EL ESPECTADOR venezolano

El joven autor y director Fernando Azpúrua cierra el festival del Trasnocho Cultural.

Hace más o menos un cuarto de siglo, aquí en Caracas se armó un escándalo en al ámbito teatral. Nada menos que Carlos Giménez se había atrevido a señalar que el arte escénico no iba bien y que por lo tanto tenían que cambiarlo, especialmente en el sector de la creación de los montajes, en la visualización en tres dimensiones de los textos dramáticos u cómicos. Comenzó entonces con unos talleres de dirección teatral destinados a capacitar a la nueva generación de puestistas. Pero aquel proyecto no avanzó porque su líder falleció y nadie más habló de tan espinoso tema.

PRIMER ACTO

Es a finales del año 2014 y durante los primeros meses del 2015 que el tema de la capacitación de una generación de nuevos directores saltó a la escena.Se organizó un festival para darles la oportunidad a los jóvenes que quisieran debutar como directores de teatro, así como también lo había iniciado el legendario Carlos Giménez. El Trasnocho Cultural, fundación cultural privada que funciona en el Centro Comercial El Paseo, organizó y puso en marcha el Festival de Nuevos Directores de Teatro Trasnocho. Buena intención para airear la cartelera venezolana y ayudar a subir la difícil cuesta de la profesionalización a las nuevas generaciones.

El festival arrancó a mediados de enero del 2015 y cerró tras mostrar ocho espectáculos, dos meses después. Los dos mejores montajes, según un jurado, hicieron una temporada en la sala Espacio Alterno. Ese fue el premio, tras todo el prestigio y la publicidad que suscitó tan novedoso evento.

De esos ocho montajes destacamos la audacia inteligente de Jorge Souki al transformar la romántica y amarga pieza de Augusto Strindberg en una truculenta pasión de una pareja de jóvenes de diferente origen sociocultural tratando de sobrevivir en una convulsa Caracas del siglo XXI. Su Julia contó con casting novedoso porque el “utilizado” Juan es un joven motorizado que goza de la atrevida Julia pero al final la deja para continuar con su novia Cristina, roles resueltos con solvencia por José Ramón Barreto, Vanessa Morr y María Fernanda Meléndez. Vamos a ver qué pasa con Souki y su adiestrado y trabajador equipo.

También resaltamos la respetuosa versión y dirección escénica que hizo Leonardo Van Schermbeek con La Lección , de Eugenio Ionesco quien sin alterar el texto demuestra los errores de la metodología educativa aplicada a los jóvenes y el mortal final que les espera: asesinados por sus maestros. La metáfora escénica que propone Ionesco queda brutalmente plasmada en la escena, cuando el profesor se pone su brazalete nazi y se dispone a recibir la cuadragésima primera alumna y futura víctima. Hay que destacar el excelente trabajo actoral de Héctor Castro, bien apuntalado por la impactante caracterización de Rebecca Perich (la alumna) y correctamente complementado por Dayhana Carmona como la sirvienta cómplice.

SEGUNDO ACTO

Fue tan positivo aquel experimento del Festival de Nuevos Directores que la directiva del Trasnocho Cultural, puso en marcha la segunda edición de este evento, el cual comenzó el 15 de enero y se prolonga hasta finales de este febrero. En esta oportunidad, un jurado, conformado por Héctor Manrique, Solveig Hoogesteijn, Pilar Arteaga, Douglas Palumbo y Eva Ivangy, evaluó a más de 30 obras que concursaron, quedando seis de ellas seleccionadas para esta primera etapa.Durante dichas presentaciones, las piezas serán evaluadas nuevamente por un jurado de premiación conformado por Xiomara Moreno, Orlando Arocha, María del Pilar Arteaga, Rossana Hernández, Douglas Palumbo y E.A. Moreno-Uribe.

Posteriormente, elegirán a dos ganadores. El primer lugar será parte de la programación oficial del Espacio Plural del Trasnocho Cultural en la temporada comprendida entre el viernes 4 hasta domingo 27 de marzo de 2016. La obra que logre el segundo lugar será presentada desde el viernes 11 de marzo hasta el domingo 3 de abril. Así este II Festival de Jóvenes Directores continúa siendo así una gran oportunidad para que noveles talentos se den a conocer en el Trasnocho Cultural, que ha dado puerta abierta a proyectos y profesionales del mundo de las artes escénicas. A esta nueva edición, se le suma como aliado el Centro Cultural Chacao, que presentará en una temporada especial las dos piezas ganadoras, entre abril y mayo de 2016.

LAS TRES ÚLTIMAS

Cuando ya se han estrenado Como agua para chocolate, dirigida por Julián Izquierdo Ayala, La excepción y la regla, puesta en escena por Marie Eugenia Sequera y La escala humana, conducida por Pedro Borgo, este viernes 5 de febrero presentan La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca, dirigida por Jonell Páez y producida por Akán Tribu Teatral. Elenco (con sus respectivos personajes): Ernesto Campos (Segismundo); Layla Vargas (Clotaldo); Germán Manrique (Basilio); Marxlenin Cipriani (Rosaura); Anthony Castillo (Astolfo); Dayana Caro (Estrella) y Jeff Ortigoza (Criado/Soldado).Sinopsis.Es la gran obra del teatro barroco español. Un importante discurso filosófico se describe en ella, planteando la vida como un sueño y la oposición entre destino y libertad, que nos ofrece herramientas que son de gran importancia para entender la vida y la libertad como el bien más preciado para el hombre, que por estar privado de ella muta a un ser implacable y tirano que pierde control sobre su conciencia y deja que su instinto actúe en su lugar. Calderón de la Barca consigue que todos los personajes logren salir de la oscuridad de sus pensamientos y trasciendan a la luz haciéndonos ver cómo somos dueños de nuestro destino. Una obra que a través de una estructura dramática impecable nos sumerge en este mundo del que nadie puede salir ileso, lleno de magia y belleza.

Para el viernes 12 se ha fijado el estreno de Gorditas, del venezolano Gustavo Ott, dirigida por Lissy García Teppa.Productores: Armando Andrés González y Valentina Ortiz. Elenco (con sus respectivos personajes): Angélica Siso (Martha Estrada); Martina (Norma Monasterios); Valentina (Gisela Rojas); Elvira (Omaira Abinadé). Sinopsis: La industria de la dieta gasta 33 mil millones de dólares anuales en publicidad. El 75 por ciento de las personas entre 26 y 45 años piensan en una sola cosa: que están gordas. Cuatro mujeres que sueñan con la eternidad se encuentran atrapadas dentro del mundo de la publicidad. Ahí empiezan un juego por el poder en dónde sus armas principales serán la amistad, la traición y la manipulación. Son cuatro mujeres abrumadas por una belleza comercial que ellas mismas venden. Cuatro mujeres obsesionadas con la inmortalidad. Cuatro mujeres que quieren ser y trascender. Con un texto divertido y contundente, Gustavo Ott nos adentra en el universo de la publicidad, el culto al cuerpo, la imagen, los negocios y la lucha por el poder, en dónde descubriremos lo que todos podemos ser capaces de hacer por trascender.

Y el último estreno del festival es para el 18 de febrero. Se trata de Los amantes inconstantes, versión de Fernando Azpúrua sobre el original de Pierre de Marivaux, producida por Kharolyn Castellano. Elenco(con sus respectivos personajes): Oswaldo Maccio (Marcelo); Kevin Jorges (Fabian); Juan Bautista (Silvio); David Colmenares (Luciano); Saúl Mendoza (Príncipe) y Javier Figuera (Arlequín).Sinopsis: La obra nos sumerge en la historia de Silvio, quien es raptado por un príncipe para jurarle su amor, pero conseguirlo no le será tan fácil debido a que está profundamente enamorado de Alejandro. Es entonces cuando ciertos personajes del palacio deciden conspirar para hacer los deseos del príncipe realidad, demostrando como a través de sus inconstancias, todos se entregan a las pasiones y abandonan las más puras promesas de amor.

Rodolfo Porras ahora mostrará su pieza teatral sobre la cultura del petróleo.

Un iceberg es una gran montaña de hielo que flota en los mares fríos, tras la ruptura de un glaciar. A primera vista aparenta no ser grande y esto es porque apenas un 10% de su volumen es visible en la superficie y el 90% está sumergido. Debido a las características de esa masa flotante, existe la frase “es solo la punta del iceberg”, lo cual significa que una situación o problema es solo una pequeña parte de lo que puede ocurrir. En psicología, existe la teoría del iceberg de Hemingway, la cual dice que “solo atendemos aquello que es visible a simple vista y lo demás pasa inadvertido”, tal como ocurre con un iceberg.

Hacemos esta introducción porque durante la temporada 2015 se presentó en el Trasnocho Cultural el espectáculo teatral La punta del iceberg del español Antonio Tabares, puesta en escena por Javier Vidal. Y este año, en el Teatro Nacional se verá la pieza La punta del iceberg, dirigida por su autor Rodolfo Porras, ganador del III Premio Nacional de Dramaturgia César Rengifo 2016, consistente en un premio en metálico, el diploma respectivo, la publicación del texto y un aporte para su escenificación por parte de Fundarte, la fundación cultural de la Alcaldía del municipio Libertador.

La punta del iceberg de Tabares alude a los enigmáticos suicidios de cuatro trabajadores y la respectiva investigación que apunta hacia sus agudos y peculiares problemas personales, agravados por estrés laboral y falta de apoyo profesional (psicólogos sociales y psiquiatras), quienes cayeron en agudas depresiones que los lanzaron a sus desenlaces, según una directora de la empresa española.

La obra del caraqueño Porras (1958) es la historia de dos hombres y una mujer durante El Caracazo (la rebelión popular del 27 de febrero de 1989. Son tres actos íntimamente ligados entre sí, pero cuyo trasfondo en la explotación petrolera y muy especialmente la llamada cultura del petróleo. Y su título se refiere precisamente a lo que no vemos en escena, a lo que está debajo. Es una metáfora sobre el crudo y todo lo bueno y lo malo que eso ha significado para los venezolanos. El espectáculo se podrá ver durante el primer semestre de este año.

Y por eso ahora dos dramaturgos coinciden no solo en los títulos sino también en lo oculto que tienen esas obras para sus públicos y como lo descubren.

Rodolfo Porras ganador del Premio de Dramaturgia César Rengifo 2016.

Rodolfo, uno de los cuatro hijos de la actriz Isabel Hungría y Luis Porras, ganó el III Premio Nacional de Dramaturgia César Rengifo 2016 por su obra La punta del iceberg; un concurso, organizado por la Fundación para la Cultura y las Artes (Fundarte) de la Alcaldía del Municipio Libertador, la cual auspicia la publicación y el montaje de dicho texto, además de entregar una suma en metálico para el escritor.

La punta del iceberg fue escogida entre 42 obras presentadas ante Fundarte, todas relacionadas con el tema del petróleo en Venezuela. Esta pieza es la historia de tres personajes durante El Caracazo —rebelión popular ocurrida el 27 de febrero de 1989 contra las medidas neoliberales del presidente Carlos Andrés Pérez—y hace parte de la producción dramatúrgica de Rodolfo Porras (58 años), escritor, director y productor, articulista, ensayista, guionista de cine y televisión; además licenciado en Letras (UCV) y con estudios en el Instituto de Arte Dramático y la Escuela de Cine. Fue director general del Instituto de las Artes Escénicas y Musicales (IAEM) del Ministerio del Poder Popular para la Cultura y coordinador de Teatro de la Casa Nacional de las Letras Andrés Bello.

La punta del iceberg, según Porras, hace parte de su discurso dramatúrgico, el cual está íntimamente ligado con los problemas sociales venezolanos, como lo ha demostrado en sus obras Cuarteto de amor para una historia de dos y La Celada, las cuales el mismo ha puesto en escena. También ha escrito: Luvina, Tres en cárcel, Acorde final, La trastienda e Historia con calle, entre otras. 58 años) ha dicho que “La punta del iceberg”

¿Este es el primer premio que gana?

No, durante la temporada de 1998 mi pieza Luvina ganó el Premio Municipal de Teatro (Mención teatro Universitario), montaje que yo también dirigí.

-¿Por qué su obra se llama “La punta del iceberg”?

Mi pieza está inspirada en El Caracazo y sus tres personajes (dos hombres y una mujer) plasman una saga muy venezolana, cuyo trasfondo es la explotación petrolera y muy especialmente la llamada cultura del petróleo. Son tres actos íntimamente ligados entre sí. Y creo que su título se refiere precisamente a lo que no vemos en escena, a lo que está por debajo, y por eso se llama La punta del iceberg. Es una metáfora sobre el crudo y todo lo que eso ha significado para nosotros los venezolanos.

¿Qué pasará con esta obra?

El fin último de toda literatura dramática es ser representada y por eso desde ahora debo comenzar a ensayarla, próximamente, con miras a mostrarla en el V Festival de Teatro de Caracas, que organiza Fundarte para los venideros meses de marzo y abril, o antes de finalizar el semestre. Esa es mi meta. Es además un homenaje a César Rengifo, porque a través de sus obras plásticas y teatrales logró plasmar “una mirada humanista, comprometida con la vida, justicia y verdad”, como dijo recientemente el alcalde Jorge Rodriguez.

¿Cuál es el estado del teatro venezolano?

Yo he viajado por todo el pais y conozco lo que se hace con el teatro. Es una disciplina artística muy joven, pese a que comenzó a finales del siglo XVII. Creo que el verdadero teatro venezolano se inicia a mediados del siglo XX, con autores como César Rengifo y con la presencia de maestros como José Gómez Obregón, Juana Sujo y Horacio Peterson, entre otros. Nuestro teatro tuvo un agudo declive a finales del siglo XX, pero es durante las dos primeras décadas del siglo XXI que ha tenido un resurgimiento, por las políticas oficiales y porque además Fundarte ha rescatado los festivales de teatro y puso en marcha el rescate de no menos de 25 salas para todo el municipio Libertador. Hay una fuerte presencia del teatro comercial, pero al lado hay una juventud preparada y con deseos de hacer más y mejores espectáculos. Debo subrayar que los venezolanos tenemos una gran pasión por las artes teatrales y lo demuestran su asistencia en masa a los festivales, como ocurrió también durante la segunda mitad del siglo XX.

Gustavo Ott, caraqueño de 53 años, convertido en afamado autor teatral

A un átomo de distancia, de Gustavo Ott, es el primer montaje de este afamado autor venezolano, residente ahora en Estados Unidos, para abrir la temporada 2016, gracias a la producción del Teatro General San Martín de Caracas (TSMC) y al profesional apoyo del versátil teatrero Rubén León, quien asumió la dirección del espectáculo hasta llevarlo a su estreno el próximo viernes12 de febrero, allá en la frontera con la comunidad de Artigas, en el suroeste caraqueño

Inicialmente el montaje de esta pieza fue encomendado a Vladimir Vera porque el mismo dramaturgo se la ofreció y por tal razón comenzó los ensayos con Maria Brito, David Villegas y su esposa Fedora Freites, porque además era una coproducción con su grupo Teatro Forte. Pero el director renunció, también se retiró Fedora y la agrupación, paralizándose así los ensayos después de dos meses de estudio y ensayos.

¿Es su primer montaje de un texto de Ott?

Si, aunque Ott ante me ofreció su texto El hombre más aburrido del mundo, pero no pude aceptarlo por otros compromisos; también antes me solicitó el montaje de su pieza 80 dientes, 4 metros y 200 kilos, pero tampoco pude aceptarlo. Me toco ahora, en la tercera ocasión, fungir de emergente y ayudar a mis amigos del TSMC. Llevamos casi cuatro semanas de ensayos y nos alistamos al montaje. Estoy muy satisfecho y creo que he resuelto la tarea encomendada. Es como mi regalo de cumpleaños porque precisamente estoy cumpliendo mi primer medio cupón, o sea 50 años.

Comentó León que el espectáculo estará en cartelera durante unas siete semanas y hasta es posible que se le presente también en la programación del quinto Festival de Teatro de Caracas, el monumental evento que organiza Fundarte, desde hace cuatro años la fundación cultural del Municipio Libertador.

¿Cómo ha sido su trabajo con el elenco?

Muy sencillo, muy profesional, pues yo conozco a David y María, desde hace varios años, una pareja perfecta de actores, y ahora tenemos además la participación de Susana López, joven y talentosa actriz.

¿Cómo encuentra la pieza y cómo fue su trabajo?

Es una pieza sencilla donde se coquetea con los mundos paralelos y eso puede crear una cierta confusión entre la audiencia, pero cuando lo atrape ansiará su desenlace, ya que se trata de la desaparición de una niña. Yo además de director del montaje y elenco, soy el escenógrafo. Se trata de un espectáculo que debe durar unos 90 minutos reales, los cuales corren en cinco actos y se desarrollan entre tres días de ficción teatral. Debo advertir que difícilmente podré ver el montaje con el público normal y corriente porque la noche de su estreno debo viajar y no estaré en Caracas durante un cierto tiempo.

LA NIÑA ALINA

A un átomo de distancia ganó el VIII Premio de Textos Teatrales FATEX 2012, de Mérida, España. Fue editada por el Gobierno de Extremadura, la Diputación de Cáceres, y FATEX, con prólogo de Miguel Murillo Gómez y presentada en el Teatro López de Ayala de Badajoz el 24 de Octubre del 2012.Gustavo Ott (Caracas,1963) recibió el VIII Premio, dotado con 4.000 euros (5.232 dólares).

La obra ganadora plasma la historia de la desaparición de Alina, una niña de seis años, lo cual desencadena una trama policial envuelta en memorias simultáneas y mundos paralelos que, junto con el tema del abuso, el maltrato y el crimen, convierten a todos en sospechosos y en culpables.

Para su autor, se trata de "una historia que finalmente habla sobre uno de los temas más inquietantes de la ciencia y la artes actuales: la naturaleza de la 'realidad', que ya no nos parece tan segura, ni estable, ni confiable como pensábamos".

En Maracaibo será el estreno de un texto premiado de Ott.

Será en el teatro Baralt de Maracaibo, hacia el próximo 14 de marzo, el estreno de la pieza Peludas en el cielo, de Gustavo Ott (Caracas, 1963) bajo la dirección de Carlos Arroyo y con la participación de Aura Rivas, Francis Rueda, Vanesa Vázquez y Luis Domingo González.

Peludas en el cielo, que ganó el Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015, del Centro Nacional de Teatro, está centrada en las temáticas abordadas por César Rengifo a lo largo de su obra artística y es parte de la programación oficial por el centenario del artista. Después de su temporada en la urbe maracucha, auspiciada por la Gobernación del Zulia, participará en el V Festival de Teatro de Caracas, organizado por Fundarte, que habría sido cambiado para el mes de abril. También haría una temporada en el Celarg.

Este estreno del texto de Ott se suma al que se espera para el viernes 12 de febrero en el teatro San Martín de Caracas. Se trata de A un átomo de distancia, por supuesto también de Ott, dirigido por Rubén León y con las actuaciones de María Brito, David Villegas y Susana López. Es una especie de thriller ya que alude a la desaparición de Alina, una niña de 6 años. Es una pieza sencilla donde se coquetea con los mundos paralelos y eso puede crear una cierta confusión entre la audiencia, pero cuando lo atrape ansiará su desenlace. Esta obra también fue galardonada en un curso de España. Es posible que el autor - uno de los criollos más representados hasta ahora en el exterior-venga a Venezuela para presencíar alguno de estos montajes, ya que trabaja actualmente en una universidad de Estados Unidos.

ALuis Domingo González en una fantástica performance.

La agrupación Rajatabla (1971) tras la muerte de su fundador Carlos Gimenez (1993) es una nao sin brújula estética progresista y acorde para el siglo XXI. Sigue sin naufragar porque dos directivos la han mantenido a flote: el actor Francisco Alfaro se sacrificó para que funcionara dignamente y actualmente el productor William López hace malabarismos ya que no quiere cerrar.

Pero la institución no termina de recuperarse artísticamente y lo más reciente ha sido traer de Madrid al venezolano Rennier Piñero (36), quien tiene una carrera decorosa en los escenarios hispanos, para que montara el espectáculo Pan y los nadie, angustioso monólogo, de 75 minutos, del actor Luis Domingo González, con los plausibles apoyos escénicos de Sandra Moncada, Adriana Bustamante y Jennifer Morales. Es una coproducción con el Colectivo Fisión Escénica (constituido en Madrid en 2002), cuya tarea dramatúrgica resolvió Silvia Herreros Tejada

Pan y los nadie es una versión del cuento de Peter Pan, mito creado por James Matthew Barrie, reencarnado en un malandro venezolano, quien envejece y ahora es el sepulturero-forense de un cementerio del año 2045. Nos gusta el planteamiento de su literatura dramática y hasta la solución escénica para tan vitriólico texto, lograda asombrosamente por el comediante González, pero al espectáculo le sobran por lo menos 15 minutos, hay demasiadas reiteraciones en su discurso, el cual va del presente al pasado y regresa para acentuar con titulares y textos -coreados por tres ángeles o brujas- sobre la habitual violencia en calles y urbes criollas, crímenes espantosos que le arrugan las entrañas al más centrado de los espectadores.

Por supuesto que la conmovedora performance de González, atrapa a la audiencia y se llega a un final obvio: el anciano Peter Pan muere y en su tránsito hacia el más allá se desnuda para despedirse de la audiencia, que, por supuesto, está consternada ante el realismo teatral de tal violencia cainítica que le han subrayado.

¿Qué podrá pasar con Rajatabla ahora que está en una especie de tobogán sin destino, precisamente cuando llega a los 45 años de historia? ¿El destino de esta histórica agrupación a quien le duele, precisamente ahora que está reducido su capital humano y anda en pos de una estética que lo prolongue?

El valioso equipo humano que ha comandado Fernando Azpúrua

A sus 25 años, el teatrero Fernando Azpúrua prepara su audaz espectáculo Los amantes inconstantes, comedia musical gay, para cerrar el Segundo Festival de Jóvenes Directores del Trasnocho. Advierte que “una de las claves para poder disfrutar de su proceso de creación estuvo en la elección de un texto con el cual se pudiera divertir y ser libre. Pasé por muchas opciones. Construí en mi cabeza escenarios de otras posibilidades. Sin embargo hay que escuchar a los maestros y, el más importante para mí, me recomendó leer tres autores franceses. Me habló de ellos y dijo: has tu investigación y elige. Así llegué a Marivaux. Elegí tres obras para leerlas y luego decidí La doble inconstancia. Divertida, descarada y emocionante. Luego opté por conseguir una versión en español y como no fue posible, empecé un proceso de traducción, donde mi compañera y asistente de dirección Shakti Maal ayudó muchísimo. Finalmente pude concretar una versión que necesitaba mucho trabajo, puesto que luego quería adaptarla al universo del que yo pensaba hablar en este montaje. En vez de una Silvia que es secuestrada por un príncipe, quería que fuese un Silvio y así eliminé los personajes femeninos, para quedarme con seis hombres que completan mi espectáculo”.

DESCARADA VERSION

Sobre los cambios de género y de conductas sexuales de los personajes, Azpúrua subraya que el texto, escrito en el año 1723, resulta totalmente moderno. “Lo que hice fue eliminar escenas para hacer una versión corta. Desaparecí a un personaje y lo convertí en uno de los chicos, para que el mensaje fuese directo y sin distracciones. Fue un trabajo difícil, pero tenía fe en que era lo correcto para concretar el montaje que tenía en mi cabeza. Cambié muchos significados, me apropié del texto y lo hice mío. A la larga eso era lo que quería hacer: tomar a un autor clásico y divertirme desde la dramaturgia junto a él. Hasta el nombre de la obra se lo cambié: La doble inconstancia la troqué en Los amantes inconstantes. Puede que funcione así como puede que no con el público, por mi parte ya me he disculpado con Marivaux varias veces”.

NO TRABAJA CON MIEDO

No tiene miedo a las críticas, porque sabe a lo expone. ”Aún hoy me da miedo. Pero como me dijeron varios amigos del montaje La escala humana: “Si no tuvieras miedo no valdría la pena”. Además me acompañan seis actores maravillosos y un equipo de producción increíble que se lanzaron conmigo desde este risco, sin miedo al golpe”.

Como Los amantes inconstantes terminaron siendo un divertimento, reitera que quería hablar para la comunidad gay pero desde un sitio en el que el público heterosexual también se identifique. “Es un reto personal. Un viaje hacia la exploración. Es primera vez que tengo en mis hombros esta responsabilidad y un equipo tan amplio y comprometido. Además es un tema que me preocupa y que me molesta mientras lo pienso. Empiezo con una idea y esa idea se me voltea. ¿Es la inconstancia incorrecta? ¿Es normal? ¿Es parte de quiénes somos? ¿Qué es bueno y qué es malo? Supongo que el viaje es hacia la lógica, pero a veces esa misma lógica te hace descubrir los colores que no querías ver del mundo al que perteneces. Por mi lado, no sabré cómo funciona hasta que se enfrente al público desde el 19 de febrero. Sin embargo fue hecho con un inmenso cariño. Mi ambición más grande es pretender cambiarme a mí y arrastrar a un gentío hacia el espejo. Las puertas de este palacio teatral están abiertas para quienes lo quieran visitar”.

FANTASIA MUSICAL

Con respecto a su montaje, en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, lo sitúa sobre una pasarela de moda. Especie de fantasía que comienza como termina. Los seis actores, Oswaldo Maccio, Carlos Díaz, Javier Figuera, Juan Bautista, David Colmenares y Saúl Mendoza, salen todos del mismo hueco y exponen sus inseguridades y sus inconstancias junto a sus deseos durante 90 minutos de espectáculo. “Somos testigos de su intimidad. Es un montaje en clave de comedia musical, dónde se cantan temas como Hotel California, o Angiede Los Rolling Stones. Por ahora apostamos a dar lo mejor de nosotros en este festival, luego veremos que les depara a estos amantes inconstantes que hemos creado”.

"La máquina de coser de mí madre" de Jacobo Borges

Una exposición que recorre los últimos 30 años de la producción artística del maestro Jacobo Borges será inaugurada el domingo 21 de febrero a las 11:00 am en la Galería Freites, como un homenaje a este creador cuya obra le ha otorgado un importante lugar en la historia del arte contemporáneo latinoamericano y le ha hecho merecedor de numerosos reconocimientos nacionales e internacionales.

Jacobo Borges es el título de esta muestra que cuenta con la curaduría de María Luz Cárdenas. Una selección de sus cuadros más representativos, realizados entre 1986 y 2016, a través de los cuales el espectador podrá apreciar una suerte de inventario de los problemas y estructuras que marcan la obra de Borges. “Narramos la historia de cómo alcanzó la soberanía pictórica en sus cuadros; de los descubrimientos que reafirmaron el talante de su producción”, afirma Cárdenas.

Organizada en 12 estaciones de lectura que se desplazan entre los resquicios de las aguas, la naturaleza, el retrato y la memoria, esta exposición da cuenta de los diferentes temas, elementos y técnicas que han marcado el trabajo de Jacobo Borges en este período.

La ciudad como fuente de inspiración, la influencia en la estructura del cuadro del incansable recorrido del artista por el mundo, la construcción y disposición de las figuras y los objetos, los retratos y autorretratos, la ventana como imagen constante, y la incorporación de los avances digitales como herramientas de creación de nuevas realidades en el color y la concepción del hecho plástico, son algunas de las etapas que se destacan en dicha muestra.

“La obra de Borges crece sin saltos al vacío ni contradicciones, cada momento vive germinalmente en etapas anteriores. Él mismo define sus procesos creativos desde la perspectiva de un enorme archivo que contiene ideas y materiales que más adelante surgirán (…) Trabajando a la manera de un arqueólogo, va rasgando capas, como pintando un cuadro sobre otro para que aparezcan nuevas formas”, asegura Cárdenas en el catálogo que acompaña a la exposición.

Borges ha sido despiadado con el espacio, la materia y el tiempo en este período de intensa actividad creadora. “Quebranta la imagen de la realidad en un torbellino de fragmentos que incluyen a su entorno pero también a la figura de sí mismo. Es una obra mayor, una obra integradora de las muchas experiencias recorridas durante este período en un solo texto que las une, que las mezcla y las disocia para abrirse a capas de significados infinitos”, explica la curadora.

Nacido en Caracas en 1931, Jacobo Borges posee más de cinco décadas de trayectoria, tiempo durante el cual se ha posicionado como uno de los artistas plásticos más importantes de nuestro continente. Su obra es reconocida internacionalmente, exhibida en galerías y museos de Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Cuba, México, Francia, Italia, Alemania y Austria. Ha recibido numerosos premios entre los que se incluyen: Premio Arturo Michelena, Premio Nacional de Dibujo y Grabado en el XXII Salón Oficial y Premio Nacional de Pintura en el XXIV Salón Oficial, Guggenheim Fellowship, DAAD Guest en Berlín, entre otros. A lo largo de su carrera, este destacado artista ha transitado por diversas áreas de comunicación visual como cine, video, fotografía, performance e instalación.

Este proyecto expositivo incluye una serie de actividades paralelas, entre las que se incluyen conversatorios, conciertos, relecturas a su aporte en las artes escénicas, sus experiencias multimedia urbanas y su incursión en el cine. Estos eventos culturales se realizarán los sábados a las 11:00 am.

La inauguración de la muestra Jacobo Borges contará con palabras de César Miguel Rondón. La cita es a partir del domingo 21 de febrero a las 11:00 a.m. en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes, donde la exposición permanecerá abierta al público hasta el 30 de abril, en horario de lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm; los sábados de 10:00 am a 2:00 pm; y los domingos de 11:00 am a 3:00 pm. Entrada libre.

El trío de protagonistas del "Corneador"

Basado en hechos reales, el filme venezolano Corneador nos cuenta la historia de Lázaro, un joven abogado quien,alentado por su amigo Bruno, narra lo que vivió desde que vino de la provincia a Caracas en busca de mejores oportunidades. Luego de conseguir empleo en un reconocido bufete y conocer por azar a una reclutadora de modelos, quien le ofrece trabajar como gigoló, alternando así la rigidez de las leyes con los placeres de la carne.

Mujeres de todo tipo sucumben ante el encanto del joven Lázaro. Además de parejas liberales que practican el cornudismo, donde la mujer está libre para tener otras relaciones y el hombre que la acompaña solo es el cornudo consentidor que la quiere ver disfrutar con otros, incluso que la ayuda o anima a buscar otros amantes.

El film fue escrito y dirigido por Harold Mota, bajo la producción de Erick Vilela y H. Mota (VILMOT Casa Productora), con musicalización de Jorge Luis Villaba. El elenco está encabezado por Samuel Pacheco (Lázaro) y Orlando Delgado (Bruno), acompañados por actores de la talla de William Goite y Carlos Moreno, junto a Morayma González, Freila Ramos, Mariana Romero, Zohira Terife, Endrid Nazaret, Orlando Márquez, entre otros.

Está previsto que posterior a la visualización formal de la película, la cual está páutada para mediados de marzo, el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía los apoye con la difusión y promoción, ya que hasta los colocaron en el cronograma de estrenos. Y también tienen una carta de intención para la distribuidora. A pesar de eso han decido ir adelantando la campaña de promoción, porque sabemos que la competencia no tiene piedad para con el cine criollo.

Corneador se estrenará a mediados de julio de este año y buscará hacerse paso ante los tabúes que como sociedad poseemos, dicen los voceros de VILMOT Casa Productora.

Un texto clásico francés adaptado a un contexto venezolano de ficción homosexual.

El Espacio Plural del Trasnocho Cultural es el escenario para la presentación de la obra Los amantes inconstantes, que Fernando Azpúrua lleva a escena como parte del II Festival de Jóvenes Directores Trasnocho. Un texto clásico del francés Pierre de Marivaux, cuyo tema central es la fragilidad o vulnerabilidad de las relaciones amorosas, tratado en tono de comedia musical, en un montaje singular y adaptado a la vida contemporánea.

El espectador se sumergirá en la historia de Silvio, quien es raptado por el príncipe para jurarle su amor. Conseguirlo no le será tan fácil, ya que Silvio está profundamente enamorado de Alejandro. Es entonces cuando ciertos personajes del palacio deciden conspirar para hacer los deseos del príncipe realidad, demostrando como a través de sus inconstancias todos se entregan a las pasiones y abandonan las más puras promesas. Una obra en la que el amor es visto en su más profunda esencia en contraposición con la falta de constancia en las relaciones de pareja y su fragilidad. Es, aunque algunos lo vean o pretendan visualizarlo, de otra manera, una historia gay u homosexual, una temática que no es extraña en los escenarios venezolanos ni tampoco es ajena al público menor de 35 años, que ahora juega a la bisexualidad constante o inconstante o a la heterosexualidad constante o inconstante.

Con esta comedia musical de temática finalizan las presentaciones del II Festival de Jóvenes Directores Trasnocho, tras lo cual se elegirán a los dos ganadores del concurso que serán anunciados luego del 28 de febrero de 2016.

Los amantes inconstantes se estará presentando ante el público y el jurado en el Espacio Plural sólo por dos fines de semana, del viernes 19 al domingo 28 de febrero de 2016. Las funciones son los viernes a las 5:00 p.m. y los sábados y domingos a las 4:00 p.m.

ACERCA DEL DIRECTOR FERNANDO AZPÚRUA

Periodista nacido en Venezuela, criado en Francia hasta los 13 años, país en dónde se inició a los 6 en las tablas con un grupo de teatro de París. Desde pequeño escribía obras para sus compañeros, algo que le apasionaba. En el colegio Francia en Caracas montó la obra La princesa Peleona,proyecto para niños que escribió y dedicó a una de sus profesoras. A los 15 años se inscribe en el Gimnasio de Actores de Matilda Corral, en donde estudió por 5 años. A los 17 años trabajó con Orlando Arocha, Ricardo Nortier, Diana Volpe y César Sierra, con quienes participo en diversos proyectos como asistente de dirección. Entre las obras se mencionan: Los adeptos, Las 8 rubias platinadas,Reglas de urbanidad y Un tranvía llamado deseo. A los 19 años estudió en la Universidad del cine en Argentina. Participó también en La Caja de Fósforos y en 2014 recibió el Premio Isaac Chocrón por su pieza Niños lindos. Actualmente se encuentra escribiendo un guión para una película junto al cineasta Marcel Rasquin y la actriz Prakriti Maduro, además de presentar su propuesta Los amantes inconstantes, con la que participa en el II Festival de Jóvenes Directores.

FECHA ARTISTICA Y TECNICA

Oswaldo Maccio (Marcelo).Carlos Díaz (Fabian). Juan Bautista (Silvio). David Colmenares (Luciano). Saúl Mendoza (Príncipe). Javier Figuera (Arlequín). Kharolyn Castellano (Producción General). Camila Uribe (Vestuarista). Marisol Martínez(Iluminación). Luis Campos, María Elena Planchart y Miguel Silva (Escenografía y utilería).Vittorio Mar son (Coreografías). Shakti Maal (Asistente de dirección). Stephanía Nevado (Asistente de producción). Vanessa Nunes y Wilfredo Parra (Fotografía y Arte). Jorge Souki (Asesoramiento de arte). Pedro Rondón (Realización escenográfica). Temas musicales utilizados en la obra: “Creep” (Radiohead). “Hotel California”(The Eagles), “More than words” (Extreme), “Plaisir D'amour (Jean Paul Egide Martini), “Break Free” (Queen), “Angie”(The Roling Stone) “Something Beautiful” (Robbie Williams).

El escritor y su hija,en París

A un átomo de distancia (2011), Lírica (2010) y Gorditas (1993) hacen sendas temporadas actualmente en Venezuela, a las cuales, en marzo, hay que sumar Peludas en el cielo (2015). Son obras del dramaturgo y periodista Gustavo Ott (Caracas, 1963) las cuales integran un plausible Festival Ott, ya que pocas veces un autor nacional es representado en tantos escenarios criollos casi simultáneamente, lo cual exalta su calidad y vigencia, además es un reconocimiento a su trabajo que ha logrado varios reconocimientos internacionales y locales.
Por eso es que el teatro San Martin de Caracas muestra ahora una sugestiva versión de la teoría de los mundos paralelos dentro de un argumento sobre un siniestro asesinato, violación y secuestro de una niña de 6 años, escandalizando a una bucólica comunidad y cambiándoles las vidas a tres personajes que laboran en una tienda de piñatas. María Britto, David Villegas y Susana López, bajo la pulcra dirección de Rubén León, logran atrapar al público con la novedad teatral de A un átomo de distancia.
La historia de amor de una pareja de niños atrapa a la audiencia del Pequeño Teatro de Los Robles, en Nueva Esparta, donde Violeta Fonseca, Claret Mendoza y Diafrancis Salas, conducidos por José Rafael Salas Verde, escenifican Lírica, considerada como la mejor pieza de Ott.
El Festival de Nuevos Directores del teatro Trasnocho se acerca a su fin con el amargo melodrama Gorditas, centrado en el absurdo mundo de la publicidad, hábilmente dirigida por Lissy García y con las profesionales actuaciones de Martha Estrada, Norma Monasterios, Gisela Rojas y Omaira Abinade.
En el teatro Baralt de Maracaibo estrenan Peludas en el cielo, el más reciente premio que conquista Ott, poética saga que evoca a los personajes del legendario César Rengifo, donde participan Aura Rivas, Francis Rueda, Vanesa Vázquez y Luis Domingo González; puesta en escena por Carlos Arroyo, durante la primera quincena de marzo, para hacer después una temporada en Caracas.

Quienes se intersen mas en los textos teatrales de este autor deben buscarlo en la web:www.gustavoott.com.ar/

Portada de la nueva novela del colombiano Gustavo Alvarez Gardeazábal

Gustavo Álvarez Gardeazábal (Tulúa, 31 de octubre de 1946) desata otra vez un escándalo con lo que escribe desde su natal Colombia. En su novela, editada por el Grupo Planeta, El resucitado niega que Jesús de Nazaret haya muerto definitivamente crucificado, sino que antes de su martirio consumió un brebaje con raíces y hojas de la mandrágora, las cuales lo hicieron pasar por muerto, después revivió y siguió predicando hasta que definitivamente hizo mutis.

Este escritor y articulista tiene millones de lectores y otros tantos enemigos. Pero todas sus obras desaparecen de las librerías, no por la siniestra conspiración de falsos compradores, sino por una sociedad que quiere leerlo porque algo tiene de diferente. Para algunos estetas es “el nuevo Vargas Vila”, y para otros, mucho más moralistas, es “El anticristo”, adjetivo que se hizo más actual desde que publicó La misa ha terminado, en el año 2014, donde se metió hasta con el actual papa Francisco y sus antecesores en medio de la rocambolesca saga de una pareja de sacerdotes gays quienes contrataron a unos sicarios para que los mataran y les evitaran así la tortura de morir a consecuencia del Sida que habían contraído, tal como reseñó la prensa colombiana.

La Internet hizo, pues, el contacto con el ya legendario Álvarez Gardeazábal, cuya vasta obra está referida a los temas de la violencia colombiana, el fetichismo de la religión, la corrupción de los gamonales o caciques y en general al conflicto social.

¿Cómo es la resurrección con la mandrágora?

La planta de la mandrágora es tan antigua y mítica como la misma humanidad. Se ha usado desde tiempos inmemoriales para producir muertes aparentes. Saber usar la dosis exacta permitió que Jesús de Nazaret pareciera como muerto en la cruz y así poder decir que resucitó al tercer día. Hay una leyenda en el cañón de Las Garrapatas, en el norte de Cali, que habla de como un capo de la mafia del narcotráfico, ya hace muchos años, pudo salir de la cárcel en un ataúd luego de consumir una combinación de raíces y hojas de la mandrágora. Yo recojo las dos versiones y sobre ellas hago mi novela “El resucitado”.

¿Cuál es su balance sobre las ventas de sus novelas ?

En un pais, como Colombia, en donde las ediciones más elevadas no promedian más de 3.000 ejemplares vender 24 mil como se logró con La misa ha terminado, es más que una hazaña

¿Se vive de la literatura en Colombia?

No creo. Para escribir una novela que se venda se requieren al menos dos años y seis meses más para publicarla. Su precio de venta es de aproximadamente 50 mil pesos de los cuales el autor solo recibe 5 mil. Quien venda 10 mil ejemplares, y sería excepcional, ganaría 50 millones de pesos en 18 meses, es decir un sueldo mensual de 2.800.000 que es lo que gana un taxista en Bogotá. Y si solo vende los 3.000 de todo el mundo, apenas si recibiría mensualmente un salario mínimo, algo así como 670 mil pesos, aproximadamente. Actualmente un dólar, la verde moneda del imperio, como dicen los venezolanos, se cotiza en Bogotá por encima de los 3.400 pesos. Los lectores pueden usar las calculadoras de sus celulares y divertirse con la respectiva conversión en dólares o en bolívares.

¿Ahora que hay nuevos ejecutivos en la editorial Planeta será posible que sus novelas vengan al mercado venezolano?

Muy probablemente que sí, Marcel Ventura está dispuesto a recuperar el mercado venezolano de los libros por encima de las dificultades económicas que allá, en Venezuela por supuesto, se pasan. Es casi un reto, según me lo ha planteado

¿Cómo anda la política colombiana con esta segunda presidencia de Santos y su triunfo virtual con las FARC para una paz negociada?

El gobierno Santos ha invertido todo su capital mediático y sus esperanzas en la firma de la paz en La Habana. Poco o nada le ha importado el descuido con que maneja los asuntos del Estado. Ha contratado a casi todos los intelectuales y periodistas de renombre para que hagan uno u otro trabajo hablando bien de la paz, lo que ha terminado por crear un unamismo del cual nos salvamos muy pocos y apagan las críticas. Sin oposición diferente a la de Álvaro Uribe Vélez, quien se ha dejado arrinconar y ha perdido mucho de su empuje pidiendo la guerra en vez de la paz negociada, Colombia se encamina a dar mandobles a sus normas vigentes para concederle a una minoría armada que no pudo ganar la guerra un inmenso botín teórico que puede ser tan benéfico como peligroso para el país.

OBRAS PARA LEER

Sus obras han sido llevadas al cine, como Cóndores no entierran todos los días, y de su novela El bazar de los idiotas hicieron una telenovela. También se encuentran entre sus obras títulos como Piedra Pintada (1965), El gringo del cascajero , La tara del papa, La boba y el buda (Ganadora del Premio Ciudad de Salamanca), Dabeiba, Los míos, El Titiritero, Pepe Botellas, El divino, El último gamonal, Los sordos ya no hablan, Manual de crítica literaria, El prisionero de la esperanza, Entre la verdad y la mentira, Comandante Paraíso, Las mujeres de la muerte, La resurrección de los malditos y La misa ha terminado (2014).

Jorge Palacios y Basilio Álvarez en una obra de total vigencia sobre la verdad y el poder

No se trata de una ley ni menos de un decreto. Es una normativa emanada de Corpolec (Ministerio del Poder Popular para la Energía Eléctrica) con la cual se le hace frente a una aguda crisis del flujo eléctrico y evitar así un monumental apagón general en toda Venezuela, y no estamos exagerando.

Eso es lo que hace, que por ahora, todos los establecimientos de los centros comerciales que no posean planta eléctrica aplicarán un nuevo horario de trabajo entre 12 del mediodía y 7 de la noche, de lunes a viernes; pero sábados y domingos tendrán de 11 de la mañana a 11 de la noche. Este racionamiento será levantado dentro de tres meses, por lo menos. Hay que subrayar, que las ferias de comida, los cines y las salas de teatro, que funcionan en dichos establecimientos están obligados a cambiar sus horarios, con todos los costos económicos que estas alteraciones conllevan, además del fiel cumplimiento de las normas laborales para con los trabajadores contratados.

Los cines tendrán una o dos funciones y los teatros, en el caso del Centro Cultural Trasnocho, con cuatro cinematógrafos y dos salas para el viejo arte de Tespis, harán una sola función los viernes, pero los sábados y domingos volverán a sus horarios anteriores. Se espera que los voceros de los teatros Urban Cuplé, Teatrex y Primium, ubicados en los Centros Comerciales CCCT, El Hatillo y Los Naranjos, respectivamente, anuncien cómo van a correr ahora sus programaciones, aunque serán posiblemente a las 6PM y 8PM, como ha sido tradicionalmente.

En Venezuela, los Centros Comerciales Sambil, de Caracas y de Valencia, son los únicos que proseguirán con su horario tradicional, ya que tienen modernos equipos de regeneración eléctrica. Una visión futurista de los Cohen que ahora da sus frutos.

HABITO SOCIAL
El cine –llegó a Venezuela a finales del siglo XIX y primero se mostró en Maracaibo es un arte y también es una industria cultural, pero a su vez, es un extendido hábito social, eminentemente popular, a pesar de existir ahora la televisión abierta y por cable, además de la internet.

Cada año, son millones de espectadores acuden a las salas de cine en búsqueda de recreación y sano entretenimiento. Es el espectáculo audiovisual masivo fuera de casa, favorito de la familia venezolana. Las funciones vespertinas y nocturnas son las más concurridas.

450 SALAS DE CINE
Actualmente, hay en Venezuela 450 salas, operadas por 25 empresas, ubicadas en 73 centros comerciales en 30 ciudades de nuestra geografía, donde acuden unos 30 millones de espectadores, aproximadamente. Salas modernas, confortables en las cuales se ha estado haciendo una importante inversión en modernización tecnológica la cual aún no ha concluido.

La electricidad es, en principio, el insumo fundamental para que la calidad de este servicio de entretenimiento popular satisfaga los estándares a los que aspiran y merecen los espectadores. Los servicios de acceso a las salas dentro de los centros comerciales así como los de reservación y compra de boletos, de proyección de calidad, de refrigeración, de estacionamiento y seguridad exigen un suministro estable de electricidad. Si bien no se requiere de grandes cargas eléctricas para su funcionamiento, ya que se han tomado y se siguen tomando las previsiones para el uso eficiente de la energía, es importante la estabilidad de la prestación del servicio de energía eléctrica para garantizar a millones de espectadores el disfrute de su derecho a la recreación.

IMPACTOS
Hasta ahora, 11 empresas nacionales, agrupadas en la Asociación Venezolana de Exhibidores de Películas (AVEP), han guardado un prudente silencio, pero sus directivos están preocupados, lógicamente, por los impactos que se derivarán de limitaciones al acceso del servicio eléctrico en horas nocturnas de lunes a viernes. Ya que ello implica que las funciones favoritas del público no estarían disponibles dentro de la programación habitual de las salas y además se reduciría la capacidad de generación de empleos y de aportes tributarios a alcaldías, CNAC y SENIAT, como se desprende.

Atentos como están a la situación eléctrica nacional y como expresión de su compromiso con la colectividad venezolana, es seguro, esperan que supere la emergencia eléctrica, mientras tanto pueden ofrecer las pantallas de sus salas cine para la divulgación masiva de campañas de ahorro energético que contribuyan a un uso más eficiente de los recursos eléctricos.

Hay que recordar que la Asociación Venezolana de Exhibidores de Películas (AVEP) está integrada por representantes de las empresas Trasnocho Cultural, Costa Azul Cines, Cine Mall, Super Cines, Cines Unidos, Cinex, BOX Cinemas, Cines Los Salias, Cine City, El Dorado y Teatro Ayacucho.

El teatro y el cine de los centros comerciales pueden esperar por ahora. ¿Y el público que hace ahora? ¿Irá a otras salas menos frecuentadas, que si las hay pero con otro tipo de espectáculo? ¡La historia, mientras tanto, se sigue escribiendo y las máscaras humanas al piso!

Cesar Miguel Rondón durante su presentación de la muestra de Jacobo Borges
en la galería que comanda Alejandro Freites.

Son 50 impactantes obras, en diversos formatos, del célebre artista Jacobo Borges (Caracas, 1931) las cuales desde el domingo 21 de febrero se exhiben en la Galería Freites de Caracas.

La inauguración fue a casa llena y estuvo presida por Alejandro Freites, el reconocido galerista, quien siempre admiró a Borges por el poder expresionista de su obra y su dominio del oficio, pero cuyo verdadero descubrimiento ocurrió hacia 1988, cuando el artista representó a Venezuela en la Bienal de Venecia.

Sobre la importancia de esta monumental muestra, el galerista propone al público visitante una lectura de los problemas que el artista supo resolver sabiamente a través del ejercicio de la pintura. “Con ello, la Galería Freites responde al compromiso de brindar al pais marcos integrales para la interpretación de la obra de los principales artistas contemporáneos, con rigurosas investigaciones y publicaciones de calidad, Es nuestra forma de honrar a la cultura venezolana”.

Jacobo Borges es el título de esta muestra que cuenta con la curaduría de María Luz Cárdenas. Se trata de una selección de sus cuadros más representativos, realizados entre 1986 y 2016, a través de las cuales el espectador podrá apreciar una suerte de inventario de los problemas y estructuras que marcan la obra de Borges. “Narramos la historia de cómo alcanzó la soberanía pictórica en sus cuadros; de los descubrimientos que reafirmaron el talante de su producción”, afirma Cárdenas.

Es, pues, una exposición que recorre los últimos 30 años de su producción artística, la cual, según palabras de la crítica Maria Luz Cárdenas, son pinturas que conducen a otras pinturas. ”Esos paisajes son arduos y expectantes, múltiples en sus representaciones y permiten ampliar nuestra mirada, por cuanto Borges se ha planteado realizar unas obras que sea la experiencia formada por vetas que acogen los sentidos de la existencia, historias y memorias de vida, expresión de que lo no se mira pero que, cuando el artista lo manifiesta, nos abre a otros mundos”.

La inauguración de la muestra Jacobo Borges contó con palabras de César Miguel Rondón. La cita es a partir del domingo 21 de febrero, en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes, donde la exposición permanecerá abierta al público hasta el 30 de abril, en horario de lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm; los sábados de 10:00 am a 2:00 pm; y los domingos de 11:00 am a 3:00 pm. Entrada libre.

La ambiguedad es la pauta

Revise las definiciones que tenía sobre el amor, basándose en la teoría y en la práctica. Despójese de todos los prejuicios de género que le hayan inculcado y asista así a una divertida representación de la comedia musical Los amantes inconstantes, ambiciosa creación de Fernando Azpúrua a partir del texto La doble constancia(1723) de Pierre de Marivaux (Paris, 1688/1763), que presenta el Trasnocho Cultural,dentro de su evento Segundo Festival de Nuevos Directores.Estamos seguro que actualizará sus conocimientos amatorios o le quedará la espina de la duda.

Azpúrua metió mano a la historia de tres mujeres y tres varones que hacen un juego romántico para no aburrirse en un palacio de la Francia del siglo XVIII y los lleva a una especie de cabaret con fantástica pasarela, del siglo XXI, donde seis hombres (las damas cambian sus sexos, porque así lo quiso el versionista-director ) tratan de demostrar que el amor es una fantasía que los humanos se inventan para distraerse en sus vidas, con lo cual pretenden demostrarse que ese sentimiento es una necedad y que no se debe tomar nunca en serio, porque los amados son caprichosos y, además, peligrosamente inconstantes.

Así se enseña como el poder y el dinero conspiran contra el amor tradicional, donde el sexo es otra moneda de cambio, y todo se limita a una ceremonia de 90 minutos donde sus ambiguos personajes -felizmente encarnados por Oswaldo Maccio, Carlos Díaz, Javier Figuera, Juan Bautista, David Colmenares y Saúl Mendoza- salen todos del mismo hueco y exponen, con desparpajo sus inseguridades y sus inconstancias junto a sus nunca satisfechos deseos. Y para que todo se tomen en fiesta, o en broma, el ritmo y los cuadros son musicales, donde se interpretan temas como Hotel California o Angie de Los Rolling Stones.

El director Azpúrua (está por los 25 años, no más) quiso hacer así este desopilante espectáculo y dedicárselo la comunidad LGTBI y al público heterosexual para que con sus respectivos y cuidadosos códigos culturales hicieran las consabidas comparaciones y sacaran conclusiones sobre la falsedad que está presente en las relaciones amorosas, siempre.

Véala este fin de semana, porque después no se sabe si podrá, y emita su opinión. Lo único que advierto es que ha nacido un director de teatro para este siglo, un director, que, como lo pedía Carlos Giménez, no es un director de tránsito, sino un autor escénico, como debe serlo todo aquel que pretenda ser creativo, es un director de la talla de Orlando Arocha…pero más joven y en crecimiento.Es la ley de vida y ojala haya más en esta Tierra de Gracia,tan necesitada de creadores.

Abril,la hija de Jacky Schreiber y Omaira Abinade.

La popular actriz Abril en cinco años ha hecho su agosto particular en Colombia, gracias a su capacidad de trabajo, apuntalada en su belleza física y en su innegable talento histriónico. Ella es la hija del músico Jacky Schreiber y la actriz Omaira Abinade. Gracias a sus importantes participaciones en RCTV y Venevisión, además de trabajar en agrupaciones escénicas como la Compañía Nacional de Teatro y el Grupo Actoral 80, logró la formación y la estampa que requería para instalarse, a 2.600 metros, en la Sabana de Bogotá y reiniciar su carrera actoral y hasta de empresaria.

¿Cómo la han recibido?

¡Super bien! Ha sido un camino duro pero hermoso, fue iniciar desde cero, de nuevo, pero sin conflicto por hacerlo. ¡He aprendido muchísimo de Colombia y de los colombianos! ¡Siento que poco a poco me he ido haciendo un lugar en sus corazones, sin duda me han tratado maravillosamente! No me puedo quejar, gracias a tan bello país, Vine de vacaciones hace algún tiempo y decidí que iba a ser mi lugar. Años después. ¡Aquí estoy!¿Qué trabajos ha hecho?

Tuve que empezar de cero, en lo que se refiere a trabajo, porque llegué como cualquier aspirante. Conocía gente y mis compañeros que ya vivían en Bogotá me dieron algunas indicaciones, pero igual tuve que fajarme como cualquiera. En televisión tuve primero una participación pequeña en La Promesa luego protagonicé El Blog de Majo; estuve en La Ronca de Oro con un hermoso personaje de reparto; protagonicé Niche y Dulce Amor. En cine, hasta ahora, estuve en Shakespeare, los espías de Dios de Dago García y ¿Usted no sabe quién soy yo? de Pipe Orjuela. Y estoy en teatro actualmente en temporada en el Astor Plaza con Amanecí como con ganas de morirme de la escritora venezolana Indira Páez, quien vive desde años en Miami

¿Qué planes artísticos y personales tienes?

Siempre tengo mil planes, tengo una productora de cine y poco a poco estamos haciendo más y más; el año pasado realice mi primera película como productora ejecutiva, Habana Instant, la cual ganó en Montreal su primer premio. Y justo ahora hemos estamos en Acapulco rodando una serie llamada Dopamine.

¿El salto a Estados Unidos está entre sus proyectos?

El salto a todos lados está entre mis planes. Quiero trabajar en Estados Unidos, en México, en España, Francia, Perú, Argentina, etcétera. Quiero trabajar en todos los lados del mundo.

¿Cómo comprende a los colombianos?

No sé si los comprendo, pero los acepto, como me han aceptado a mí. Aprendo de ellos cada día y creo que ellos de mí. Cada momento en Colombia es una hermosa lección de vida.

¿Qué ha pasado con el teatro?

Estoy en temporada, en el Teatro Astor Plaza de Bogotá, es mi primera vez que hago teatro en Colombia, y es un placer un orgullo y una suerte hacerlo con un texto de una venezolana.

¿Hay más venezolanos en la farándula bogotana?

En la farándula hay muchos, precisamente en el teatro. Trabajo junto a Nela González y la productora es Johana Morales, en la película una de las productoras es Yuri Suarez, venezolana también; también están: Luciano DaLessandro en Caracol, Juliet Pardau también, Bebsabé Duque, Vanessa DiQuattro, Alejandro Otero, Adrián Lara, Karine Amaya, Henry Rivero, Leonor Sardi, y te hablo de mis amigos más cercanos, que si se me pasa alguno me disculpo. Sé que hay muchos más triunfando y trabajando mucho, como tiene que ser.

¿Y al cine cómo lo encuentra?

Está en cartelera en algunos cinematógrafos, aún, ¿Usted no sabe quién soy yo?; película que protagonicé junto a tres de los mejores comediantes en Colombia, Ricardo Quevedo, Freddy Beltrán e Iván Marín. Siendo cine independiente logramos que más de 600 mil espectadores fueran a vernos hasta ahora, de resto viendo hacia adelante por futuros proyectos.

¿Piensa regresar a Caracas?

Mi familia está en Venezuela así que siempre regresaré a verlos, amo a mi Caracas caótica, aunque no la viva más.

HA DICHO

“Nací en Caracas el 12 de febrero de 1987 y me pusieron Abril por la influencia de la canción de Silvio Rodriguez: ‘Como esperando abril’; hay varias teorías, la de mi mamá y la de mi papá, cada uno tiene su versión de los hechos. Quería ser artista, ya que mi mamá es actriz y mi papá todo un músico y compositor. Quería ser artista desde siempre, pero pintora. Me gradué de bachiller a los 16 años, incursioné en el modelaje, hice como, ha hecho nueve talleres de actuación y en RCTV trabajé en varias telenovelas, recuerdo: Toda una dama, El desprecio, Amor a palos, Negra consentida y Mujer con pantalones. En Venevisión: La mujer perfecta y Tomasa te quiero. Aunque suene trillado, quiero vivir de hacer cine y televisión en el exterior. Sueño con Hollywood y más allá, con Europa. Me encantaría aprender francés nada más que para hacer cine francés. Estoy enamorada de mi novio”.

El equipo de artistas que lideró el joven Fernando Azpúrua.

Pedro Borgo y Fernando Azpúrua, son los ganadores del Segundo Festival de Jóvenes Directores del Teatro Trasnocho Cultural, por su montajes La escala humanade Javier Daulte, Rafael Spregelburd y Alejandro Tantanian y Los amantes inconstantes, versión escénica sobre el texto original de Pierre de Marivaux. En acto celebrado el domingo 18 de febrero recibieron sendos cheques de 30 mil bolívares, financiados por dos empresas venezolanas.

VEREDICTO

En Caracas, el miércoles 24 de febrero de 2016, se reunió el jurado conformado por Edgar Antonio Moreno Uribe, Orlando Arocha, Pilar Arteaga, Roxana Hernández y Xiomara Moreno, para acordar el siguiente veredicto:

Considerando:

Que las seis puestas en escena seleccionadas y presentadas en la Segunda Edición del Festival de Jóvenes Directores Trasnocho han demostrado un asombroso nivelen cuanto a propuestas de dirección y de calidad artística.

Que este Festival nos ha permitido disfrutar de obras de intensidad psicológica, comedias hilarantes, teatro político y clásicos versionados a contexto étnicos y a teatro de minorías sexuales, permitiéndonos reconocer distintas maneras y formas de entender y de hacer teatro. Todas distintas y por lo tanto incomparables entre sí, ya que no son sólo seis propuestas sino que son una muestra de las grandes posibilidades de estos creadores y creadoras de continuar en sus carreras como directores.

Que podemos reconocer una nueva generación de directores que hacen presencia en la escena caraqueña y que a pesar de las dificultades y del escenario nacional actual en que les toca validar su creación, se lanzan con empeño, entereza y audacia, y logran mantener viva la ilusión del teatro.

Y que nos habría gustado dar premios o reconocimientos en los demás rublos, como son: Actuación, Maquillaje, Vestuario, Escenografía, Iluminación y Producción, porque hay trabajos resaltantes en cada uno, pero debemos circunscribirnos a la premiación de la dirección escénica.

Acuerda:

POR UNANIMIDAD, premiar a dos jóvenes directores en igualdad de condiciones, declarando un empate en el primer lugar de este certamen.

En consecuencia no otorgar el segundo premio para que estos dos directores ganadores del primer lugar se les den los mismos premios, honores y las mismas condiciones en las temporadas en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural y en la Fundación Cultural Chacao. Lo cual no descarta la posibilidad de que una propuesta más de dirección presentada en este Festival, realice una pequeña temporada en el Espacio Plural, en acuerdo con el Comité de Programación del Trasnocho Cultural.

Las dos obras ganadoras del Primer Lugar

Una: La escala humana por lograr expresar con coherencia una propuesta de teatro contemporáneo de un autor latinoamericano de gran dificultad para su comprensión y su representación, y que sin dejar de divertir al público con el manejo de la comedia, al mismo tiempo mantiene el rigor de los contenidos de un teatro absurdo-expresionista dirigidos a presentar la corrupción y el desaliento de las nuevas generaciones ante la desarticulación de los valores tradicionales, y para la cual formula una puesta en escena sencilla, rítmica y efectiva.

Y la otra: Los amantes inconstantes por realizar un espectáculo sincrónicode loselementos involucrados en un divertimento sofisticado, sostenido en una comedia del siglo XVIII adaptada y “contemporizada” a un género “burlesque”, en la indagación de una sociedad de mayor tolerancia y respeto a las minorías sexuales, y presentándolo coherentemente dentro de una estética del “dark cabaret”.

Se les otorga el Premio del Primer Lugar del Festival de Jóvenes Directores a: PEDRO BORGO y FERNANDO AZPÚRUA. Indistintamente.

¡Bravo por ustedes, jóvenes directores!

En Caracas, a los 24días del mes de febrero de 2016, firman:

Edgar Antonio Moreno Uribe, Orlando Arocha, Pilar Arteaga, Roxana Hernández y Xiomara Moreno.

Leopoldo Fontana,genio y figura.

Durante mi larga pasantía profesional por la Cadena de Publicaciones Capriles, algo así como 37 años, especialmente en el diario vespertino El Mundo, conocí de trato y palabra, además de disfrutar su transparente amistad, al cronista social y periodista Leopoldo Fontana. De entre las anécdotas que me contó vivamente, ya que es un gran conversador y un histrión innato, está la de una distinguida señorita que fue llevada al altar de la catedral , creo que en Maracay, por el mismísimo general Juan Vicente Gómez, porque el enamorado novio era funcionario destacado del gobierno del Benemérito, hacia 1935.

Esa historia siempre me impresionó y es ahora que la puedo contar, porque uno de los hijos de ese matrimonio es precisamente Leopoldo, o Leo, como se le conoce popularmente. Era esa la boda de sus progenitores,que a él se la contaron,por supuesto.

Ahora registro con inmenso placer que Fontana se decidió a escribir sobre su vida y las que vio vivir y por eso entrega una muestra: el libro "Vidas que conocí".

Publicada por Oscar Todtmann Editores, "Vidas que conocí" establece la rara oportunidad de adentrarse en las reminiscencias de una manera de vivir que ha desaparecido en la Venezuela de hoy. Este relato refleja la vida del glamour, del savoir faire de la alta sociedad caraqueña, que estaba caracterizada por una elegancia discreta y una sofisticación mundana. La obra será presentada por la reconocida periodista y editora Caresse Lansberg en un evento privado este domingo 6 de marzo.

Leopoldo Fontana hizo, pues,una novela de la memoria, de la suya por supuesto, a través de la historia de cinco mujeres: “Madame”, “Mamá Inés”, “Anita”, “Marta” y “Marina”, a quienes vio vivir y morir. Las historias de “Madame” y de “Mamá Inés” incluyen la autobiografía del autor en dos etapas de su vida: en “Madame” los diez años que pasó estudiando y viviendo en París, donde además asumió un arduo trabajo de psicoanálisis de cinco años, gracias al cual se reconcilió con un aspecto íntimo de sí mismo. Y en “Mamá Inés”, recuerda su infancia en la Caracas de los techos rojos. Los tres últimos personajes: “Anita”, “Marta” y “Marina” son inspirados en personas de la vida real, que el autor identifica y cuyas fotografías acompañan al libro.

Este es un libro sobre la sociedad caraqueña; sus personajes están inspirados en gente de la vida real "y yo lo viví", afirma el autor con convicción rotunda. Todo lo que el autor relata, aunque novelado, sucedió. En esta obra se muestra el glamour de una época, que "ya no es", pues la distinción se lleva en el alma. En esencia, la lectura de “Vidas que conocí” deja claramente expresadas estas premisas: “La vida es como un restaurant, nadie se va sin pagar”, como solía afirmar categóricamente una de sus entrañables amigas caraqueñas. Y, “el peor enemigo de lo bueno, es lo mejor”, que aunque es un aforismo galo, define la vivencia parisina del autor.

Leopoldo Fontana es periodista, especializado en el buen vivir. Ha publicado sus reseñas y entrevistas en casi todas las revistas y diarios nacionales en un ejercicio profesional que supera los 40 años. Ha vivido en Estados Unidos, Francia y Venezuela. La fotografía de la sobrecubierta es de Rafael Méndez y el collage de la portada de Anabella Vogeler.

El libro ya se encuentra distribuido en las librerías nacionales, y estará disponible en Amazon para Kindle.

Un aspecto de la reunión de los artistas con las autoridades culturales.

El pasado sábado 27 de febrero se conformó la Red Nacional de Artes Circenses, organización del poder popular que trabajará por el desarrollo del circo en Venezuela

La red fue instaurada en el marco de la culminación del I Congreso Nacional de Artes Circenses, llevado a cabo en la Fundación Escuela Venezolana de Planificación, FEVP, en La Rinconada.

La actividad contó con la participación de más de asistentes de 11 estados, como Lara, Aragua, Táchira, Miranda, Falcón, Bolívar, Portuguesa, Carabobo, Zulia y Distrito Capital, quienes así se suman a la iniciativa de visibilizar el sector circo venezolano.

El evento marcó un hito para el Ministro de Cultura Freddy Ñañez ya que “representa la voluntad de apoyar y fomentar nuestra economía cultural” expresó durante su asistencia a la plenaria.

Creadoras y creadores del circo venezolano se dieron cita para abordar, con especial atención, temas que corresponden al desarrollo de políticas culturales del sector circense: desde el planteamiento de estrategias para su producción técnica y artística, hasta la formación, promoción y contribución como herramienta de transformación social.

Durante las mesas de trabajo se plantearon propuestas para el desarrollo de un Sistema Nacional de Formación en Circo, la inclusión del PNF Circo en el Sistema Académico de Educación Superior, a través de la Universidad Experimental de las Artes (Unearte), al igual que la articulación con los diferentes entes y programas relacionados a procesos de formación y acreditación académica como el Sistema Regional de Formación Artística y Cultural (Sirfac), Misión Cultura Corazón Adentro, Inces, entre otros.

En materia de producción el congreso permitió la realización de un censo de los bienes y servicios culturales que poseen los diferentes colectivos circenses en la actualidad y lo que pueden ofrecer para dinamizar la economía nacional.

La necesidad de construir una plataforma comunicacional con el apoyo del estado para la promoción del circo fue otra de las propuestas recogidas.

El ministro Ñañez destacó: “Es una larga lucha que viene llevando el sector para lograr objetivos comunes, trabajando de manera articulada con el Estado”.

Esta es una reunión donde nada es imposible. La clave es movilizarnos y trabajar junto al sector. El circo tiene un público real y cautivo" expresó Freddy Ñañez.

Las propuestas fueron entregadas al titular de la cartera de cultura quien se comprometió a realizar los enlaces con los diferentes ministerios e instituciones estadales para generar plataformas de desarrollo a corto, mediano y largo plazo.

Un grupo de cineastas con el maestro Chalbaud,en las instlaciones del CNAC.

Creíamos conocer todas las características intelectuales y humanas de Román Chalbaud, pero no era así. Asistimos a un taller de dirección cinematográfica, organizado por la Asociación Venezolana de Autores Cinematográficos (AVAC) y en los espacios de la Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), teniendo a este veterano artista como maestro. No solo hace arte sino que lo explica y da las claves para comprenderlo mejor o quizás hasta para hacerlo.

Gracias Román por existir ya que me has permitido visualizar una serie de peliculas sobre la condición humana en sus facetas de la infancia y durante las difíciles elecciones del amor, las cuales van desde Los olvidados, Los 400 golpes hasta La bestia humana, pasado por La madre, sin dejar afuera El ángel azul. Mención aparte merece El chicueloy El hombre de la cámara.

Cuando digo que gracias por existir Chalbaud es porque esta no es una selección ligera de esos títulos importantes del cine mundial, sino todo lo contrario: está profundamente comprometida con una vida humana mejor. Porque ahí se mostró, especialmente, el drama de la infancia, esa que decide todo lo que seremos como adultos, así como las pasiones amorosas que nos pueden llevar al suicidio o a la muerte anticipada. Mención aparte merece el compromiso político de una mujer que se inmola por su hijo y por lo que él representa en la sociedad: todo un revolucionario.

Creo que yo he ganado muchísimo con estos ocho días viendo y escuchando tus palabras y especialmente por la opinión de mis 16 compañeros, quienes, como yo, no se nos habrían ocurrido esta delicada selección de peliculas ni las glosas o comentarios a esos excelentes productos fílmicos mostrados. Más y mejor no se puede pedir.

Ojala que prosigan y se hagan más frecuentes estos talleres, organizados por la Asociación Venezolana de Autores Cinematográficos, con otros autores, porque así además de sus humanas temáticas que estimulan la sensibilidad de los eventuales cineastas en proceso de formación se podrá apreciar más sus técnicas para hacer posible ese milagro de la inventiva humana que es el cine. Y eso lo subrayó muy bien el maestro Chalbaud

Quizás nos faltó tiempo para analizar y profundizar más cada una de las técnicas de los artistas ahí involucrados, pero creo, insisto, es necesario otro taller. Tenemos los materiales y ese gran maestro que es Chalbaud. Y debemos aprovecharlo porque no hay dos como él

Gracias también Román por mostrar la hermosura artística que tiene tu obra teatral Losángeles terribles, especialmente por la presencia del actor Carlos Ojeda y su ejemplar performance. Ojalá que podamos ver su versión cinematográfica porque su temática está muy vigente.

En esa taller, realizado entre el 25 de enero y el 4 de febrero, de 40 horas, participaron, y quedan sus nombres para la historia, jóvenes y adultos como Maria Eugenia Cedeño, Daniel Hilensky, Orlando Corona, Luis Gabriel Rosales, Iván Daniel Duque, Gustavo González, José Castillo, Marlon Sanabria, Cristel Meneses, Jennifer Acosta Arocha, Yelimbert Moreno, Beolge Molina, Alejandro Baíz, Carlos González, Francisco Solano, Orianis Mendoza y E.A. Moreno-Uribe. De todos ellos algunos, o casi todos, alcanzaran a esas metas soñadas de un mejor cine para la Patria y para el mundo.

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