Donde caerme viva?

Tenía tiempo queriendo trabajar personajes femeninos y sexodiversidad. No es un ámbito fácil, como no lo ha sido la condición de ser mujer y lesbiana en nuestra sociedad. Hay poca visibilidad y mucha estigmatización. Mientras se ve desde el morbo del varón heterosexual o la pornografía, todo ha parecido estar relativamente bien o tolerado, pero al pretender hablar de ello como opción de vida que irrumpe en la cotidianeidad y alza su voz, ya la cosa se torna difícil. Un día un intelectual “progresista” con premios y prestigio me suelta en una conversación que para qué hablar de eso, que el tema de la diversidad sexual ya “está superado” (¡…!) ¿Un tipo culto, que ha viajado, de pensamiento laico y racional, que escribe para diarios y –lo sé- es lo que llamamos “una buena persona”? ¡No podía creérmelo! Le pregunté si le parecía justo que él con apenas seis meses de relación con su compañera, pudiera incluirla en un seguro médico, mientras que cualquier pareja gay o lésbica con diez o quince años de convivencia no podía ni pensar en esa opción. Sólo alzó las cejas (¡…!) ¡Cuánta ligereza e irresponsabilidad, cuando no ahondas en la problemática del otro! Así que me dije: “¡Superado un carajo: voy a escribir!” Y surgió Dónde caerme viva. Hay que ponerse en el pellejo del otro, como lo hizo el varón inteligente en el de la mujer que no podía votar o el blanco liberal en el del negro o el indio esclavizado o excluido. Y he allí una dura particularidad: reivindicar la justicia del sexodiverso, que históricamente ha contado con poquísimo apoyo de los que no se ven en esa condición. Generalmente por el temor de ser tomado como sospechoso/a y en consecuencia, estigmatizado/a. Por fortuna, ya en muchos lugares, desde el punto de vista legal las cosas están cambiando. Dado que un país como el nuestro insiste en seguir quedándose detrás al respecto, habrá que continuar haciendo sonar alarmas sobre esta asignatura pendiente que afecta a muchos seres humanos.

¿Y el cine donde se quedó? ¿Dispuesto a llevar Penitentes a la pantalla?

¡Sigo escribiendo! El año pasado hice un guion para la Villa del Cine sobre el embarazo adolescente, una bella experiencia. Ahora desarrollo un largo con las Clases Magistrales de Procine y un par de historias cortas para un interesantísimo proyecto de Luis Alberto Lamata que me tiene muy entusiasmado. En cuanto a Penitentes, desde luego que es susceptible de ser llevada al cine y he pensado en la elaboración del guion, pero preferiría vislumbrar algún interés de dirección o producción, pues escribir cine requiere muchísimo trabajo y tiempo, de modo que hacerlo sin un destino concreto es una inversión y un riesgo que no siempre se tiene la posibilidad de asumir. Penitentes está allí junto a otras piezas teatrales mías con potencialidad de adaptación. Si a algún cineasta le interesara, yo encantado de embarcarme en una recreación para la gran pantalla. Mientras tanto, opto por mirar hacia aventuras nuevas cuya materialización pueda depender más de mí.

¿Por qué o para qué este teatro sobre la diversidad?

La verdad es que nunca me he propuesto hacer un “teatro sobre la diversidad” sino –repito- ser lo más orgánico y coherente posible con mis motivaciones y necesidades. Sé que existe tal clasificación desde un ámbito de la investigación crítica y académica, y lo comprendo, pero sólo muy excepcionalmente me lo he propuesto de esa manera. De hecho, considero que en la mayoría de los casos, el tema central no está en una orientación sexual equis (nomenclaturas que, por cierto, cuestiono, pongo en duda y continúo revisando) sino temas, conflictos esencialmente humanos y que pretenden buscar puntos de encuentro, ser más abarcadores. A mí muchas veces me ha surgido tratarlos desde personajes sexodiversos y eso tal vez quiere decir , entre otras cosas, que soy un hombre de mi tiempo, que procuro hacer uso de mi libertad de ser y expresarme ¿Acaso no ha habido demasiada invisibilidad y exclusión, cuando no satanización y represión durante muchísimo tiempo respecto a estas cuestiones? Arthur Miller decía que el teatro es el arte donde el hombre puede enfrentarse a sí mismo… Para eso, cada cual crea desde los colores que vive, se imagina, sufre o sueña y, en el drama, desde los actantes o categorías humanas que le son propicias para dialogar consigo mismo y con los otros hasta llegar a poner “Fin” “Oscuro” “Telón” y se inicien nuevos diálogos.

¿De dónde partió para escribir esos textos teatrales?

De muchos rincones y pulsiones interiores, así como de las referencias y reflejos que pude haber hallado fuera y considerado que contenían potencial dramático. Cada texto surge de un momento y una necesidad específica. Su gestación y desarrollo, como los hijos, son únicos y, ojalá, irrepetibles. A veces partes de la rabia o la indignación, otras del sosiego, la reflexión o la ternura; a veces quieres reírte de ti mismo o ver si descubres o exorcizas sombras o temores… En fin, pueden ser tantos y tener muchos matices los puntos de partida para crear.

¿Cuántas obras sobre la sexodiversidad?

¡Todas las que surjan de la necesidad expresiva, del imaginario, del deseo… y lleguen a concretar su forma! Muchas veces he dicho que para mí la escritura teatral –a diferencia de la televisiva o cinematográfica- es el espacio en el que procuro honrar la libertad, ese donde no hay más condicionantes que las ganas de crear para un escenario y unos espectadores. No da dinero ni fama: da el placer de hacerlo, de compartirlo con otros y, no pocas veces, autoconocimiento. De modo que si el tema de la sexodiversidad ha estado en muchos de mis textos ha sido porque ha obedecido a esa organicidad, a esa “materia prima” de motivaciones e intereses que, conscientes o no, forman parte de mí.

¿Puede enumerarlas?

Lo intentaré. Desde la primera pieza Detrás de la avenida (1988) hasta Dónde caerme viva (2014) he indagado en personajes tanto heterosexuales como de casi todas las orientaciones que sugiere la sigla LGBTI (lesbianas, gays, bisexuales, trans e intersexuales). La “I” de intersexualidad es la única que hasta ahora sigue virgen para mí. De unos cuarenta y tantos textos escritos hasta ahora –incluidas adaptaciones, teatro breve y para niñ@s- quizás cerca de la mitad hace visible, a través de algún personaje, rasgos o matices de la sexodiversidad. Además de las citadas, se puede ver en Habitación independiente para hombre solo,Arráncame la vida y su versión reciente Mátame, mamá, Escindida, Pasajeros, En las Fronteras, Del alma querida, Remota, amiga remota,La Quinta Dayana, Penitentes, Tierra Santa, Que 20 años son nada, De alta, en el musical Aire y en las piezas breves Padre puede sercualquiera, Como dios manda, El jardín del soldado, Vamos que nos vamos y No quiero verla.

Los cineastas venezolanos tienen los pies sobre la tierra.

El Foro del Cine Venezolano 2016, fue un encuentro donde se dieron cita cineastas, productores, exhibidores, distribuidores y asociaciones ligadas al trabajo cinematográfico, con el objetivo de mirar hacia el futuro del cine nacional en los próximos años. Cuyos resultados serán presentados el próximo 7 de julio del año en curso en una plenaria.

Desde la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG), se conformaron cinco mesas de trabajo para trazar esta misión: formación, producción, tecnología, exhibición y distribución e internacionalización.
Liliane Blaser, vocera de la Asociación Venezolana de Documentalistas y coordinadora de la Mesa de Formación, señaló que la lluvia de ideas representa una “democracia participativa y protagónica de la gente que trabaja en el cine”.
Una oportunidad de apuntar propuestas para alimentar un sentido crítico en la formación de pensadores, señalar rumbos para multiplicar los centros cinematográficos con profesores y equipos en otras regiones, capacitar tanto a docentes como a cineastas, y en líneas generales, integrar todas las escuelas de cine en términos colaborativos.

Desde la Mesa de Formación, Blaser declaró que están en la lucha de seguir “tratando de crear un cine nacional lo más universal posible y lo más racional posible, un cine que tenga que ver con memoria colectiva, que tenga que ver con formación de conciencia”.

Puentes de distribución

Asociación de exhibidores, distribuidores, productores, directores y empresas privadas ligadas a la proyección de películas, integraron la Mesa de Promoción, Distribución y Exhibición con la función de crear un plan de cinematografía nacional para potenciar el catálogo de cine local que llega a sus manos.

Los planes van desde un estudio de los hábitos del público, multiplicar pantallas, fortalecer las existentes y su adaptación tecnológica.
Los integrantes de la mesa seguirán trabajando durante varias semanas, pero para José Ernesto Martínez, su coordinador y vocero de la Asociación Venezolana de Productores Cinematográficos (AVEPCA), el resultado fue positivo porque “pudimos vernos las caras y tender puentes hacia la distribución y creo que lo estamos logrando”.
Visión de un cine diverso
En esta segunda oportunidad que se celebró el Foro del Cine Venezolano –la primera fue en agosto de 2014- se revisó desde la Mesa de Tecnología, las nuevas formas de adaptar componentes electrónicos de nueva generación producidos en el país y buscar fórmulas, para mantener y cuidar los equipos mecánicos actuales.

Desde la Mesa de Internacionalización, el objetivo primordial fue reforzar los convenios con otros países del continente para ampliar la visión de un cine rico y diverso, coincidiendo con la Mesa de Producción en la elaboración de estrategias para su aumento tanto cualitativo como cuantitativo

Lossada homenajeado por el gremio del cine.

Para Juan Carlos Lossada su vida podría trasladarse a un cortometraje, pero en el homenaje que hicieron en su honor el jueves 23 de junio en la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG), tuvieron otra idea.
La vida del anterior presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) sería un largometraje de varios géneros en uno: romántico, de aventura, drama y suspenso. Esta presentación de un corto pero emotivo acto de agradecimiento a Lossada, coincidió con las opiniones generales de los diferentes cineastas que estuvieron presentes para aplaudir una labor que continuará desde instancias internacionales.
Carlos Caridad Montero, director de la película 3 Bellezas , agradece el paso de Lossada, “porque gracias a él se abrieron las puertas a nuevos cineastas que estaban esperando una oportunidad. Digamos que Juan Carlos al frente del CNAC organizó y motorizó tres cosas muy importantes: una fue la reconexión del público venezolano con el cine venezolano, la segunda la salida de una nueva generación de cineastas y la tercera es la internacionalización del cine venezolano”.
El director Raúl Chamorro aplaude la visión de Lossada cuando propuso el primer Foro del Cine Venezolano como un espacio para el debate, porque “él logró unir a todos los cineastas independientemente de su posición política en defensa del cine nacional, y creó este espacio donde nos reunimos todos los gremios a discutir la situación del cine y ahora tiene más vigencia que nunca”.

Las palabras de Lossada

Fue todo el gremio y asociaciones ligadas a la cinematografía quienes rindieron el homenaje a Lossada, que pidió que se siguiera luchando por la reforma de la Ley de la Cinematografía Nacional: “nadie debe desfallecer en esa búsqueda, en esa conquista. Tenemos que seguir adelante tratando de conquistar mejores estadios de desarrollo para nuestra cinematografía”.
Lossada señaló que después de cumplir su etapa en el CNAC sigue intercambiando con los amigos y colegas del cine porque “compartimos los mismos sueños de querer que el cine venezolano siga creciendo, pero no con números estadísticos fríos, sino como está creciendo en lo cualitativo y tiene que ver con cuánta capacidad de alma tiene nuestra creación cultural”.
En el acto también fue entregada una placa de reconocimiento al CNAC, en manos de su Vicepresidenta Alizar Dahdah, por su labor en impulsar el cine local.

Freddy Ñañez inaguro festival de poesía en el Teatro Teresa Carreño

El público venezolano podrá disfrutar a partir de este domingo 26 de junio de la diversidad cultural que estará presente a través de los distintos creadores que participan en la 13 edición del Festival Mundial de Poesía

"Más de 40 países se reúnen para cantarle a la diversidad cultural, para cantarle a la vocación de paz de nuestros países y también para pensar en la poesía como una herramienta de transformación", resaltó el ministro de Cultura, Freddy Ñañez.

Agregó que esta es una oportunidad para que el mundo pueda conocer las capacidades que tiene el pueblo venezolano para albergar como una gran casa "esa multiplicidad tan existente de formas de ver el mundo", recalcó.

La gala inaugural de este evento, cuya puesta en escena estuvo a cargo del maestro Miguel Issa, se llevó a cabo en paralelo en cuatro ciudades del país: Caracas; Maracaibo, en Zulia; Barquisimeto en Lara y Coro, en Falcón.

Asimismo durante esta edición del festival, que lleva como lema Cuando Roza la Tierra, se rendirá homenaje al trabajo poético de Tareck William Saab, en ocasión de su profusa obra creativa, así como al músico Francisco Pacheco.

El Festival Mundial de Poesía convoca a 48 poetas de los cinco continentes y 130 de Venezuela, y tendrá más de 470 actividades en todos los estados del país, en urbanismos de la Gran Misión Vivienda Venezuela, Bases de Misiones Socialistas, comunas, plazas, parques y recintos penitenciarios.

También tendrá una programación en los Teatros Municipal, Bolívar y Nacional, la red de bibliotecas públicas y parroquias como el 23 de Enero, así como se efectuará una sección especial denominada La palabra colgante, con la que los poetas acompañarán a los usuarios del Metrocable de San Agustín con un recital de poesía durante los recorridos.

Asimismo como parte de este encuentro de creadores se realizará el I Encuentro de Poetas Jóvenes, así como el Foro Internacional de Poesía y Paz en el cual se reflexionará en torno a la lírica y la palabra como medio generador y conductor de la paz y la presentación de una serie de libros.

El Festival contará con un capítulo dedicado a las personas con discapacidad y una tribuna antiimperialista con el nombre de Ramón Palomares, en homenaje al poeta trujillano fallecido en marzo pasado.

El Centro Nacional de Teatro, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, invita a disfrutar de la celebración del Día Nacional del Teatro este 28 de junio a las 6 de la tarde en el Teatro Baralt de Maracaibo, donde será escenificada la coproducción teatral La última voluntad de Felipe Pirela.

El Día Nacional del Teatro en Venezuela se conmemora, desde hace más de 30 años, en recuerdo a la solicitud que fuera hecha para escenificar un espectáculo teatral en Caracas ante el Cabildo de Caracas el 28 de junio del año 1600, aunque el teatro comienza en Venezuela ya durante la época precolombina, cuando nuestros ancestros realizaban representaciones con fines educativos y sobre todo religiosos, generando una tradición que a través de los siglos ha dejado un vasto e importante legado cultural, reflejado en el devenir de nuestra colectividad social.

La última voluntad de Felipe Pirela, es una coproducción del 2014 del CNT y la agrupación teatral mirandina “Producciones Pequeño Grupo”. La pieza escrita y dirigida por Paúl Salazar Rivas nos cuenta la vida de Felipe Pirela a través de unos personajes inmersos en la locura. Es una historia construida con secretos a voces, éxitos, traiciones, donde se lleva un mensaje sobre la discriminación e intolerancia. Temas muy pertinentes en nuestro actual momento histórico.

Además de la presentación, el programa del día contempla la lectura de un mensaje nacional a propósito del Día del Teatro por parte de voceros de la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela, en las palabras de Fernando Acosta, según informó Alfredo Caldera, director del CNT.

MENSAJE DEL DIA NACIONAL DEL TEATRO

Cuando me acerque al teatro fue en un momento crucial de mi existencia, formaba parte de un grupo de jóvenes, amigos, quienes incitados por la época, finales de la década de los sesenta y comienzo de los setenta; nos acercamos a todo tipo de información cultural foránea (la música, las vestimentas, el lenguaje verbal y corporal), fuimos modificando nuestras formas de ver y vivir, nos sentíamos hippies, nos drogábamos, nos creíamos felices. Pero ya nos estábamos deteriorando, perdiendo el tiempo de los estudios, el modo de relacionarnos como individuos, como miembros de una comunidad, con nuestras familias, la necesidad de obtener dinero como fuere para satisfacer nuestra adicción. Nuestro futuro ya pendía de un hilo, sin comprenderlo.

Una noche fuimos invitados por familiares de dos de los nuestros, preocupados por la conducta destructiva, e inteligentemente nos llevan al encuentro con el maestro Clemente Izaguirre, quien dirigía en aquel entonces el Teatro Universitario de LUZ. Esa noche nos hablo de nuestra vida modelada por la sociedad. De cómo quienes controlaban el “Sistema de Dominación Mundial” manipulaban y desviaban los propósitos fundamentales de los movimientos sociales, como el movimiento hippie, nos hablaba de cosas que no entendíamos en ese momento, termina la conversación con una propuesta para hacer teatro. Dos días después recibíamos nuestra primera clase de actuación y ahí para nosotros comenzó todo. Nuestra mirada al mundo ya iba acompañada de acciones, ingresamos al recién creado Grupo de Títeres “La Petaca” fundado por las entrañables e inteligentes amigas Maite Pascual y Yazmina Jiménez. Hacíamos Teatro de Títeres y Actores en la calle, nos convertimos en militantes estudiantiles, en defensores de la ecología, sembrábamos árboles y hacíamos murales, funciones todas las semanas con proyecciones de cine. Y nos fuimos llenando de cómplices, pero no en el delito, sino en la solidaridad, la alegría de vivir, de percibir un camino lleno de futuro…

Con el maestro Clemente Izaguirre, continúe el tiempo de la formación teatral, al ingresar en 1972 al Teatro Universitario. Allí recibimos formación artística, entrenamiento físico además de ideología, de economía, de historia, de semiología También recibimos entrenamiento e instrucción con maestros del Teatro Latinoamericano. En lo personal teníamos largas conversaciones sobre la música clásica, contemporánea y popular y discutíamos acerca de autores de la dramaturgia, de la prosa y de la lírica. Otro tema era la situación social y política, debatíamos desde nuestras diferencias y llegábamos a acuerdos que no cerraban ninguna posibilidad. Todo proyecto que emprendíamos nos exigía investigación y compromiso a fondo. A su lado, bajo su dirección fui: obrero del teatro, técnico, apuntador, actor, instructor, asistente de dirección. Durante este proceso, sin saberlo yo, el Maestro me preparaba como Director y el Teatro fraguaba mi vida. Fue una década llena de un raudal de acontecimientos, información y conocimientos que removieron y fortalecieron mi espíritu, que comenzó en 1968 cuando escuche una banda de Liverpool por primera vez siendo un joven, alienado, que se creía feliz y que concluyo en 1978 cuando cierro el ciclo con el Teatro Universitario de LUZ convertido en un proyecto artístico…

Al rememorar esta etapa de mi vida en el teatro, lo hago como reflexión en función del momento histórico que atravesamos en nuestro país. Es necesario revisar los principios que guían mi pensamiento y mis creencias y entender el valor significativo que tiene el teatro, no solo para la diversión, sino también para la formación del hombre y la mujer que comparten una hora o dos de su tiempo desde una butaca presenciando la puesta en escena. También obtengo las respuestas para saber sí el teatro que hago, que quiero seguir haciendo, en estos momentos donde el mundo está al revés de cómo lo soñamos, con la angustia existencial que genera la lucha por conseguir lo elemental para el día a día, tiene sentido para los demás.

¿Cómo hacer para lograr el teatro que queremos?

Para los colectivos, para los creadores del teatro de arte, hacer un espectáculo teatral, estrenar una obra es un esfuerzo titánico por las condiciones económicas que atraviesa el país. Sabemos, además que no contamos con el presupuesto del Estado, ya que las circunstancias cambiaron el ingreso petrolero. En medio de una hiperinflación tenemos que producir recursos para suplir las necesidades básicas del elenco y para cubrir los gastos de realización del espectáculo haciendo muy difícil cumplir nuestra labor. Es necesario mantener y revisar los aportes financieros a la actividad teatral. Eso implica un cambio en los criterios de nuestra relación con el Estado, la empresa pública y privada, utilizando los mecanismos legales que están establecidos y que permitan el desarrollo y la dignificación del oficio teatral.

¿Qué nos impone el momento?

Primero seguir haciendo sin dudas teatro. El que queremos y necesitamos con urgencia imperativa. Segundo tenemos que darle prioridad a la organización gremial. Pero no atomizada, ni manipulada. Tercero generar desde la unidad de criterios acciones que nos faciliten la productividad: Realización de Circuitos teatrales tanto regionales, nacionales e internacionales; Crear espacios destinados al reciclaje, diseño y realización de elementos técnicos para el teatro y el circo; Crear las temporadas teatrales en las salas independientes con entradas solidarias y accesibles para todo público; Crear eventos teatrales comunitarios que se transformen en referencia para la sociedad.

No hay que olvidar la responsabilidad que tenemos en emprender una tarea fundamental para la preservación y el mejoramiento de las condiciones de la vida en nuestro país: la formación y la difusión de nuestro Arte.

Pensar que para desarrollar el aprendizaje teatral el ser humano tiene que ponerse en el medio, él es la fuente del descubrimiento. Lo que somos como individuo, lo bueno y lo malo; la memoria genética, la memoria histórica, la memoria de nuestros conocimientos y la memoria emotiva. La relación con nuestro entorno, el rol que asumimos en la sociedad. Y todo lo que logremos producir en los oficiantes se van a multiplicar por miles desde un escenario…

Voy a cerrar con el final de la epístola irreverente de uno de los genios de la alegría y las tradiciones del ser venezolano, el Credo del gran Aquiles Nazoa: Creo en la amistad como el invento más bello del hombre, Creo en los poderes creadores del pueblo, Creo en la poesía y en fin, Creo en mí mismo, puesto que sé que alguien me ama…

Gracias maestro Clemente Izaguirre por sus aportes…

YA VIENE UNA TEMPORADA DE "PELUDAS EN EL CIELO"

El ministro de Cultura, Freddy Ñañez, informó que abrieron la convocatoria para recrear la Compañía Nacional de Teatro, que tiene su sede en Caracas, y contará con 15 puestos para actores, cinco de ellos para maestros y diez plazas destinadas a jóvenes creadores de diferentes regiones del país.

El ministro además anunció la creación del Circuito de Teatro en Venezuela, en el cual se articularán espacios para la presentación y el desarrollo de las artes escénicas.

La información la dio a conocer el titular de la cartera de Cultura, en Maracaibo, donde asistió a un acto realizado con motivo de la celebración del Día Nacional del Teatro, que se desarrolló en el Teatro Baralt de Maracaibo, en donde además se condecoró a 18 hombres y mujeres que se han dedicado entre 15 y 30 años al arte de las tablas.

Explicó que la idea es crear una red de salas para que el talento nacional pueda circular, no sólo en el teatro, sino también en la danza y las artes musicales. El Circuito busca "poder articular a un país teatral, a un país de artes escénicas, en musicales, que tiene la necesidad permanente de encontrarse con su pueblo".

"Desde el próximo julio la Compañía Nacional de Teatro comienza a funcionar con montajes y temporadas propias, para lo cual, además de tomar en cuenta actores y actrices de amplia trayectoria, se abrirán plazas para jóvenes artistas quienes serán parte del elenco estable", destacó Ñáñez.

El ministro también participó en otras actividades con motivo a la celebración al Día Nacional del Teatro en Pdvsa La Estancia y en el Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez.

Homenajeados

Los artistas y trabajadores del teatro a quienes les confirieron la Orden al Mérito Ciudadano son: Nereida Pérez, Wolfang González, Romer Urdaneta, Grupo Mambrú, Leonardo Isea, Fernando Acosta, Jesús Javier Rondón, José Gregorio Molero, Vidal Figueroa, José Gregorio La Cruz y Mary Isabel Franco.También fueron reconocidos las labores de Rena del Mar Ponce, Betulia Camacho, Luz Labat, Maxwell Gómez, Joan Urdaneta, Jhonny Salcedo, Freddy Marín y Reinaldo Sánchez. La actividad culminó con la presentación de la pieza teatral La última voluntad de Felipe Pirela, una producción del Centro Nacional de Teatro (CNT) y Producciones Pequeño Grupo, con texto y dirección de Paúl Salazar Rivas. La actividad fue auspiciada por el CNT, el Gabinete Cultural del estado Zulia y la Red Nacional de Teatro y Circo de Venezuela.

El elenco y su director Costa Palamides.

Sin pareja porque se la mataron, sin apartamento y sin cama porque todo se lo expoliaron y con pocas amistades sinceras, no puede dejarse morir así no más; debe seguir viviendo hasta que un Dios o la naturaleza le quiten el peso de tal vida y la lancen a otra dimensión. Mientras tanto debe buscar donde caerse viva y proseguir avanzando y buscando como cambiar o mejorar. No es fácil.

Este el colofón que se nos ocurre después de haber visto y reflexionado sobre la humanísima y actualísima obra teatral Donde caerme viva, precisamente en Venezuela, donde todavía la homofobia es rechazo, aversión, odio, prejuicio o discriminación hacia hombres o mujeres homosexuales, lo cual además involucra a bisexuales, transexuales y travestis. No es invento periodístico ni vagabundería de teatreros ni de reporteros buscando escándalo para hacerse famosos. Tristemente, la homofobia, a caballo sobre los crímenes de odio, mata a quienes se atreven a practicar tales conductas y por supuesto ha eliminado venezolanos y venezolanas, entre otros. Es una letal realidad, incluso prohibida por la Carta Magna, porque no hay leyes que prohíban y sancionen esos asesinatos de odio y discriminaciones, ni tampoco están autorizadas las uniones libres o matrimonios para hacerles la vida más llevadera a esos “raros” o “raras” que deciden vivir amorosamente juntos o arrejuntares o en concubinato, sin dañar al vecindario. Se necesita una verdadera y auténtica revolución cultural, desde los hogares, además.

En un teatral contexto venezolano, donde obviamente no hay respeto a los derechos humanos, porque coexisten homofobia y nefandos crímenes de odio, irrumpe el montaje Donde caerme viva, con el cual, el autor Elio Palencia y el director Costa Palamides, rompen brillantes lanzas para revelar la sobrecogedora historia de la criolla Maigualida (Marisol Matheus) y la colombiana Raquel (Juliana Cuervos), quienes, durante una feliz noche, cuando festejan sus 15 años de amores y convivencias, se ven tronchadas para su siempre sus vidas en común, por los tiros de unos malandros en la madrugada caraqueña y la mefistofélica irrupción de la sobrina Yariza Josefina (Norma Monasterios) quien, cual bruja maléfica, procedente de Tinaquillo, aparece para llevárselo todo y dejar en la calle a la sobreviviente, precisamente la cachaca Raquel. Tres performances desgarradores y desgarrantes que están de premio por su entrega profesional.

Donde caerme viva es la pieza con la cual Palencia rompe fuegos contra una sociedad que discrimina y suscita crímenes de odio. No es frecuente que los criollos aborden la singular temática de las lesbianas y logren además que sus textos lleguen a escena. Si la memoria no nos falla, fue en 1970, cuando Caracas se escandalizó ante la pieza La buhardilla, de Gilberto Pinto, donde dos cachaperas son sometidas y finalmente muertas por unos tramposos caballeros. Bertha Moncayo, Martha Mijares, Giampero Micucci, Martin Lantigua y Blanquita Pereira fueron los solventes intérpretes de ese texto imborrable e inolvidable, el cual se mostró en el Teatro Triangulo, frente a la plaza Tiuna. Desde entonces, salvo dos o tres obras más, esos valientes personajes de mujeres venezolanas no se lucen ante la audiencia, están invisibilizadas, porque hay una curiosa misoginia de los mismos gays con capacidad de mostrarlas en el teatro.

Como la agrupación artística Teatrela cumple 30 positivos años teatrales, ahora en la sala Horacio Peterson, de Unearte, hace temporada Donde caerme viva, espléndido y oportuno espectáculo que vimos en estremecedor y satisfactorio ensayo general y además la normal función de estreno, todo eso nos permitió ponderar y degustar también los talentos de Nirma Prieto, Daifra Blanco, María Alejandra Tellis (¡bravo!) y Ruth Cabeza, para exhibir su valiente y artística denuncia sobre un sórdido estado de cosas, cuya realidad es superior a lo materializado.

El plantel de creadores en Donde caerme viva continúa con un envolvente dispositivo escenográfico creado por Oscar Salomón para un cuadrado espacio central; el diseño de luces es de Darío Perdomo; la música original de Pantelis Palamides y la producción general de Juan Carlos Azuaje, actor fundador, director y productor general de la agrupación cumpleañera. ¡Creemos que Donde caerme viva hará historia cultural!

EL POETA QUE NO EVADE SUS COMPROMISOS

Al poeta y abogado Tarek William Saab, actual Defensor del Pueblo, importante y comprometido cargo público para el cual fue designado por la Asamblea Nacional hasta el año 2021, sus padres, emigrantes libaneses, le revelaron desde muy temprano que había nacido el 10 de septiembre en la población El Tigre, del estado Anzoátegui.

Pero él ahora no precisa cuando se hizo o se sintió poeta o la poesía lo descubrió y lo hizo suyo, aunque de lo que si está seguro, y nos lo dijo, vehemente, que fue allá, en la Escuela Simón Bolívar, de su pueblo natal, cuando se descubrió haciendo poemasy precisamente mientras escuchaba una aburrida clase fisica que le descendio la musa y escribio “Lluvia”, en uno de sus cuadermos escolares, pero no tuvo la precauciòn de guardalo. Y habrìa sido importante que lo mostrara ahora, precisamente cuando el XIII Festival Mundial de Poesia, que se realiza a lo ancho y largo de Venezuela, lo homenajea y lo exalta ante los bardos nacionales e intermacionales que hacen posible tan singular evento. Habria sido su partida de nacimiento como vate. “No era tan malo, tampoco era gran cosa”, reitera.

Destaca que su actividad pública como poeta comenzó a los 15 años al publicar unos cuantos versos en el diario Antorcha, de El Tigre, gracias a su padrino, el director Edmundo Barrios.

Cuando decidió estudiar una carrera universitaria se instaló en Mérida para aprehender Filosofía y Letras, pero pronto se dio cuenta que ahí no se iba a formar como poeta, sino como profesor, porque ya sabia que la poesía nacía de la vida vivida, de los sentimientos, de las emociones y del contacto con la gente. También ya era un incipiente activista político, fungía como líder de los estudiantes y seguidor del Partido de la Revolución Venezolano, que para entones lo dirigía Douglas Bravo. La poesía y la política se le habían instalado y empezaba su periplo existencial en el cual no ha desfallecido a pesar de unos cuantos sobresaltos.

Durante los años 1983 y 1984 redactó su primer poemario, Los rios de la ira, de 150 páginas, que recibiò el pròlogo del poeta Gustavo Pereira, con el concursó para el Premio Francisco Lazo Marti, donde fue primer finalista. A partir de su publicación le llovieron las invitaciones a recitales y las reseñas en periodicos y revistas. Habìa arrancado ahora su tránsito por la poesía y hacia 1992 con la publicacion de El hacha de los santos y Principe de lluvia y duelo, se gana un premio para acudir a un taller de poesia en Malaga con literatos de la talla de Josè Saramago, Abel Posse, Jorge Amado, Mario Benetti y otras figuras destacadas del verso y la prosa hispanoamericana.

Su actividad como poeta y activista por los derechos humanos no le dejaba tiempo para más actividades, pero logra graduarse como abogado en la Universidad Santa Marìa (1990) e intenta sacar un post grado en la UCV. Viene la tormenta politica y fue hasta abogado del teniente coronel Hugo Chávez Frìas, cuando lo recluyeron en Yare.

Su poesia se hace mas compromtida por su vinculacion y abierto compromiso con los sectores sociales más desfavorecidos de Venezuela.Lo eligen para la Asamblea Constituyente y participa en la redaccion de la Carta Magna del 1999.Fue gobernador del estado Anzoetgui, durante ocho años, y ahora es Defensor del Pueblo.

Admite que su poesia estaba mas vinculada a la lucha socia, el amor o el erotismo, pero un viaje al Pakistan, en 2006, despues de un cataclismico terremoto, ttastocó su motivacion. “Ahora trabajo el dolor y sufrimiento como redención del hombre para lograr una belleza interior superior. Occidente ve el sufrimiento cercano al desasosiego o al suicidio. Pienso que eso debe trascender hacia una victoria espiritual”.

La poesía de Tarek Wiliam Saab es universal, de solidaridad y amor con los pueblos heridos del mundo, en particular con los pueblos arabes, afirma el bardo Pausides Reyes en el prólogo de su mas reciente publicación: Antologia minima, la cual reune un selección de poemas entre los años 1984 y 2007.

Rechaza las crìticas que le hacen por su vinculacion con el poder y admite que todo eso es efìmero, no siempre ha estado en el poder. “Quienes han visto mi cultura política saben que no hago cosas que pudieran considerarse negativas o abusivas. Salvo la época de 2002, cuando hubo agresiones en mi contra y mi familia, he sido una persona dispuesta al diálogo. Ser poeta me ha hecho una bisagra para el entendimiento. Y he entregado otros siete poemarios, hermosamente publicados”.

Un montaje que debe ser repuesto para los caraqueños.

Dos colegas periodistas, conocidos de otras épocas, Yoyiana Ahumada Licea y José Tomás Angola Heredia, decidieron sumar talentos y esfuerzos para escenificar el monólogo, con soportes, Polvo de hormiga hembra, escrito por ella y con la autoria escenica del colega. Lo presentaron, en horarios especiales del teatro Humboldt, uno de los mejores espacios de Caracas, poco utilizado por el contexto donde funciona (zona alta de San Bernadino). Aún así, tras vencer obstáculos que genera el miedo, hubo suficientes espectadores que degustaron tan curioso espectáculo. Deben llevarlo a una zona menos peligrosa para que sea más disfrutado, fin último de una producciòn teatral artistica.

Lo de “curioso” es por el montaje, ya que Ahumada Licea entregó un texto centrado en el drama de Maya, una bailarina que pierde su carrera y su vida al sufrir una imcurable enfermedad degenerativa, miastemia gravis, que la paraliza lentamente pero con aguda actividad cerebral, que es su tormento porque puede recordar y maldecir lo no hecho, al mismo tiempo que debe soportar el prologado tiempo en su lecho hasta que se paraliza el sistema respiratorio y llega la muerte. Pude conocer y tratar a un importante caballero venezolano que culminó su vida de esa manera, pero mantuvo su lucidez y hasta pronosticó lo que nos iba a pasar como país, en aquellos años 90.

Al colega Angola Heredia se le volaron los tapones, para decirlo coloquialmente. Se inventó una puesta en escena con soporte tecnológico, donde hibridó teatro, poesía, música, danza y un video con mapping interactivo en tiempo real. Era un constante salto visual entre la caja de Sabatini y la pantalla para ver y degustar efectos y además escuchar la selecta música escogida.

La protagonista Carolina Wolf fue acompañada de primeras figuras del teatro, todas desenvueltas en escena y con sumo grado de maestría y estilo único. Hay que esperar que lo lleven a otra sala para deguitarlo mucho más. ¡Creemos que hay un proyecto fílmico en camino!

FICHA TECNICA

Mientras reaparece este espectáculo, porque en eso están trabajando, es oportuno recordar que ahí trabajaron: Gerardo Soto Benítez, (El hombre); Liliana Meléndez (La madre/Madame Getté); Ignacio Marchena (El doctor/Maese Di Salvatore). Y el regreso a la actuación de la autora, Yoyiana Ahumada Licea (La enfermera/Alumna/Margot). Coreografía: Armando Díaz. Dirección de Arte: Escenografía: José Tomás Angola Heredia. Vestuario: Elizabeth Irausquin, Fabiola Neri. Concepto multimedia: José Tomás Angola Postproducción y VJ: George Palmer e Ionee Waterhouse. Música: Gabriel Dupont. Intérprete: Nancy Quiróz. Producción Ejecutiva: Cuarta Pared Producciones/La Máquina Teatro. Producción General: Carlos Eduardo Silva.

En los 30 años que estuvo en Venezuela, este cineasta mexicano nacido en 1945 que se convirtió en uno de los precursores del cine nacional al lado de Román Chalbaud y Clemente de la Cerda, nos dejó mucho más que su gran cinematografía este 3 de julio.

Mauricio Walerstein llegó a Venezuela en el año 1972, para tomar las riendas de la producción de una película con miras a regresar pronto a su país, donde era conocido en su doble papel de director y productor. El cine azteca era una industria pujante y el apellido Walerstein no era ajeno a ella. Su padre, Gregorio Walerstein, era además de escritor, un prolífico productor mexicano que llegó a acumular una filmografía de 313 películas producidas.
El cine fue un oficio hereditario, por eso no fue extraño que a los 22 años, Mauricio comenzara a sumar en su filmografía bajo el papel de productor, títulos como Los Caifanes, Patsy mi amor, Para servir austed y Paraíso.

Fue en el año 1971 cuando empieza su trabajo detrás de las cámaras con los largometrajes Las reglas del juego y un año después estrena en México Fin de fiesta. Es en México donde conoce al cineasta Román Chalbaud durante un festival de teatro y al director de fotografía Abigaíl Rojas, admirador de sus películas.

A su llegada a Venezuela, en 1972, fue Abigaíl Rojas quien puso en sus manos un ejemplar de la novela Cuando quiero llorar no lloro, escrita por Miguel Otero Silva, con la intención de llevarla al cine. Walerstein se enamoró de la historia y vio una oportunidad de rodar fuera de su país temas que podían burlar la censura.

A finales de la década de los 60 y principio de los 70, Walerstein sintió que en México era imposible asumir una posición crítica desde el cine, porque el gobierno mandaba en todos los procesos creativos, desde el dinero que otorgaba para rodar películas hasta en las salas de proyección. Por eso, vio la oportunidad en Venezuela de tener la libertad de explotar un imaginario cinéfilo que se traduciría en historias que romperían esquemas no sólo en Venezuela, también en Latinoamérica.
Mauricio Walerstein no lo sabía en su momento, pero con su primera película en el país iba marcar una pauta y a quedarse por más de tres décadas.

Cuando quiero llorar no lloro se estrenó en 1973 con un gran éxito tanto de crítica como de taquilla. La adaptación del libro a guión fue un trabajo en conjunto con Miguel Otero Silva y Román Chalbaud, y de esa primera experiencia de Walerstein en el país, logró el reencuentro de un público que necesitaba verse reflejado en la pantalla grande.

Muchos críticos de cine, llamaron a esa primera obra del mexicano en el país el paso “hacia la industrialización de nuestro cine”, lo que representó el reencuentro real con una producción nacional cinematográfica.

Mauricio Walerstein había encontrado la fórmula de combinar con éxito lo político y social, y la aplicó en sus dos siguientes producciones, Crónica de un subversivo latinoamericano del año 1975, y su obra más reconocida fuera del país, La empresa perdona un momento de locura , protagonizada por Simón Díaz en 1978. Con este último largometraje, adaptación de la obra de teatro de Rodolfo Santana, ganó el premio del público en la cuarta edición del Festival de Cine Latinoamericano de Huelva, como un reconocimiento por abordar el tema de la explotación en el ámbito laboral.
El nombre de Mauricio Walerstein ya se escribía en la historia del cine nacional como uno de los precursores de su crecimiento al lado de Román Chalbaud y Clemente de la Cerda.
Después de su trilogía social, era el momento para Walerstein de experimentar en otros caminos: sus obsesiones.
De lo social a la pasión

Irreverencia, pasión, trasgresión y sensualidad. Esas cuatro características rondaron los siguientes años en la filmografía de Mauricio Walerstein quien confesó que le gustaban los personajes que “se aman hasta el límite, a veces hasta morir”.

Walerstein consideraba que el cine venezolano estaba todavía plagado de temas sumidos en el “colonialismo”, por eso, en 1982 su película La máxima felicidad llegó a las salas de cine con la intención de romper paradigmas, una manera de cercar el tabú desde un tema donde explora la bisexualidad y la historia de un triángulo amoroso entre dos hombres y una mujer. También en esta ocasión, se apoyó en la homónima obra de teatro de un conocido: Isaac Chocrón.

Más allá de alejarse del tema, Walerstein siguió hurgando en las pasiones con una obra cinematográfica que se inscribe como la más recordada, “Macho y hembra” (1984), lo cual representó otro vuelco del público a las salas de cine.
Tres largometrajes más completarían su paso por el melodrama, De mujer a mujer (1986), Con el corazón en la mano (1988) y Móvil pasional del año 1993, aunque con estas nuevas experiencias las críticas apuntaban que el cine de Walerstein estaba rondando lo comercial, dejando de lado una profundidad en sus personajes.

El cineasta mexicano toma una pausa y filma en Venezuela en el año 2000, Juegos bajo la luna.

Los últimos días

Ante el fallecimiento de su padre, Gregorio Walerstein, Mauricio regresa a México para encargarse de la productora cinematográfica y se queda en su país donde continúa como director en Travesía en el desierto (2011), una co-producción México-Venezuela, apoyada por el CNAC, la cual se estrenó ese mismo año en nuestro país y obtuvo 22.625 espectadores, para finalizar su trabajo tras las cámaras con Canon-fidelidad al límite (2014).

Aunque no regresó más a Venezuela, sus lazos continuaron desde México donde siguió en colaboración con directores, escritores y actores del país.

“Ni yo he dejado Venezuela, ni Venezuela me ha dejado a mí”, confesaría el director sobre sus 30 años de trabajo en el país, donde se apuntó como uno de los precursores del cine nacional.

Mawarí Basanta Mota

Un espectáculo que obliga a tomar una oposición ideológica.

No es frecuente que en el teatro se le pida al público una decisión, afirmativa o negativa, sobre lo que han visto y ponderado después de 90 minutos de representación. Ahora se le solicitará que emita un juicio de valor y vote en una urna, si el personaje protagónico es culpable o inocente, lo cual exige una reflexión inmediata sobre la rocambolesca decisión de ese militar que eliminó a 164 personas para salvar a unos 70 mil fanáticos del fútbol.

Ojo, no se trata de un espectáculo antimilitarista. ES una cruda invitación a reflexionar sobre el significado del terrorismo y lo que dicen las leyes para preservar a los ciudadanos y evitar que se repitan algunos nefandos hechos. Es Terror, inteligente y comprometido montaje teatral para reflexionar no solo sobre lo que acontece en la escena sino sobre un alucinante escenario de guerra mundial en que actualmente se debate la humanidad.

En Terror, una aeronave es secuestrada por un terrorista quien amenaza lanzarla contra el estadio de fútbol, donde esa noche juegan las selecciones de Alemania y el Reino Unido. Las autoridades germanas mandan a contactarla visualmente con uno de sus aviones cazas, tratando de ganar tiempo para una negociación, pero el piloto militar opta por destruir al avión, porque de lo contrario perecerían, por lo menos, 70 mil personas que presencian el encuentro futbolístico. ¿El mayor Lars Koch, piloto del avión caza está en la necesidad de responder? ¿Cuáles son sus órdenes? ¿Él debe derribar el avión de pasajeros cuando los terroristas no cedan? El reloj no se detiene y toma una decisión. Unas meses más tarde se debe justificar ante un tribunal del jurado

Este Terror, del abogado y escritor alemán Ferdinand von Schirach (Múnich, 1964), es un juicio teatral para condenar o liberar a un militar, quien decidió derribar un avión civil con 164 pasajeros, que volaba entre Berlín y Munich. Bajo la dirección de Héctor Manrique se presenta esta pieza que, a partir de la difícil decisión de salvar unas vidas a costa de otras, explora los rincones oscuros de la conflictiva personalidad humana. Un montaje, llevado finamente por su elenco, el cual obliga a que el espectador venezolano compare su realidad con lo que se muestra desde el escenario. Una vez más, el buen teatro es cátedra culturizadora, como debería ser siempre.

Este dilema ético de condenar o absolver al mayor Lars Koch, es el planteamiento de Terror, nueva propuesta del Grupo Actoral 80, que hace temporada en el Trasnocho Cultural con un elenco de primeras figuras encabezado por María Cristina Lozada, Sócrates Serrano y el propio Manrique, acompañados por Martha Estrada, Daniel Rodríguez, Juan Vicente Pérez, María José Castro y Eduardo Pinto, en una pulcra producción general de Carolina Rincón.

Terror ha tenido notable éxito de crítica y de público en Europa y se estrena en Caracas gracias al Instituto Goethe, porque plantea una serie de interrogantes sobre los roles del Estado y la sociedad civil. ¿Qué sucede si el terror domina nuestra vida cotidiana? ¿Qué significados tienen lo legal, lo moral y lo filosófico en nuestra sociedad al ocurrir una situación tan excepcional? ¿Se puede violar la dignidad humana si supuestamente hay más personas que se pueden salvar?

Estamos seguros que el público caraqueño decidirá entre los sentimientos y los razonamientos jurídicos y que seguramente triunfará el perdón. Sería interesante hacer funciones ante juristas y militares, para escuchar sus opiniones. El teatro es para pensar, ha sido así desde hace 4 mil años, por lo menos.

Este espectáculo merece un comentario más amplio y más preciso, así lo haremos.Por ahora que el público lo disfrute, como efecto ocurrirá, es lo importante.

Poco a poco se gesta el lanzamiento y la creación de un Circuito Nacional de Artes Escénicas y es por eso que el próximo sábado 9 de Julio , a las 5:00 de la tarde, sube el telón del I Encuentro de teatro Breve 2016, una actividad innovadora, la cual se realizará a través de un circuito itinerante a lo largo de cuatro espacios dentro del Parque Social y Cultural “Villa Teola” y el Anfiteatro Tanchyat Díaz, ubicados en Los Teques, estado Miranda, donde se escenificarán seis clásicos de la dramaturgia universal y venezolana en formato breve.

La organización del encuentro corresponde a la Compañía Producciones VENETEATRO, con el apoyo de Metro de Los Teques, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, la Alcaldía del Municipio Bolivariano de Guaicaipuro y el Centro Nacional del Teatro, bajo la égida de Alfredo Caldera .

En enero se inició la convocatoria para el Taller de Actuación Profesional 2016 para Teatro, Cine y Televisión, el cual se ha realizado durante seis meses en los espacios de la Escuela de Cultura Popular Alí Primera y el Parque Social Cultural “Villa Teola”, contando además con la participación de distintas figuras del medio artístico como invitados especiales.

El resultado ha sido más de 40 nuevos artistas formados con diversas técnicas, disciplina y mística profesional que se disponen para escenificar, dirigir, producir y actuar en seis piezas de 15 minutos, basadas en los clásicos del teatro universal y venezolano. Además como plato fuerte, los espectadores podrán ser partícipes a través de una ruta teatral itinerante.

PRIMERA TEMPORADA BREVE

La dirección general del I Encuentro de teatro Breve 2016 está a cargo de Dante Lombardi, quien a lo largo de seis meses de ensayos dentro del proceso de formación del Taller de Actuación Profesional, realizó la selección de los textos considerando un panorama que mostrará la evolución del teatro en el transcurso de la historia. Desde un Sófocles hablando sobre el principio de los derechos humanos, hasta un Rengifo que denuncia la mercantilización de la vida y la muerte, de un Shakespeare o un Lope de Vega que nos recuerda permanentemente cómo podemos amar tan apasionadamente o cómo puede pervertirse la moral de las personas ante el poder y la corrupción. La muestra final del Encuentro de Teatro Breve narra la historia de nosotros mismos como civilización a través de las voces de su dramaturgia.

La primera temporada del I Encuentro de Teatro Breve 2016 SE iniciará el próximo sábado 9 de Julio en los diversos espacios del Parque Cultural “Villa Teola”, incluyendo el anfiteatro Tanchyat Díaz.

Las funciones serán todos los sábados y domingos a las 5:00pm durante cuatro semanas hasta el 31 de Julio. La invitación es para toda la comunidad de los Altos Mirandinos y la Gran Caracas para que vengan a disfrutar de lo mejor del Teatro Clásico en formato breve, dice Dante Lombardi

TEATRO CLÁSICO BREVE

Los espectáculos que se mostraran son estos:

Romeo y Julieta. Dos jóvenes enamorados, cuya rivalidad entre sus familias les hacen conducir a un destino de fatalidades, la muerte de ambos supone el fin de la disputa y el castigo a la soberbia de las castas familiares.

Hamlet. La trama relata la incertidumbre del príncipe Hamlet ante la aparición del espectro de su padre quien pide venganza por su asesinato a manos de su hermano Claudio. La traición, la irá, el incesto y la corrupción moral se exponen en locura real o fingida del cual no podrá escapar el príncipe a quien le espera un desenlace trágico.

La Dama Boba. Inspirada en el clásico del Siglo de Oro español del dramaturgo Lope de Vega, nos relata el poder educativo y sanador del Amor. Es una comedia donde dos hermanas Finea y Nise son víctimas del machismo social y cuyas vidas están a la sombra del padre o del marido. Sin embargo, un amor en común las hará enfrentarse entre ellas, poniendo a prueba sus objetivos amorosos y superando a los propios prejuicios sociales.

Sueño de una Noche de Verano. Es una historia llena de fantasías, amor y enredos. Puck, el duende travieso del bosque tiene un líquido extraído de una flecha de Cupido, el cual echará en varias parejas de enamorados de manera equivocada causando un cruce de enredos y enamoramientos disparejos. Incluso, la reina de las Hadas se enamorará imprevistamente de un hombre disfrazado de burro.

Antígona. Las leyes de los hombres no pueden estar por encima de las leyes divinas, así manifiesta la joven Antígona, quien se rebela ante los dictámenes del Rey Creonte, quien prohibió que su hermano Polinices recibiera sepultura a causa de una cruel guerra fratricida. Es una de las tragedias más importantes del Teatro Clásico, que expone el fatal destino de una heroína, cuya desobediencia acarrea su propia muerte, enalteciéndola como un gesto de dignidad y orgullo. Creonte, al perder al resto de su familia, tardíamente se dará cuenta de su irremediable error.

La fiesta de los moribundos. El cierre de la ruta teatral de pequeño formato, estará a cargo de una versión escénica a partir del texto escrito por el emblemático dramaturgo venezolano César Rengifo. Es una comedia satírica que muestra la actitud de un empresario que se encarga de negociar con cadáveres los cuales son vistos como un “producto” o materia prima para la elaboración de comida de pollos o artículos de belleza. Es una denuncia contra la comercialización del ser humano como una mera mercancía y hacia la deshumanización empresarial. Con esta pieza Rengifo consolida su gran conciencia ideológica en pro del espíritu humanista y ratificando su compromiso social.

Una comedia para algo más que reírse.

A 30 años de haber creado a la medieval Melibea, en el memorable montaje de La Celestina, de Fernado de Rojas, que hizo Carlos Gimenez para la Fundación Rajatabla (1986), Mariú Favaro regresó a las tablas para ser dirigida por Julie Restifo en la comedia Hasta el último trago de Javier Vidal, al lado de Mariely Alcalá y Alberta Centeno, quienes dan vida a Minerva, Kore e Isis, primas contemporáneas que no se dejan aplastar por las difíciles circunstancias que atraviesan. ¡Bravo!

Vidal reescribió Ambas tres(2001) y la retituló Hasta el último trago, para acentuarel drama de esas féminas que viven las crisis al arribar a su primera cuarentena y un poquito más allá, y además están marcadas como sobrevivientes del deslave de Vargas (1999). Se citan en un bar para drenar frustraciones y afloran intimidades: embarazo no deseado por una relación con un cubanito de 20 años, amores fugaces o fantasías eróticas, complejas peripecias para pagar las tarjetas de crédito y otras trampas de la sociedad de consumo que acorrala a la clase media, además de la quimera de un viaje al Norte en pos del esquivo futuro. Trío inteligente que desafía leyes machistas y sale airoso por los mutuos consejos que se dan, teniendo como telón de fondo a una Venezuela con múltiples trampas existenciales para todos.

No es fácil digerir el enredo existencial de las tres, pero la directora Restifo inventa o retoma los positivos usos del ron y las pone a beber y cantar, en un improvisado karaoke, una serie de temas románticos apropiados para las circunstancias que ellas atraviesan. El ritmo del espectaculo es impactante y atrapa al público que podría terminar hasta bebiendo y cantando a coro esos desenfadados temas de esas tres indómitas.

Este espectáculo, que presenta AENE Producciones Teatrales en la sala Urban Cuplé, no es frívolo, sino todo lo contrario. Tras su falsa alegría está la misoginia en un pais donde las estadísticas son ocultadas o maquilladas, pero se les olvida los récords de la morgue, que es el definitivo y da un perfil macabro, pero la vida sigue y el teatro también.

El elenco de la pieza alemana que llega para problematizar a los venezolanos

Desde 1983, gracias al montaje Variaciones Wolff, el teatro venezolano cuenta con la importante presencia y los aportes estéticos del Grupo Actoral 80 (GA80), creado por el actor, dramaturgo y director Juan Carlos Gené (5.11.1929, Buenos Aires, 31.01.2012) y actualmente está bajo la acertada conducción gerencial y artística de Héctor Manrique (Caracas, 1963), cuando ya ha presentado 63 espectáculos.

La institución ha sobrevivido a mareas y contramareas y actualmente hace temporada en Caracas con un espectáculo novedoso, especialmente por su colofón, el cual requiere de la voluntaria participación del público. Se trata de Terror, del abogado y escritor alemán Ferdinand von Schirach (Múnich, 1964),donde se enjuicia a un militar, quien decide derribar un avión civil con 164 pasajeros, que vuela entre Berlín y Munich. Bajo la dirección de Héctor Manrique, se presenta este espectáculo que a partir de la difícil decisión de salvar unas vidas a costa de otras explora los rincones oscuros de la conflictiva personalidad humana.

¿CRIMEN DE ESTADO O LOCURA MILITAR?

La aeronave es secuestrada por un terrorista y amenaza lanzarla contra el estadio de fútbol, donde esa noche juegan las selecciones nacionales de Alemania y el Reino Unido. Las autoridades germanas mandan a contactarla visualmente con uno de sus aviones cazas, tratando así de ganar tiempo para una negociación, pero el piloto militar opta por destruir al avión civil, porque de lo contrario perecerían, por lo menos, 70 mil personas que presencian el encuentro futbolístico. ¿El mayor Lars Koch, piloto del avión caza está en la necesidad de responder? ¿Cuáles son sus órdenes? ¿Él debe derribar el avión de pasajeros cuando los terroristas no cedan? El reloj no se detiene y Lars Koch toma una decisión. Unas semanas más tarde se debe justificar ante un tribunal del jurado.

Es una pieza que ha tenido notable éxito de crítica y de público en Europa y la cual se estrena en Caracas gracias al Instituto Goethe, porque plantea, entre otras cosas, una serie de interrogantes sobre los roles del Estado y la sociedad civil. ¿Qué ocurre cuando un avión es secuestrado y amenazan lanzarlo sobre un estadio de fútbol? ¿Qué sucede si el terror domina nuestra vida cotidiana? ¿Qué significados tienen lo legal, lo moral y lo filosófico en nuestra sociedad al ocurrir una situación tan excepcional? ¿Se puede violar la dignidad humana si supuestamente hay más personas que se pueden salvar?

Este dilema ético de condenar o absolver al mayor Lars Koch es el planteamiento de Terror, nueva propuesta del Grupo Actoral 80 que desde el viernes 8 de julio, se exhibe en el Trasnocho Cultural con un elenco de primeras figuras encabezado por María Cristina Lozada, Sócrates Serrano y el propio Héctor Manrique, acompañados por Martha Estrada, Daniel Rodríguez, Juan Vicente Pérez, María José Castro y Eduardo Pinto, en una producción general de Carolina Rincón.

Terror es una aleccionadora obra, la primera para teatro de von Schirach, que actualmente se exhibe en varias salas de Alemania, Austria, Slovenia, Hungría, Suiza e Israel. Lo interesante de este montaje, además de su complejo tema, es que el público, en funciones de jurado, debe participar en el juicio que se le hace al protagonista, votando y decidiendo sobre su futuro. Se presenta en el Trasnocho Cultural del C.C Paseo Las Mercedes, con funciones los viernes a las 7:00 pm y sábados y domingos a las 6:00 pm.

COMPLEJA DECISIÓN

Terror es la primera obra de Ferdinand von Schirach, notable escritor y jurista. Ha publicado varios volúmenes de cuentos y la novela El caso Collini, traducidos y publicados al español. Es hijo de un comerciante de Múnich, Robert von Schirach, y de Elke Fähndrich,así como nieto del jefe de las Juventudes Hitlerianas. Su bisabuela estadounidense es descendiente de dos de los signatarios de la Declaración de Independencia de los Estados Unidos de América. Creció en Múnich y Trossingen, y estudió en Bonn y su Referendariat en Colonia y en Berlín se graduó como abogado en 1994, con una especialización en derecho penal. El reconocido abogado venezolano, penalista Alberto Arteaga Sánchez celebra el estreno de Terror porque plantea los retos que en ocasiones enfrenta la justicia cuando debe decidir sobre un conflicto tan dramático. “Las exigencias legales, el valor de la vida, los principios, las propias convicciones y las circunstancias concretas del hecho nos interrogan y cuestionan en torno a su decisión”, refiere el también profesor de Derecho Penal. Arteaga destaca además como en estos momentos “de graves desajustes sociales, en el contexto de una sociedad con profundas grietas en su conformación, la justicia debe ocupar el primer plano que le corresponde como instrumento de sanación que nos permite avizorar un mundo mejor… un mundo más justo”.

Freddy Náñez, el ministro que, a buena hora, relanza a la CNT.

El relanzamiento de la Compañía Nacional de Teatro no afectará jamás las labores del Centro Nacional de Teatro, sino todo lo contrario, lo apuntalará, reiteró Alfredo Caldera, director de las dos instituciones, que dependen del Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

Recordó Caldera que la Compañía Nacional de Teatro fue creada el 22 de mayo de 1984, por decreto de la Presidencia de la República, y su primer director fue Isaac Chocrón Serfati. “Es en la actualidad una institución renovada, comprometida con los procesos de cambio que vive nuestra sociedad y que participa activamente en las manifestaciones de la actividad teatral que se desarrollan en las distintas latitudes del país. La investigación, la capacitación, la documentación, la conservación, el trabajo con las comunidades y el rescate de la memoria del teatro se suman a su repertorio, según lo establecen sus estatutos. Ahora volverá a tener un elenco estable, el cual estará conformado tanto por actores y actrices de amplia trayectoria como por jóvenes que quieran competir por las distintas plazas, en un casting de carácter nacional, tal y como lo anunciara el 28 de junio pasado, durante el Día Nacional del Teatro, el ministro para la Cultura, Freddy Ñáñez”.

¿No será afectado el trabajo del Centro Nacional de Teatro por el relanzamiento de la Compañía Nacional de Teatro?

Repito que no, el Centro Nacional de Teatro continuará con sus labores y para el relanzamiento de la Compañía Nacional de Teatro se realizarán las audiciones de actores y actrices, todos mayores de edad, para conformar así un elenco estable, con el cual se presentaran montajes y temporadas propias.

¿Cómo esta planteada la selección del elenco de la CNT?

Ya tenemos un jurado, integrado por profesionales idóneos. Ellos estarán en el teatro Nacional, desde las nueve de la mañana, para realizar las audiciones de actores y actrices , durante los días martes 26, miércoles 27 y jueves 28 de julio. La selección de este elenco además constituye una solicitud de empleo por parte de los actores y actrices seleccionados.

¿Cuántos actores y actrices serán seleccionados?

No puedo dar por ahora un número de actores, porque todo depende de la cantidad y la calidad de los que ahí audicionen. Estamos seguros que seleccionaremos el mejor material humano posible, ya que el jurado es integrado por personas de comprobada calidad profesional. Los artistas aspirantes deben inscribirse en la página web de la Compañía Nacional de Teatro, www.cnt.gob.ve donde será publicado el formulario para optar a la audición, el cual que deberán llenar. En ese proceso de inscripción, se les asignará un número que los va a representar en el momento en que haga la audición. La prueba consistirá en la interpretación de un monólogo mínimo de cinco minutos, máximo 10. Posteriormente, al aspirante se someterá a una evaluación de su vocalización. El llamado es nacional, porque lo que se busca es que todos los actores y actrices del país puedan formar parte de este elenco estable que va tener sus distintas producciones a lo largo del año y seguramente de dramaturgia nacionales y universales”.

¿Cuántas obras montará la Compañía Nacional de Teatro?

Se ha pensado que sean cuatro textos: tres nacionales y uno foráneo. Una de las obras debe ser la ganadora del concurso Apacuana, que organiza el Centro Nacional de Teatro.

¿Sueldos para el elenco?

El Ministerio de Cultura tiene un tabulador, el cual ya se aplica para la Compañía Nacional de Danza. Pero eso se puede estudiar o reconsiderar. Todo depende de la cantidad de actores y actrices que seleccionemos. Llego la oportunidad para las nuevas generaciones y las adultas también.

¿Y cuál sería su sede artística para este siglo XXI?

Salas teatrales hay muchas, pero eso se puede lograr por disposición el Ejecutivo Nacional, la primera CNT era residente del teatro Nacional, pero eso cambió. De seguro que la tendrá, pero ahora necesitamos los actores y las actrices porque sin ellos no ha agrupación o compañía.

El elenco de "Peludas en el cielo" y su director Carlos Arroyo.

Alfredo Caldera, director del Centro Nacional de Teatro, informó que a partir del 16 de julio, se dará inicio a la primera temporada de la obra Peludas en el cielo, escrita por Gustavo Ott, bajo la dirección de Carlos Arroyo y con las actuaciones de Aura Rivas, Francis Rueda, Vanessa Vásquez y Luis Domingo González, dentro del dispositivo escenográfico del finado Rafael Sequera.

Esta obra, que fue estrenada en el estado Zulia y también participó en el Festival de Teatro de Caracas 2016, estará por tres fines de semanas en el caraqueño teatro Municipal: 16,17, 23, 24, 30 y 31 de julio, a partir de las 5:00 de la tarde con un costo de 250 bs por entrada.

Los temibles vuelos de las mariposas palometas peludas han retornado. Ahora no serán en la región oriental venezolana .ni tampoco, en el Zulia, sino en Caracas. Que no cunda el pánico ante la reaparición del peligroso lepidóptero distrisio o hylesiua metabus y sus pelos que producen enfermedades epidemiológicas entre las que destacan: erosiones, alergias en la piel y conjuntivitis; en algunos casos estas afecciones están acompañadas por fiebre y trastornos respiratorios.

Cuenta el director Arroyo (Chabasquén, 14 de octubre de 1965, Portuguesa) que la pieza transcurre en este temible siglo XXI, en la población de Piacóa, Delta del Orinoco, al noroeste venezolano, en la humilde casa de las Pacheco (Mariana y Yesenia), donde coinciden la maestra Rita y el amigo Luis Domingo González. Estos personajes, amantes de la libertad pero conscientes de las limitaciones que tienen por sus precarios recursos económicos, superan cualquier asomo del aburrimiento cotidiano recordando los tiempos idos, paseándose por las inconmensurables páginas de la poesía universal y la que la ellos mismos pueden componer o armar, y especialmente sueñan con todo lo que podrían hacer, como viajar a París, si se ganan la lotería para lo cual compraron un billete. Pero se les presenta un delicado problema: cómo dominar la invasión de mariposas peludas que les pueden destruir todos sus anhelos si llegan a enfermarse con la plaga que ellas transmiten y mucho más ante las naturales carencias de medicinas adecuadas para curarse.

Por supuesto que las palometas peludas son una metáfora del autor que le propone a sus espectadores venezolanos, porque las incómodas mariposas son algo más de lo que representan físicamente. Y aquí invitamos a los lectores, eventuales espectadores del susodicho montaje, que se paseen por lo que dice o propone Albert Camus en sus piezas La peste y Estado de Sitio.

Para Arroyo, el dramaturgo Ott (Caracas, 1963) es un digno heredero de la escuela teatral de José Ignacio Cabrujas porque toma personajes y situaciones venezolanos y los recrea dentro de un espacio simbólico para desarrollar sus tareas escénicas, que siempre son críticas y que en esta pieza su mayor conflicto son las palometas peludas y todo lo que ellas ocasionan y el peligro que representan, tanto en lo físico como en lo simbólico. No es una pieza con intenciones ecologísticas, sino que utiliza la existencia real de las mariposas para invitar a reflexionar más allá.

Hay que recordar que Peludas en el cielo fue ganadora del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015, creado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

Peludas en el cielo, que podría calificarse como un sainete venezolano contemporáneo, es una producción de la Compañía Nacional de Teatro, que comanda Alfredo Caldera.

Luna tu eres mi Sol.

Entre el 18 y el 23 de julio, el Centro de Ciencias de Benasque Pedro Pascual, en Aragón, de los Pirineos de España, presentará su primera semana de teatro venezolano gracias a la compañía invitada, Ago Teatro, la cual exhibirá cinco piezas de su repertorio, además de organizar talleres para niños y mayores de 65 años.

La programación incluye piezas de los afamados autores europeos August Strindberg (La más fuerte) y Darío Fo (La Madre Pasotta), así como obras del reconocido dramaturgo chileno José Yovane (Luna tu eres mi sol y Los pájaros mojados). También enseñará una pieza escrita por la propia directora de la compañía, Virginia Aponte (¿Por qué murió Juanita?).Las funciones serán en el Palacio de Ribagorza y en el edificio del Centro de Ciencias de Benasque, a las 19:30hs. Tras cada representación, los asistentes podrán debatir sobre el espectáculo con la compañía.

Por su parte, los talleres se desarrollarán en el Palacio de Ribagorza los mismos días, pero a distintas horas. En la mañana, entre las 09:00 y las 12:00hs, se llevará a cabo una clase para niños entre 7 y 14 años. Por la tarde, entre las 16:00hs y las 18:00hs, se ofrecerá una para mayores de 65 años (20 Euros). En ambos se dictarán los principios del trabajo teatral, de creación de personajes, de montaje de una obra y de confección del vestuario con elementos reciclados. Al final de los talleres, se hará una presentación de cada obra.

La compañía invitada, Ago Teatro, viaja específicamente desde Caracas para el festival. Se trata de una agrupación, dirigida por Virginia Aponte, con 40 años de trayectoria y quien ya ha presentado sus producciones teatrales en otros escenarios internacionales. Nació en el teatro universitario de la Universidad Católica Andrés Bello, y dio lugar, posteriormente, a la compañía profesional y a la Fundación Medatia, dedicada a enseñar expresión artística y teatral a los niños de lugares menos favorecidos. El Centro de Ciencias de Benasque la ha invitado como ejemplo excepcional de la escena teatral de excelencia que, a su vez, es comprometida artística y socialmente, mantiene la fe en la educación y persigue el respeto por el otro.

EL PERSONAJE

Virginia Aponte, teatrera venezolana nacida en La Habana, lleva más de 40 años enseñando y haciendo teatro en la Universidad Católica Andrés Bello. Gracias a unos cuantos ex alumnos que están dispersos en el mundo se le realizará este especial homenaje artístico en la provincia de Huesca en Aragón, en los Pirineos españoles.

Ella, que además es periodista, cuenta que para “el venidero mes de octubre debemos cerrar los 40 años con un mini-festival en Caracas Allí haremos una semana con todas las piezas de José Yovane, además tenemos montadas sus otras obras El Quijote de los Andes, ladrón de orillas y El hombre de los colores, estaúltima es su pieza infantil que ahora se irá de gira a los Andes con el trabajo de Medatia. En octubre regresa Las brujas de Salem como cierre de los 40 años con el grupo UCAB”.

Lamenta que no podrá mostrar todas las obras que lleva a España. “No es posible con las que complementan el trabajo que llevo yo desde acá porque son ex-miembros del Teatro UCAB que montaron conmigo La más fuerte, y La madre Pasota. Además llevo una adaptación de La Doncella de Rómulo Gallegos que en el programa aparece como ¿Por qué murió Juanita? Esta última la estoy dirigiendo por Skype. Igual ensayo las otras dos piezas por el mismo medio. Estoy recogiendo los frutos de estos 40 años de vida artística. Haremos temporada en Caracas con Luna tú eres mi Sol, pero todavía no tenemos fecha”.

AGENDA

EL Centro de Ciencias de Benasque Pedro Pascual ha organizado el evento en el Palacio de Ribagorza. Luna tú eres mi Sol.Martes 19 de julio, 19:30h.Texto de José Yovane Monetta. Actores Carlos Guillermo Domínguez y Wilfredo García. La madre Pasota. Miércoles 20,19:30h. Texto de Darío Fo y Franca Rame. Actriz Sandra Perrone. ¿Por qué murió Juanita? Jueves 21,19:30h, Centro de Ciencias Texto de Virginia Aponte a partir de una obra de Rómulo Gallegos. Actores María Antonieta Di Palma, Lía Caraballo, Agustín García, Wilfredo García y Carlos Guillermo Domínguez. La más fuerte. Viernes 22,19:30h, Centro de Ciencias. Texto de August Strindberg. Actrices Pilar González (Señora X) y Maite Soto-Sanfiel (Amelia). Los pájaros mojados. Sábado 23 de julio, 19:30h, Centro de Ciencias. Texto de José Yovane Monetta. Actores Agustín García (Ermitaño) y Wilfredo García (Vagabundo).

Avanza el Festival de Teatro Rosa en el Celarg.

Los dramaturgos Román Chalbaud (El pez que fuma, 1967), Ibrahim Guerra (A 2,50 la cubalibre, 1981) y José Gabriel Núñez (Penelope, noches de bar,1988) han coincidido, sin proponerselo, en los escenarios venezolanos, a lo largo de varias decadas, plasmando sendas historias sobre un inagotable puñado de mujeres y hombres en bares, cantinas o lupanares, con peculiares y rocambolescas sagas de damiselas viviendo y sufriendo amores y desamores, en medio de sórdidas atmósferas de despechos y esperanzas.

Esta trilogia teatral revela una cruda y nada almibarada problemática social que ademàs enfrenta al público, gracias a sus escenarios hiperrealistas, y lo cuestionan para que reflexione y se mire en el espejo del otro para que se entienda a si mismo o busque similitudes aleccionadoras. Son tres microcosmos muy definidos que terminan siendo uno solo: una descarnada vision teatral de una Venezuela donde destacan los boleros como mùsica de fondo para la violencia domestica, la ludica tolerancia en medio del baile y el necesario anhelo de un nuevo día que puede traer consigo un cambio, una nueva ilusión. ¿Copia la vida al teatro o viceversa? Los espectadores sacan siempre respuestas y algunos hasta cosechan inesperadas catarsis.

Son, en esencia, un fantástico caleidoscopio con sus tres espejos de hombres y mujeres diciéndose verdades y mentiras mientras se roban un beso o una caricia, a la espera de la muerte o una ruptura que sea cambio definitivo. Son textos premonitorios sobre un pais que se niega a morir y se entrega a un nada desenlace teatral. Son, como una fantástica serpiente que se muerde la cola en un desierto de arena que se lo traga lentamente un mar azul.

Ni Chalbaud (Merida, 1931) ni Guerra (Caracas, 1944) estan siendo representados en estos momentos, salvo Núñez (Carupano,1937) quien ahora suscita comentarios elogiosos por la audaz versión que Hernán Marcano ha logrado de Penelope, noches de bar, la cual mostró en el III Festival de Teatro Rosa de Caracas, que se avanza en las instalaciones del Celarg.

Marcano, como el mismo lo ha dicho, tiene la inspiración puesta en el teatro de Federico García Lorca, pletórico de mujeres, amantes, lunas trágicas y risas de duendes. Para materializar la pieza de Núñez convocó a grupo de aprendices y profesionales, dispuestos a iniciar el eterno juego de las máscaras, con el falso reir y llorar de personajes lejanos y cercanos, pero capaces de canalizar sueños y destrezas dormidas.

Y eso lo demuestra convincentemente con esta fabula escènica que transcurre en una Caracas del siglo XXI, en medio de un fin de semana de licores y amores, dentro de un bar con prostitutas -¿alguien recuerda todavía a La Guajirita, en los bloques de El Silencio?- donde se desencadena una tragedia al estilo de los mejores melodramas: un transexual (Penelope) revela que es padre de un jovencia que esa noche se va de su hogar porque está enamorada de un malandro drogadicto, todo eso trancurre en medio de una negociación de cocaína entre un diputado y un extraño jeque que funge de padrino para la delicada operaciòn comercial, lo cual culmina en una masacre a tiros, cual una expiación colectiva para tanta locura.

El espectáculo es abrumador por los bailes, los monólogos y el show musical que no cesa, todo eso dentro de un espacio circular, con mesas y silla para el público, que participa en los improvisados bailes, mientra los actores hacen sus asombrosos personajes. Imposible dejar de comparar este monumental show de Marcano con los montajes que Chalbaud y Guerra hicieron de sus obras, los cuales de alguna manera se materializan ahí, gracias al zafarrancho que arman la Penelope y sus mujeres. Todo aquello es de verdad extenuante, a pesar de sus 75 minutos de duración, por la saturación de imágenes, sonidos y música, además de los naturales sudores y humores.

"Robinson en la casa de Asterión" al Festival de Medellín"

Para nadie es un secreto que la agrupación Compañía Regional Teatro de Portuguesa (CRTP) es la que más y mejor se presenta en Caracas y la que más se exhibe en otras ciudades. Por eso entrevistamos a su director, Carlos Arroyo, para que nos informara sobre mayores detalles de su proyecto.

¿Cómo surge la CRTP?

Nace producto de un proyecto de Estado conocido como Sistema Nacional de Compañías Regionales de Teatro de Venezuela, la cual contó con 23 compañías regionales por cada uno de las 23 entidades regionales, un Centro Dramático Nacional para la investigación y un centro para la difusión de los productos artísticos de este sistema de compañías de teatro. Este proyecto se inició en el año 1990 bajo la dirección de Herman Lejter. Al presente quedan muy pocas compañías regionales, lamentablemente, entre esas la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa que ha mantenido una producción artística y un elenco estable desde 1991 hasta el presente. Es una visión nacional que debe encararse nuevamente, cada entidad regional debe tener una estructura teatral que dé respuesta de sus procesos, oportunidad a sus actrices y actores, dramaturgos, directores, técnicos. Y que cree ciertamente un circuito nacional. La visión de una Compañía Nacional solamente en Caracas es una respuesta a medias. Debe existir la Nacional de Caracas como de la misma manera se debe mirarse al país y ofrecer las mismas oportunidades.

¿Cómo es la organización y cómo sus relaciones con el Estado?

Somos unos toderos, la CTRP tiene un equipo de hombres y mujeres que comparten sus tiempos entre lo burocrático y la producción artística, posee un personal administrativo, obrero y un elenco artístico. Que vive día a día con la imperiosa necesidad de tener un franco dialogo con sus espectadores a nivel regional, nacional y allende sus fronteras. Las relaciones con el estado regional y nacional son buenas y de larga data, lo que ha generado distintos escenarios unos buenos y otros no tantos, aun así entendemos claramente que la realidad de los medios de la producción teatral venezolanos y los nuestros están signados por una relación con el Estado (entiéndase gobierno) cultural y también otros entes. Allí podríamos abordar un tema que nos permita reflexionar los limitados espacios que tiene el teatro para desarrollarse. Es un tema para tesis.

Tenemos un teatro débil desde el modelo de producción y muy artesanal. Se ha puesto cuesta arriba llevar a escena un montaje por más simple que su producción parezca. Lo que ha determinado en una dura tarea el tener una agrupación con un elenco. Funciona “el vente tu”, como modelo y nuestros hombres y mujeres del teatro corren de un ensayo a otro, o de una función a otra, sin el debido tiempo, ni las posibilidades de un verdadero proceso de creación. Eso debemos revisarlo en el teatro mismo, no es un problema de culpar solamente, sino de observar cual es nuestra propuesta. Que hacemos con el público, difícil dilema de encarar más allá de los deseos. Así como eso quedan muchas preguntas, que la dinámica de la vida que tenemos, las observamos someramente, nos quejamos como es nuestro deber de humano, pero no sabemos cómo encararlas desde lo proactivo

¿Cuál es la respuesta de la comunidad?

Treinta años de trabajo ininterrumpidos da respuesta de ello, una cartelera de marzo a octubre dan constancia de ello. Tres salas con una actividad consecuente durante todo el año en Guanare es el resultado de la respuesta que comunidad y teatro-teatro y comunidad hemos concertado.

¿Han logrado exhibirse en el exterior?

Si hemos tenido la suerte de trabajar en distintos festivales tanto en América latina como en Europa. Próximamente estaremos en el Festival de Manizales, un festival de reconocida trayectoria donde llevaremos Robinson en la casa de Asterión del dramaturgo venezolano Tomás Jurado Zabala y con las actuaciones de Aníbal Grunn y Wilfredo Peraza.

¿Qué ha pasado con los festivales?

hay que mirarlo de dos maneras: desde Festival de Teatro de Occidente que realizamos nosotros y desde los festivales de nueva data, reiterando mi tesis del principio de que soy optimista y de que me preocupan más las soluciones que los problemas, debo decir que en el caso del Festival de Teatro de Caracas que organiza Fundarte uno ve allí posibilidades ciertas de que esa plataforma permita la vitrina necesaria, la reflexión del momento que atraviesa el teatro venezolano, esos ejercicios nos llevan una vez más a que el estado y la sociedad puedan reconocer el nivel de inversión necesaria y el impacto que este tiene en lo lúdico y en el desarrollo del imaginario de un pueblo, ahora volvemos a la pregunta que pasa con los festivales? y me pregunto en voz alta, será que desgastaron su modelo de organización? será que la estructura que acompaña la posibilidad de la muestra artística, entiéndase alojamiento, alimentación, transporte, promoción impresos, honorarios profesionales y alquileres se transformaron en tareas más importantes y más difíciles de resolver que la muestra artística?.

Yo creo que sí, sus costos son importantes y nuestra realidad económica no coincide con ellos. Eso deja ver lo que ha pasado con los festivales, sin embargo aún en esta realidad y haciendo practica de vida de esa famosa frase atribuida a Ernesto Che Guevara quienes organizamos festivales y que hacemos teatro nos repetimos “seamos realistas, exijamos lo imposible” y año a año por toda la geografía nacional podrás ver cómo se desarrollan muestras encuentros y festivales de teatro.

¿Cuáles son los criterios para la selección de textos?

En nuestro caso, no hay mucho que discutir, el elemento de análisis social, lo político y lo histórico han signado las mayorías de nuestras propuestas teatrales (no es que estemos descubriendo el agua tibia, ni nos sintamos originales) digamos que sencillamente es nuestra manera de sentir y de entender como nos comunicarnos con el público. A partir de ese objetivo buscamos autores, construimos con nuestros dramaturgos y también nos caen por casualidad textos que nosotros consideramos después de lecturas y discusiones debemos llevar a escena.

No es que sea tan sencillo como lo visualizo, pero ciertamente hay una experiencia y una natural selección de lo que queremos decir. Nos interesa revisar lo nacional, aun utilizando textos de autores internacionales y adaptándolos a nuestras realidades, yo creo que hay una mirada necesaria a lo que nuestros pueblos quieren decir, oír y ver y que es tarea del creador, entre muchas, escuchar ese tañido y concordar con él. Seguramente es una visión temeraria, pensar que lo que ponemos en escena es lo que se quiere, pero ese camino nos gusta y como diría el poeta “ahí se nos va la vida”.

Balance al 2016

Nuestra posición es entusiasta, en los últimos 25 años hemos construido tanto a nivel nacional como fuera del país una producción con nombre propio que nos identifica, hemos llevado a escena más de 50 espectáculos, contamos con dos salas experimentales, una unidad administrativa y depósitos, proyectos sostenidos como el Festival de Teatro de Occidente, el Festival de Teatro Estudiantil “Domingo Araujo Jiménez”, el Taller Permanente de Formación Actoral y una cartelera teatral permanente de marzo a octubre. Podíamos haber hecho más cosas, pero no hemos tenido los recursos. Un promedio de 50 espectáculos en los últimos 25 años. Una de las políticas que fortaleció el crecimiento de la CRTP fue el traer directores invitados, que pudieran montar y contaminar con sus procesos artísticos y formación el teatro que acá se realiza, eso realmente funciono, nos dejó una cartelera fortalecida, un importante número de actores y actrices con experiencia y un mapa de conexiones nacionales e internacionales. Creo que esa estrategia debe seguir usándose en el país de manera sostenida. La combinación de ambas realidades deja un teatro fortalecido.

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