EL ESPECTADOR venezolano

Para festejar la fecha patria de la nación paraguaya, este miércoles 11 de mayo, en las instalaciones del Trasnocho Cultural, en el Centro Comercial Paseo Las Mercedes, a las seis de tarde se exhibirá la película Mis Amerigua.

Miss Amerigua, del director, guionista y productor chileno Luis Vera, quien llegó a Paraguay luego del golpe de 1989 para planear y realizar esta película, con actores paraguayos, y la colaboración de técnicos suecos. El rodaje se logró hacer en un tiempo record, por razones de presupuesto, la filmación se realizó en 28 días y se estrenó seis meses después en el Cine Teatro Guaraní.

Esta película forma parte de la historia del cine en el Paraguay, y también es una gran producción fílmica sobre su historia, mágica, erótica y cargada de humor, usando un estilo inspirado en la mejor tradición del realismo mágico latinoamericano.

Miss Ameriguacuenta los sorprendentes y divertidos acontecimientos que suceden en un solo día, desde el amanecer hasta la media noche, en la pequeña ciudad ficticia de Amerigua, durante los preparativos y evento del concurso anual de belleza, en donde una ganadora debía ser coronada reina. Tiene como tema la secuela social y moral que dejaron los regímenes militares que asolaron el continente en los años 70 y 80.

Miss Amerigua es la primera película paraguaya que se filma luego de la transición democrática y tanto el filme como el director fueron premiados en los festivales de la Habana, obteniendo premio UNEAC; en el Festival de Oslo, recibe el premio de mejor director; en Trieste se le otorga el premio del público como mejor película; en Estocolmo se lleva el premio como mejor película extranjera, y en Shanghái es la mejor película de países emergentes, además fue seleccionada en los festivales de Londres, Chicago, Río de Janeiro, Biarritz, Washington, Rotterdam, San Francisco, Cracovia, Huelva, Bogotá, Buenos Aires, San Juan-Puerto Rico, Viña del Mar, Lima, Gotemburgo,

Reunió a la mayoría de los actores activos en esa época, utilizo a más de 500 extras, y diferentes espacios de rodaje como: Asunción, Areguá, Chololó, desde 1993 ha recibido aplausos esta obra audiovisual. Entre los talentos actorales que ahí participan se encuentran: Jesús Pérez, Héctor Silva, Raquel Baeza, Jorge Ramos, Sonia Marchewska, Jorge Báez, Ramón del Rio, Graciela Canepa, Entre otros.

Dicha proyección contará con la presencia del embajador de la República del Paraguay en Venezuela, Enrique Jara, un evento Cultural organizado por el departamento Cultural de la Embajada de la República del Paraguay en Venezuela, dirigido por Marcial Páez, director Cultural.

Los esposos Javier Vidal (63) y Julie Restifo (58) decidieron jugar al teatro con los sendos seres de carne y hueso que mejor conocen: ellos mismos. Y por eso retomaron el texto Tal para cual y lo transformaron en audaz e hiperkinetico show de stand up comedy, al cual presentan en el Teatro BOD; cuyos personajes teatrales plasman de manera directa y desenfadada su relación de más 30 años de vida en pareja, ciñéndose a un libreto de autoficción, puesto en escena por Julie.

Hay que puntualizar que Tal para cual es la obra 15 de las 24 que, exitosamente, Vidal hasta ahora ha escrito y representado; fue estrenada en la temporada del 2007 en el Trasnocho Cultural, pero nueve años más tarde, según lo que hemos ponderamos, es otra pieza, no solo por los perceptibles cambios en el guión, donde ahora hay más ficción edulcorada y menos crudas realidades, sino porque sus intérpretes lucen más maduros y por ende más versátiles en sus desempeños histriónicos. Es, por supuesto, mejor espectáculo.

Se trata, pues, de un nostálgico viaje de 90 minutos que va desde los inolvidables años 70 hasta la primera década del siglo XXI, tocando de soslayo el inicio de la era chavista y el patético deslave del estado Vargas. Vidal, que es libre de contar lo que quiera de su vida íntima y familiar, hilvanó unas cuantas facetas auténticas y armó así un laberinto de monólogos para ambos, con unas cuantas escenas complejas, hasta lograr plasmar como ha sido la vida de una pareja de clase media, que no es la Javier&Julie de la vida real, con unas cuantas aristas en sus relaciones, etcétera. Aquí la ficción supera la realidad y eso, aunque nos parezca mentira, es lo que la gente quiere degustar. Por eso el éxito cómplice de telenovelas y buen cine y ahora este teatro de Javier&Julie.

Aquellos que acudan al BOD creyendo que Javier&Julie es un streep tease con sus intimidades, esas que ruedan por pasillos de los canales de TV o por los meandros de las columnas de chismes, podrán salir rabiando, ya que lo exhibido es una versión light o edulcorada o una exquisita ficción teatral, nada de teatro-verdad, donde ambos terminan felices y esperando las ventajas de una edad dorada más calmada, donde habría nietos y más experiencias, porque los seres humanos o teatrales son de la misma materia de los sueños, como enseña aquel Próspero shakespereano, pero antes muestran unos bailes que son auténticos shows terapéuticos y unos cuantos pugilatos verbales, todo dentro de una gratísima atmósfera lúdica, donde cada espectador buscará su pedacito de sueño en ese polícromo escenario.

Si alguna virtud tiene este espectáculo es que atrapa al público más aburrido y lo hace participar en ese sueño de los ciudadanos Javier&Julie y sus personajes de Javier&Julie. No es difícil para los que conocen al matrimonio Javier&Julie diferenciar la ficción de la realidad, pero el público en general no tiene ese conflicto, porque hay singulares momentos del espectáculo que atrapan con sus peripecias y los desenlaces de sus crisis, donde es ostensible la comprensión, inteligente, de ese matrimonio teatral, que de alguna manera copia la realidad allende la escena. En síntesis, es terapéutico todo aquello.

Edgar Borges (Caracas, 1966) no se detiene en su ascenso como escritor o profesional de las letras en el reino de España, a donde emigró hace una década y ha podido publicar novelas y libros de apuntes como ¿Quién mató a mi madre?La contemplaciónEl hombre no mediático que leía a Peter Handke y La ciclista de las soluciones imaginarias, entre otras. Parte de su obra ya ha sido traducida al inglés, italiano, francés y portugués. Y, por supuesto, aquí en Venezuela se le ignora o se le pretende silenciar en varios medios de comunicación y en las editoriales. ¿Hasta cuándo?

Por ahora Borges, quien vive en Madrid, con sus dos hijas adolescentes, se prepara para el lanzamiento de El olvido de Bruno, quees una novela sobre la memoria, la invención y el amor.

Hay que recordar que las características de su novelística es la ficción, esa fuerza inherente al ser humano que derrumba y construyerealidades. Ante las circunstancias, sus personajes tienen que decidir si son fichas de un destino o hacedores de una nueva trama. Su literatura es confrontación y salida; la palabra, en lugar de describir la realidad, la implosiona y la transforma. Así lo han analizado los críticos y editores.

Sobre su reciente novela, que será presentada en la Feria del Libro de Madrid, el 28 de mayo, donde firmará ejemplares, y el 6 de junio se presentará oficialmente en la Casa del Libro de Gran Vía. “Vendrá mi traductor al italiano, Gianfranco Pecchinenda, y habrá una lectura dramatizada a cargo de la actriz española Sara Márquez y el actor venezolano Alejandro Arroyo”, comenta vía Internet.

Por consejo de la editorial Carena solo revela que para el protagonista Bruno, “decir Brunoes recordar parte de su historia”. Una voz le narra su vida; una enfermedad le hace dudar de la realidad. ¿Alzheimer?, ¿esquizofrenia?, ¿hipocondría? “Bruno era un viejo librero muy querido en el barrio. Solo Eliana, su mujer, conocía su padecimiento. Eliana era escritora y le enseñó a inventar relatos para llenar los vacíos de la mente.Contar, contarse; imaginación para salvar la memoria.Un día su esposa desaparece. El hombre no recuerda si murió o le ha abandonado. Solo sabe que ella sufría una enfermedad y que a gritos pedía la muerte; también recuerda que él se inventó una niña para evadir los llamados de su mujer. La pequeña jugaba a la rayuela; otras veces le sangraba la nariz, un hombre la perseguía. Cierta noche la niña se esfuma y con ella Eliana. Al poco tiempo una niña real desaparece. El suceso ocurre camino del colegio, frente a la librería. Los vecinos señalan a Bruno como el principal sospechoso. El padre, un sastre que maltrata a su mujer y que persigue vagabundos, ha decidido sentenciar al librero. La madre cree que un hombre de mirada noble no sería capaz de hacer daño. Lo que ella no sabe es que Bruno tiene mirada noble solo cuando piensa en Eliana”.

Borges nos ha prometido unas declaraciones exclusivas y nosotros leeremos tal pieza literaria por vía electrónica. Así estamos.

Por un acuerdo de la Asamblea Nacional, del 9 de agosto de 2011, se instituyó que cada 14 de mayo, a partir del año 2012, en Venezuela se celebre el Día de Nacional de la Dramaturgia., en conmemoración del natalicio del escritor César Rengifo, nacido en Caracas en 1915, y dedicado a través de la denuncia de su pluma a reivindicar los derechos sociales de campesinos y obreros del país.

A propósito de celebrarse por primera vez la fecha, el lunes 14 de mayo de 2012, se realizó el seminario César Rengifo: Un arte de la anticonquista fundado en la geohistoria y la cultura propia en la Asamblea Nacional, con la intervención de los dramaturgos criollos Humberto Orsini y Rodolfo Santana y la participación, para ese entonces, del presidente de la Fundación para la Cultura y las Artes de la Alcaldía de Caracas (Fundarte), Freddy Ñáñez.

En el acto se anunció la entrega de la Orden Guaicaipuro posmortem al artista venezolano, otorgada por el municipio homónimo del estado Miranda.También se bautizaron dos nuevos títulos de la Biblioteca César Rengifo del Fondo Editorial Fundarte: Esa espiga sembrada en Carabobo y Joaquina Sánchez, que vienen a integrarse a otras publicaciones desarrolladas por la editorial para mantener viva la pluma luchadora del autor. Las mariposas de la oscuridad, El vendaval amarillo, El raudal de los muertos y Las torres y el viento son otros textos editados por Fundarte para dejar al descubierto los testimonios de trabajadores petroleros a comienzos de la explotación del crudo en el país. Su famosa tetralogía del petróleo-

César Rengifo murió en diciembre de 1980 y en vida se formó como artista integral, especializándose en Dibujo, Pintura y Escultura en la Escuela de Bellas Artes, disciplinas que lo hicieron merecedor del Premio Nacional de Pintura en 1954. Además, tuvo inquietudes literarias que dejó plasmadas en más de 40 piezas teatrales convertidas, desde este año, en soporte necesario para la celebración anual de un día para la dramaturgia criolla.

Ahora, para este ´sabado 14 de mayo, cuando ya César Rengifo reposa en el Panteón Nacional,el Movimiento Infantil y Juvenil de Teatro César Rengifo, que actualmente dirige Pedro Lander, desde septiembre de 2013, se ha sumado a ofrecer a los niños y jóvenes los valores del arte y la cultura para la construcción de una nueva Venezuela.

Y es por eso que este sábado y domingo, a las 4 PM en el Teatro Teresa Carreño, son los autores del evento cultural que reitera el homenaje a Cesar Rengifo, con su espectáculo Magia cítrica, escrito en colectivo y dirigido y puesto en escena por Lander y Ramiro Suárez, y actuado por 90 niños y jóvenes. Este montaje seguirá en el TTC durante el próximo fin de semana.

“El Movimiento Infantil Juvenil de Teatro César Rengifo tiene el objetivo de brindar a los niños y niñas, poner en sus manos el arte y la cultura. Vale la pena dedicarle unas horas a esta maravilla que va surgiendo. Tenemos que dejar un mundo mejor. Tenemos que dejarle a nuestros hijos una Patria consolidada, de paz, de valores de compartir”, aseveró el director del Centro Nacional de Teatro, Alfredo Caldera., tras ver un ensayo del décimo primer montaje del Movimiento Teatral César Rengifo para jovenes y niños y niñas.

ARTISTA Y PEDAGOGO

El especialista Saúl Rivas ha escrito que la creación artística de César Rengifo es todo un complejo entramado del problema de clases sociales con la dominación racial, étnica, sociocultural, lingüística, territorial y espiritual, que nos lleva a replantearnos de alguna forma, la sobrevivencia de ciertos rasgos de la sociedad de castas de la colonia y de la actual cultura occidental dominante en antagonismo con la naturaleza y el desequilibrio del planeta. Desde "Las Torres y el Viento", que caminan en la magia del mundo indígena -como lo ha visto acertadamente Lourdes Manrique- esos fantasmas de otro mundo desconocido, que ahora hablan en inglés y donde César clama por el restablecimiento de la cadena de la vida. ¡

Rivas también cita estas oportunas palabras de Rengifo que aquí reproducimos: “porque el arte y los artistas, son los arquitectos espirituales de una nación, de un pueblo, de su identidad… la inclinación al arte está en el pueblo, en los niños, en los jóvenes. Eso está en la sangre y en la cultura …ellos (los niños) buscan desde el principio cantar y bailar, pintar y entrar en escena ...todo arte viene del pueblo y al pueblo debe volver… yo mismo, vengo del pueblo, a ese pueblo me debo y a él quiero reintegrarme en forma constante…(entiendo que soy parte inseparable de ese pueblo). Así hablaba el artista y pedagogo César Rengifo. Tenía clara conciencia de la urgencia de reintegrar el arte a la vida y la cultura a la naturaleza, restablecer la cadena de la vida para cuestionar de fondo toda conquista, incluso –en buena medida- la conquista de la naturaleza; la estética no debe ser el privilegio de castas, clases y estamentos: o del conquistador de turno… Y cuando el artista desea crear, lo hace en las condiciones más adversas, de mayor derrota”.

Sin justicia no puede haber perdón ni tampoco paz, es la sentencia lapidaria que nos transmitió el largometraje Ameriguá(1994), el cual ha sido presentado por la embajada del Paraguay en el Trasnocho Cultural, para festejar su fecha patria. Se trata de un buen producto fílmico del cineasta chileno Luis Vera, con convincentes actores paraguayos y expertos técnicos suecos, que tiene 97 minutos de duración, en 35mm, full color.

Es una deliciosa tragicomedia (guión de Luis Vera y Andrés Colmán) la cual transcurre en un pueblo mágico del Paraguay, Ameriguá, donde se realiza un tradicional concurso de belleza, recargado de intrigas íntimas y manipulaciones amorales de sus organizadores, el cual tiene un desenlace violento por el regreso de un exiliado que orquesta y realiza un atentado justiciero contra la impunidad y la corrupción que impera en dicha comunidad.

Encontramos notablemente bien hilvanado el guion, el cual juega entre la comedia y el drama, para plasmar a los protagonistas y su contexto, haciendo énfasis en la libertad de las mujeres dispuestas a participar en el destino de sus vidas y en como utilizan la belleza física para ascender, aunque en ocasiones tenga que soportar al macho irracional.

La trama, peligrosamente edulcorada, se torna ácida y llega al desenlace porque la máxima autoridad de la población, un militar retirado, que además es el padrote del pueblo, tiene relaciones intimas con la hija del hombre que mató brutalmente hace más de 20 años, y cuya venganza ha sido urdida por el hijo mayor de la victima, el extraño forastero visitante.

Hay, pues, un guion inteligente logrado y una direccion de actores y un plan de rodaje de un autentico cineasta, que aquí en Venezuela creemos no se le conoce, pero que tiene una producción fílmica amplia e interesante.

Ideológicamente, Ameriguá es democrática y justiciera, donde la milenaria y judaica Ley del Talión es aplicada por mujer engañada que mata al hombre que ejecutó a su papa y además le prometió ser a la reina de belleza, precisamente de Ameriguá.

Es, pues, una metáfora, dentro del mejor realismo mágico, para analizar como fueron las sociedades y los gobiernos que imperaron en el continente a lo largo del siglo XX, el cual, obviamente, propone una reflexión al publico para que este alerta ante la repetición de situaciones similares y consolide los mecanismo legales para que la democracia no muera con la llegada de un mandatario y los desatinos que cometa.

El final es apoteósico. Los ejecutores huyen en una carreta de tracción animal y atrás queda el pandemónium del fracasado concurso de belleza. Y todo eso transcurre entre una mañana y una noche, como cualquier obra de teatro griega, en este caso es puro cine paraguayo.

FICHA TECNICA

ELENCO: Wilfrido Costa, Blás Alcaraz, Germán Alcaraz, Carina Antúnez, Hugo Arce, Arturo Arellano y

Beto Ayala. PRODUCCION: Ray Armele, Oscar Elizeche, Enrique J. Hellmers, Pablo Jara, Pascual Rubiani, Andy Del Puerto. FOTOGRAFIA: Mårten Nilsson. MONTAJE: Lisskulla Moltke-Hoff. MUSICA: Jan Tolf. SONIDO: Geir.

PARAGUAY

No hay que olvidar que Paraguay tuvo una feroz dictadura del general Alfredo Stroessner entre mayo de 1954 y febrero de 1984, para iniciar un complejo proceso democrático y alcanzar un desarrollo social y económico que es ahora modelo en el continente. Es, pues, una nación que encontró su camino y los lideres para esa larga marcha hacia el desarrollo de una autentica nación libre, soberana y con un ejemplar pueblo .

Memorable caracterización de María Alejandra Telliz en "El largo camino del edén"

Su familia elegida le prepara una verdadera fiesta patronal para celebrarle sus primeros 80 años. Pero José Gabriel Núñez (Carúpano, 29 de octubre de 1937) no quiere hablar de “esos bonches”, porque considera que “es muy temprano todavía”. Es un dramaturgo de bajo perfil, aunque tiene más de 40 de obras exitosas aquí y allende las fronteras. Y es por eso que en “vísperas” de esos 80 años tiene dos espectáculos en la cartelera caraqueña: Fango negro y El largo camino del edén.

Él admite que la pieza que más emociones y fama le ha dado es Fango negro, estrenada en la temporada caraqueña de 1990 por Daniel Uribe, la cual, con el título de Barro negro, se hace desde 25 años en Montevideo, puesta en escena por Marcelino Duffau. Actualmente en Caracas se le presenta en un autobús que merodea por los meandros de Altamira, según una producción de Daniel Uribe.

Núñez cuenta que Fango negronació porque Carlos Giménez le pidió hacer una obra innovadora para espacios no convencionales. “No quería simplemente montarla en la calle, pues eso estaba más que visto. Sugirió adaptar el WoyseckdeGeorg Büchner, pero ¿cómo y dónde? “La idea no progresaba hasta que un día me subí a una buseta y me atracaron: hubo pleitos y desmayos; una viejita protestaba porque tenían que llevarla a La Vega y la camionetita aquella iba a Petare, y hasta escuche la conversación entre dos soldados, donde uno revelaba que su mujer estaba trabajando en un bar como fichera; en fin, allí pasó de todo y se me ocurrió decirle a Carlos que la obra se haría en un autobús y él se emocionó. Luego vino la segunda parte, porque llegó un momento en que Woyseckno servía para lo que necesitaba y el proceso se hizo al revés. Fango negrocomenzó a nacer con autonomía, pedía su propia historia y así lo hice. Trasladé la otra parte al prostíbulo y del Woyseckquedaron tres fragmentos que me ayudaron sobre todo en la parte poética de la obra. Y broto así la saga de un crimen pasional, rodeado de violencia cotidiana, donde todos sus personajes son violentos y perdedores, están marcados y nadie los va a sacar de su marginación y de su derrota, ya no tienen nada más que hacer en la vida sino sufrir las consecuencias de haber nacido al margen de cualquier posibilidad de alcanzar una vida digna. En un momento, la puta María le grita a Manuel: “a nosotros no nos salva nadie, perdimos. A ti no te salva nadie, ni a mí, y el hijito que tenemos tampoco se va a salvar, perdimos”.

“El proyecto se detuvo hasta que Daniel Uribe encontró el libreto mientras limpiaba la oficina de Giménez, lo leyó y me llamó para montarlo y así lo hizo. Creo que la ha remontado como diez veces acá en Caracas”.

El elenco de Fango negro , de este 2016, lo conforman Scarleth Becerra y Luis Palmero en los roles principales, junto a Irving Gutiérrez, Gian Carlo Ferrini, Moraima González, Ronny Mújica, Daniela Niño, Juan Bautista, Nerea Fernández, Florangel Méndez, Marietta Hernández, Omar Lugo, Yugeydi Fernández y Marcos Farreras.

PERSECUCIÓN POLITICA

Se presenta en el Centro Cultural BOD el estremecedor y controversial monólogo El largo camino del edén de José Gabriel Núñez. Ahí se aborda el tema de la persecución política mediante la intervención de los cuerpos de seguridad del Estado y la represión de esos organismos sobre los derechos humanos, que colocan en tela de juicio el esfuerzo sobre humano de mujeres luchadoras, en situación de marginalidad que sobreviven a un contexto social que se le opone a su bienestar y el de sus hijos. En esta pieza de gran tensión dramática, escrita en 1971, la cual se presenta en formato de monólogo, el autor, fiel a su estética, centra el protagonismo en un personaje femenino; esta vez es una madre humilde que vive el traumático proceso de un interrogatorio policial a través del cual, ella misma se va enterando de que está inmersa en un conflicto que uno de sus hijos le ha ocultado. Es a través de este interrogatorio que ella va develando su verdad, a la par que el espectador la va descubriendo al unísono. La represión está presente en todo momento, y toma el carácter de denuncia frente al autoritarismo, un tema recurrente en Núñez, quien de manera sistemática ha planteado en casi toda su producción, su obsesiva búsqueda de la libertad a través de los personajes que ha construido. Este monólogo está protagonizado por la actriz María Alejandra Tellis y dirigido por Jhonny Romero. La producción del montaje está a cargo de Dionisíacas Producciones bajo la batuta de Dennys Alexander Ledezma. La invitación es para asistir a esta significativa pieza teatral, sábados y domingos a las 5 p.m.

María Alejandra Telliz en su personaje de Amelia Marcano

Amelia Marcano (35 años), negra obrera, madre soltera de cuatro hijos, desafía a los esbirros que la torturan para saber dónde está su hijo (19 años) o los contactos que él tiene, pero ella no claudica y les da una lección de dignidad. Este memorable personaje teatral, creado por José Gabriel Núñez para protagonizar su monólogo El largo camino del Edén-estrenado en temporada caraqueña de 1971, en la Sala Rajatabla- ha reaparecido ahora en la Torre del BOD para subrayar que sí hay arte de denuncia, el cual reivindica las luchas de los pueblos alzados para alcanzar y disfrutar de su libertad económica y política.

El largo camino del Edén plasma el sórdido tema de la persecución política mediante la intervención de los cuerpos de seguridad del Estado, temible represión de dichos organismos sobre los derechos humanos de los rebeldes y de todos quienes se atreven a desafiar al régimen. Esta situación se vivió y generó muchas pérdidas de vidas humanas durante largos 40 años de la democracia venezolana, sin contar los regímenes anteriores del siglo pasado. Es una advertencia de que esos tiempos y esos métodos no pueden regresar jamás y que las luchas, de lado y lado, tienen que ser diferentes.

Además, aquí Núñez insiste con defender y exaltar el rol de las mujeres, especialmente de las venezolanas, en las luchas reivindicativas de su sociedad, una acción que comenzó hace 200 años y que todavía están ahí, vivas y esperanzadoras.

Para esta reposición fue muy bien elegida la actriz María Alejandra Tellis, quien logra los matices perfectos de su estremecedora caracterización verista, bien dirigida por Jhonny Romero y con la correctaproducción de Dionisíacas Producciones, que conduce Dennys Alexander Ledezma, impactante agrupación de artistas con nuevos talentos que se están ganado el espacio que merecen. Por supuesto que es teatro político, el cual recuerda como la libertad es un regalo de los dioses y que hay sacrificarse incluso para no perderla.

¿Teatro carcelario o pura ficción?

En una cárcel imaginaria se desarrolla la teatralización criolla La crema y nata, escrita y dirigida por Elvis Chaveinte, otra producción del grupo teatral Deus Ex Machina, que cuenta con las ejemplares actuaciones de Gabriel Agüero Mariño, Theylor Plaza, Abel García, Ángel Pájaro, Rafael Carrillo, Homero Chávez, Julio César Marcano, Anthony Castillo, Rossana Hernández y Lismar Ramírez.

La crema y nata, con funciones en la Sala Rajatabla, durante dos fines de semanas más, es una monumental parodia que exhibe intrigas y crímenes de dos conjuntos de malandros recluidos en un prisión, donde a su vez juegan a distribuirse el poder que tienen en ese espacio, además de las riquezas que pueden adquirir; pero el mecanismo de las negociaciones, entre los bandos enfrentados para obtener la paz, desemboca en una supuesta campaña para la Presidencia de la Republica, que ellos recrean en esa penitenciaria. Aquí la realidad exterior, y no es culpa del escritor, es tan obvia que no hay ficción, sino reconstrucción de los que sucede allende los paredes del espacio teatral. Y uno piensa en la fuerza que tiene el sainete castellano o el grotesco argentino, donde su teatralidad supera siempre la realidad.

Aquí hay que recordar obras como Macbeth y Titus Andronicusde Shakespeare y La ópera de los tres centavos de Brecht donde las parodias que proponen son desproporcionadas, y a la vez tan imaginativas, que obligan al público a no fantasear con lo que se muestra sino a buscar, de inmediato, sus equivalentes en la realidad concreta y no en otros escenarios imaginarios para detectar significados. Eso que podría llamarse realismo poético, era lo que buscaban aquellos maestros del teatro, sin complicarse la existencia y admitiendo la inteligencia mínima de sus auditorios.

La crema y natacarece, pues, de la poesía de Shakespeare y Brecht, cosa que Chaveinte no busca en ningún momento y que tampoco pretendemos exigirle. Recrea, eso sí, sin refinamientos, como es la vida semisalvaje en las cárceles venezolanas, tal como lo han descrito la prensa y algunos novelistas, donde hay pranes que ejercen su influencia, supuestamente, en connivencia con las autoridades legales, y para que toda esa vida carcelaria no sea tan aburrida hay hasta discotecas y otras diversiones. La realidad desplaza al teatro y asume su cruda denuncia, que siempre será menor a la realidad como tal. ¡Bravo por tal atrevimiento!

El espectáculo es muy obvio, nada mágico ni cosa parecida. Es una estridente teatralización de alguna actividad parateatral carcelaria, pero lo interesante, y queremos resaltar aquí, es el juego actoral logrado, así como el ritmo y el alucinante desfile de situaciones hiperrealistas, las cuales oscilan hacia el teatro circense, que van desde un pran semiparalítico que se desplaza en monstruosa bicicleta y el juego de parodia del otro aspirante al poder. Hay hasta un guiño al racismo, porque uno es blanco y otro es negro como la noche, en medio de unas coreografías modernas.

No hay un minuto para aburrirse, sino todo lo contrario y se anhela ver como cuentan y actúan sus patéticas situaciones con el sonsote malandro. ¿Qué pasó con los regatones y las cumbias?

Javier con su esposa Julie y su mayorazgo

No le pidan o no esperan que el primer actor Javier Vidal Prada milite mañana en alguna organización política venezolana. Él es, genéticamente hablando, anarcosindicalista, como lo han sido sus padres y todas las generaciones anteriores. Pero dejemos que sea el quien explique su claridad ante la política.

¿Cómo ha sido su participación en la vida política venezolana, desde que tiene uso de razón?

A estas alturas de mi carrera debo confesar que mi participación política se inicia desde que comienzo mi actividad pública teatral, es decir, hace ya 45 años, cuando comencé a escribir en la prensa nacional sobre teatro y cultura. El teatro es el más público de las artes, incluso más que el cine y la TV (en los cuales tengo aún actividad) porque estás frente al público con lo público. Cuando hablan de teatro "privado" no lo termino de entender porque el teatro es netamente público, por ende: político. Soy político porque soy actor. Porque escribo teatro, porque dirijo teatro. Porque politizo el teatro. Porque exhibo mis ideas y mi cuerpo como objeto y sujeto de cultura.

¿Llegó a militar en AD, Copei, MAS o el PCV?

¡Jamás! En los tiempos democráticos porque poco me interesaban los partidos. En estos tiempos porque el teatro se convirtió en una herramienta política de expresión y compromiso explícito y contextual. En mi caso la estética tira del carro de la política y no al revés.

¿Cuál ha sido su análisis de todas esas agrupaciones políticas, incluso la chavista?

Yo he sido muy infiel en los procesos sufragiales. He perdido en todos los comicios y eso me da mucha holgura e independencia. Me siento muy cómodo y comprometido en la oposición. Siempre he estado en ella y seguiré hasta el fin de mis tiempos. Siendo hijo, nieto y bisnieto de "anarcosindicalistas" me tocó despreciar al comunismo. Para mi familia los comunistas eran unos asesinos que acabaron con los líderes del anarquismo catalán. Mis padres al llegar a Venezuela me inscribieron en un colegio de diocesanos franceses, seguí con un bachillerato de claretianos y terminé mi carrera con los jesuitas donde luego estuve por 25 años como profesor de la UCAB. Agradezco al padre Olaso s.j. por sus clases de filosofía contemporánea donde me mamé real y literalmente El Capital de Marx y palpé de primera mano lo equivocado que andaba ese resentido alsaciano con ese plomazo bíblico donde tuerce la infinitud de la dialéctica en la perfección de la anquilosada y pétrea revolución comunista. Todo un disparate. Todo un fracaso teórico y práctico con el leninismo y demás ismos heterodoxos. Antifascista por ADN. Asimilado a la democracia cristiana por formación y aplaudiendo a la socialdemocracia por su pragmatismo en los tiempos de la globalización económica donde fenecen las banderas del nacionalismo e izan las de las transnacionales.

¿Podría analizar las posturas ideológicas de todas esas agrupaciones frente el hecho cultural o cuál es el balance que puedes hacer de esos gobiernos?

La cultura y las Bellas Artes han encontrado en los tiempos de la socialdemocracia los mejores momentos de empuje y solvencia administrativa. Los llamados "Adecos" fueron los primeros en asimilar que el Estado tiene deberes con la Cultura. Que es un deber de Estado generar cultura para el país y que la cultura es el continente del contenido de las demás manifestaciones socio-políticas y económicas. No hablo de educación. Insisto en Cultura. Los democristianos, con su pacatería opusa y elitismo mantuano, tendieron a ser paternalistas y la censura se reanimó en todas las ramas comunicacionales. La TV fue la más afectada. Los socialdemócratas legislaron la cultura y promovieron el cine y el teatro sin pasar facturas ideológicas. Tanto así que la gestión siempre iba a parar a manos los camaradas del socialismo montuno o de los fracasados guerrilleros de la escisión adeca una vez descendieron tras la pacificación copeyana. La mejor gestión cultural estuvo en tiempos de CAP II en manos del maestro José Antonio Abreu. Duélale a quien le duela.

La revolución se debate entre la destrucción y la indiferencia. Es decir: no hay dialéctica que valga. No hay tesis, no hay antítesis: cero síntesis. A diferencia de la soviética o la cubana, aquí se realizó una sistemática y metodológica pulverización de las instituciones culturales que se iniciaron con la razzia de 2001 y las 40 cabezas degolladas de la intelligentzia democrática que Manuel Espinoza ofreció en bandeja de plata al comandante insepulto. Ha habido una mimetización del militarismo en la administración estatal. Y el militarismo es la anatema de la cultura y la civilización que viene de civilismo, civil. Tanto así que la primera actividad que realiza el nuevo Ministro de la Cultura es crear un "estado mayor"¿Más claro? La cultura del PSUV: Un cuartel con el sargento O'Hara y Rin Tin Tin incluido.

¿Qué hacer en estos momentos? ¿Cómo vislumbra el devenir?

A falta de políticas públicas. Emerger con la sobrevivencia privada. El porvenir es un cataclismo sino se produce el cambio que el país le acaba de exigir al corrupto poder. Con votos cambiamos un poder. Ahora toca cambiar, con el voto revocatorio, el poder ejecutivo y el putrefacto Palacio de Justicia. Desconocer el necesario clamor de un país es la más diáfana expresión del fascismo dictatorial y bananero (¿petrolero para nosotros?). El actual régimen es corrupto, es inoperante, incapaz, es miserable. Y, ojo, estamos hablando de un 92% de rechazo a la actual situación. Jamás en la historia de las estadísticas ha aparecido esta cifra en el rechazo de un régimen y de una situación-país. Habrá porvenir si se produce el cambio con el debido proceso constitucional. Aquí solo quiere violencia el poder corrupto que no quiere soltar el hueso. La violencia es propia de los militares. No de la Cultura. El triunfo del militarismo es la destrucción de la cultura de un país. Hitler, Franco, Mussolini, Castro... son referencias.

¿Estaría dispuesto a participar en un proceso electoral para un cargo parlamentario?

No.

El teatro venezolano forja su futuro.

El16deseptiembrede2013,elPresidentedelaRepública,NicolásMaduro, lanzóelMovimientoNacionaldeTeatroparaNiñas,NiñosyJóvenesCésarRengifo, para fomentarlaparticipaciónyformacióndela juventud enelámbitodelasartesescénicas,desarrollandolasensibilidadyla conscienciaenelmarcodelespíritu, propósitoyrazóndelaConstitucióndelaRepública,delPlandelaPatria2013-2019yelpensamiento revolucionariodelartistacaraqueño,militantedelosderechosdelpuebloydefensordelsocialismo, CésarRengifo.

Sus dos primeros montajes, vistos en el Celarg, fueron La tarea y Maria Rosario Navas son y ahora, en el monumental Teatro Teresa Carreño, han presentado Magia cítrica, impactante espectáculo músico teatral, creado y dirigido por Pedro Lander y Rainer Suárez, con la participación de no menos de 60 juveniles intérpretes, quienes actuaron, bailaron y cantaron de manera convincente.

El guión de Magia crítica plasma a los niños Diego y Daniela esperando a sus amigos Valeria, Valentina y Fernando para compartir una tarde de juegos, sin sospechar que se encontraran con una fantástica aventura, cuyos personajes los pondrán a prueba para llevarlos a resolver un evento desafortunado. Pero gracias a la solidaridad, el amor, la amistad, el compañerismo y el trabajo en equipo superan esos obstáculos y alcanzar lo anhelado: una tarde fraternal.

Impacta la sincronización de las escenas y el virtuosismo individual de los protagonistas, además del lucimiento coreográfico, todo eso dentro de una escenografía que utiliza gran parte de los recursos técnicos del TTC. En síntesis, un buen montaje, el decimoprimero que exhiben, que revela un atinado proceso de capacitación de todo ese conjunto de futuros artistas criollos, quienes lo que necesitan es la natural madurez que da la experiencia.

Hay ahí un magnifico semillero que Pedro Lander y su gente deben cuidar y llevar a su destino: artistas y ciudadanos de bien, gracias a la aplicación de las disciplinas creativas del teatro, así como José Antonio Abreu hizo lo mismo con la música hace 41 años. Hay que prestarle atención a este desarrollo teatral porque ahí hay un futuro posible para Venezuela, la patria de todos y todas.

Llegó la hora de la verdad para un escritor venezolano que se instaló en Europa desde hace cierto tiempo. El olvido de Bruno , la nueva novela de Edgar Borges (Caracas, 1966) estará a la caza de lectores desde el próximo 28 de mayo y lo hará en la Feria del Libro de Madrid, donde firmará ejemplares, y el 6 de junio se presentará oficialmente en la Casa del Libro de la Gran Vía.“Me acompañará el escritor y traductor italiano Gianfranco Pecchinenda. También se presentará una lectura dramatizada a cargo de los actores Alejandro Arroyo, como Bruno, y Sara Márquez, como Eliana. Todo un lujo para mí poder compartir con estos buenos amigos y artistas”, comenta vía Internet.

¿Cuantas novelas hasta ahora?

Tengo cinco novelas publicadas: ¿Quién mató al doble de Edgar Allan Poe?, ¿Quién mató a mi madre?, La contemplación,El hombre no mediático que leía a Peter Handke y La ciclista de las soluciones imaginarias , entre otras piezas literarias como Sonido Urbano, calle, salsa y cuentos, Sueños desencantados, Mis días debajo de tu falda , La monstrua, la mujer que jamás invitaron a bailar, Aquiles, el último fugitivo de la globalización, Lavoe contra Lavoe, la tragedia del cantante, El vuelo de Caín y otros relatos y Vínculos. Apuntes con Rubén Blades.

¿Cuál es el meollo de esta novela?

Por consejo de la editorial Carena solo revelo que para el protagonista Bruno, decir Bruno es recordar parte de su historia. Una voz le narra su vida; una enfermedad le hace dudar de la realidad. En síntesis, El olvido de Brunoes la saga de un viejo librero muy querido en el barrio. Solo Eliana, su mujer, conocía su padecimiento. Ella era escritora y le enseñó a inventar relatos para rellenar los vacíos de la mente. Contar, contarse; imaginación para salvar la memoria. Un día su esposa desaparece. El hombre no recuerda si murió o le ha abandonado. Solo sabe que ella sufría una enfermedad y que a gritos pedía la muerte; también recuerda que él se inventó una niña para evadir los llamados de su mujer. La pequeña jugaba a la rayuela; otras veces le sangraba la nariz, un hombre la perseguía. Cierta noche la niña se esfuma y con ella Eliana. Al poco tiempo una niña real desaparece. El suceso ocurre camino del colegio, frente a la librería. Los vecinos señalan a Bruno como el principal sospechoso. El padre, un sastre que maltrata a su mujer y que persigue vagabundos, ha decidido sentenciar al librero. La madre cree que un hombre de mirada noble no sería capaz de hacer daño. Lo que ella no sabe es que Bruno tiene mirada noble solo cuando piensa en Eliana. La novela encierra varias historias alrededor de Bruno. Es una novela sobre las narrativas que determinan la vida de un sujeto. Si no narras tu vida, te la narran.

¿Cuándo Venezuela, su patria lo editará?

No lo sé, aunque ya en Venezuela me está publicando Ígneo Editorial. Lanzaron Vínculos. Apuntes con Rubén Blades y La ciclista de las soluciones imaginarias. Sin embargo, tengo la impresión de que en Venezuela, por ahora, sólo interesa la literatura realista. A mí la sobredosis de la realidad no me interesa, eso, de algún modo, coarta la imaginación del individuo. Mi vía es la ficción, o las ficciones como alternativas de realidades posibles. Y no es la ficción como escapismo, sino como confrontación ante tu propia realidad, como fuerza demoledora de tus propias certezas y de la realidad que te imponen como cultura absoluta.

¿Cómo van las traducciones?

Bien, en estos días de mayo saldrá en Italia mi segunda novela en ese idioma, El hombre no mediático que leía a Peter Handke. Después vendrá La ciclista de las soluciones imaginarias. Lo mismo estás obras se están traduciendo al inglés.

PURA FICCIÓN

Hay que recordar que las características de su novelística es la ficción, esa fuerza inherente al ser humano que derrumba y construye realidades.Ante las circunstancias, sus personajes tienen que decidir si son fichas de un destino o hacedores de una nueva trama. Su literatura es confrontación y salida; la palabra, en lugar de describir la realidad, la implosiona y la transforma. Así lo han analizado los críticos y editores.

CRISIS ÉTICA

Revela Edgar Borges, quien trabajó aquí en Caracas como periodista, que se mueve por Europa, hace casi una década, acompañado de sus dos hijas, Miranda y Camila. “Ellas son lectoras afiliadas a cuantas bibliotecas encuentran a su paso. Más que la crisis económica me ha afectado la crisis ética por lo que sacude y moldea nuestro alrededor no por las convicciones que sólo se fortalecen para aprender a resistir mejor. Es un proceso atropellador y fugaz que no da tregua a la ofensiva de un mundo que no tiene tiempo de ser más humano, pero, sin duda, o nos detenemos y actuamos para encontrar ese punto de regreso a lo que somos o nos implosionaremos en este absurdo intento por llegar a ser lo que no somos”

Juliana Cuervos es la madre venezolana que muere en su lucha pero las dejas encaminadas,

Las mujeres venezolanas, o en general las hispanoamericanas para no irnos tan lejos, son los verdaderos motores de sus sociedades. Por lo general, son solteras o abandonadas y con dos o tres hijos, casi siempre de padres diferentes. Asumen trabajar y educar a su prole, además de superar todos los conflictos que les brotan en los caminos, pero gran parte de ellas llegan al final de sus proyectos familiares. Hay, por supuesto, hogares con padre y madre entregados a la lucha cotidiana, pero son minoritarios en número, como para reiterar que las damas son las que sí le echan ovarios a la crianza, y que me perdonen el lenguaje, pero conocemos muchísimos casos y no estamos difamando.Ademas la verdad no ofende.

Ya la literatura, la televisión y el cine han tomado diversas historias particulares de esas mujeres y sus hijos y las han plasmado, casi siempre magistralmente, porque sus autores captaron las esencias de algunos de esos rocambolescos dramas y los han llevado, con depuradas creaciones artísticas, ante sus comprometidas y sensibles audiencias para hacer catarsis colectiva.

Falta aún el gran ensayo sociológico sobre esa gran pelea, y la metáfora quizás se quede corta, que tienen que librar esas hembras para labrarles el camino a sus descendientes. Quizás eso cambie con el tiempo y con la reeducación de las sociedades, porque la razón o la sinrazón de ese drama hasta ahora, son los hombres que no constituyen el hogar como tal y abandonan a las hembras y las crías a su suerte, o quizás ellos también son las victimas irredentas de una cadena de desatinos culturales que nadie hasta ahora ha podido controlar y encaminar por otros senderos.

BOXEO FEMENINO

Mientras llegan esos cambios, el cine venezolano hace lo suyo, y muy bien, como es el caso del cineasta Luis Cerasa –hijo de inmigrante y de una indígena pemona- quien despues de dos años de complejos trabajos ha logrado culminar y llevar a los cinematógrafos venezolanos su película La gran pelea, ambientada en Anaco, donde plasma la historia de una madre (Marielena), vendedora de pescado, cardiópata, y madre de dos muchachas (Helena y María), cuya pasión es el boxeo porque lo entrenan y hasta compiten semi profesionalmente; pero María ha escogido ser músico del Núcleo de Anaco del Sistema Nacional de Orquestas.

Estas tres mujeres viven en un barrio miserable y están en la mira de una mafia femenina de traficantes de cocaína y además son utilizadas por otra mafia de apostadores ilegales en las peleas de boxeo. Y, lo mas grave, son las desavenencias entre la madre y sus hijas, aderezado por relaciones sexuales juveniles y otoñales, además de una cierta pasión lésbica de “La diabla”, siniestra deeler, que lleva los celos, la sangre y la muerte al entorno de las tres mujeres.

Helena, conocida como “La Ruda”, por su descomunal fuerza de sus golpes, insiste en ser boxeadora profesional y María se va a Mérida para proseguir su aprendizaje en el Núcleo del Sistema. La madre muere y sus hijas se separan pero quedan unidas para siempre. Una peleando con sus rivales y la otra con las partituras y los extenuantes ensayos. Sendas peleas personales que se suman a la gran pelea que les impone una sociedad machista, no solo en el mundo de la ficción cinematográfica.

DRAMA FAMILIAR Y ALGO MAS

La historia familiar es el centro del filme y las sagas paralelas de las narcotraficantes y la corruptela de los entrenadores boxísticos, además de los complejos romances de María, son la pimienta, pero lo mejor no esta en los textos de los personajes ni en sus conflictos, sino en lo que la realista cámara muestra, cual documental sociológico: la miseria que ronda a todos los habitantes de Anaco, la violencia a punto de estallar por la carestía, el calor y el sexo de todos los personajes que bulle cual una caldera, los apagones por la crisis de la energía eléctrica y la crítica a la presencia de personajes extranjeros.

Todo eso es como la salsa que le da verdadero y auténtico sabor criollo a toda la película. Y lo convierte en una proclama a favor de todas las mujeres venezolanas que día a día luchan por salir adelante, aunque las maltraten y las abandonen, porque son patéticos los comportamientos de los padres de las dos muchachas, a uno lo matan para robarlo y al otro lo agarran copulando con la madre de “La Ronca”.

Ahora Cerasa y su gente deben dar otra gran pelea: llevar al película a las salas, y esto será a partir del próximo 28 de mayo, y luchar o convencer para que vaya el público y saboree ese drama con final abierto de tres hembras criollas.

FICHA TÉCNICA

Dirección y Guión: Luis Cerasa.Asesor de Guion: Henry Herrera, Producción Ejecutiva: Rodando FilmsProductor Ejecutivo: Carlos Malavé. Producción General: Escuela de Cine en Formación(UCPA Morrogallo). Productor General: Luis Cerasa. Co-producción: Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), Fundación Villa del Cine y Sudameris Films. Director de Fotografía: Carlos Pedras. Director de Arte: Mailyn Guevara y Gio Rangel. Sonidista: Yerjhon López, Juan Molina Prado. Edición y Montaje: Javier Beltrán y Luis Cerasa. Post producción: Bolívar Film. Música: Unai Bolívar.Sonido: Juan Molina y Yerjhon Lin. Dirección de Actores: Enio Velásquez.

FICHA ARTÍSTICA

Estas mujeres no solo actuaron sino que vivieron varias semana bajo el tórrido sol de Anaco e hicieron posibles sus personajes, a sabiendas que sus personajes son los símbolos de muchas hembras criollas.Nos referimos,pues, a Juliana Cuervos (Mariaelena), Andreína Calderon (Helena), Ronnelys Guevara (María), Yulyannys Medina (La Diabla), Maria Uriarte (Yadira).

Otro escritor venezolano que destaca en España:Edgar Borges.

Ediciones Carena lanza en España la nueva obra del caraqueño. Sobre la misma el escritor madrileño Antonio Gómez Rufo asegura que estamos ante “la mejor narrativa de Edgar Borges”, mientras que el filósofo vasco Vicente Huici considera que es "un libro en la estela de El Extranjerode Albert Camus, en el que se muestra un yo liberado de la memoria que resulta tan hermoso como terrible.” El próximo sábado 28 de mayo, a las 12 del mediodía, el venezolano firmará ejemplares de su nueva novela El olvido de Bruno en la 75 edición de la Feria del Libro de Madrid.

Para Bruno decir Bruno era recordar parte de su historia. Imaginar o recordar; el relato mental como última estrategia para esquivar la muerte. Bruno sufre una enfermedad que lo hace dudar de la realidad. ¿Alzheimer?; ¿esquizofrenia?; ¿hipocondría? Una voz le narra su vida. Una o quizá varias voces. En esta historia ningún hecho es absoluto.

Bruno era un viejo librero muy querido en el barrio. Sólo Eliana, su mujer, conocía su padecimiento. Eliana era una escritora que dejó de escribir para establecer “un vínculo narrativo” con personas urgidas de ayuda. Ella enseñó a Bruno a inventar relatos para llenar los vacíos de la mente. Contar, contarse; imaginación para salvar la memoria.

Un día la mujer desaparece; el hombre no recuerda si murió o le ha abandonado. Sólo sabe que ella padecía una enfermedad y que a gritos pedía la muerte; también recuerda que él en su imaginación tuvo que crear una niña para evadir los llamados de su mujer. La pequeña jugaba a la rayuela; otras veces le sangraba la nariz, un hombre la perseguía. Una niña corre peligro en un lugar de acceso imposible. Cierta noche la niña se esfuma y con ella Eliana.

Al poco tiempo una niña real desaparece; el suceso ocurre camino al colegio frente a la librería. Los vecinos señalan a Bruno como el principal sospechoso. Termina así la admiración colectiva por el librero. Los padres de la niña, Amanda y el sastre, lo acosan por separado para conseguir la verdad. El anciano se verá entre dos fuerzas, una madre maltratada que termina dudando de su culpa y un sastre que pretende esconder su violencia sentenciándolo a él.

Bruno se orienta y se hunde según las voces que lo narran. La de Eliana es la única voz que lo salva. Él sobrevive gracias a ella. Todo lo terrible y lo bello ocurre en una existencia. Un barrio; una plaza con cinco delincuentes retirados; un árbol antiguo; tres columpios destartalados; un amigo; una muchedumbre sedienta de venganza; el canto de Edith Piaf y la música de Richard Wagner; la luz; la lluvia; una bar abandonado; un colegio en silencio; tres niños que golpean hombres. Recuerdos, fotografías; fragmentos. La casa es el espacio extraviado que Bruno busca en la calle.

Edgar Borges (Caracas, 1966), autor de La contemplación, El hombre no mediático que leía a Peter Handke y La ciclista de las soluciones imaginarias , ha escrito una magistral obra de pistas y de una sorprendente trampa, contada desde el delirio de un hombre enfermo y las voces que lo narran. ¿Qué voz? ¿Qué narrador? ¿Acaso una narradora? ¿Quién toma el relevo de la narración? ¿Quién te narra? ¿Quién me narra? ¿Quién nos narra, señor Bruno? Un sujeto que no se conoce a sí mismo se pregunta en silencio: ¿Para qué la música?; ¿para qué los paseos?; ¿para qué las historias?

El olvido de Bruno es una novela sobre la memoria, la invención y el amor.

Ifigenia Arellán, presidenta de Fundarte,institucion que motoriza el evento festivalero.

¡Por fin! Los venezolanos podemos seguir soñando en plena libertad, como diría Arthur Miller, porque el teatro vuelve para Caracas y nueve Estados, gracias a la acción combinada de la Alcaldía del Municipio Libertador y el Ministerio del Poder Popular para la Cultura. Se trata, pues, del V Festival de Teatro de Caracas 2016, el cual se realizará del 3 al 12 de junio, y además tendrá notable presencia en nueve Estados.

Jorge Rodriguez, Alcalde del Municipio Libertador de Caracas, acompañado del ministro Freddy Ñáñez, de Alfredo Caldera (presidente del Centro Nacional de Teatro) e Ifigenia Arellán, (presidenta de Fundarte), subieron el telón informativo del evento, que desde al año 2011 se está haciendo para cambiarle la sonrisa a los caraqueños y ahora a muchos más venezolanos, por supuesto. Según cálculos, conservadores, de los organizadores, se esperan que unas 1.200.000 personas lo aplaudan.

Este evento, único en el 2016, permitirá ver en Caracas unas 312 funciones de unas 120 agrupaciones (en representación de 21 estados), además de 60 actividades académicas y funciones de cinco grupos penitenciarios y cinco grupos liceístas, en 19 salas y teatros y 11 espacios públicos. Y la pimienta del Festival es la Ciudad Teatro, en la plaza Diego Ibarra, donde se exhibirán diversos montajes de calle y agrupaciones musicales. Será un espacio para el reencuentro y los normales brindis por un mañana siempre mejor.

La inauguración será en la sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño, el viernes 3 de junio, a las 7 PM, con el espectáculo musicoteatral La cantata criolla, de Antonio Estévez y Alberto Torrealba, pieza icónica del nacionalismo musical venezolano, creada a partir del poema “Florentino el que cantó con el diablo”, dos grandes piezas criollas que fusionan en su momento letras y música para crear así una obra magistral, a la que se le suma la pasión, la estética, el dinamismo y la fuerza de la danza, en los géneros neoclásico, tradicional y contemporáneo. Es una producción de la Orquesta Municipal de Caracas, la Fundación Centro Nacional de Danza y el Teatro Teresa Carreño.

Las taquillas, en los teatros Nacional, Municipal, Catia y TTC, abrirán el viernes 27 de mayo (en preventa) y los boletos tendrán un costo de 250 bolívares.

DESPLIEGUE NACIONAL

Le correspondió al ministro Ñáñez destacar que el Festival de Teatro, en su quinta entrega, logra ir a varias ciudades de la provincia. Se trata de una programación con 23 grupos que harán 24 funciones en 11 salas y un espacio público. La fiesta teatral será pues en Barinas (Teatro Orlando Araujo), Carabobo (Teatro Arlequín), Lara (Teatro Juárez), Mérida (plaza Las Heroínas), Miranda (Teatro Buróz), Portuguesa (Teatro Tempo y Complejo Teatral Herman Lejter), Sucre (Teatro Luis Mariano Rivera y Ateneo de Carúpano), Yaracuy (Teatro Jacobo Ramírez) y Zulia (Teatro Baralt).

Para una información más detallada le recomendamos a los lectores visitar esta dirección:

www.festivaldeteatrodecaracas.org.ve

Cerró el Año Centenario de César Rengifo con una obra básica de su dramaturgia

César Rengifo es el único dramaturgo profesional que reposa en el Panteón Nacional y eso quizás ha servido de pretexto para que se mostrara, en el teatro Bolívar, una didáctica versión de su comedia dramática Sonata del alba, escrita en 1954, plausible coproducción del grupo Veneteatro y la Compañía Nacional de Teatro, dirigida sobriamente por Dante Gil Lombardi y con las aceptables performances de Mery Monzón, Ulises Acosta, Juan Carlos Campo e Indry Hernández.

¿Por qué montaron Sonata del alba? ¿Por sus contenidos o porque propone un problema social irredento hasta ahora?

Sonata del alba se desarrolla en un rancho, donde moran, precariamente, Miguel y Antonia, solidaria pareja que no ha podido procrear, hasta que ella se encuentra un bebe abandonado, lo lleva al modesto hogar con la ilusión de adoptarlo, pero su marido se opone y decide llamar a la policía para entregarlo. La lluvia torrencial impide su salida, mientras comienzan a derrumbarse los ranchos cercanos, poniendo en peligro la vida de la familia y dando muerte a los vecinos. Un hombre desconocido, especie de vagabundo, llega al rancho para resguardarse de la lluvia, lleva en sus manos un violín robado el cual no sabe tocar, quien ayuda a la pareja a salvarse, aunque perece en la altruista faena. Es una especie de metáfora de la conciencia colectiva de los desposeídos. El drama se intensifica con las lluvias y los gritos de los vecinos desesperados en salvar sus viviendas y sus magros enseres. La pieza culmina con Miguel y Antonia dándole protección y abrigo a la criatura.

Sonata del alba es una pieza del más puro realismo social, su lenguaje y sus personajes son simbólicos, donde se destacan los temores de una clase oprimida, pero dispuesta a luchar para superar las desigualdades y la cual sueña con forjar nuevas generaciones humanistas, con más educación y utilizando además las artes para acrecentar su sensibilidad.

Tremendo texto político, silenciado por algunos teatreros, el cual en estos tiempos obliga a reflexionar y aplaudir, una vez más, la claridad ideológica, la visión y el amor que tenía César Rengifo hacia su pueblo, al cual incluso mostró materialmente en las artes plásticas.

Han producido Sonata del almaporque ahí se plantea el renacer de una nueva sociedad, dentro de las más siniestras condiciones económicas y como sus habitantes deben tomar conciencia y avanzar para construir su futuro, incluso desafiando hasta la propia naturaleza. César Rengifo en su pieza incorpora el elemento de la acción comunitaria para la solución de sus problemas.

Hay que recordar que César Rengifo, cuya política radical de izquierda le ganó iracundas enemistades de comunistas y adecos, especialmente en los sectores intelectuales y artísticos, no pudo contemplar toda su producción teatral -no menos de 40 textos- en los escenarios de su Venezuela. Lo ignoraron o lo invisibilizaron para darle turno a otros autores menos críticos y más complacientes, pero, en ocasión de su Año Bicentenario, varias agrupaciones teatrales llevaron a escena una comprometida selección de sus piezas, como esta Sonata del alba, que se estrenó en Los Teques y ahora se mostró al público caraqueño.¿Cuando veremos mas montajes de este valioso autor?

Desde el 10 de junio y hasta el 25 de Septiembre La Caja de Fósforos, ubicada en La Concha Acústica de Bello Monte, traerá a Caracas la Segunda Edición del Festival de Teatro Contemporáneo Estadounidense, una auténtica Encrucijada Multicultural. Ocho obras, ocho directores y más de cien artistas darán vida a esta fiesta teatral que presentará piezas nunca antes vistas en Venezuela, algunas escritas por nuevos e importantes dramaturgos estadounidenses.

Son ocho piezas de autores contemporáneos estadounidenses que ponen en el tapete temas como la homofobia, el racismo, el clasismo, el trato a las minorías, los conflictos familiares e individuales en una sociedad multicultural que se encuentra frente a los retos del futuro son las principales temáticas de esta edición. Nunca, pues, una dramaturgia fue tan oportuna.

Seis Premios Pulitzer, entre otros reconocimientos internacionales componen el abanico de propuestas teatrales de este festival cuya pieza inaugural estará a cargo del director Orlando Arocha con el ambicioso Proyecto Laramie del venezolano Moisés Kaufman, un éxito de Brodway que cuenta la historia del asesinato de un estudiante de 22 años por razones homofóbicas.

Con 22 actores en escena, música en vivo y un circuito cerrado de video,Proyecto Laramie abrirá el festival desde el viernes 10 de junio hasta el domingo 10 de julio. Una obra reflexiva, humana y emotiva, que el público podrá disfrutar los viernes a las 8:00 pm y sábados y domingos a las 7:00 pm.

Bajo el auspicio de la Embajada de Estados Unidos en Venezuela y el apoyo de La Alcaldía de Baruta el Festival proseguirá con la siguiente programación:

El otoño siguiente, de Geoffrey Nauffts, dirigida por Fernando Azpúrua (del 17 de junio al 17 de julio); Como aprendí a manejar, de Paula Vogel, bajo la dirección de Luis Villegas “Spinetta” (del 18 de junio al 31 de julio); El cine, de Annie Baker bajo la dirección de Diana Volpe (del 15 de julio al 14 de agosto); Rojo de John Logan bajo la dirección de Daniel Dannery (del 22 de julio al 21 de agosto); Agua a cucharadas, de Quiara Alegria Hudes dirigida por Eulalia Siso (del 6 de agosto al 18 de septiembre); El malparido del sombrero de Stephen Adly Guirgis, bajo la dirección de Ricardo Nortier (del 19 de agosto al 18 de septiembre) y Fabulación de Lynn Nottage, bajo la dirección de Alexander Malinowski (del 26 de agosto al 25 de septiembre).

“Lo interesante de todas las piezas teatrales del festival es la capacidad de este grupo de dramaturgos de hablarnos desnuda y descarnadamente de su sociedad. Como dramaturgia ellos tienen su modelo, nosotros los venezolanos continuamos en la búsqueda del nuestro, pero lo que nos aporta es esa forma de mirarse de manera libre y crítica, donde la ironía y el humor nos revelan su disfunción, a partir de la cotidianidad, la familia y las relaciones más directas” indica el también director del festival, Orlando Arocha.

Además de las obras teatrales, el festival contará con un espacio para la reflexión y la formación, a través de diversos conversatorios donde el público general podrá compartir con los directores y elencos las experiencias de los procesos creativos.

Para mayor información sobre la programación se pueden consultar las redes sociales Twitter e Instagram: @lacajadfosforos y Facebook: La Caja de Fósforos. Reservación de entradas a través del correo electrónico:lacajadefosforos@gmail.com

Fango Negro/Teatro en el autobúses el melodrama que más emociones y fama ha dado a Jose Gabriel Nùñez. Fue estrenado en la temporada caraqueña de 1990 por Daniel Uribe y actualmente se le muestra en un autobús que merodea por los meandros de Altamira.

Fango Negro/Teatro en el autobúsnació porque Carlos Giménez le pidió escribir una obra para espacios no convencionales y además sugirió que adaptara WoyseckdeGeorg Büchner. “La idea no progresaba hasta que un día me subí a una buseta y me atracaron: hubo pleitos y desmayos; una viejita protestaba porque tenían que llevarla a La Vega y la conducían a Petare, y hasta escuché la conversación entre dos soldados, donde uno revelaba que su mujer, Marìa, trabajaba en un bar como fichera; en fin, allí pasó de todo y se me ocurrió decirle a Carlos que la obra se haría en un autobús y él se emocionó”.

“Fango Negro/Teatro en el autobúscomenzó a nacer con autonomía, trasladé la otra parte a un prostíbulo y del Woyseck quedaron tres fragmentos. Brotó la saga de un crimen pasional, rodeado de tragedia cotidiana, donde sus personajes son violentos y perdedores, y nadie los va a sacar de su marginación y de su derrota, ya no tienen nada más que hacer en la vida sino sufrir las consecuencias de haber nacido al margen de cualquier posibilidad de alcanzar una vida digna. En un momento, la puta María le grita a Manuel: ”a nosotros no nos salva nadie, perdimos. A ti no te salva nadie, ni a mi, y el hijito que tenemos tampoco se va a salvar, perdimos”, revela Núñez.

Vimos su estreno y ahora volvimos a degustarlo. Hay jóvenes actores y públicos asombrados por tal novedad teatral hiperrealista sobre una violencia y una derrota irredentas. Ha gustado mucho y tienen boletería vendida hasta el mes de julio. El elenco lo conforman: Juan Bautista (el más destacado), Scarleth Becerra, Luis Palmero, Irving Gutiérrez, Gian Carlo Ferrini, Moraima González, Ronny Mújica, Daniela Niño, Nerea Fernández, Florangel Méndez, Marietta Hernández, Omar Lugo, Yugeydi Fernández y Marcos Farreras.

Y para que no propalen más chismes, Núñez (el año entrante cumple 80) está feliz y muy contento que Uribe le pague sus respectivos derechos de autor, así como también lo hacen en Montevideo (lleva 25 años, presentándose semanalmente), pero no sucede lo mismo en Argentina y en algunas poblaciones venezolanas.

Con "Sonata del alba" se festejaron los 32 de la Compañia Nacional de Teatro.

Para celebrar sus 32 años de labores útiles para la cultura venezolana, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) presentó en el teatro Bolívar, de Caracas, la comedia dramática Sonata del alba, de César Rengifo, dirigida por Dante Gil Lombardi y con las actuaciones de Mery Monzón, Ulises Acosta, Juan Carlos Campo e Indry Hernández.

Recuerda Alfredo Caldera, actual director general de la CNT, que la institución, adscrita al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, fue creada el 22 de mayo de 1984 bajo decreto Presidencial Nº 133, con el perfil de una agrupación destinada a la producción escénica, cuyo fundador fue el dramaturgo y director Isaac Chocrón, quien inició esa tarea en Teatro Nacional, con el montaje de su pieza Asia y el lejano oriente, puesta en escena por Román Chalbaud.

Explica, que desde la administracion del ministro Farruco Sesto (2006) se inició un lento y preciso proceso administrativo y conceptual para convertir a la CNT en una institución más nacional y comprometida con los procesos de cambio que vive nuestra sociedad y con una participación más activa en las diversas manifestaciones de la actividad teatral que se desarrollan en el país.

-¿Qué pasado en este primer semestre del 2016?

-Estrenamos un espectáculo teatral en Maracaibo, de muy alta factura, precisamente en el teatro Baralt. Se trata de la comedia dramática Peludas en el cielo, de Gustavo Ott, con los intérpretes Aura Rivas, Francis Rueda, Alexandra Vásquez y Luis Domingo González.Esta obra, que ganó el Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015, plasma el universo de cuatro venezolanos que se conviven en la Comunidad de Piacóa, estado Delta Amacuro, cuyos anhelos y carencias pueden extrapolarse a cualquier realidad local o universal. Es un texto sorprendente, acertadamente dirigido por Carlos Arroyo, al cual vamos a mostrar en diversas capitales regionales, durante el próximo semestre.

GIRA NACIONAL

Con este montaje, comenta Caldera, “que próximamente mostraremos en Caracas, la CNT amplia su reportorio con espectáculos que ha mostrado con el propósito de destacar lo más relevante del talento nacional, donde destacan piezas como Cajita de Arrayanes (2012), La Niña Azul (2013); Leve (2014); Bingo (2014); Volcanes sobre el Mapocho (2015) y Lo que dejó la tempestad (2015).

Puntualizó, que “la CNT además ha avanzado en el proceso de organización del sector cultural con una dinámica donde el Poder Popular protagónico tiene injerencia sobre la formulación de sus políticas, el cual hace posible que se conforme en el país la llamada Red de Teatro y Circo que tiene capítulo en los 24 estados, y que como organización, interactúa con el Ejecutivo, a través del Centro Nacional de Teatro para formalizar sus objetivos”.

Destacó que a las labores habituales de la CNT se han sumado la investigación, la capacitación, la documentación, la conservación, el trabajo con las comunidades y el rescate de la memoria del teatro, además se agregan ahora su acostumbrada variedad de repertorio, caracterizada desde sus inicios por la oferta de una programación diseñada en función de la diversidad y la inclusión.

PREPARANDO EL FUTURO

Por otro lado, Caldera informa que la CNT tiene que participar en el fomento de la formación, donde destaca el papel de la Unearte como espacio de donde egresan licenciados y licenciadas en esta carrera, así como el papel de las Escuelas de Teatro en los estados, el rol de las agrupaciones que tienen escuelas de formación y las acciones que desde las regiones se realizan con los distintos colectivos para fortalecer la actividad teatral. Informó que son dictados talleres especializados con referentes en distintas partes del país, en las que existen intercambios, de agrupaciones emergentes como consolidadas con estos referentes, para seguirse en la formación. Asimismo, es promovido el tema del estímulo de la creación, en este, están los convenios, programas de coproducciones y existen otros mecanismos que ejecuta el ministerio de la cultura a fin de otorgar recursos para las producciones. Anunció que se trabaja en la creación de espacios para la circulación de estos productos teatrales, para a futuro, diseñar un circuito nacional de teatro, que permita la realización permanente de giras nacionales. Igualmente, sobre la investigación en todo el quehacer teatral y la valoración del patrimonio: agrupaciones que tienen una larga trayectoria o personalidades con una larga incursión en la carrera, con trabajos que estén visualizados.

La película colombo venezolana El abrazo de la serpiente se hizo hoy (29 de mayo) con el galardón al mejor filme iberoamericano en la 58 edición de los Premios Ariel, entregados por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC).

La productora Cristina Gallego y el actor Miguel Dionisio subieron al escenario del Auditorio Nacional de la capital mexicana para recoger el premio, que dedicaron "a todo el pueblo de Colombia, y en especial, a la gente del Amazonas".

Gallego agradeció el reconocimiento a México, y dijo que este es un país que les inspira y con el que comparten el "amor por el arte y el orgullo por su cultura e identidad".

La productora también dedicó el Ariel a las mujeres del mundo del cine. "No somos muchas, pero por lo que veo en esta premiación, somos muy fuertes", comentó.

En el posterior encuentro con la prensa, Gallego reivindicó la dificultad de las películas "pequeñas" para llegar al público colombiano.

Un problema que extendió a todo el cine producido en su país, donde únicamente el 10 % de los largometrajes que se exhiben en las salas son colombianos, afirmó la productora.

El abrazo de la serpiente recibió una nominación en la pasada edición de los Óscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, aunque el reconocimiento finalmente recayó en manos de la húngara El hijo de Saúl.

La cinta, que retrata el viaje de dos occidentales por la Amazonía, busca acercarse a esa selva con una mirada indígena y está rodada casi íntegramente en blanco y negro, puntualiza una nota del diario El espectador,de Bogotá

DE DOS PREMIOS GANÓ UNO

Venezuela también participó del júbilo de Colombia al llegar a la nominación del Premio Oscar 2016, pues su ente estatal Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) puso el 20% de la producción global con aportes técnicos, artísticos y financieros, según declaró Juan Carlos Lossada, para ese entonces presidente de la institución cinematográfica criolla.

"Yo no esperaba nada". Ciro Guerra se mostró sorprendido con la nominación que le dio la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a su largometraje El abrazo de la serpiente, que compitió por el premio Óscar a mejor película extranjera.

"Veíamos difícil entrar entre los nominados porque no aparecíamos entre los favoritos de las predicciones de los expertos. Si la película quedaba era una sorpresa", expresó el director en diálogo con El Espectador, de Bogotá. Asimismo, insistió en que la sola consideración era una ganancia. "En lo personal estaba muy tranquilo".

Guerra destacó el papel de otros cineastas latinoamericanos que quedaron nominados en otras categorías. El director colombiano agradeció además a quienes hicieron posible la película. "Es un camino que hemos construido conjuntamente. Es un gran momento indiscutiblemente para el cine de nuestro país".

El largometraje colombiano compitió con A War, de Tobias Lindholm (Dinamarca); Mustang, de Deniz Gamze (Francia); Son of Saul, de László Nemes (Hungría); y Theeb, de Naji Abu Nowar (Jordania).

COOPRODUCCION DE VENEZUELA

El abrazo de la serpiente contó con el apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía de Venezuela (CNAC) y así lo atestiguó el productor de la película que compitió por los Premios Oscar y después por los Premios Ariel, entregados por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC).

Aquí publicamos una carta que recibió la directiva del CNAC.

Asunto: EL ABRAZO DE LA SERPIENTE nominada a los Premios Oscar 2016

De: Raúl Bravo

Para: Juan Carlos Lossada, Juan Carlos Lossada, Alizar Dahdah, Alicia Pinto, Evelin Márquez ,Gerencia de Desarrollo, Consultoría Jurídica, Morela Mundarain, Juan Díaz, Luzmar T. González, Comunicaciones Cnac.

CC:
Queridos Juan Carlos, Alizar y compañeros del CNAC

Comparto con Ustedes la buena noticia de que EL ABRAZO DE LA SERPIENTE ha sido nominada a Mejor Película Extranjera en los Premios Oscar 2016. La película fue nominada por Colombia como país mayoritario, pero como saben tuvo importantes y muy meritorios aportes de Venezuela, como la música compuesta y producida por Nascuy Linares, la brillante actuación de Luigi Sciamanna, el sonido directo de Marco Salaverría que hizo un trabajo impecable, como también el microfonista René Romero, la muy rigurosa y prolija script Angélica Varilla, el editor de sonido Víctor Jaramillo, la supervisión técnica de Gustavo González como operador de sala durante la mezcla final de sonido en 360 STUDIO.

Quiero expresar nuevamente mi total agradecimiento al CNAC por haber creído en este proyecto y por haberlo apoyado financieramente. Me alegra mucho ver los resultados que está teniendo ese esfuerzo hecho por el CNAC y por los técnicos y artistas nacionales que participaron, y que permitieron que Venezuela haya podido tener una presencia si bien minoritaria desde el punto de vista porcentual pero muy honesta y enormemente positiva para la película.

Abrazos!

Raul Bravo

NORTESUR PRODUCCIONES, C.A.

Otro texto de Gustavo Ott se muestra en el Festival caraqueño

Este 04 y 05 de junio en el Teatro Nacional, en el marco del Festival de Teatro de Caracas 2016, el público capitalino podrá disfrutar de la más reciente obra teatral del dramaturgo Gustavo Ott: Peludas en el cielo bajo la dirección de Carlos Arroyo y la producción de La Compañía Nacional de Teatro, con la participación de las primeras figuras del teatro venezolano, Aura Rivas, Francis Rueda, Luis Domingo González y la joven Alexandra Vivas.

Esta comedia que toma como punto de partida el fenómeno natural de “La Peluda”, llamado así popularmente por la comunidad de Piacóa (Delta Amacuro) a unas bandadas de mariposas palometas, le sirve a Ott para hablarnos de lo que como sociedad nos caracteriza. En este poblado, sin advertencia previa, el cielo se oscurece, un murmullo se hace presente y el monstruo peludo finalmente llega. La comunidad se prepara a recibirlo; no es la primera vez que se aparece, pero siempre su paso por el pueblo deja vestigios de desgracias. En la casa de los Pacheco todo está listo para resistir en cuarentena; es durante el paso del “engendro” que comienza esta comedia insólita sobre las esperanzas fallidas, la suspensión de la incredulidad como requisito para entender la realidad.

La casa de las Pachecos es el epicentro de la historia. Allí se encuentran Yesenia -mujer de carácter recio, afectada por un dolor en la pierna, producto de un accidente que le ocasionó la Peluda en el cielo- y su hija Mariana, quienes se ven obligadas a quedarse dentro de la casa porque La Peluda está por llegar. Intemporalmente se nos presentan el resto de los personajes: Luis Domingo González como el director Cultural de la Alcaldía, doctor, director de teatro, carpintero y astrólogo, entre otros muchos oficios, y Rita, maestra graduada, doctora y de dudoso origen europeo. La intempestiva noticia de Rita de haberse ganado la lotería, desatará el conflicto de la obra, al generar la ambición y proyectar los más íntimos sueños y caprichos de cada uno de los personajes.

La pieza fue estrenada a casa llena el pasado mes de abril en el Teatro Baralt de Maracaibo. Luego de sus presentaciones en el Festival de Teatro de Caracas tendrá una gira por el Circuito de Teatro de Caracas y las principales salas de la ciudad Peludas en el cielo formarán parte de las funciones que darán inicio al FTC2016 este sábado 04 y domingo 05 de junio a las 6:00 pm en el Teatro Nacional

Festival de Teatro llegará a nueve ciudades

La quinta edición del Festival de Teatro de Caracas lo hará con una gran novedad. La fiesta teatral se desplazará a nueve estados del interior: Barinas, Carabobo, Mérida, Miranda, Portuguesa, Sucre, Yaracuy, Zulia y Lara desde el 04 al 19 de junio.

Las subsedes organizadas por el Centro Nacional de Teatro y los Gabinetes Regionales del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, permitirá extender la gran celebración de las tablas a once salas de teatro y un espacio público ubicados en nueve ciudades distintas, donde se presentarán 23 agrupaciones de teatro adulto e infantil.

“Es un gran trabajo de articulación que hemos hecho con la idea de ampliar el festival a todo el territorio nacional permitiendo que el público del interior también pueda disfrutar de esta experiencia” indicó Alfredo Caldera, Director del Centro Nacional de Teatro.

La subsede de Barinas tendrá como espacio el Teatro Orlando Araujo. En Carabobo, la sede será el Teatro Arlequín de la ciudad de Valencia. El Teatro Juárez de Barquisimeto será la subsede del estado Lara. En el estado Mérida la fiesta será en la Plaza Las Heroínas. Por su parte en el estado Miranda, la subsede estará ubicada en el Teatro Buróz de Barlovento.

Por su parte el estado Portuguesa tendrá presentaciones en tres espacios: El Complejo Teatral Hernán Lejter, Sala Federico Collado y Sala Alberto Ravara y la sede del Teatro Tempo.

En el estado Sucre las presentaciones serán en dos espacios: el Teatro Luis Mariano Rivera de Cumaná y el Ateneo de Carúpano. Mientras que la subsede del estado Yaracuy estará ubicada en el Teatro Jacobo Ramírez.

El Teatro Baralt de Maracaibo será la sede en el estado Zulia, para completar el despliegue nacional de esta gran fiesta teatral.

Caldera informó que todas las presentaciones de las subsedes tendrán un valor de Bs. 250,00 y podrán ser adquiridas el mismo día de las funciones en cada teatro.

SUBSEDE BARINAS- Teatro Orlando Araujo.

· Miércoles 15. 5:00 pm: la agrupación caraqueña Anarco Teatro. Obra: Hamlet Involución. Jueves 16. 5:00 pm: la agrupación local Teatro Estable Orlando Araujo. Obra: Zamora FC.

SUBSEDE CARABOBO- Teatro Arlequín de la ciudad de Valencia.

· Viernes 17. 6:00 pm. Agrupación local Teatro Arlequín. Obra: La lección del pupitre. Sábado 18. 6:00 pm. Agrupación yaracuyana Coordinación. Obra: Emarú el Camino.

SUBSEDE LARA- Teatro Juárez de Barquisimeto

· Martes 14 de junio. 4:00 pm. Agrupación local Contra Peso. Obra: Pobre de la agrupación .Martes 14 de junio. 6:00 pm. Agrupación carabobeña Lunáticos. Obra Esclavos Modernos

SUBSEDE MÉRIDA- Plaza Las Heroínas

· Miércoles 15 de junio. 4:00 pm. Grupo local Soma Teatro. Obra Ciudad Melón. Jueves 16 de junio. 4:00 pm. Agrupación caraqueña El Galpón de San Fidel. Obra El Mercader de Venecia

SUBSEDE MIRANDA- Teatro Buroz, Sala Carmen Montesinos

· Domingo 19 de junio. 3:00 pm. Agrupación caraqueña Tabla Mágica. Obra Ozono y su capa.

SUBSEDE PORTUGUESA.

Complejo Teatral Hernan Lejter: Sala Federico Collado

· Miércoles 15 de junio. 7:00 pm Compañía Regional de Teatro de Portuguesa. Obra Compañeros de Viaje. Complejo Teatral Hernan Lejter. Sala Alberto Ravara, viernes 17 de junio. 7:00 pm. Kevin Jorges. Obra La Rompe representando al Dtto. Capital .Teatro Tempo. Domingo 19 de junio. 6:00 pm. Agrupación Teatro Tempo. Obra “El Gato y los Ratones”

SUBSEDE SUCRE. Teatro Luis Mariano Rivera de Cumaná

· Sábado 11 de junio. 6:30 pm. Compañía local Rapsodia. Obra: Viajando con mamá. Domingo 12 de junio. 5:00 pm. Compañía Regional de Teatro de Portuguesa. Obra Robinson en la Casa de Asterión.

SUBSEDE SUCRE. Ateneo de Carúpano

· Sábado 12 de junio.11:00 am. Grupo Local Escobita de Montes. Obra El nacimiento del bebé. Martes 14 de junio. 2:00 pm. Grupo Tempestad. Obra Aventurarte.

SUBSEDE YARACUY. Teatro Jacobo Ramírez

· Jueves 16 de junio. 6:00 pm. Agrupación Cuenta Peregrinos del Distrito Capital. Obra El lazarillo de Tormes. Viernes 17 de junio. 5:00 pm. Fundación América Ramírez y la Escuela de Joropo Recio de Aroa. Obra Zamora.

SUBSEDE ZULIA. Teatro Baralt.

· Sábado 04 de junio. 6:30 pm. Grupo de la Universidad de Los Andes. Obra Ciudades. Domingo 05 de junio. 11:00 am. Grupo local Garibay. Obra El Mago de Oz; martes 14 de junio. 6:30 pm. Agrupación zuliana Fundarme; Obra San Jiné de Roma. Miércoles 15 de junio. 6:30 pm. Agrupación Centro de Producciones de Actividades Alternas del Dtto. Capital. Obra Purgatorio con Aroma de Café. Domingo 19 de junio. 11am. Agrupación zuliana Chimpete Champata. Obra Los amores de Micomicon y Adhelana

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