EL ESPECTADOR venezolano

Buscan molinos de viento en el Aula Magna

A cinco décadas de su estreno en Broadway, el espectáculo musical El hombre de la Mancha llega a Venezuela de la mano de Escenarte Producciones, bajo la producción ejecutiva, dirección general y puesta en escena de Djamil Jassir, para presentarse a partir del viernes 22 de abril en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.

La mezcla de historia, música, baile y poesía, que condensa esta obra, la ha llevado a la cúspide del teatro musical. Con motivo de la conmemoración, en este 2016, de los 400 años de la muerte de Don Miguel de Cervantes Saavedra, el montaje cobra nuevos aires con presentaciones en escenarios de varias latitudes, incluida Caracas con una puesta en escena a la altura de los mejores espectáculos del mundo.

La acción se sitúa en España, a finales del siglo XVI. Cervantes y su criado son arrojados a una mazmorra de la Inquisición, acusados de ofensas contra la Iglesia Católica. En el calabozo, son atacados por sus compañeros de prisión, quienes deciden organizar un falso juicio. Si es encontrado culpable, tendrá que entregarles todas sus pertenencias. El escritor acepta, exceptuando un bien inesperado que lleva consigo: el manuscrito inconcluso de su última novela Don Quijote de la Mancha ; como método de defensa propone escenificarla en la forma de una obra de teatro. El "juez", un compasivo criminal al que llaman el "Gobernador", acepta la propuesta.

Esta superproducción cuenta con el patrocinio de la Embajada de España en Venezuela, quien ha incluido este evento músico teatral dentro de la programación con la que se conmemora este año, a nivel mundial, el IV centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, autor de Don Quijote de la Mancha, segundo libro más traducido y leído en el mundo entero. Trae de vuelta a los escenarios locales los grandes musicales, reunirá a más de 40 artistas y músicos en escena con una plantilla de talentos de talla nacional e internacional. El reparto está integrado por las primeras actrices Tania Sarabia y Dora Mazzone; los primeros actores Cayito Aponte, Juan Carlos Gardié, Karl Hoffman y Rolando Padilla, acompañados de Djamil Jassir, quien interpreta el doble papel de Cervantes y Don Quijote de la Mancha, junto a Gerardo Soto, Natalia Román y un talento emergente único en el país.

El montaje coreográfico está a cargo de la talentosa Luz Urdaneta, fundadora de la compañía Danza Hoy; en la Dirección de actores la experimentada Iraide Tapias; el vestuario fue diseñado por Joaquín Hernández y Rita Abreu; la escenografía, concebida como un actor más del montaje, fue creada y confeccionada por el experimentado Freddy Belisario; la iluminación es creación de José Jiménez. El acompañamiento musical corre por cuenta de la venezolana Elisa Vegas. frente a la orquesta Gran Mariscal de Ayacucho.

El hombre de La Mancha , original de Dale Wasserman, Mitch Lehigh (música) y Joe Darién (letras), se estrenó en Nueva York el 22 de noviembre de 1965, con un reparto encabezado por Richard Kile, Joan Wiener e Irving Jacobson. La producción tuvo un éxito extraordinario, y estuvo en cartel cerca de seis años, con un total de 2.328 representaciones. El tema más conocido del musical es “El sueño imposible”, himno interpretado por decenas de cantantes, entre ellos Frank Sinatra, Elvis Presley, Plácido Domingo, Jacques Brel (quien protagonizó la versión francesa del musical), Tom Jones, Shirley Bassey, Maria Bethania y Rolando Villazón. En 1972, Arthur Hiller dirigió la versión cinematográfica, protagonizada por Peter O'Toole, Sophia Loren y James Coco.

El montaje podrá ser disfrutado desde el 22 de abril, con funciones los sábados a las 4:00 PM y domingos, con doble función, a las 11:00 AM y 4:00 PM. Las entradas, a un precio desde Bs. 850,00, podrán ser adquiridas a través de www.solotickets.com y en la taquilla del Aula Magna.

Gustavo Álvarez Gardeazabal resucita a Jesús y aun narcotraficante con la mandrágora

La escandalosa novela de Gustavo Alvarez Gardeazábal, El resucitado, saldrá a la venta la próxima semana en las librerías colombianas, editada por el Grupo Planeta.

La novela trata de la historia de un capo del norte del Valle del Cauca, Ramsés Cruz, que se especializa en la cárcel (donde purga larga pena) en leer todos los libros y apuntes que demuestran que Cristo no murió en la cruz sino que le dieron mandrágora.

Después de convencer al lector de que eso es verdad, Ramsés lo intenta hacer con él mismo y la novela adquiere ribetes de parodia mayúscula para mostrar como el capo logra salir de la cárcel en un ataúd y ser oficialmente declarado como muerto.

Ambas historias están fundamentadas en sendas leyendas una indú (la de Cristo y la mandrágora que permite la resurrección) y otra colombiana, afincada en el cañón de Garrapatas, donde dicen que el capo todavía está vivo en una vieja mina de la cordillera occidental actuando como un anacoreta.

Gustavo Álvarez Gardeazábal (Tulúa, 31 de octubre de 1946) en su novela El resucitado niega que Jesús de Nazaret haya muerto definitivamente crucificado, sino que antes de su martirio consumió un brebaje con raíces y hojas de la mandrágora, las cuales lo hicieron pasar por muerto, después revivió y siguió predicando hasta que definitivamente hizo mutis.

Este escritor y articulista tiene millones de lectores y otros tantos enemigos. Pero todas sus obras desaparecen de las librerías, no por la siniestra conspiración de falsos compradores, sino por una sociedad que quiere leerlo porque algo tiene de diferente. Para algunos estetas es “el nuevo Vargas Vila”, y para otros, mucho más moralistas, es “El anticristo”, adjetivo que se hizo más actual desde que publicó La misa ha terminado, en el año 2014, donde se metió hasta con el actual papa Francisco y sus antecesores en medio de la rocambolesca saga de una pareja de sacerdotes gays quienes contrataron a unos sicarios para que los mataran y les evitaran así la tortura de morir a consecuencia del Sida que habían contraído, tal como reseñó la prensa colombiana.

La Internet hizo, pues, el contacto con el ya legendario Álvarez Gardeazábal, cuya vasta obra está referida a los temas de la violencia colombiana, el fetichismo de la religión, la corrupción de los gamonales o caciques y en general al conflicto social.

¿Cómo es la resurrección con la mandrágora?

La planta de la mandrágora es tan antigua y mítica como la misma humanidad. Se ha usado desde tiempos inmemoriales para producir muertes aparentes. Saber usar la dosis exacta permitió que Jesús de Nazaret pareciera como muerto en la cruz y así poder decir que resucitó al tercer día. Hay una leyenda en el cañón de Las Garrapatas, en el norte de Cali, que habla de como un capo de la mafia del narcotráfico, ya hace muchos años, pudo salir de la cárcel en un ataúd luego de consumir una combinación de raíces y hojas de la mandrágora. Yo recojo las dos versiones y sobre ellas hago mi novela El resucitado.

¿Cuál es su balance sobre las ventas de sus novelas?

En un pais, como Colombia, en donde las ediciones más elevadas no promedian más de 3.000 ejemplares vender 24 mil como se logró con La misa ha terminado, es más que una hazaña

¿Se vive de la literatura en Colombia?

No creo. Para escribir una novela que se venda se requieren al menos dos años y seis meses más para publicarla. Su precio de venta es de aproximadamente 50 mil pesos de los cuales el autor solo recibe 5 mil. Quien venda 10 mil ejemplares, y sería excepcional, ganaría 50 millones de pesos en 18 meses, es decir un sueldo mensual de 2.800.000 que es lo que gana un taxista en Bogotá. Y si solo vende los 3.000 de todo el mundo, apenas si recibiría mensualmente un salario mínimo, algo así como 670 mil pesos, aproximadamente. Actualmente un dólar, la verde moneda del imperio, como dicen los venezolanos, se cotiza en Bogotá por encima de los 3.400 pesos. Los lectores pueden usar las calculadoras de sus celulares y divertirse con la respectiva conversión en dólares o en bolívares.

¿Ahora que hay nuevos ejecutivos en la editorial Planeta será posible que sus novelas vengan al mercado venezolano?

Muy probablemente que sí, Marcel Ventura está dispuesto a recuperar el mercado venezolano de los libros por encima de las dificultades económicas que allá, en Venezuela por supuesto, se pasan. Es casi un reto, según me lo ha planteado

TEXTOS PARA LEER

Sus obras han sido llevadas al cine, como Cóndores no entierran todos los días, y de su novela El bazar de los idiotas hicieron una telenovela. También se encuentran entre sus obras títulos como Piedra Pintada (1965), El gringo del cascajero , La tara del papa, La boba y el buda (Ganadora del Premio Ciudad de Salamanca), Dabeiba, Los míos, El Titiritero, Pepe Botellas, El divino, El último gamonal, Los sordos ya no hablan, Manual de crítica literaria, El prisionero de la esperanza, Entre la verdad y la mentira, Comandante Paraíso, Las mujeres de la muerte, La resurrección de los malditos y La misa ha terminado (2014).

Con solo 26 años y ya apunta hacia liderizar un movimiento renovador de la escena criolla.

Hace temporada en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, el director Fernando Azpúrua (Caracas, 1990), convertido en auténtico autor escénico, con su montaje de Los amantes inconstantes, basado en el textoLa doble constancia(1723) de Pierre de Marivaux (París, 1688/1763).

Sutema central es la fragilidad o vulnerabilidad de las relaciones amorosas; tratado, para este siglo XXI, en tono y ritmo de comedia musical, con una propuesta singular y adaptada a la vida contemporánea, específicamente dentro de la diversidad sexual, lo cual sumerge al espectador en la historia de Silvio. Éste es raptado por el príncipe para jurarle su amor. Conseguirlo no le será tan fácil, ya que Silvio está profundamente enamorado de Alejandro. Es entonces cuando ciertos personajes del palacio deciden conspirar para hacer los deseos del príncipe realidad, para terminar demostrando como a través de sus inconstancias todos se entregan a las pasiones y abandonan las más puras promesas. Un espectáculo donde el amor es visto en su más profunda esencia en contraposición con la falta de constancia en las relaciones de pareja y su fragilidad.

ALGO MÁS QUE DEFINICIONES

Para disfrutar esta comedia dramática, el espectador debe revisar las definiciones que tiene sobre el amor, basándose en la teoría y en la práctica. Hay que se despojarse de todos los prejuicios inculcados sobre el género y asistir así a una divertida representación de la comedia musical Los amantes inconstantes, ambiciosa creación de Azpúrua que ganó, precisamente, el Segundo Festival de Jóvenes Directores del Trasnocho.

Azpúrua metió mano a la historia de tres mujeres y tres varones que hacen un juego romántico para no aburrirse en un palacio de la Francia del siglo XVIII, como lo propone Marivaux, y los lleva a una especie de cabaret con fantástica pasarela, del siglo XXI, donde seis hombres (las damas cambian sus sexos, porque así lo quiso el versionista-director ) tratan de demostrar que el amor es una fantasía que los humanos se inventan para distraerse en sus vidas, con lo cual pretenden demostrarse que ese sentimiento es una necedad y que no se debe tomar nunca en serio, porque los seres amados son caprichosos y, además, peligrosamente inconstantes.

Estamos seguro que este experimento escénico le permitirá al más interesado espectador actualizar sus conocimientos amatorios o le quedará la espina de la duda o con muchas preguntas, como recomendaba Isaac Chocrón a quienes se atrevían a disfrutar de algunas de sus piezas teatrales, como La revolución, La máxima felicidad o Escrito y sellado, para citar sus más conspicuas creaciones.

Así se enseña como el poder y el dinero conspiran contra el amor tradicional, donde el sexo es otra moneda de cambio, y todo se limita a una ceremonia de 90 minutos donde sus ambiguos personajes -felizmente encarnados por Oswaldo Maccio, Carlos Díaz, Javier Figuera, Juan Bautista, David Colmenares y Saúl Mendoza- salen todos del mismo hueco y exponen, con desparpajo sus inseguridades y sus inconstancias junto a sus nunca satisfechos deseos. Y para que todo se tomen en fiesta, o en broma, el ritmo y los cuadros son musicales, donde se interpretan temas como Hotel California o Angie de Los Rolling Stones. Ahí, de nuevo, la chequera mata al amor o al galán o al enamorado ser humano y obliga a cambiar no solo de cama.

Azpúrua quiso hacer así este desopilante espectáculo y dedicárselo la comunidad LGTBI y al público heterosexual para que con sus respectivos y cuidadosos códigos culturales hicieran consabidas comparaciones y sacaran conclusiones sobre la falsedad que está presente en las relaciones amorosas, siempre. Al mostrar una comedia con personajes del mismo se invita al espectador a un distanciamiento para que más allá de lo visual logre internalizar las situaciones románticas y todas las trampas que la sociedad del consumo le impone a las parejas.

Véala este fin de semana, porque después no se sabe si podrá, y emita su opinión. Lo único que advierto es que ya camina y predica un director de teatro para este siglo, un director, que, como lo pedía Carlos Giménez, no es un director de tránsito, sino un autor escénico, como debe serlo todo aquel que pretenda ser creativo, es un director de la talla de Orlando Arocha…pero más joven y en crecimiento. Es la ley de vida y ojala haya más como él en esta Tierra de Gracia, tan necesitada de creadores

Johnny Gavlovski,psicoanalista.

Una dama negocia la compra de cientos de dólares en el mercado negro, hace la transacción y al solicitar la entrega de las divisas, es secuestrada, violentada y despedazada con un cuchillo eléctrico de cocina; su cuerpo, en cinco bolsas plásticas marrones, fue dejado dentro de su automóvil, estacionado en las inmediaciones de un sala de teatro, en zona céntrica de Caracas. Una pareja, en compañía de sus dos niñas, fue secuestrada y ultimada a balazos, tras lo cual la quemaron dentro del vehículo familiar, pero unas personas lograron salvar a las muchachitas. Una periodista, especializada en el lenguaje de señas, fue prácticamente fusilada por un supuesto escolta de un político, al bajarse de un autobús; ella pereció de inmediato y también el feto, de siete meses, que portaba.

Estos son resúmenes de algunos de los más cruentos y espectaculares sucesos que la prensa caraqueña registró a diario, acompañados casi siempre de sumarias declaraciones de las autoridades de turno que anuncian la solución de esos sucesos y hasta la detención de los autores. También, algunas ONG preocupadas por la frecuencia y la cantidad de tales crímenes hacen sus comunicados, alarmantes casi siempre, porque hablan de los niveles que alcanza la violencia criminal en Venezuela y subrayan que tiene una tasa estimada de 82 asesinatos por cada 100 mil habitantes.

En el 2014 se registraron 24.980 muertes violentas. Estas cifras son señaladas por el Observatorio Venezolano de la violencia, una ONG que mantiene un monitoreo de datos constante con informes de prensa y otras vías informales, ya que desde 2004, el Poder Ejecutivo ha prohibido a los cuerpos policiales y otros organismos del Estado darle acceso a los medios de las estadísticas sobre violencia y criminalidad.

OJO CON LA TV

Para el psicoanalista Johnny Gavlovski (Caracas, 1960), quien además es toda una personalidad en el mundo del teatro caraqueño, esa violencia urbana es consecuencia de la programación de la televisión que es difundida en el horario familiar, la cual ofrece como entretenimiento sus programas con crímenes escabrosos, creando así “un modelo de identificación bajo un bombardeo mediático y una cultura donde el castigo ante el delito es tan ambiguo”.

Agrega Gavlovski que “la figura de la autoridad en nuestro pais se ha vuelto contradictoria pues por un lado prohíbe, pero por el otro permite. Dejando la norma al azar de lo que se extraiga de la confusión del mensaje. Por otra parte, “lo bizarro de los crímenes no solo debe llamar la atención de los entes judiciales sino también de los órganos de salud pues dan indicadores de conductas propias de estructuras psicológicas de orden psicótico perverso”.

Pero reitera Gavlovski que no es la televisión, fantástico medio de comunicación, “la gran culpable de esto o aquello, sino los programas violentos que programan, los cuales deben ser supervisados y autorizados o prohibidos por Conatel, organismo oficial creado para esos fines. No se trata de prohibir todos los programas de TV, sino supervisar y colocar en los horarios adecuados.

“¿Cuál es entonces la responsabilidad de quienes regulan las normas, la ley en esto? ¿Quiénes regulan los medios? Ejemplo, un programa como Gothan donde cada vez los crímenes son más escabrosos. Por qué se permiten que los pasen a las 8PM sin regulación del estado o de la familia”, se pregunta este intelectual.

Y puntualiza que si el crimen se vuelve algo normal a nuestros oídos y ojos, gracias a la nefasta programación de TV, hasta donde deberá escalar el horror para hacernos reaccionar. “Hay que reiterar que la inseguridad y la violencia en Venezuela es un fenómeno cotidiano que se ha apoderado de la vida de los ciudadanos y parte de eso se debe a una televisión sin control.

Hay por supuesto otros factores que ayudan al incremento de la violencia, como son el lucrativo negocio del narcotráfico y el mercado libre, por así llamarlo, de las armas de fuego, pero hay que reconocer que eso ha sido muy combatido, hasta ahora, por las autoridades nacionales. Pero los crímenes no se detienen y ahí están los periódicos que los reseñan”.

El cine venezolano se detiene y menos en medio de la crisis.

El Comité Ejecutivo del CNAC en su Reunión Extraordinaria N° 10-16, de fecha 04/03/16, aprobó por unanimidad los costos promedio propuestos por la Comisión de Peritos en las modalidades de producción de Largometraje y Cortometraje de Ficción, entendiendo que este es un ejercicio basado en el estudio de los costos de las películas efectivamente producidas en el año 2015 y de las que inician su producción en el año 2016; en el contexto de la situación económica nacional y otras variables que influyen en la economía cinematográfica del país.

Se trata de la publicación de los costos promedio a marzo 2016, de las siguientes modalidades: Desarrollo de Guión Cinematográfico: Bs. 170.000, Largometraje de Ficción: Bs. 37.368.936,11 y Cortometraje de Ficción: Bs 2.155.763,88.
El esquema de costos por rubro adoptado, no es una referencia rígida para cada película y el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía tomará en cuenta las características y necesidades de producción específicas de cada proyecto para la distribución de los recursos en cada presupuesto de producción.
El CNAC, a través de los espacios y mecanismos de consulta colectiva del gremio cinematográfico nacional, reafirma su compromiso de dar cercano seguimiento a las condiciones que inciden en la producción cinematográfica y generar fórmulas que fortalezcan a nuestra industria.Invitamos a la comunidad cinematográfica venezolana a seguir contribuyendo con nuestra exitosa producción fílmica, fuente y reflejo del talento creador del país.Próximamente se anunciarán los costos promedio de las modalidades Largometraje, Mediometraje y Cortometraje Documental.

Rubén Quast

El Mariscal de Ayacucho cabalga de nuevo para el cine venezolano

¿Cómo aconteció la muerte del Gran Mariscal de Ayacucho? Partiendo de esta incógnita, el asesinato de Antonio José de Sucre, prócer de la Independencia de Venezuela, será investigado a profundidad en clave de ficción en la película Muerte en Berruecos, bajo la dirección de Caupolicán Ovalles.

El largometraje inició su rodaje en el Palacio de las Academias de Caracas, locación que conserva la esencia del siglo XIX intrínseca a esta historia, que se centra en 1840, cuando 10 años después del homicidio del militar, diplomático y político cumanés –que aconteció el 4 de junio de 1830- inició un proceso de seguimiento al caso.

Se trata del magnicidio posiblemente más importante de la época independentista venezolana, cuando el llamado a ser ‘sucesor de Bolívar’ fue emboscado en su viaje a caballo de Quito hacia Bogotá y fue brutalmente asesinado, hecho que entre los políticos líderes del momento fue, más que un secreto a voces, el ejemplo perfecto de la ‘crónica de una muerte anunciada’.
“Sucre era el hombre político y militar con más posibilidad de proyección para entonces. En el momento de crisis que se vivió posterior a los procesos independentistas de nuestras naciones, muchos poderes consideraron que esa continuidad que él iba a otorgar, estaba en contra de sus intereses. Entonces lo mataron. La historia se centra en diferentes testimonios que recrearán los momentos importantes y clave de este hecho, mediante entrevistas que poco a poco construirán un rompecabezas sobre todo este complot de intereses contrapuestos”, comentó Ovalles durante un corte en la filmación.

La importancia del cine histórico se remite a saber de dónde venimos y hacia dónde vamos. Apartando este punto, el realizador busca romper esquemas al presentar en la gran pantalla un ‘policial de época’ con una perspectiva alejada de la historia oficial.

Digamos que más desde un punto de vista ciudadano, por clasificarlo de alguna manera. Vemos los elementos de la película no desde el oficialismo en función de la historia heroica, ni tampoco en función del gran héroe, sino que tratamos factores que influenciaron en el homicidio. Queremos que no se tome como un filme histórico más que nos va a dar lecciones, sino más bien una obra en la que el entretenimiento nos pueda llevar a conocer muchas cosas. Queremos que vayan al cine a entretenerse, y a la vez obtendrán información valiosa iberoamericana, porque se centra entre Bogotá y Quito”.
El reparto está conformado por figuras como Luis Gerónimo Abreu, quien interpreta al capitán Alejandro Godoy, un oficial que se encarga del caso mientras hacía los preparativos para contraer nupcias. El actor Augusto Nitti interpreta a Sucre. Luego aparecerán en escena personajes como García Teles (Ignacio Márquez), conspiradores como José María Obando (Gerardo Lugo), Juan José Flores (José Roberto Díaz) y Paredes, un general de la época presente de la historia, interpretado por Manuel Salazar.

Otro rol de peso es Apolinar Morillo (Laureano Olivarez), uno de los acusados del asesinato de Sucre, quien además era venezolano, oriundo del estado Trujillo y según está registrado en la literatura, fue contratado en Ecuador para el macabro fin.
Luz de candelabro, pólvora de revolver, tinta y pergaminos. Así lucía el escritorio de “Godoy”, en el que ardió la investigación del suceso que marcó un hito en la historia del país, esta vez recreada en pasillos y despachos del Palacio de las Academias. Escenarios como el Club Nicaragua, la Hacienda La Vega, la Hacienda Los Anauco y la cordillera andina, en Mérida, también forman parte del plan de rodaje del filme, que cuenta con la dirección de arte de Diego Rísquez, Cézary Jaworsky en la dirección de fotografía, Julio César Castro “Moñona” en la cámara, Carlos Bolívar en el sonido y Beatriz Aranguren en la producción.

Muerte en Berruecos fue aprobado en la Recepción Permanente de Proyectos Cinematográficos (RPPC) del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), en el I corte del 2015. Es una coproducción venezolana con Panamá a través del Programa Hipermedia.

Ernest Stuyvesant

Luis Armando Ugueto es investigador.

Luis Armando Ugueto no es periodista ni licenciado en Letras. Solamente cursó cuatro semestres de Historia en la UCV. Lo demás ha sido intuiciòn, inteligencia natural, muchos libros que devoró y, por supuesto, un excelente oído para ganarse la vida como musicalizador o sonidista y hasta pudo llegar a ser un ingeniero.“Muy caras eran esas universidades y yo no tenìa recursos”, dice.

Por ahora no se preocupa en sacar titulos universitarios, aunque se tiene prometido hacer un taller intensivo de escritura creativa o en guiones cinematográficos. ”El cine es mi debilidad, entre otras cosas”, apunta.

Mientras tanto espera que le impriman su segundo libro, una selecciòn de crónicas que escribió tras su debut con Lo que es la vida , la biografía más completa publicada hasta ahora sobre el célebre cantante Felipe Pirela, ganadora del Premio Municipal de Literatura del Municipio Libertador de Caracas, mención Investigación Histórica, en el 2010.

Este investigador y escritor, nacido el 9 de enero de 1979 en La Guaira, logró que su trabajo biográfico sobre Pirela se lo editaran, primero, en El Perro y la Rana y después Santillana Aguilar, la cual vendió no menos de 5 mil ejemplares.

¿Cómo llegó hasta Felipe Pirela?

Desde que tengo uso de razón escuché las sentidas y sensibles canciones de Felipe Pirela. Todo comenzó en mi casa, en La Guaira, porque mis padres se conocieron y se amaran con su música. Y fue con esa música que comencé a criarme. Yo siempre lo escuché, era imposible no hacerlo.

¿Qué lo llevó a investigar y escribir sobre su saga?

Yo tenia la idea de que debía de hacer algo más que escuchar sus discos y las anécdotas que sobre su vida me contaron en La Guaira, donde vivió un cierto tiempo. Mis primeras nociones de cómo funciona una orquesta y cómo son los colores tìmbricos de cada uno de sus instrumentos fue al escuchar la música de Felipe, especialmente de las orquestas que lo acompañaron; tambien escuché mucho jazz y asi comprendì poco a poco lo que despues seria mi trabajo como sonidista.

¿No estudió Letras ni tampoco periodismo?

No, nunca, pero si entrè a la Escuela de Historia de la UCV a finales de los año 90, donde estudié cuatro semestres. Yo quería trabajar en los medios audiovisuales, busque universidades pero era muy caras las matriculas y las mensualidades. Comencé a trabajar en varias emisoras radiales y fue entonces cuando se me ocurrió investigar y escribir sobre Pirela. Me quedé sin trabajo y un 23 de diciembre me dediqué a escribir sobre el bolerista. Cinco años despuès apareció un primer fruto.

¿Con quienes investigó?

Yo tuve la suerte de conocer a varios musicos de la Orquesta Billo´S Caracas Boys, como Anibal Sojo, Salvador Soteldo y otros artistas de la epoca en que acompañaron a Pirela.Tambièn entrevistè a familiares, amigos y conocidos del artista, especialmente a Edgar, su hermano mayor y quien fue ademas su representante, y muchas otras personas que lo conocieron de trato y palabra. Yo lo que hice fue compilar todas esas historias. Fueron unos cinco años de investigar en las bibliotecas y hemerotecas y conversar con la gente lo habian tratado, la gente que lo habia tratado.

¿Cómo armó toda ese trabajo de investigacion?

Inicialmente era un relato largo con todas las historias que habia recabado. Fue un trabajo en solitario y el primer borrador se lo dì a una hermana mia, que habia estudiado letras y además una enamorada de la literatura. Ella lo leyò y me dijo que eso no servía para nada, que era una simple compilaciòn de datos. Me recomendò que empezara de nuevo.Y así lo hice.Debo subrayar que me entrevisté varias veces con Josè Pages, el empresario y productor musical que si creyó en Pirela y lo ayudò todo lo que pudo, quien lo internacionalizó y lo encaminó hacia el estrellato. El me dio la clave de nuestro artista. Mi libro comienza en el año cero de Felipe Pirela y culmina con su muerte. Creo que lo que más me ayudó fueron las tècnicas de investigación aprehendidas en la Escuela de Historia de la UCV.

¿Y le quedó el gusto de escribir?

Si y de investigar tambièn.Tengo un libro inèdito, son unas crónicas y lleva por titulo Los tiempos cambian , donde ademas retomo algunos angulos de la biografía de Felipe Pirela que se me revelaron después de publicar el primer libro.

¿Vio la película “El malquerido” de Diego Rizquez sobre Felipe Pirela?

Sì, y no me gustó nada. Está llena de anacronismos y de mentiras, como el encuentro con la Lupe. Ademàs maltrata a Jose Pages. Podría decir que nada de lo que ahí se plasma ocurrió realmente. No se quièn o quienes asesoraron al cineasta. Ahí se ha ofendido la historia de Felipe Pirela.No es un biopic honesto.Es una lastima.Creo que hasta usaron mi libro y no me citaron.

Un proyecto que salió de la calle y ahora está en el TTC

Cuentan por ahí, que, cual versión caribeña de El Califa de Bagdad, el comandante Hugo Rafael Chávez Frías salía frecuentemente de noche, disfrazado, para ver qué hacían los caraqueños en las cálidas sombras, hasta que una vez, tras haberse devorado unas cuantas arepas de queso guayanés y unas tantas reinas pepiadas, junto con sus fieles acompañantes, se quedó estupefacto: vio que en el cruce de una importante avenida, parando incluso el normal tráfico vehicular, unos cuantos muchachones habían montado un show de circo: escupían fuego, daban tres saltos mortales y caían parados y hacían malabares con aguacates y cuantas frutas brotaban de una bolsa de cuero que tenía esos funámbulos callejeros.

Ese militar llanero agarró su teléfono presidencial y le dio una orden expresa a su flamante ministro de cultura, el gallego Francisco Farruco Novás: “quiero una compañía como Dios manda y será el Circo Nacional de Venezuela”. La pauta se ejecutó y pocos meses después debutó, con el líder de esos curtidos artistas callejeros, Niky García, en el histórico coso Nuevo Circo de Caracas, con fastuosa carpa. Y nosotros estábamos ahí.

Aquello marchó bien durante un tiempo, como son las cosas en Venezuela, pero los artistas se cansaron, no les prestaban la debida atención, les hacía falta atención médica y dinero, y como es lógico terminaron por irse nuevo a la calle, cuenta Niky.

Han pasado los años, el comandante ya no está pero ahora hay otro fogoso ministro, el titiritero Freddy Ñáñez, que ya ha programado a las huestes del Niky, convertidas en el cuerpo y cola de la privada Fundación Circo Nacional de Venezuela, para que se presenten el Teatro Teresa Carreño con la ópera Carmen de George Bizet, representada por primera vez en nuestro país en versión circense.

Luego de su exitosa gira por Suramérica la Fundación Circo Nacional de Venezuela y el Teatro Teresa Carreño exhiben la afamada obra que narra la historia de una pasión atormentada entre una astuta y atractiva muchacha gitana y un ingenuo soldado enloquecido por los celos. Con más de 40 artistas en el escenario, acompañados magistralmente por la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, el Coro de Ópera Teresa Carreño y el elenco de Teresa Danza Contemporánea dirigido por Félix Oropeza, el público caraqueño podrá disfrutar de un espectáculo multidisciplinario que conjuga la danza, el canto, la música y el circo como principal motor de la escena.

Enmarcada en el género del circo contemporáneo o el llamado “Nuevo Circo” esta versión circense de Carmen, está compuesta por números de acrobacia, trapecio, malabares, equilibrios y un poco de humor, ejecutados por artistas venezolanos formados en su mayoría en el programa de formación que lleva adelante El Circo Nacional de Venezuela, quienes en una hora y media de espectáculo dan vida al clásico del siglo XIX escrita por Prosper Mallerme.

Esta puesta en escena cuenta con la dirección artística de Jericó Montilla, los arreglos musicales del maestro Rodolfo Saglimbeni, la batuta del joven director Daniel Gil, y la dirección general de Niki García.

La Fundación Teatro Teresa Carreño invita a disfrutar de esta versión de la afamada ópera Carmenque se estará presentando en la sala Ríos Reyna los días viernes 11 de marzo a las 7:00pm, y sábado 12 y domingo 13 de marzo a las 5:00pm. Entradas a la venta ya en las taquillas del teatro o a través de la página web www.teatroteresacarreno.gob.ve a partir de 300Bs.

La formación de los artistas nunca se puede detener y menos en Venezuela.

Un Taller de Interpretación Teatral, cuya finalidad es fortalecer el desarrollo de espacios de formación breve, introductoria y especializada en técnicas teatrales y circenses, será realizado del 11 al 13 de marzo, en La Casita de Los Títeres del municipio Heres, en Ciudad Bolívar.

Este Taller hace parte de las políticas de formación especializadas de nuevas formas de producción teatral, que adelanta el Centro Nacional de Teatro, (CNT), en conjunto con la Red Nacional de Teatro y Circo y el Gabinete de Cultura del estado Bolívar.

 Este proyecto didáctico está enmarcado en el programa de 48 talleres especializados, a nivel nacional, para afianzar los procesos de formación de la actividad teatral y circense en Venezuela, el cual es un punto inicial de la cadena de valor para incentivar la economía cultural del país. 

 El contenido programático del Taller incluye tres partes: interpretación de la estructura dramática, interpretación del personaje y el personaje y su historia antropológica y sociológica. El mismo está dirigido al público general del estado Bolívar y otras regiones del país que deseen fortalecer estas áreas.  

Este Taller es el segundo del ciclo especializado que se vienen realizando a nivel nacional con las distintas comunidades. Los mismos han sido programados en conjunto con la Red de Teatro y Circo en asambleas, donde el poder popular ha manifestado sus diferentes necesidades en el ámbito formativo.  

Federico Espina Rodríguez, prestigioso cultor, actor y director de teatro con mas de 39 años en ejercicio, y miembro fundador del Teatro La Barraca. es el maestro de este Taller.   

Y durante el venidero mes de abril también se estará realizando otro taller, pero dedicado al diseño y realización de vestuario. El mismo tendrá lugar en Ciudad Guayana.  Las personas interesadas en participar en este taller, cuya inscripción es gratuita, deben inscribirse a través del correo cntpremiodramaturgia@gmail.com.

Oswaldo Maccio.

Nosotros, Francis Rueda, Edgard Antonio Moreno Uribe, Luis Parada, Douglas Palumbo y Joaquín Lugo, jurado designado por la Junta Directiva de la Fundación Rajatabla, para conceder la Décima Octava edición del Premio Marco Antonio Ettedgui ,correspondiente a la temporada 2015, galardón que busca reconocer, distinguir y estimular la actividad de los jóvenes creadores de la escena nacional en su búsqueda de nuevas alternativas creativas para el teatro Venezolano, hemos considerado nominar a este premio a: Aitor Aguirre, Josbel Caraballo, Héctor Castro, Jennifer Gasparini, Abel García, Valentina Garrido, John González Vicent, Oswaldo Maccio, Shakti Maal, Graziella Mazzone, Andreína Mesa, Jan Thomás Mora, Aronix Morales, Jennifer Morales, Ysabel Nieto, Adolfo Nittoli, Theylor Plaza, Jorge Souky, José Manuel Suárez y Jan Vidal.

Después de intensa deliberación se acordó, como primera decisión otorgar un premio Marco Antonio Ettedgui de Honor a:

COSTA PALAMIDES con una carrera de más de 30 años Costa es formador de nuevas generaciones tanto en Unearte como en la Juana Sujo. Ha hecho el teatro su forma de vida según comenta en una entrevista a que dio a Edgar Moreno Uribe. Este director emerge del 1er Festival de nuevos directores creado por Carlos Giménez en el año 1986 con ElDesatino de Griselda Gambaro, y luego ya es una larga historia de grandes éxitos teatrales y muchos reconocimientos. Fue Regidor de la Compañía Nacional de Teatro asistió en la dirección a Ugo Ulive (Acto Culturalde Cabrujas y Panorama desde el puentede Miller), José Ignacio Cabrujas (Lo que dejó la tempestad de Rengifo), Enrique León (Caín adolescente de Chalbaud), Carlos Giménez (La tempestad de Shakespeare) y José Simón Escalona (Sainetes Venezolanos de Guinand y Martínez). Luego de ElDesatino vinieron Los enredos de una casa de Sor Juana Inés de la Cruz, Entre Pancho Villa y una mujer desnuda de Sabina Berman, Elángel de la culpa de Marco Antonio de la Parra, Jardín de Pulpos de Arístides Vargas Trópico del Crimende Abelardo Estornino, Una vez más por favor de Michel Tremble, Penitentes de Elio Palencia y Bingo de Román Chalbaud. También ha dirigido varios de los más importantes grupos: Taller Experimental de Teatro (Tierra Santa de Elio Palencia), Rajatabla (Mi reino por un sueño de José Antonio Barrios), Escena de Caracas (Topografía de un desnudo de Jorge Díaz y La Casa Nueva de Goldoni), Teatro San Martín (Proyecto Padre III y Proyecto Madre de varios autores hispanoamericanos y La momia en el closet de Gustavo Ott), Arte (Las Mujeres Sabias de Moliere), Hebu Teatro (La noche de las tríadas de Per Olor).

Reconocer a este gran hombre de teatro nos llena de Orgullo y que ¡Viva el teatro!

En segundo lugar concedemos cinco menciones especiales entre los nominados de este año a

JOSÉ MANUEL SÚAREZ por una brillante carrera teatral que se pasea por la comedia o el drama: Dirige, escribe y actúa. Este año su participación como actor en La Calva Diva, fue autor y dirigió para micro teatro Dime que sí y Quizás, En drama estelarizó Estado de sitio, y terminó el año, dirigiendo y actuando en Relatos Borrachos. Esto lo hace merecedor de esta distinción

ADOLFO NITTOLI distinguimos a este gran actor que en su dilatada carrera nos ha dado memorables actuaciones, es un “enorme” ser humano y uno de los actores más buscado por todos los productores. Este año destacó en El Feo, fue coprotagonista de La Opera de 3 Centavos y su participación en el Microteatro con Su mundo al Revés

VALENTINA GARRIDO es una estrella en ascenso cada personaje un reto cumplido, su presencia, su vitalidad en escena, su saber decir nos enamora, este año recordaremos su Adela en La casa deBernarda Alba, y sus grandes actuaciones en El Año de Ricardo, un trabajo de gran envergadura y el estupendo monólogo De que habló cuando hablo de ellas.

THEYLOR PLAZA un artista con carrera meteórica, y es así, por su gran ímpetu en el escenario, es un actor que hace que cada montaje crezca con su sola aparición, sus retos son gigantes y todos sale con un sobresaliente. La obra Carne, nos hizo volver la mirada hacia este actor, y luego nos sorprende con su actuación en Saderman y Las preciosas ridículas, (dos visiones, dos aciertos) y para terminar el año, la explosiva actuación que fue Yo Federico. Un estupendo año para un gran actor

JAN VIDAL RESTIFO es una persona que se ha alimentado del teatro desde siempre, y cada día demuestra todo lo que es, ha logrado hacerse un nombre por méritos propios. Es un director que se arriesga y un estupendo actor. Este año su Calva Diva tuvo una gran temporada y como actor tanto en Compadres como en La Punta del Iceberg nos dan galas de su buen hacer

Para concluir el jurado en consideración de las bases del premio acordamos otorgar el Premio Marco Antonio Ettedgui 2015 a OSWALDO MACCIO una labor impecable en el mundo teatral, dirige, escribe, actúa, produce, y lo hace desde hace tiempo y todo con mucha calidad, su labor está muy muy ligada en el Grupo La Bacante. Recordamos su impecable texto de El niño y la luna juegan un juego que nadie ve, la magistral El día que cambió el Señor Odio obra que siempre ve temporada porque el público así lo reclama.En su haber tiene una joya Varieté Socialista o Su más reciente creación Stand up tragedy. No es raro verlo en el escenario actuado no sólo con su grupo sino como invitado por tantos otros. Piel Mercurio, El niño y la luna, Yocasta, y también cantando en Asia y el lejano Oriente etc. Su presencia es cada vez más y más requerida, en los escenarios de Caracas, este año dirigió una obra de gran éxito con un nombre imposible: Aunque nos vayamos no nos podemos ir de Lupe Gehrenbeck. Por toda una trayectoria que esperamos que sólo sea el comienzo, le vale su premio Marco Antonio Ettedgui

En la ciudad de Caracas a los 9 días del mes de marzo de dos mil dieciséis.

Williams López Presidente Fundación Rajatabla. Francis Rueda, actriz; Edgar Moreno Uribe, crítico teatral; Joaquín Lugo, crítico teatral; Luis Parada, médico y comunicador social; Douglas Palumbo, empresario y promotor teatral.

En la llanura ya trabajan los actores y los técnicos de "Bárbara"

Comenzó el rodaje del largometraje Bárbara, de John Petrizzelli, cuya temática suma las crisis existenciales de un travesti maduro y un muchacho acosado por el narcotráfico en la zona fronteriza, es producido por Javier Beltrán y Carlos Marchan y cuenta con el respaldo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, Sudameris Cinema C.A. y la Fundación Villa del Cine.

La sinopsis, según un boletín de prensa, explica que transcurre en el año 1990, Bárbara (55) ha decidido dejar todo atrás. Es un envejecido travestí que después de dedicar su vida a imitar a las grandes divas de la música disco, es despedida porque el tiempo no perdona y su juventud se ha esfumado. Sin embargo, Bárbara tiene el sueño de irse a las ricas tierras del Norte donde piensa montar un cabaret y hacerse famosa con sus interpretaciones. Una noche en la disco donde trabajaba, le roba a El Polaco, su ex-patrón y amante, un misterioso maletín que puede hacerla rica de la noche a la mañana.

Esa misma noche a Sixto (16) le cambia la vida sin proponérselo. Es un campesino que se dedica con su familia a cultivar coca y marihuana para un cartel de la droga. En la madrugada, es testigo de cómo un grupo armado asesina a todos sus seres queridos y quema los cultivos. Sixto lleno de dolor y de impotencia, huye, acompañado tan solo de sus cromos de luchadores enmascarados, internándose sin rumbo en la llanura para alejarse de la feroz violencia.

Bárbara quiere cruzar la frontera con el maletín por los caminos verdes y huye también hacia la llanura. En su fuga se topa con Sixto y ambos chocan de inmediato. Ella, un travesti con tacones altos que sólo habla de la fantasía de sus “glorias pasadas” y de sus sueños de triunfar como diva y él un joven terrenal, tímido y callado que no entiende porque un hombre está vestido de mujer en plena sabana. A pesar de los desencuentros, finalmente Bárbara y Sixto hacen un pacto: el joven la va a ayudar a cruzar la frontera por dinero. Así empieza una difícil travesía por la vastedad de las llanuras para estos disimiles personajes.

Por su parte, un Polaco traicionado y despechado mueve cielo y tierra hasta ubicar el paradero de Bárbara y de su maletín y comienza entonces una persecución sin tregua para recuperar ambos. Durante la huida Bárbara descubre la leyenda de “Doña Bárbara”, una enigmática mujer que vivió en la llanura. Fascinada, encuentra muchas similitudes entre ella y este personaje y desde ese momento empieza a mimetizarse con “Doña Bárbara”. La peligrosa persecución por hermosos pero inhóspitos paisajes llevan a Bárbara y a Sixto a vivir las más difíciles circunstancias hasta que al final surge una verdadera amistad entre ellos: ella cae en cuenta que la solidaridad existe y él descubre que los sueños pueden hacerse realidad.

La obsesión de El Polaco por Bárbara rinde sus frutos y logra darle alcance cuando está a punto de cruzar con Sixto un caudaloso río fronterizo. Bárbara trata de ayudar al joven a cruzar el río y en ese intento es herida y arrastrada con el maletín aguas abajo El Polaco muere en la refriega. Sixto logra acercarse a la otra orilla. Está solo pero con el recuerdo de Bárbara, prosigue su escape con la certeza de alcanzar su sueño de llegar a ser un luchador enmascarado. Aunque las esperanzas de Bárbara terminan ahogadas en el río, la muerte no evita que en su última gran fantasía sea “Doña Bárbara”.

FICHA TÉCNICA

Actores: Alberto Alifa, Reyna García, María Jiménez, Gonzalo Cubero, Jesús León, Walter Gamberini, Aura Rivas, Freddy Buitrago y Vito Lonardo, entre otros. Director: John Petrizzelli. Producción Ejecutiva: Javier Beltrán. Producido por Javier Beltrán y Carlos Marchan. Música: Roberto Tarzieris .Director de Fotografía y Cámara. Marco Santaniello. Directora de Arte: Adriana Vicentelli.

En la Concha Acústica de Bello Monte están pasando cosas importantes-

Honrar honra. No hacemos predica cristiana, sino que resaltamos la labor adelantada durante los últimos tres años desde la Caja de Fósforos, para cambiar faz y cuerpo del teatro criollo y llevarlo definitivamente al siglo XXI. Todavía no está consolidada tal tarea, pero ahí bulle sangre y talento de jóvenes y adultos con visión de futuro, sin egoísmos, ni mafias, ni mercantilismo. Ahí están, cual nuevos Prometeos, Diana Volpe y Orlado Arocha, empujando el carromato desde al backstage de la Concha Acústica de Bello Monte, amparados por la Alcaldía de Baruta. Han reformado una generación exprés de cómicos y directores que nutren festivales y programación del Trasnocho, además de atrapar público que busca lo nuevo y con calidad.

Esto es necesario subrayarlo porque hacen temporada con, El loco y la camisa,de Nelson Valente (Buenos Aires, 1971), pieza del mejor grotesco argentino bien dirigido por Diana Volpe y con las felices actuaciones de Haydée Faverola, Rossana Hernández, Djamil Jassir, Elvis Chaveinte y Gabriel Agüero. Todo en un espacio bifrontal que reproduce el livingroom de una hogar de clase media baja, donde todos viven en un mundo de fantasías, el cual anhelan construir porque lo que tienen es falso y repleto de necesidades, además lastrados por la locura del miembro más de joven, un muchacho perdido en el mundo de los superhéroes, como el Zorro.

Es la patética saga de una familia disfuncional, ubicable en Latinoamérica, sin valores familiares, sin respaldos religiosos y carcomidos por el mercantilismo; donde impera la infidelidad del macho y la esclavitud de las hembras, que negocian su virginidad o compañía para salir desde abajo y ayudar a su familia, si pueden. Es un básico grotesco argentino pero con más tránsito entre la comedia y la tragedia, apuntalado en el histrionismo e hiperactividad de sus intérpretes. Es una versión del clásico melodrama televisivo pero con mucho desparpajo, que genera la risa delirante del público.

HISTORIA Y EVOLUCION DEL SAINETE

Como en el teatro venezolano las modas son contagiosas, les recordamos que el sainete argentino tiene su historia y sus características. Aquí les transcribo esto, que es básico:

El teatro del grotesco exhibe el rostro obsceno de toda realidad, devela las máscaras, evoca a la vez lo trágico y lo cómico, apela a la risa que se ahoga al nacer entre la angustia o el dolor. La versión criolla del género signa los inicios de la gran actividad teatral en el país y remite al mundo del inmigrante, al patio del conventillo que es escenario de las peripecias de personajes de una cultura popular apresada en su "carnaval", en un habla mixturada que expresa su carácter peculiar.
Armando Discépolo, es considerado el creador del género. Escribió en las dos primeras décadas del siglo XX y sus piezas fueron representadas por compañías de éxito en teatros como el Nacional. Roberto Cossa, en cambio, es parte de la generación del 60 que vivió las luchas políticas de la Argentina, la represión de las dictaduras y las esperanzas del retorno a la democracia. Fue uno de los fundadores de Teatro Abierto, expresión estética de resistencia a la opresión.

La Nona, de Cossa, nos enfrenta a un mismo mundo de sueños truncos y pasiones encontradas; una realidad que se desliza del humor al drama, que amplifica, como un espejo deformado, los males propios de los distintos grupos sociales.

Para cerrar las celebraciones por los 500 años de la fundación de Cumaná nada mejor que un novedoso evento teatral, Edipo gay de Carlos Omobono, representado por la agrupación Rayuela y bajo la dirección de Orlando Octavio Rodriguez, en el teatro Luis Mariano Rivera de la capital de Sucre, durante los días 15 y 16 de abril.

Nacido el 18 de enero de 1959 en la caraqueña parroquia La Candelaria, Carlos Omobono devino en periodista, dramaturgo y actor; es productor teatral y de televisión. Todo un meritorio intelectual de padres italianos, quien reside desde el año 2014 en Milano, desde donde responde vía Internet:

¿Cuándo escribe y por qué Edipo gay?

Escrita en septiembre de 1986. Y destacada entonces con una primera mención especial en el Concurso Literario de la Casa de la Cultura en Maracay, renglón dramaturgia. Me interesó desde siempre el discurso de la cultura dominante enfrentada a la cultura de los marginados, y a través del lenguaje del teatro, tratar la opresión y la marginación. Mi personaje Edipo calla y miente ante su madre sobre su homosexualidad, porque siente que ese exceso de visibilidad debe ser silenciado y velado con un discurso que plasme una realidad que no es la que está a la vista, sino la que él hubiera querido vivir para complacer a Elvira. Frente a su madre, Edipo nunca tuvo la fuerza de carácter suficiente para admitir su orientación sexual.

¿En qué se basó?

Los griegos inventaron al hombre, de modo que no hay nada nuevo bajo el sol; por ende parafrasear a Edipo Rey de Sófocles es, para mí, irreverente y seductor. Salvando las obvias distancias, este Edipo gay es una comedia que termina en tragedia, porque Elvira igual que Yocasta designa (o destina), con su discurso, el orden de las cosas y la manera en que éstas deben fluir a pesar de la voluntad y los sentimientos de Edipo y Edoardo, e incluso de la propia Helena. Todos están sujetos a las normas y las jerarquías ejercidas por Elvira a través de su discurso hegemónico. Así que simbólicamente, al contrario de lo que sucede en la obra Edipo Rey, en vez de ser su padre (Layo), es Elvira (Yocasta), la madre de Edipo, quien termina por arruinar y acabar con la vida de su hijo.

¿Cuál es la premisa básica?

En Edipogay, nos enfrentamos a fuerzas avasalladoras que se manifiestan a través de un discurso que porfía el matriarcado, cuya fuente se origina en una de las figuras femeninas de la obra: Elvira, madre de Edipo. Es ella quien representa al grupo dominante de la sociedad. No obstante, la reproducción del patrón del pensamiento “heterosexista” de Elvira se reproduce compulsivamente en Edipo antes de conocer a Helena, una prostituta, pobre, que Edoardo (amante de Edipo) ha escogido para ser la madre (vientre en alquiler) del hijo que ambos quieren tener. Irónicamente, Edipo se expresa con desprecio de ella al decirle a su varón amante, aún sin conocerla: “no quiero un hijo de puta”.

¿Cuándo se estrenó?

En Caracas se estrenó en la Casa del Artista (2000), bajo la producción de Show Center (los mismos que hoy tienen en cartelera Casi Normal), con égida de Vicente Albarracín y un elenco que integraron Henry Soto y Antonio Deli, Fabiola Colmenares, José Alexander Romero y Carmen Julia Álvarez en el papel de Elvira.

¿En donde más se ha exhibido?

Luego se estrenó en París (2001), traducida al francés por Sylvie Artel, cuya lectura interpretada estuvo bajo la dirección de Mariana Araoz y Marcela Obregón, y finalmente en Ciudad de México (2002), Gerald Huillier fue quien la puso en escena en el foro Shakespeare. Y ahora el teatro cumanés la revive.

¿Cómo reapareció en Cumaná?

Orlando Octavio Rodríguez me solicitó los derechos para representarla en el corazón cumanés, en el antiguo Cine Paramount, hoy Teatro Luis Mariano Rivera, y bajo su muy asertiva dirección está por estrenarse, inicialmente ,durante los días 15 y 16 del venidero mes. Ahí actúan: Luis Roque, Jesús López, Cruzanliu Hernández,Corina Márquez y Rafael Vásquez. Según lo que me han comunicado, es un espectáculo para adultos que implica una reflexión sobre la diversidad y el respeto al derecho de la identidad sexual.

¿Qué hace en Italia?

En Italia, me desempeño como periodista miembro de la Associazione Stampa Estera Milano, haciendo trabajos de corresponsalía y escribiendo como siempre; mi más reciente publicación (cónsono con los tiempos modernos que corren) Gigantes de corazón transparente, que se puede leer o conseguir en Amazxon.com ASIN: B0139POGTW link: www.amazon.com/dp/B0139P0GTW/ref=cm_sw_r_tw_awdm_38ZVvb1C6ZV2J

En Portuguesa el teatro tiene sus héroes.

EN EL TEATRO ES LA CITA

Bajo este lema, las agrupaciones de teatro de la ciudad de Guanare se han unido para fortalecer las actividades culturales, que cada fin de semana le permite al público disfrutar de una gran diversidad artística y profesional.

TEATRO PARA NIÑOS

La escuela de teatro José Antonio Páez, en sus espacios presenta Pochoclón. Un divertimento donde se mezcla, el circo y el teatro para disfrute del público infantil, dirigido por Jesús David Díaz y con las actuaciones de Ana Durán y Manuel Aíslan, los viernes, sábados y domingos a las 6 de la tarde. Siempre en la sala Graciela Millán, de este espacio dedicado a la docencia teatral.

TEATRO PARA JÓVENES

Para los que gustan de otro tipo de experiencia teatral, el grupo Batahola, tiene montado un performance sobre el terror. Enfermeras, momias, carniceros que causan miedo, espanto y en algunos casos sorpresa, unidos bajo el título: La casa del terror entre momias, bajo la dirección de Mayeli Delfín, en su propia sala ubicada al lado de la plaza Tomás Montilla. De igual manera, de viernes a domingo a las 7 pm.

TEATRO PARA ADULTOS

Para los mayores se están realizando dos obras de temática gay, sobre la tolerancia y la diversidad sexual.

El grupo Martex, bajo la dirección de Rubén Uzcátegui y con las actuaciones de Gumersinda Hidalgo y Héctor Rodríguez, presentan la obra de Elio Palencia: Mátame mamá. Un drama sobre el sida y la tolerancia. En la sala Javier Villafañe, del teatro Tempo, de igual forma los viernes, sábados y domingos a las 6 pm.

Y la Compañía Regional de Teatro en coproducción con la Compañía Regional de Danza del estado, estrenaron la obra de Manuel Manzanilla: El cielo se puso rosa. Una divertida comedia, en la cual dos “vírgenes”, muy famosas, descienden a la tierra, por mandato “divino” a buscar a un estilista, para canonizarlo como el primer santo gay que habrá en los altares, en esta famosa ciudad de Guanare (capital espiritual de la Nación) Con las actuaciones de Evis Cuellar, Mercy Mendoza y Manuel Sequera, todos bajo la dirección de Aníbal Grunn, todos los viernes, sábados y domingos a las 7 pm, en el Centro Teatral Herman Lejter, sala Alberto Ravara.

El lema: “En el teatro es la cita”, no puede ser más ajustado a todas estas actividades. Las temporadas continuarán, con estos y otros espectáculos hasta el mes de Noviembre, donde se repetirá como todos los años el Festival de Teatro de Occidente.

Toda esta programación, se complementa con participación de agrupaciones de Caracas y de otras regiones del país, que todos los meses mostrarán sus obras. Teatro, danza, títeres y circo, son las modalidades escénicas que los fines de semana Guanare siga luciendo su eslogan de la “Atenas del Llano”

Sigue triunfando y en Caracas crece la expectativa

El director venezolano Lorenzo Vigas se alzó con el premio “Jordan Alexander Ressler” al Mejor Guion por su ópera prima Desde allá en la edición 33 del Festival Internacional de Cine de Miami. El filme protagonizado por el actor chileno Alfredo Castro y el debutante criollo Luis Alejandro Silva suma un nuevo reconocimiento a los logrados en encuentros cinematográficos de Italia, Francia, España, Grecia, Cuba y Estados Unidos.

El jurado encargado de otorgar el galardón estuvo conformado por la productora Rosa Bosch (El espinazo del diablo, Buena Vista Social Club), el guionista Jorge Guerricaechevarría (Ganador del Premio Goya por Celda 211), ambos de origen español, y el director argentino Diego Lerman (Refugiado). La película también formó parte de la Selección Oficial en la categoría Iberoamericana Lexus.

La cinta dirigida por Vigas confirmó recientemente su participación en la competencia oficial de Nuevos Directores de la edición 59 del Festival Internacional de Cine de San Francisco, en Estados Unidos, evento que se llevará a cabo entre el 21 de abril y el 5 de mayo. Este certamen presentará las propuestas de talentos prometedores de la cinematografía de 23 países del mundo.

Actualmente. Desde allá participa en la edición 23 del Festival de Cine Latino de San Diego, que anunciará sus ganadores el próximo 20 de marzo. La cinta también se exhibirá el 16, 17 y 18 de este mes en el Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, en Francia. Estreno Nacional

El equipo de producción del filme decidió diferir la fecha de estreno de la película hasta el próximo 3 de junio de 2016. Este cambio corresponde a la reducción de la jornada laboral en los principales centros comerciales del país debido al nuevo plan de ahorro energético nacional.

La crítica especializada de todo el mundo ha aclamado esta historia sobre profundas carencias emocionales. Expertos de destacados medios la calificaron como “fascinante” (Hollywood Reporter), “impresionante” (Variety) y “contundente” (Screen Daily).

Desde allá ganó el León de Oro a la Mejor Película en la edición 72 del Festival de Cine de Venecia, el encuentro cinematográfico “Clase A” más antiguo del mundo. El filme se estrenó en las salas comerciales de Italia a principios de 2016 y espera su lanzamiento en territorio norteamericano a finales de la primavera, a través de la distribuidora Strand Releasing.

Del 17 de marzo al 17 de abril Caracas volverá a vivir una nueva experiencia del Microteatro Venezuela, en el Centro Comercial Ciudad Tamanaco. De esta manera, tan insólita fiesta teatral llega a su séptima edición -hasta ahora han contabilizado 300 mil espectadores- y lo hace con una programación cargada de críticas sociales y comedias sobre el amor y las relaciones humanas.Los Espacios Urban Cuplé del CCCT, serán la sede para la presentación de 26 nuevas propuestas de 15 minutos, que estarán disponibles al público de miércoles a domingos con seis funciones diarias.

En esta nueva edición, el evento contará con la venta de boletos a través de www.ticketmundo.comy como ya es costumbre, en las taquillas del local, ofreciendo a sus asistentes una atractiva promoción de 2x1 todos los miércoles, jueves y viernes.

Para esta temporada repetirán directores como Dairo Piñeres con una comedia de Leonardo Padrón titulada Tres almohadas y una telaraña (sala 8) y otra de José Luis Useche llamada Ya no eres mi bombón (sala 7).

Así mismo Daniel Uribe regresa a dirigirBullying de Carlos Clemares, éxito en Microteatro México (sala 2).Jan Vidal, por su parte, escribe y dirige Quiero ser diputado en la sala 3, una comedia que satiriza parte de nuestra situación social y política actual.Carlos Chacón también repite como director en esta edición con una comedia de Yovanny Durán titulada El mototaxista (sala 4). Adultos la niñas regresan(sala 5) es la pieza con la que el director Mario Sudano regresa al Microteatro, para continuar el éxito de la temporada anterior, donde Cosas de niñas para adultos se llevó varias nominaciones.

Jennifer Gásperi también estará de nuevo en esta edición, con Crudo (sala 6) de José Alejandro España, una pieza que nos permitirá revisarnos como sociedad. En la sala 9, José Jesús González estará dirigiendo Las dos Fridas de su autoría. Los creadores de Notará que llevo un arma también regresan con Joder de Gustavo Ott bajo la dirección de José Gregorio Martínez en la sala 11.Y en la sala 13 de los mismos creadores de El Ano Club y Las Mamis, llegará a escena Macumba bajo la dirección de Alexander Rivera.

En la sala 15 la directora Katty Rubesz nos presentará Sex Shop una comedia de su autoría que nos permitirá enfrentarnos a algunos temas tabú en torno a la sexualidad. Manuel Bastos también repite en esta edición con Los de atrás de Marianella Alonzo en la sala 16, una comedia con una importante reflexión sobre la discriminación a lo diferente.Daniela Alvarado una vez más dirigirá para Microteatro Venezuela, y esta vez lo hará con el monólogo de Enrique Salas Yo soy la Wendy (sala 21), una comedia que denuncia los abusos de poder en una sociedad como la nuestra.Consuelo Trun también regresa a esta edición con Friendo Zona (sala 22) de Fernando Martínez una comedia sobre esa delgada línea entre el amor y la amistad. La sala 23 ofrecerá la comedia Micro, cine… ¡acción! Escrita y dirigida por Richard Clark, sobre la ética en el mundo artístico, con la participación del doble de Er Conde del Guácharo.

Debut de Directores

Directores de trayectoria y otros pertenecientes a la nueva generación estarán por primera vez en esta séptima edición:Angélica Escalona estará dirigiendo la pieza de José Simón Escalona María Queras en la sala 1.Sandra Pérez Corrales también estará por primera vez en esta edición con¿Y si llega pollo? (sala 10) una pieza que a través del humor critica la actual situación social de nuestro país.El actor Yanosky Muñoz debuta como escritor y director en esta edición con Anda a Mamar (sala 12) sugestivo título que sirve para hablar el tema de la censura en los medios de comunicación y la libertad de expresión.

Vanessa Utrera también participa por primera vez en Microteatro Venezuela con una pieza de José Luis Useche titulada Cristóbal Condón (sala 14), una comedia ligera sobre los traumas de la adolescencia. El joven dramaturgo Jan Thomas Mora, también debuta como director en esta séptima temporada con la comedia Ponte que te toca en la sala 17.La Lujuria (sala 18) será la pieza con la que el joven Eliecer Paredes participará por primera vez en Microteatro Venezuela. Una minicomedia musical escrita por el crítico Rubén Monasterios.

Mariana Calderón debuta también como directora en esta séptima edición de Microteatro Venezuela, con una pieza de humor negro de la autoría de Ana Melo titulada Indioman (sala 19), una sátira de nuestra sociedad actual donde un insólito personaje nos hará pensar sobre cuál es la idea del héroe que tenemos los venezolanos. El productor Eduardo Fermín también participará en esta edición como dramaturgo y director con la obra La mejor amiga” una comedia sobre lo que no contamos de la amistad en la sala 20.

Daniel Alfonso Rojas es otro de los dramaturgos y directores que participará en esta edición con la obra Me transformé en mamá (sala 24)una comedia de enredos que tocará el tema transgénero. Sheila Colmenares también participa por primera vez en Microteatro Venezuela con la pieza La Taza de la discordia en la sala 25, escrita por el crítico Bruno Mateo. Finalmente, el éxito de Microteatro Madrid No toda la culpa es de Yoko (sala 26) llega a Microteatro Venezuela de la mano de su autor y director Enrique Guart, quien por primera vez estará participando en el Microteatro de nuestro país.

Horarios

MIÉRCOLES A SÁBADOS 07:15pm / 07:45pm /08:15pm / 08:45pm / 09:15pm /09:45pm. DOMINGOS 06:15pm / 06:45pm / 07:15pm / 07:45pm /08:15pm / 08:45pm.

Para derrotar a las voces agoreras siempre han estado los artistas venezolanos y es por eso que, bajo el lema, En el teatro es la cita…a las 7 pm, en Guanare sigue habiendo un gran movimiento teatral. Algunos espectáculos continúan su temporada y se estrenan otros.Sus actores y sus espectadores quieren venir a Caracas pero por ahora no los dejan y deben así cumplir con la comunidad portugueseña o portuguesa.

Algo que nos llama poderosamente la atención es que estrenan a sus propios escritores. Por ejemplo esta semana Manuel Manzanilla, portugueseño de pura cepa, tendrá en cartelera dos de sus obras. A las 6 pm, en el Centro Cultural Amanda Muñoz de Urriola, la Escuela de Teatro José Antonio Páez, presenta El ensayo de la señora Braun. Un thriller de suspenso y terror, escrito y dirigido por Manuel Manzanilla, con las actuaciones de Emiliana Fernández, Ana Durán, Elizabeth Prato, Rafael Orellana y Alber Morón. Una propuesta minimalista, en donde todo pasa, la luz te atrapa, el techo y las paredes tiemblan. Todo por la ambición de una madre. Pero esa señora Braun, ¿existe? ¿Es real?

Luego, el grupo Batahola, siempre en búsqueda de un nuevo público, de atraer a las más jóvenes, presenta una Noche de boleros café concert, karaoke, sorpresas. Un espectáculo donde el público es el protagonista. Todo a las 6 pm, en su sede al lado de la plaza Tomás Montilla.

Y continúa con mucho éxito la temporada de Mátame, mamá , de Elio Palencia, que el grupo Martex, bajo la dirección de Rubén Uzcátegui y con las actuaciones de Gumersinda Hidalgo y Héctor Rodríguez, se presenta a las 6 pm, en la sede del teatro Tempo, de jueves a domingo

Antes de irnos de vacaciones de Semana Santa, debemos ver la otra pieza de Manuel Manzanilla: El cielo se puso rosa, bajo la dirección de Aníbal Grunn, con las actuaciones de Evis Cuellar, Mercy Mendoza y Manuel Sequera. Una coproducción de la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa y la Compañía Regional de Danza de Portuguesa. Un espectáculo escandaloso, irreverente que ha movido a Guanare. Viernes, sábado y domingo a las 7 pm en el Centro Teatral Herman Lejter, al lado de protección Civil, en la urbanización Hato Modelo.

El público guanareño lo ha pedido y las agrupaciones teatrales le responden con todo su talento.

Y después de la pausa de Semana Santa continúa la fiesta teatral de Guanare. Recuerde: “En el teatro es la cita a las 7PM".

El teatrero Miguel Torrence a sus 71 años tenia recuerdos de días felices vividos y disfrutados, así nos lo declarò hace cinco años en una visita fugaz a Caracas. Siempre quiso recibir el Premio Nacional de Teatro, que otorga el Estado, para poder decir que ese era “el dìa más feliz de mi existencia terrenal”. Nunca se lo dieron, pero si era un hombre feliz por sus décadas haciendo espectáculos y formando generaciones. Y de eso fuimos testigos. Hoy lo despedimos porque se fue de gira y los que quedamos atrás debemos recordarlo con algunas de sus confesiones.

-¿Pero, cuál ha sido por ahora, su día más feliz?

-Cuando ganamos, con el Teatro Universitario de Carabobo, el primer premio del Tercer Festival Internacional de Teatro de Manizales, realizado entre el 12 y el 19 de septiembre de 1970, con El proceso de Lucullus, de Bertold Brecht. Nos presentamos el 13 y convertimos la sala Los Fundadores en un mercado libre por las características de nuestro montaje, porque recreamos la pieza dentro de un contexto muy latinoamericano. Ahí participaron, entre otros Fermín González y Armando Gota. Aquello es inolvidable, de verdad.

-¿Desde cuándo en el teatro?

-Estudié en la valenciana Escuela Ramón Zapata con el maestro Eduardo Moreno y debute como actor hacia el 11 de octubre de 1960, en un espectáculo con los textos Petición de mano y El aniversario de Chejov. Me dediqué de lleno a la dramaturgia y la dirección y por eso ya contabilizo más de 300 montajes y unas 60 obras escritas.

Como puestista debutó en 1961 y reconoce que “la fecha se me ha borrado, pero no puedo olvidar que era en un espacio abierto en Naguanagua, donde hasta el Ejército tuvo que intervenir para controlar al público entusiasmado por una versión libre de la fábula La bella durmiente del bosque encantado que les mostraba”.

Torrence es clave para el desarrollo del teatro regional, ya que formó notables generaciones de comediantes, como Aroldo Betancourt, Kiddio España y Grecia Colmenares, entre otros, y logró apuntalar el Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Carabobo con la creación del TUC. También ha estado al frente del Compañía Regional de Teatro de Carabobo y, por si fuera poco, es el líder del Teatro Arlequín, con casi 50 años de labores, institución que desde 1993 dispone de una sala para 300 personas, un centro polivalente para las artes escénicas en la capital carabobeña.

Este artista, que ha enfrentado infortunios de toda índole, “porque los enemigos no duermen”, asegura que desde 1960 no ha dejado de teatralizar la cotidianidad y ahora espera editar un libro donde compilará sus creencias estéticas, para iniciar después así una severa revisión de todas sus piezas teatrales, antes de proceder a editarlas. “No he querido editar y después corregir. Reviso y después imprimo”.

-¿Tiene algún hechizo o formula para conservarse vital y vivir más?

-Creo que mi salud es consecuencia de mi esclavitud para con el teatro. Hasta ahora he sido sano, no tengo hechizos ni cosa parecida. No tomo licores, salvo un trago de cortesía en una reunión social. En mi casa comemos sanamente, con poca sal y sin manteca. Disfruto de los vegetales, las verduras y las frutas. El único ejercicio que hago son las caminatas matinales, durante una hora, en el Parque Metropolitano de Valencia.

Mascota

Miguel, quinto hijo de Aracelys Estrada de Torrence y Miguel Ángel, nació en Valencia el 22 de marzo de 1940. Comenzó a trabajar a los 11 años porque tenía que ayudar a mantener su familia, sin descuidar su formación política y cultural, para lo cual tenía como padrinos a intelectuales y políticos como Evaristo y Cayetano Ramírez. “A los siete años yo era la mascota del comité carabobeño del Partido Comunista de Venezuela. Cuando crecí participé en las actividades partidistas y hasta fui guerrillero. Después me distancié por el dogmatismo, pero soy izquierdista irreductible, marxista humanista. Mi formación fue fundamentalmente autodidacta y comenzó temprano, aunque mis padres me quemaron una biblioteca porque me estaba enfermando de tanto leer. Han pasado los años y además dejo como legado mis cuatro hijos, dos nietos y un bisnieto. Los Torrence continúan”.

Un sueño que se estamaterializando poco a poco con trabajo y paciencia.

Carmen Ópera Circo,adaptación de la obra de Bizett, se presentó del 11 al 13 de marzo en el Teatro Teresa Carreño, plenando su sala Ríos Reyna. Así se materializó un sueño que comenzó como nocturno espectáculo callejero y casi diez años después es la Fundación Circo Nacional de Venezuela (FCNV), según la visualizó el comandante Hugo Chávez Frías, su primer mentor.

Hay muchas leyendas urbanas y también sacrificios y desvelos para hacer realidad al Circo Nacional de Venezuela. Lo importante ahora es que el Estado, por intermedio de fundaciones y el Ejecutivo, da su apoyo para que se muestren y recorran al pais, y además se exhiban afuera, con su versión de la pieza de Bizet, o con Fingiendo demencia, Funámbulo y Éxodo, gracias a que están formando una generación de actores y actrices de circo de salón, como parte de su política de inclusión y desarrollo social con las artes.

La FCNV exhibió la afamada y rocambolesca saga de una pasión atormentada entre una astuta y atractiva muchacha gitana y un ingenuo soldado enloquecido por los celos. Con más de 40 artistas en el escenario, acompañados afinadamente por la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, el Coro de Ópera Teresa Carreño y el elenco de Teresa Danza Contemporánea, dirigido por Félix Oropeza, el público disfrutó de un gran espectáculo multidisciplinario que conjugó, con acierto, danza, cantos, música y el circo como principal motor de la escena.

Esta Carmen, integrada por números de acrobacia, trapecio, malabares, equilibrios y un poco de humor, en 120 minutos de exquisita música materializaron al clásico del siglo XIX, contando con el correcto apoyo de Melba González (mezzo), Nibelys Peraza (soprano) y Gustavo Castillo (barítono).La puesta en escena, ambiciosa creación de Jericó Montilla, contó con los arreglos de Rodolfo Saglimbeni, la batuta del director Daniel Gil y la dirección general de Niki García. ¡Así, pues, el circo criollo llego al Teatro Teresa Carreño!

Hay talento criollo para acrecentar y hacer la compañía ideal.

Cuentan por ahí y no es otra fabula urbana, que el comandante Hugo Rafael Chávez Frías, cual versión caribeña de El Califa de Bagdad, salía del Palacio de Miraflores frecuentemente de noche .Lo hacía disfrazado, para ver qué hacían los caraqueños en las cálidas sombras; hasta que una vez, después de un deambular reflexivo y tras haberse devorado unas cuantas arepas de queso guayanés y unas tantas reinas pepiadas, junto con sus fieles acompañantes, se quedó estupefacto: vio que en el cruce de una importante avenida, afectando el normal tráfico vehicular, unos cuantos muchachones habían montado un sencillo show de circo: escupían fuego, daban tres saltos mortales y caían parados y hacían malabares con aguacates y cuantas frutas brotaban de una bolsa de cuero que tenía esos funámbulos callejeros.

Ese presidente llanero agarró su teléfono y le dio una orden expresa a su flamante ministro de Cultura, el gallego Francisco Farruco Novás: “quiero una compañía como Dios manda y será el Circo Nacional de Venezuela”.

Los improvisados actores circenses no sabían que estaban siendo observados y comprometidos en un proyecto que podría cambiarles la vida. Terminaron sus rutinas y pasaron el cepillo para recibir algunos bolívares, descansaron y siguieron en el mismo sitio, durante unas horas más.

La pauta dictada por Chávez Frías se ejecutó y varios meses después debutó, con el líder de esos curtidos artistas callejeros, Niky García, en el histórico coso Nuevo Circo de Caracas, con fastuosa carpa. Y nosotros estábamos ahí: viendo el debut del Circo Nacional de Venezuela.

Aquello marchó bien durante un tiempo, como son las cosas en Venezuela cuando arrancan, pero los artistas se cansaron, no les prestaban la debida atención, les hacía falta atención médica y dinero, y como es lógico terminaron por irse nuevo a la calle, cuenta Niky.

SEGUNDO TIEMPO

Han pasado los años, el Comandante ya no está… pero ahora hay otro fogoso ministro, el titiritero Freddy Ñáñez, quien programó a las huestes del Niky, convertidas en el cuerpo y cola de la privada Fundación Circo Nacional de Venezuela (FCNV), para que se presenten, por ahora, el Teatro Teresa Carreño con la ópera Carmende George Bizet, representada por primera vez en nuestro país en versión circense.

Luego de su exitosa gira por Suramérica, la FCNV y el Teatro Teresa Carreño exhibieron la afamada obra que narra la historia de una pasión atormentada entre una astuta y atractiva muchacha gitana y un ingenuo soldado enloquecido por los celos. Con más de 40 artistas en el escenario, acompañados afinadamente por la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, el Coro de Ópera Teresa Carreño y el elenco de Teresa Danza Contemporánea dirigido por Félix Oropeza, el público caraqueño pudo disfrutar de un espectáculo multidisciplinario que conjugó, con acierto, la danza, el canto, la música y el circo como principal motor de la escena, del 11 al 23 de abril de este agitado 2016.

NIKY Y JERICO LOS ARTIFICES

Enmarcada en el género del circo contemporáneo o el llamado “Nuevo Circo” esta versión circense de Carmen, está compuesta por diversos números de acrobacia, trapecio, malabares, equilibrios y un poco de humor, ejecutados por artistas criollos formados en su mayoría en el programa de formación que lleva adelante la Fundación Circo Nacional de Venezuela, quienes en unos 120 minutos de espectáculo dieron vida al clásico operático del siglo XIX, escrito por Prosper Mallerme, contando con el correcto apoyo de los cantantes Melba González (mezzo), Nibelys Peraza (soprano) y Gustavo Castillo (barítono).

Esta puesta en escena, que fue una ambiciosa e impactante dirección artística de Jericó Montilla, contó con los arreglos musicales del maestro Rodolfo Saglimbeni, la batuta del joven director Daniel Gil, y la dirección general de Niky García.

Así, pues, el circo criollo llegó al monumental Teatro Teresa Carreño, donde fue apoyado y aplaudido por centenares de espectadores. Pero antes se habían mostrado, en otros escenarios, con montajes como Fingiendo demencia (2012), Funámbulo(2013) y Éxodo (2015), en varias ciudades venezolanas y hasta en festivales de Nicaragua, Colombia, Perú y Brasil. Haciendo realidad el sueño de un Presidente amigo de las artes, en general.

No es el FCNV una agrupación al estilo del Cirque du Soleil de Guy Laliberté, nada de eso. Es una empresa cultural que transpira venezolanidad y que puede llegar a ser todo un fenómeno del circo mundial. Necesitan tiempo para madurar, por ahora tienen suficiente talento humano y unos cerebros que proponen ideas y unos cuerpos jóvenes que pueden acrecentar su virtuosismo. Y, por supuesto, hay un Estado que los apoya y un público ansioso de que alcancen más y mejores hitos artísticos.

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