EL ESPECTADOR venezolano

Luis Fernández es el protagonista del nuevo filme de Elia Schneider.

El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) ampara la producción de las peliculas, especialmente de aquellas que reciben el apoyo del Estado venezolano, y es por eso que sus autoridades lucen optimistas con respecto a la calidad y los contenidos lo que puede el ser la cosecha de estrenos a lo largo de este 2016, no menos de 40 largos y cortometrajes, hasta ahora.

PROGRAMACION

Desde allá, de Lorenzo Vigas, es el plato fuerte del año. Ganó del León de Oro en Venecia y otros siete galardones en diversos festivales. El veterano chileno Alfredo Castro encarna a un ortodontista que les paga a hombres jóvenes solo para verlos desnudos en su apartamento, hasta que todo cambia cuando conoce a Elder (Luis Alejandro Silva). Su estreno está pautado para finales del mes de abril.

También está El abrazo de la serpiente (coproducción con Colombia) de Ciro Guerra. Conquistó el premio Art Cinéma en Cannes. Está nominada a los Spirit Awards como Mejor Película Extranjera y prenominada al Óscar en la misma categoría. Está inspirada en los diarios que los científicos Theodor Koch-grunberg (Jan Bijvoet) y Richard E. Schultes (Brionne Davis) escribieron en la Amazonía. Actúa también el actor venezolano Luigi Sciamanna.

Después de retrasar su estreno un par de años, llega el filme Tamara, de Elia Schneider, una ficción acerca de la vida de la diputada Tamara Adrián, una de las primeras transgénero de Venezuela, ya que antes existió la poetisa Esdras Parra, sobre quien escribimos y estrenamos el monólogo Novia en rojo, en Mar del Plata, el 11 de septiembre de 2009. Luis Fernández se mete en la piel de un hombre que nació en el cuerpo equivocado y debe luchar en un país que no le reconoce. Actúan Prakriti Maduro, Karina Velásquez, Julie Restifo y Laureano Olivares, entre otros.

La ópera prima de Alain Maiki, Devuélveme la vida, plasma la historia de dos familias unidas por sus tragedias, que enfrentarán una dolorosa batalla en busca de un nuevo comienzo en sus vidas.

Ahí actúan: William Goite, Henry Zakka, Nena Abdelnour, Christian Carabias, Sebastián Andrade y Mónica Pasqualotto, entre otros.

Luis Ignacio Cotín dirige El Inca, trágica historia de amor basada en la vida del boxeador venezolano Edwin 'El Inca' Valero, quien el único match que perdió fue el que libró en contra de sí mismo. Alexander Leterni encarna al deportista, quien se suicidó luego de asesinar a su esposa en 2010.

Ya está pautado para febrero el estreno de El peor hombre del mundo, dirigida por Edgar Rocca y producida por Elaiza Gil. Es una producción de La Villa del Cine sobre la crisis y evolución personal y las diferentes caras que ofrece el amor tradicional. Su protagonista es Alexander Da Silva y le acompañan Ignacio Huang, Sonia Villamizar, Mariaca Semprún y Natalia Román.

Manuel Pifano presenta la primera de varias comedias que tiene listas para el cine nacional: Qué pea, versión local de ¿Qué pasó ayer?, donde enseñan como los errores pueden conducir a las personas a situaciones no tan desagradables. Anny Baquero, Jesús Nunes, Samantha Dagnino, Suki Landaeta, Francisco Díaz, Miguel Ángel Landa, Rosario Prieto y José Manuel Suárez. Son algunos de los intérpretes.

La comedia de humor negro de Fernando Venturini, El show de Willi, se desarrolla alrededor del mundo de la televisión. Willi (Sócrates Serrano) produce un reality show y su primera invitada es la actriz Elsy Ferrer, quien enciende la polémica en el país por sus declaraciones. Daniela Alvarado, Laureano Olivarez, Sheila Monterola, Verónica Rasquin, Amilcar Rivero y Greisy Mena también participan.

El segundo largo de ficción de Andrea Ríos, Azul como el cielo después de su aplaudido Una mirada al mar (2011), cuenta la historia de Eduardo, un padre (Francisco Denis) que abandona su familia y luego, por una circunstancia trascendental, debe reencontrarse con ella. En el elenco se encuentran los jóvenes Jeixon Guillén y Luis Valiente como los hijos del protagonista.

Escrita por Karín Valecillos y dirigida por Luis Rahamut, la comedia El DiCaprio de Corozopando, producida por la Villa del Cine, cuenta la historia de Rubén Darío (Luis Francisco Yánez) un niño que, erróneamente, es señalado por el brujo del pueblo como el mesías que ayudará a que la comunidad, ubicada en Calabozo, se haga famosa. En la cinta actúa Aroldo Betancourt junto a habitantes del estado Guárico.

Ernesto Villegas Poljak autor del libro "Abril golpe adentro",sobre el
cual se trabajó para la película que rememora aquel abril del 2002.

El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, informa a la comunidad vinculada al cine y el audiovisual nacional, que el Comité Ejecutivo, en su Reunión número 43-15 efectuada el 09 de diciembre, declaró el Segundo Corte de Evaluación de Proyectos Cinematográficos del 2015.En esta oportunidad, serán evaluados 42 proyectos repartidos en las siguientes 9 modalidades, a partir de enero 2016:

Postproducción de Largometraje de Ficción (1): Abril,la película.

Postproducción de Largometraje de Documental (1): Las hijas de kueka.

Desarrollo de guión cinematográfico (22) Pecado de pescador, Una inválida de guerra, Los ríos profundos, Isus, el evangelio según ras guarapo, Juan Apolonia, "Emilio", El misterioso caso del profesor González, Tattoo, Cumbre, Esperanza ... tu decisión, Momoy, Un señor muy maloliente durmiendo en el parque, Curduvaré, El proyecto, Rayo azul, El águila y el coyote, Todos los pájaros, Hormigón o la gran hormiga, La noche de mi hermana, Una memoria teñida de rojo, Altivos: la rebelión de Guaicaipuro y El cuento de Martita.

Desarrollo de Proyecto Cinematográfico - Largometraje Animación (1): Mandinga.

Desarrollo de Proyecto Cinematográfico - Largometraje de Ficción (2): El caso de Luisa Narváez y El regreso del año.

Cortometraje de Ficción (3): El hombre de cartón, Bendito pecado y Por lo más delgado.

Largometraje de Ficción (10): Más vivos que nunca, Lunes o martes nunca domingo, Malas aguas, La noche de las dos lunas, El vacío; Yo, imposible; Yo, mi ex y sus secuestradores; Papita 2da base y Victoria Fulano, zutana y mengano (carne en el gancho).

Largometraje de Documental (1): Elúltimo año de Congo Mirador.

Diseño de Producción para Animación (1): Momíñaru.

METODOLOGIA DE TRABAJO

El Comité Ejecutivo del CNAC, en concordancia con lo establecido en el artículo 7 del Reglamento Interno de Estímulo y Fomento a la Creación y la Producción Cinematográfica (RIEFCPC), señala que la puntuación mínima necesaria para considerar los proyectos como elegibles es 7, en una escala del 1 al 10. Este criterio no será aplicable para las evaluaciones de los proyectos de Desarrollo de Guion, a los que se le otorgará la calificación de proyecto seleccionado o no seleccionado.

La Comisión de Estudio de Proyectos deberá analizar y argumentar por escrito las evaluaciones de cada una de las propuestas sometidas a su consideración, tal como lo establece el RIEFCPC. Por su parte, los proyectos inscritos en la modalidad de Postproducción de Largometraje de Ficción y de Documental, serán evaluados por los Directores del Comité Ejecutivo, constituidos como Comisión de Estudio, tal como establece el Reglamento Interno de Estímulo y Fomento a la Creación y la Producción Cinematográfica (RIEFCPC).

La Comisión de Estudio de Proyectos estará integrada por Joe Torres, Rafael Marziano, Marianela Illas, Luis Carlos Hueck, Pilar Arteaga, Diana Lichy, Gabriela Núñez, Miguel Ángel García Guzmán, Jean-Pierre García (evaluador internacional de Francia), Yuruani Rodríguez, Alejandro Saderman (evaluador internacional de Argentina), Luis Rodríguez, Efterpi Charalambidis y Eduardo Viloria.

Los proyectos de animación serán evaluados por una Comisión Ad-Hoc designada por el Comité Ejecutivo, integrada por: Carlos Caridad Montero, Nora Marcano y Carolina Dávila.

Por vez primera el cine venezolano gana un premio en el Festival de Venecia

Para Juan Carlos Lossada, presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), ente rector del cine en Venezuela, “el balance de actividades durante el 2015 es mixto, con magníficos resultados, la mayoría de ellos mejores que los alcanzados en años previos en algunas áreas, mientras que en otras debemos reconocer determinados descensos en logros y metas planteadas; no obstante, tenemos muchas más razones para seguir avanzando con optimismo que para arredrarse ante el tropiezo; debemos asumir las fallas, deteniéndonos momentáneamente para la debida reflexión y reorientación, y festina lente, acelerar el paso, afinar el enfoque y continuar demostrando que los hacedores y las hacedoras de cine venezolano tienen el saber hacer, cuentan con el guáramo, el talento y la pasión para asumir las tareas pendientes y vencer las dificultades y brechas que hay que superar”.

“Que el poderoso rugido que el mundo todo escuchó en 2015, proveniente de las fauces de ese dorado y alado León veneciano para Desde allá de Lorenzo Vigas, que esta pequeña e increíble comunidad cinematográfica venezolana consiguió por primera vez en la historia de la América Latina ,nos sirva como sirena que nos ponga en guardia para estar en capacidad de, en colectivo, honrar este descomunal desafío que tiene por delante nuestro amado cine venezolano”.

“No tengo duda que esta digna y combativa comunidad cinematográfica nacional seguirá asumiendo los desafíos por venir y sabrá potenciar las oportunidades para seguir intentando hacer cada día un mejor cine, que nos exprese como nación y que nos conecte más y mejor con las grandes mayorías, a las que nos debemos fundamentalmente”.

“Muchos logros fueron alcanzados en 2015, para dar paso a uno nuevo que espera y demanda del cine venezolano, de sus gremios, de sus instituciones, de sus promotores, la más honesta y generosa entrega para el engrandecimiento del séptimo arte que imaginamos y construimos en esta tierra de gracia. Así, es mucho lo que hay por delante y solo aludo genéricamente a lo que se ha hecho hasta ahora en décadas de trabajo colectivo para significar que esta comunidad de cine ha demostrado que tiene con qué y que sabe cómo seguir marcando el rumbo hacia la consolidación de nuestro imaginario audiovisual venezolano”.

“Muchos fueron los protagonistas este 2015 que mengua sus horas. Recordar y honrar a quienes marcharon a otro plano tras haber aportado tanto a lo que somos hoy. Valorar y agradecer a cada actor, a cada actriz, a cada técnico y a cada talento artístico que ayudó a armar este trabajo de creación en equipo. A quienes desde la dirección, la producción, desde las historias plasmadas en guiones, desde la fotografía y el sonido, a quienes desde cada digno oficio técnico y artístico puso su granito de arena para enaltecer nuestro arte cinematográfico, gracias”.

“Nuestras regiones se han sumado cada vez más a esta tarea inacabable y hermosa de aspirar a que nuestro cine toque a cada venezolano y a cada venezolana y debemos por tanto reconocer y agradecer también a los numerosos aliados, que con entrega y compromiso hacen tanto para crear, ampliar y difundir la cultura cinematográfica a lo largo y ancho de nuestro amado país”.

“Hay mucho trabajo por hacer en el casi millón de kilómetros cuadrados que componen a Venezuela. Favorecer el fortalecimiento de polos regionales, proveer las condiciones para afianzar más y mejor organización local en cada región del país, verdaderos conocedores y dolientes de sus propias realidades. Superar las enormes asimetrías de infraestructura que siguen signando significativos espacios territoriales en Venezuela que no cuentan con suficientes o adecuadas condiciones para el acceso a la realización y la proyección cinematográficas”.

“Es indudable que en 2016 deben ser mejorados y ampliados los programas y planes de formación, investigación, producción, equipamiento, promoción nacional e internacional, exhibición, divulgación y difusión del cine en Venezuela y especialísima devoción debe ser puesta al diseño y puesta en práctica de una política pública moderna y potente que asegure responsablemente, en permanente consulta y participación concreta de todos los sectores vinculados al cine nacional, la impostergable atención a la conservación, preservación, restauración y puesta en valor de los archivos audiovisuales y cinematográficos que constituyen patrimonio cultural de Venezuela y cuya urgencia pende inexorable como espada de Damocles”.
“Finalmente, sentimos la responsabilidad de expresar en nombre del CNAC, y nos atrevemos a decirlo también, de su comunidad cinematográfica en pleno –nucleada en torno al Foro del Cine Venezolano- la exigencia impostergable que sea reformado el marco legal del cine nacional, para que tras 10 años de su primera y exitosa modificación, pueda dotarse al cine hecho en el país de las condiciones que aseguren su debido fomento, su indispensable protección y su insoslayable crecimiento”.

“Que se abra el debate, de altura, responsable, ese que demanda la dignidad de un sector que tantas realizaciones le ha dado a Venezuela, creando riqueza no solo material, sino sobre todo la más valiosa de todas: la que corresponde a la dimensión cultural del cine como derecho social de la ciudadanía en la gestación de nuestro propio imaginario, hecho con y por venezolanos.

Ha regresado Henry Zakka a las pantallas venezolanas.

El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) ampara y financia la producción de las películas, especialmente de aquellas que reciben el apoyo del Estado venezolano, y es por eso que sus autoridades lucen optimistas con respecto a la calidad y los contenidos lo que puede el ser la cosecha de estrenos a lo largo de este 2016, no menos de 40 largos y cortometrajes, hasta ahora.

En sus oficinas ya circulan las informaciones sobre algunos de los largometrajes que se verán en las pantallas, tal es el caso de Desde allá, la ópera prima de Lorenzo Vigas y Tamara, de Elia Schneider, la saga de un transexual criollo, además de otras ocho peliculas, las cuales serían mostradas durante el primer trimestre, por lo menos.
Casbe recordar que el éxito de una película se puede predecir, pero nadie por supuesto espera un fracaso. Algunos críticos hablan de los efectos y las causas, y algunos advierten que existe la casualidad, a sabiendas que eso es falso.Esperemos los informes finales de taquilla.

PROGRAMACION

1-Desde allá, de Lorenzo Vigas, es el plato fuerte del año. Ganó del León de Oro en Venecia y otros siete galardones en diversos festivales. El veterano chileno Alfredo Castro encarna a un ortodontista que les paga a hombres jóvenes solo para verlos desnudos en su apartamento, hasta que todo cambia cuando conoce a Elder (Luis Alejandro Silva).

2- También está El abrazo de la serpiente” (coproducción con Colombia) de Ciro Guerra. Conquistó el premio Art Cinéma en Cannes. Está nominada a los Spirit Awards como Mejor Película Extranjera y prenominada al Óscar en la misma categoría. Está inspirada en los diarios que los científicos Theodor Koch-grunberg (Jan Bijvoet) y Richard E. Schultes (Brionne Davis) escribieron en la Amazonía. Actúa también el actor venezolano Luigi Sciamanna.

3- Después de retrasar su estreno un par de años, llega el filme Tamara, de Elia Schneider, una ficción acerca de la vida de la diputada Tamara Adrián, una de las primeras transgénero de Venezuela, ya que antes existió la poetisa Esdras Parra, sobre quien escribimos y estrenamos el monólogo Novia en rojo, estrenado en Mar del Plata, el 11 de septiembre de 2009. Luis Fernández se mete en la piel de un hombre que nació en el cuerpo equivocado y debe luchar en un país que no le reconoce. Actúan Prakriti Maduro, Karina Velásquez, Julie Restifo y Laureano Olivares, entre otros.

4. La ópera prima de Alain Maiki, Devuélveme la vida, plasma la historia de dos familias unidas por sus tragedias, que enfrentarán una dolorosa batalla en busca de un nuevo comienzo en sus vidas. Ahí actúan: Henry Zakka, Nena Abdel Nour, Christian Carabias, Sebastián Andrade y Mónica Pasqualotto. Entre otros. Anuncian su estreno para este 15 de enero.

5- Luis Ignacio Cotín dirige El Inca, trágica historia de amor basada en la vida del boxeador venezolano Edwin 'El Inca' Valero, quien el único match que perdió fue el que libró en contra de sí mismo. Alexander Leterni encarna al deportista, quien se suicidó luego de asesinar a su esposa en 2010.

6- Ya está pautado para febrero el estreno de El peor hombre del mundo, dirigida por Edgar Rocca y producida por Elaiza Gil. Es una producción de La Villa del Cine sobre la crisis y evolución personal y las diferentes caras que ofrece el amor tradicional. Su protagonista es Alexander Da Silva y le acompañan Ignacio Huang, Sonia Villamizar, Mariaca Semprún y Natalia Román.

7- Manuel Pifano presenta la primera de varias comedias que tiene listas para el cine nacional: Qué pea, versión local de ¿Qué pasó ayer?, donde enseñan como los errores pueden conducir a las personas a situaciones no tan desagradables. Anny Baquero, Jesús Nunes, Samantha Dagnino, Suki Landaeta, Francisco Díaz, Miguel Ángel Landa, Rosario Prieto y José Manuel Suárez. Son algunos de los intérpretes.

8- La comedia de humor negro de Fernando Venturini, El show de Willi, se desarrolla alrededor del mundo de la televisión. Willi (Sócrates Serrano) produce un reality show y su primera invitada es la actriz Elsy Ferrer, quien enciende la polémica en el país por sus declaraciones. Daniela Alvarado, Laureano Olivarez, Sheila Monterola, Verónica Rasquin, Amilcar Rivero y Greisy Mena también participan.

9- El segundo largo de ficción de Andrea Ríos, Azul como el cielo, después de su aplaudido Una mirada al mar (2011), cuenta la historia de Eduardo, un padre (Francisco Denis) que abandona su familia y luego, por una circunstancia trascendental, debe reencontrarse con ella. En el elenco se encuentran los jóvenes Jeixon Guillén y Luis Valiente como los hijos del protagonista.

10- Escrita por Karín Valecillos y dirigida por Luis Rahamut, la comedia El DiCaprio de Corozopando , producida por la Villa del Cine, cuenta la historia de Rubén Darío (Luis Francisco Yánez) un niño que, erróneamente, es señalado por el brujo del pueblo como el mesías que ayudará a que la comunidad, ubicada en Calabozo, se haga famosa. En la cinta actúa Aroldo Betancourt junto a habitantes del estado Guárico.

Freddy Náñez, ministro .

Freddy Ñáñez es el nuevo Ministro del Poder Popular para la Cultura. Nació en 1976 en la populosa parroquia de Petare. A los 13 años se trasladó al Táchira donde vivió hasta hace cuatro años, cuando se reinstaló en Caracas al frente de la presidencia de Fundarte.

Su tarea en Fundarte, principalmente, fue rescatar el teatro para todos los habitantes de Caracas, gracias a la recuperación de los teatros de la zona central, no menos de 25 salas, y la realización de cuatro festivales, además de dejar en marcha la realización del festival de este año 2016

Sobre esos eventos, cabe recordar que Ñáñez declaró que “nuestro Festival, desde su nacimiento, se ha caracterizado por ser la más amplia y grande selección de las artes escénicas nacionales. Cada edición conforma un súper catálogo de entre 100 y 150 compañías, que son en el fondo propuestas estéticas “.

Sobre las temáticas de las propuestas de las agrupaciones que han participado, Ñáñez apuntó que no existe una tendencia dominante: “Esa es una característica positiva del teatro nacional que lo hace inclasificable por su pluralidad. Quizá tenga que ver con que en nuestro país prevalece la tradición de las compañías, los grupos; que en su permanencia apuestan, buscan, retoman lenguajes escénicos. Acá hay de todo menos esnobismos”.

Ñáñez reflexionó sobre la importancia que tiene la apertura de este tipo de eventos: “Desde el punto de vista de quienes ejecutamos políticas públicas es de mucho valor esta suerte de medición. En primer lugar, sirve como indicador geo-referencial. No sólo te permite saber cuántas compañías están activas en el país y cuál es la índole del teatro nacional, sino indagar en las razones por las cuales hay más teatro en la zona central que en la andina u oriental, por ejemplo; para pensar y actuar en consecuencia. La convocatoria también cohesiona a ese país teatral que se confronta y encuentra muy pocas veces. Por último, hay un ejercicio implícito de participación que es un carácter muy positivo de este momento cultural”.

“El alcalde de Caracas, Jorge Rodríguez, desde el comienzo le imprimió al rescate de los espacios públicos una vinculación directa con las artes. Para él la creación de una nueva ciudadanía pasa por la renovación de los afectos que nos unen al lugar, su memoria, su porvenir: sus símbolos. No por casualidad las salas y los cines tuvieron un lugar privilegiado en esta primera etapa de reconstrucción de Caracas. Jorge lo dice cotidianamente: ‘el teatro es el arte de la ciudad por excelencia’. Es cierto que el Festival (en ha sido el momento estelar de la escena nacional pero el creciente entusiasmo y compromiso de las compañías no puede entenderse sin esta vinculación originaria”, expresó.

Agregó: “No olvidemos que la Alcaldía de Caracas, junto al GDC, creó un circuito de salas, no menos de 25, el cual sirve a los ciudadanos y a los creadores como espacio permanente de interacción. Siendo justos, esta programación permanente es el mayor de los logros. Luego están los criterios pluralistas del circuito. Hoy podemos hablar de una escena nacional que ha sabido sortear los difíciles maniqueísmos de la polarización simple y se ha sumado a pensar el país desde disímiles tesis, estéticas e ideologías, sin desbordarse en la intolerancia. Tengamos presentes que todo el sector teatral apostó al festival y no a la irracionalidad que quiso tentarlo”.

POLITICA

Durante una entrevista concedida a Telesur, Ñáñez defendió el hecho de que en Venezuela “podamos pensar que la banca no decida nuestro día a día”, conquista que forma parte “de la posibilidad de inventar una fórmula social para buscar soluciones y podamos construir cosas más allá del consenso del capital”.

“Dentro del mundo dominado por el mercado, (que) en nuestro país podamos decir que la creación es un derecho constitucional, pareciera ser una especie de isla o de oasis en cuanto al trabajo intelectual”, señaló.

Consideró que, hay que defender los derechos culturales. “Yo creo que los cultores no tenemos otra opción que defender los derechos supremos de la patria. Por eso esta Constitución Bolivariana, que acaba de refrendar una Ley de Cultura, hay que defender nuestro idioma, que corre un grave peligro ante la imposición de los idiomas hegemónicos como el inglés; y hay que defender los símbolos”, dijo.

Ñáñez rechazó los ataques contra el Festival Suena Caracas, por parte de sectores opositores al Gobierno Nacional, que catalogaron el evento como una “frivolidad”.

“No es que ellos consideren que la cultura sea frívola, sino que ellos temen mucho, y con razón, a la creación libre; temen mucho al poder que tienen los pueblos cuando resisten culturalmente y su capacidad de invención de una nueva forma de vida. Ahí hay un tema ideológico que hay que analizar”, señaló.

Dijo que el Suena Caracas defiende el derecho que tiene la gente a la felicidad y a la recreación. “Porque la cultura y el arte lo que buscan es un acontecimiento en el nuevo sentido de la vida”.

Ñáñez indicó que esta agresión mediática al Festival demuestra “en el fondo que si ellos (la oposición) llegara a ser gobierno las políticas culturales serían inexistentes. Por eso tenemos muchas razones para defender éste proyecto, para mejorarlo, para impulsar ‘revoluciones micros’ dentro de esta revolución”

OBRA POETICA

Músico, titiritero, editor y poeta, Ñáñez es miembro fundador del grupo de rock “Los Residuos” y de Nadie Nos Edita Editores. Editor del periódico Sujeto Almado. Ha publicado los poemarios Todos los instantes (Nadie Nos Edita Editores, 2000),Un millón de pájaros muertos (El Árbol Editores, 2003) y Suma del árbol (El Árbol Editores, 2006), entre otros. Textos suyos aparecen en la antología Amanecieron de bala, panorama actual de la joven poesía venezolana (2007). Coordinó en el estado Táchira la Plataforma del Libro y la Lectura.

La temporada criolla tiene una pelicula sobre Felipe Pirela.

Es muy delicado, o comprometido, hacer un buen cine biográfico, o un biopic, porque ahí se aborda la recreación o dramatización de la vida de la de uno o varios seres humanos, lo cual exige ceñirse a la verdad histórica, entre otras cosas. Y si no se cuenta con un guión preciso o se quiere decir algo que no es auténtico, lo más conveniente es subrayar que “está basada en hechos reales” o que se trata de un reality film, como puntualizan las cartillas de esa expresión estética que lleva ya 120 años mostrado excelentes creaciones especiales sobre realidades o ficciones, como es el cine, más allá de sus matices. Así no se miente ni se engaña.

Subrayamos, esto porque el año 2015 de la cinematografía venezolana, con 31 estrenos, cerró y abrió con la película El malquerido de Diego Risquez, donde actoralmente debutó el popular cantante Jesús “Chino” Miranda al encarnar a Felipe Pirela, al lado de Greisy Mena, quien caracteriza a su “amada” Mariela Montiel, para protagonizar “juntos un romance arrollador y lleno de obstáculos”. El elenco lo completan intérpretes de innegables dotes histriónicas como son: Sheila Monterola, Héctor Manrique, Mariaca Semprún, Carlos Cruz, Sócrates Serrano, entre otros.

Si El malquerido fuese una película inspirada solamente en la historia del malogrado Pirela, pues habría que aplaudir el esfuerzo de la producción de difundir algunos aspectos de la vida de ese criollo, de “origen humilde”, que se llamó Felipe Antonio Pirela Morón (Maracaibo, 4 de septiembre de 1941 - San Juan de Puerto Rico, 2 de julio de 1972). Pero, lamentablemente, se fueron mal por el camino del biopic, maquillaron su historia íntima y mostraron una sencilla infancia- ocultaron su violación a los 11 años por un familiar, lo cual lo marcó para siempre-, su matrimonio rocambolesco a los 23 años, con una niña de 13 y, lo más delicado, su sórdido navegar por el mundo de las drogas, especialmente la cocaína; además mostró –esto sí se aplaude- su gran desgracia al caer en manos de inescrupulosos agentes artísticos, más preocupados en vender sus shows y sus grabaciones que en cuidarlo de los escándalos, porque eso no les importó mucho, al parecer. Este periplo del criollo nos recuerda-guardando la distancias- al de Michael Jackson, cuidado y sacrificado por el show businessy la súper explotación comercial que prosigue con su legado, mientras su azarosa vida familiar era también un festín periodístico.

El malquerido, como tal está hecho, lleva espectadores a las salas, especialmente a los que conocieron al personaje o vivieron sus canciones, pero los están engañando, porque la vida de ese artista fue más compleja y más desagraciada, y buena parte de todo eso se le debe a una sociedad homofóbica, entre otras cosas. Sigue, pues, siendo malquerido.

Pero como producto artístico deja mucho que desear, incluso la confección del filme careció de esa depurada y original estética que el mismo Diego Risquez ha cultivado exitosamente a lo largo de su carrera, eso no se le puede negar.

Está en lo cierto, el periodista Luis Ugueto, investigador de la vida de Pirela, cuando afirma que “no quisieron dejar de ser políticamente correctos y tomar el riesgo de mostrar la verdad al público, que seguramente verá con mejores ojos a un Pirela aspirando cocaína que siendo el mismo”. Además desmiente el encuentro de Pirela con la Lupe y lo califica de “descabellado” y subraya varios anacronismos con los recortes de prensa y las portadas de los libros que utilizan para marcar el paso del tiempo.

En fin, es una película maltrecha, inmerecida para la historia de Felipe Pirela, una víctima más del sistema político de esa época.

Salvo la acartonada presencia del actor protagonista, el resto del elenco está de premio, sin lugar a dudas. Eso no se puede obviar, como son los roles resueltos por Sheila, Héctor, Sócrates, y la perversa o maléfica suegra, resucitada por Mariaca. Había (o hay) talento para una mejor película.

"Ni un pelo de tontas" inauguró anoche la temporada 2016 de Caracas

No hay secretos para ninguno de los cinco sentidos humanos en peluquerías y confesionarios, como tampoco en bares y saunas. Ahí todo se revela o se conoce. Y la prueba es el montaje Ni un pelo de tontas, de Sonia Chocrón, el cual transcurre en un salón de belleza, que muestra actualmente el Teatro Urban Cuplé del CCT, con las pulcras actuaciones de Marycarmen Sobrino, Michelle Taurel y José Gregorio Martínez, bajo la profesional égida de Javier Vidal.

Esta comedia de situaciones, hacia su primer año de temporada, nacida del periplo existencial de dos mujeres y un hombre atrapados en un salón de belleza, quienes por la agudeza del texto lo transforman en inmenso espejo cóncavo que alude a un pais donde la violencia y la inseguridad son constantes y además la justicia y las fuerzas policiales son impotentes para controlar una ebullición social donde pululan desatinos y solo el absurdo teatral tiene respuestas o soluciones, como es la invitación de Chocrón.

La solidaridad que se transforma en fraternidad es el tema de esta oportuna pieza y su premisa permite evaluar a tres seres humanos disímiles que se despojan de traumas, expulsan frustraciones y se unen para salir de una situación que podría costarles la vida o convertirlos en cifras rojas de las tragedias de los fines de semana en una gran ciudad.

Gracias al profesionalismo de los cómicos y a la precisión del director Vidal, el espectáculo es placentero y breve, sin superar los 70 minutos. Las actuaciones jugadas en la cuerda floja de la comedia convencen, así como el trabajo desenfado del malandro exquisito que plasma Martínez (un malandro raro), mientras que Sobrino (una señora que trata de salvar su matrimonio) y Taurel (una briosa peluquera, amante del esposo de su clienta) se lucen con sus personajes.

Grato teatro cuyos personajes hacen repensar al público en lo que ellos son como individualidades y también como colectivo y qué es lo más recomendable en circunstancias similares. ¡Hasta moraleja tiene, sin proponérselo la autora, los artistas, técnicos y la correcta producción ejecutiva a cargo de Alejandra Nali!

Leoner Ramos Giménez ha regresado.

El próximo 30 de enero, el Teatro Santa Fe de Caracas abre su temporada 2016 con el espectáculo Si yo fuera Roberto Carlos, comedia original de su director Leoner Ramos Giménez, interpretada por José Luis Bolívar, una creación de L.R.G.T. Producciones, asistida por Isaic Calderón Bolaños y Arlenys Tabaré.

Ramos Giménez explica que su montaje, con una hora aproximada de duración, se pasea por los meandros cuotidianos del matrimonio, “contados con gracia” y siempre ironizando más bien con una actitud inocente lo que es “por dentro” el matrimonio. Lo cual le añade un condimento, muy especial, ya que “el sufrido” Espartaco Sartori (una alusión directa a aquel don Juan criollo del siglo pasado) tiene como confidente al mismísimo Señor de los Cielos, quien, tal vez actuando como un padre sensato y severo a la vez, le va concediendo poco a poco los “milagritos” necesarios para sobrevivir en la única materia que, como se queja Espartaco, no se enseña asertivamente en la universidad, como son los problemas del matrimonio, la crianza de los niños, la administración del hogar a cargo de la mujer, el sexo conyugal, el control y dominio de la relación, esos que los casados, o arrejuntados, conocen y saborean muy bien.

El autor y director asegura que su pieza, en ritmo de comedia,

es “irreverente tal vez, audaz en su planteamiento y en el diálogo con Dios, pero extremadamente humana, llena de risas. Creo que el público pasará un grato momento contemplando las destemplanzas de un tipo del común que habla francamente con el Creador, el único que lo puede comprender”.

¿Cómo llega al teatro?

No fue nada difícil decidir que quería ser teatrero. Desde siempre lo supe y por eso, en vez de estudiar carreras formales como el total de mis compañeros de bachillerato, ingresé de inmediato, a los 18 años, al Teatro Universitario de la UCV, cuando lo dirigía Luis Márquez Páez, que resultó ser un profesional polémico y honesto, quien sembró en mí el deseo del teatro con contenido social. Eso sería alrededor de 1973 o algo así. Con Márquez Páez me orienté y luego estudié en la Escuela Nacionalde Teatro, pero me gradué en la Escuela Superior de Artes Escénicas Juana Sujo. El gran maestro fue Gilberto Pinto, polémico y muy abierto a la rebeldía y disenso juvenil. Terminé esos estudios en 1978. De inmediato empecé a dirigir porque nunca me ha gustado la actuación. Luego de estrenarme como director en el desaparecido Conicit (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas), entré a la UCV (Escuela de Educación) como docente extra-muros y director del grupo de teatro de la Escuelade Educación. Como la tenía cerquita, me inscribí para cursar la licenciatura en Educación. Desde ahí sí, el salto a relacionarme con el teatro de la época: Rajatabla, El Nuevo Grupo, Levy Rossell, Enrique Buenaventura (de Colombia, gran maestro). En ellos encontré los ductores definitivos. Sobre todo en Giménez, el inolvidable.

¿Qué ha hecho en el teatro, desde entonces?

El teatro es una amante fiel. A pesar de que me fui, luego de ganar en 1988 la Bienal de Dramaturgia de Aragua, para Ciudad Guayana, dedicado en pleno a la radiodifusión (porque también soy locutor profesional) y procrear unos hijos, que hoy son mis compañeros de vida, regresé al teatro para dirigir. Pues, volví luego de 17 años de silencio con el Kid Popsicle , un juguetito de mi autoría, estrenado cerca del 2010, y como profesor de CICA (la academia de Karl Hoffman),donde dirigí ocho espectáculos para los graduandos. Sufrí un traspié con la obra de un mexicano y eso me hizo entender que no hay razón alguna para montar las obras de otros, siendo como soy dramaturgo. Me juré a mí mismo solo trabajar en lo que he escrito, o en lo que voy a escribir. Ese traspié me hizo comprehender el punto de vista de los dramaturgos de ahora y de antes, que daban la vida, metafóricamente hablando, para ver a sus obras paradas y traficando un escenario. Entonces sí: cumplidos algunos de los llamados ´requisitos de vida´, me dediqué a escribir. Hasta la fecha sumo unas 20 obras, de las cuales Si yo fuera Roberto Carlos es una de esa densa hornada

¿Planes con este montaje?

Tengo todos los planes posibles. Rotar la obra por los teatros caraqueños, cosa que ya emprendimos al ofrecerla a los circuitos activos. Llevarla, como siempre, a mi tierra guayanesa donde implementaron un Festival de Teatro, muy profesional, creado por un par de amigos (Luis Silva y Carlos Guillén) que son arrechísimos en producción. Llevarla a mi amada sala La Barraca de San Félix (esa es gratis, por puro cariño), e intentar, espero exitosamente, acceder a los festivales internacionales en Colombia, en Panamá…hasta donde alcance la cobija. Eso lo aprendí de Carlos Giménez.

Leyenda

Juan Carlos Lossada, presidente del CNAC

Venezuela también participa del júbilo de Colombia al llegar a la nominación del Premio Oscar 2016, pues su ente estatal CNAC puso el 20% de la producción global con aportes técnicos, artísticos y financieros, según declaró Juan Carlos Lossada, presidente de la institución cinematográfica criolla.

NOMINADOS

"Yo no esperaba nada". Ciro Guerra se mostró sorprendido con la nominación que le dio la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a su largometraje El abrazo de la serpiente, que compite por el premio Óscar a mejor película extranjera.

"Veíamos difícil entrar entre los nominados porque no aparecíamos entre los favoritos de las predicciones de los expertos. Si la película quedaba era una sorpresa", expresó el director en diálogo con El Espectador, de Bogotá. Asimismo, insistió en que la sola consideración era una ganancia. "En lo personal estaba muy tranquilo".

Guerra destacó el papel de otros cineastas latinoamericanos que quedaron nominados en otras categorías.El director colombiano agradeció además a quienes hicieron posible la película. "Es un camino que hemos construido conjuntamente. Es un gran momento indiscutiblemente para el cine de nuestro país".

El largometraje colombiano competirá con A War, de Tobias Lindholm (Dinamarca); Mustang, de Deniz Gamze (Francia); Son of Saul, de László Nemes (Hungría); y Theeb, de Naji Abu Nowar (Jordania).

COOPRODUCCION DE VENEZUELA

El abrazo de la serpiente contó con el apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía de Venezuela (CNAC) y así lo atestigua el productor de la película que ahora compite por los Premios Oscar.

Aquí publicamos una carta que recibió la directiva del CNAC.

Asunto: EL ABRAZO DE LA SERPIENTE nominada a los Premios Oscar 2016

De: Raúl Bravo

Para: Juan Carlos Lossada, Juan Carlos Lossada, Alizar Dahdah, Alicia Pinto, Evelin Márquez ,Gerencia de Desarrollo, Consultoría Jurídica, Morela Mundarain, Juan Díaz, Luzmar T. González, Comunicaciones Cnac.

CC:
Queridos Juan Carlos, Alizar y compañeros del CNAC

Comparto con Ustedes la buena noticia de que EL ABRAZO DE LA SERPIENTE ha sido nominada a Mejor Película Extranjera en los Premios Oscar 2016. La película fue nominada por Colombia como país mayoritario, pero como saben tuvo importantes y muy meritorios aportes de Venezuela, como la música compuesta y producida por Nascuy Linares, la brillante actuación de Luigi Sciamanna, el sonido directo de Marco Salaverría que hizo un trabajo impecable, como también el microfonista René Romero, la muy rigurosa y prolija script Angélica Varilla, el editor de sonido Víctor Jaramillo, la supervisión técnica de Gustavo González como operador de sala durante la mezcla final de sonido en 360 STUDIO.

Quiero expresar nuevamente mi total agradecimiento al CNAC por haber creído en este proyecto y por haberlo apoyado financieramente. Me alegra mucho ver los resultados que está teniendo ese esfuerzo hecho por el CNAC y por los técnicos y artistas nacionales que participaron, y que permitieron que Venezuela haya podido tener una presencia si bien minoritaria desde el punto de vista porcentual pero muy honesta y enormemente positiva para la película.

Abrazos!!!

Raul Bravo

NORTESUR PRODUCCIONES, C.A.

Diana Volpe, actriz,directora y gerente de La Caja de Fósforos.

El proyecto Laramie (The Laramie Project), del venezolanoamericano Moisés Kaufman, es el montaje que bajo la dirección de Orlando Arocha, inaugura el Segundo Festival de Teatro Contemporáneo de USA, el cual será producido y exhibido en La Caja de Fósforos, durante el venidero mes de mayo.

La información la da la primera actriz Diana Volpe (Caracas, 1951), quien durante los últimos tres años se ha convertido, junto a Orlando Arocha, en el motor de un valioso movimiento de capacitación actoral, identificado como La Caja de Fósforos, precisamente por exhibirse en un mínimo espacio teatral, ubicado en el backstage de la Concha Acústica de Bello Monte, Municipio de Baruta.

APOYO DE BARUTA

Llegar a la Concha Acústica de Bello Monte nos llevó varios años, dice Diana Volpe. “Cuando El Teatro del Contrajuego se quedó sin su sede, en el Ateneo de Caracas, comenzamos a recorrer Caracas buscando espacios y mecenas. Finalmente, la Alcaldía de Baruta nos ofreció uno de los salones de la Concha Acústica de Bello Monte. Montamos la sala con el apoyo de innumerables amigos que nos ayudaron a pintar, coser telones, construir las tarimas, montar los aires acondicionados. Otros nos prestaron luces, sonido. Dimos talleres para financiar los gastos. Fueron semanas de mucho trabajo, pero también mucha emoción. Aquí estamos. Cuando la programación nos lo exige tenemos otra minisala, El dedal, que nos permite cumplir nuestra programación”.

SATISFACIONES

“Compartimos el espacio de La Caja de Fósforos con varias personas de la comunidad que llevan a cabo diversas actividades allí, coordinadas por la Alcaldía de Baruta, como las clases de karate de los niños, el coro, las señoras de la tercera edad, etcétera. Nosotros montamos nuestras escenografías los jueves en la noche y las desmontamos los lunes en la mañana. Es un gran esfuerzo para todos pero entre todos nos apoyamos. A casi tres años de labores nos sentimos muy satisfechos. Hemos montado 26 obras, dos ediciones de El Piquete, el primer Festival de Teatro Contemporáneo Estadounidense. Hemos ofrecido talleres de actuación para profesionales, talleres avanzados de dirección y talleres de dramaturgia. Un gran número de jóvenes se está formando o terminando de capacitarse en la Caja de Fósforos. A pesar de mantener una taquilla muy solidaria, o sea económica, logramos hacer tanto porque contamos con el apoyo de la Alcaldía de Baruta y de muchos amigos que colaboran con su trabajo. El Festival de Teatro Estadounidense es posible gracias al apoyo de la Embajada de los EEUU en Caracas”.

PLANES

La programación de este año arranca con la obra Esperancita, de Ricardo Nortier, desde el viernes 22 de enero; le siguen: El loco y la camisa, de Nelson Valente, a partir del viernes 26 de febrero y luego una versión del Majabhárata, la gran historia del pueblo de Indiay, por extensión, de toda la humanidad, adelantada por Orlando Arocha, después del 15 de abril. “En mayo tendremos la segunda edición del Festival de Teatro Contemporáneo de USA, durante el cual presentaremos ocho obras, algunas dirigidas por los egresados del Taller Superior de Dirección Teatral que dictó Orlando Arocha en el 2015. La apertura será con el texto, archifamoso de Moisés Kaufman, The Laramie Project, en versión castellana.

PRIORIDADES

“La necesidad de promover y estimular la dramaturgia nacional es una de nuestras prioridades. A tal efecto, ofrecimos dos ediciones de El Piquete, ciclos de lecturas semi-montadas de textos de autores venezolanos, y mantenemos en sesión permanente un taller-grupo de dramaturgia. Hemos recibido una repuesta importante de las nuevas generaciones. Somos su punto de arranque”, puntualiza esta primera actriz, que además de gerencia es maestra de comediante y directora de espectáculos.

HOMOFOBIA

El 6 de octubre de 1998 Matthew Shepard (22 años) fue golpeado y abandonado en las afueras de Laramie, Estados Unidos. Murió seis días después, el 12 de octubre. Era gay y su asesinato se convirtió en estupor y vergüenza para la sociedad. Su rostro se convirtió en símbolo de la lucha contra la intolerancia y la discriminación hacia lesbianas, homosexuales, bisexuales y transgénicos. Apenas un mes después, los miembros del Tectonic Theater Project —compañía fundada por Moisés Kaufman (Caracas, 1963) y su socio Jeffrey LaHoste, en Nueva York— viajaron a Laramie y entrevistaron a la comunidad para comprender por qué ese chico había sido torturado y asesinado. A partir de estas conversaciones escribieron la obra The Laramie Project, la cual ha sido vista por más 100 millones de personas alrededor de Estados Unidos, desde 2000.Nosotros vimos su estreno en el otoño neoyorquino También se convirtió en película para HBO, desde 2002.

Moisés Kaufman (Caracas, 1963)

Ambiciosa la temporada escénica 2016 al menos con los programas del V Festival de Teatro de Caracas (Fundarte) y el Segundo Festival de Teatro Contemporáneo de USA (La caja de fósforos). El primero está organizado gracias al actual ministro de Cultura, Freddy Ñáñez, y lo ejecutará Ifigenia Arellan y el segundo descansa en los hombros de Orlando Arocha y Diana Volpe, quienes comandan el fenómeno teatral privado más importante de esta década.

No conocemos la cartelera del festival caraqueño, tiene no menos de 150 espectáculos, pero sí sabemos que la apertura del festival “gringo”, pautado para mayo, con ocho montajes, será con Proyecto Laramie (The Laramie Project), famosa obra de Moisés Kaufman (Caracas, 1963), cuyo estreno presenciamos en un neoyorquino otoño. La versión criolla será mostrada por Arocha en el backstage de la concha acústica de Bello Monte, convertida en off Broadwaycaraqueño.

Proyecto Laramie es la saga de Matthew Shepard (22 años), quien fue golpeado y abandonado en las afueras de Laramie. Murió seis días después, el 12 de octubre de 1998. Era gay y su asesinato se convirtió en estupor y vergüenza para Estados Unidos. Su rostro se convirtió en símbolo de la lucha contra la intolerancia y la discriminación hacia lesbianas, homosexuales, bisexuales y transgénicos. Un mes más tarde, los miembros del Tectonic Theater Project (compañía fundada por Kaufman y su socio Jeffrey LaHoste, en Nueva York) viajaron a Laramie y entrevistaron a la comunidad para comprender por qué a ese joven lo habían torturado y asesinado. A partir de esas conversaciones escribieron la obra The Laramie Project, lacual ha sido vista por más 100 millones de personas no solo en Estados Unidos, desde 2000, y dos años después se convirtió en película de HBO.

Kaufman, con 30 años en Manhattan, piensa que todo arte es político y si “está bien hecho contiene el mundo en el que fue creado. El arte es un evento político, social y por supuesto humano”.

Publicado por Alberto Sáez Villarino | jueves, junio 04, 2015.
El antepenúltimo Mohicano

Seres hostiles e irracionales, así fue como los colonizadores definieron a los aborígenes que poblaban las inmediaciones del río Amazonas antes de que se vieran obligados a masacrarlos ya que, incomprensiblemente, estos indígenas no accedieron de buena gana a modificar sus costumbres y cultura como pretendían los recién llegados, quienes reclamaban la tierra suya y les ofrecían la posibilidad de continuar viviendo en ella sujetos a sus mínimas leyes de convivencia (posteriormente englobadas en el término esclavitud).El abrazo de la serpiente se muestra como una integrante de esa inusual y misteriosa estirpe de películas que, como algunas de las plantas medicinales y analgésicas más comunes de nuestro tiempo, han aparecido a lo largo de la historia para reivindicar que lo primigenio y lo primordial van unidos de la mano, en cualquier tipo de ámbito, y supeditados a unos resultados mucho más satisfactorios que cualquiera de los productos químicos subsecuentes y derivados. De esta manera, la nueva obra del colombiano Ciro Guerra contribuye a enriquecer un acervo cinematográfico que, en su búsqueda de lo natural y primitivo, constituye una pieza imprescindible tanto de antropología histórica, en su exploración reflexiva sobre el tránsito de lo caduco, como filmográfica, aumentando el crédito de un país al que ya le habíamos perdido la pista,cinematográficamente hablando.

El creciente desdén con el que las ciencias naturales están siendo tratadas levanta de nuevo el debate sobre la necesidad que tiene el primer mundo —Norteamérica principalmente— de controlar el gran mercado ejerciendo una competencia desleal basada en el descrédito de aquello que se escapa de su control o entendimiento. Empero surgen preguntas perentorias de cada acción, aparentemente desinteresada y escondida tras un puñado de eufemismos sobre las buenas intenciones, la preocupación y el respeto, que la ciencia experimental y moderna es incapaz de responder. Es por ello por lo que esta película resulta, aparte de un maravilloso ejercicio estético-reflexivo, una poderosa herramienta de protesta. Algo que puede apreciarse en la sensacional escena de la brújula; un misionero se niega a que los miembros de una tribu se queden con su instrumento magnético. Incapaz de reconocer su apego a los bienes materiales, se escuda en la falsa e hipócrita preocupación de que podría actuar como un transmisor de conocimiento negativo, destruyendo su actual sistema de orientación basado en los vientos y las estrellas. «El conocimiento pertenece a todos». Este brillante diálogo constituye un testimonio concreto y fehaciente de un largo y decadente proceso cultural. Una egoísta, totalitaria y narcisista civilización que demuestra su incapacidad para permitir el progreso de otras culturas que amenacen a la suya y desacrediten su propia artificiosidad utilitarista envasada al vacío y vendida al por mayor.

Guerra utiliza un único hilo narrativo no lineal y un exclusivo espacio físico para, mediante la introducción de dos momentos temporales diferentes, mostrar la evolución del hombre blanco en su proceso de comprensión de las tribus aborígenes de la amazonia colombiana. En su empeño de realizar este complejo estudio, el director plantea una única narración basada en el empirismo y en la descripción de registros anecdóticos y procedimentales de dos diferentes exploradores que recorrieron idénticos caminos con 20 años de diferencia. Cualquier separación entre escenas queda completamente erradicada, hecho que aporta una mayor fluidez al relato y obliga al espectador a permanecer atento a los cambios, no sólo de protagonista, ya que en ocasiones la transición es tan sutil que apenas logramos percatarnos, sino también del propio entorno y las vicisitudes que encontramos a su paso, cada vez más demacrado y explotado por el paso de la evolución y la contaminación social en un territorio profanado. La no obviedad de la película en ese sentido eleva su narración al desvanecer la línea espacio-temporal, haciendo que las dos diferentes etapas transitorias se vean unidas por hábiles trucos de cámara que juntan lugares comunes en momentos diferentes. Pasado y futuro se confunden gracias a la astucia de la cámara y el sensacional aprovechamiento del espacio. Como nexo de historias y agente estabilizador, que da orden y sentido en todo momento a las alteraciones cronológicas, encontramos a Karamakate, último superviviente de una tribu amazónica. La película se centrará en la relación de éste con dos exploradores, el biólogo alemán Theodor Koch-Grüngberg, y el estadounidense Richard Evans Schultes —ambos figuras reales en el campo de la etnología— en su intento de encontrar una planta curativa milenaria cuya efectividad depende de la conexión espiritual y el entendimiento de unos conocimientos esotéricos ancestrales.

Desde el punto de vista de su estructura formal, el filme, tras dejar clara desde las secuencias introductorias su intencionalidad atemporal, aprovechará su potencia visual para la que, sorprendentemente, ha renunciado de manera deliberada al poder cromático de la selva en beneficio de un blanco y negro tan sugerente como acertadamente anacrónico, en su esfuerzo de representar el impacto que la invasión de la civilización tuvo sobre la totalidad de las especies —animales y vegetales— en la época precolombina. Gracias a esa perspectiva múltiple aportada por el salto temporal de 20 años, se pueden apreciar no sólo los efectos, sino también el desarrollo de la acción rememorada, desde una óptica biográfico-colectiva, en un mismo escenario. Este es el caso del recinto evangelizador en el que los españoles educaban a los niños en la moral cristiana por medio de los frailes capuchinos y que, dos décadas después, estaba invadido por congregaciones sectarias primitivistas de prácticas mesiánicas absurdas y extremistas. Sin embargo, el protagonismo en El abrazo de la serpiente está destinado por completo a Karamakate, como fiel representante de las civilizaciones sometidas al colonialismo y no, como habíamos visto anteriormente, a los propios expedicionarios ejemplificados con cierta honorabilidad por Herzog en películas como Aguirre, la cólera de Dios (Aguirre der Zorn Gottes, 1972), o Fitzcarraldo (1982). El colonizador es en la presente cinta un peligroso intruso al que le precede la terrible fama de sus antecesores, caucheros del corte de Julio César Arana del Águila, a quien se menciona indirectamente recordando la espantosa matanza de los peruanos, en alusión a los escándalos del Putumayo.

Un notable ejercicio de estilo y experimentación en el que las prácticas misionales de las reducciones jesuíticas de Colombia quedan como un anecdótico acompañamiento dramático frente al verdadero foco de la acción; un trabajo de extensa historiografía narrativa cuya principal baza se polariza en la complementariedad de dos personajes encarnados en la misma figura —Karamakate joven y Karamakate viejo—, reviviendo un capítulo de su vida con el conocimiento y la experiencia que la primera vivencia, 20 años atrás, le proporcionó. De esta manera, el filme queda alegóricamente dividido en su vertiente histórica, la cual nos aproxima, a través de dos personajes reales —exploradores— a un episodio de la colonización sudamericana mediante una reconstrucción fílmica relativamente fidedigna, reflejando algunos rasgos de la sociedad colonial culturalmente mestiza; y su vertiente aventurera, mostrando el viaje iniciático de dos investigadores que evidencian la incompatibilidad cultural y los problemas del desconocimiento y la intolerancia. Nuevo ejemplo de la pobreza del ser humano en comparación a la riqueza del entorno natural, y la mezquindad de aquél al tratar de agotar los recursos de éste. Retrato metafórico aplicable a la época contemporánea que complementa el sensacional trabajo de Eduardo Galeano: «El subdesarrollo de América Latina proviene del desarrollo ajeno y continúa alimentándolo (…) habitamos, a lo sumo, en una sub América, una América de segunda clase, de nebulosa identificación. Es América Latina, la región de las venas abiertas».

Ficha técnica

Colombia. 2015. Título original: El abrazo de la serpiente. Director: Ciro Guerra. Guion: Jacques Toulemonde, Ciro Guerra. Fotografía : David Gallego. Música: Nascuy Linares. Duración: 125 minutos. Productora: Coproducción Colombia-Venezuela-Argentina; Ciudad Lunar Producciones / Buffalo Producciones / Caracol Televisión / Dago García Producciones / MC Producciones / Nortesur Producciones. Montaje: Etienne Boussac. Intérpretes: Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Nicolás Cancino, Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna. Presentación oficial: Festival Internacional de Cannes 2015 (Ganadora Quincena de realizadores).

"Desde allá" llegará en abril a las pantallas criollas.

El mundo entero habla del cine venezolano. La meta de ofrecer a los espectadores una cartelera variada, con diversidad de géneros para todos los gustos, se cumplió con éxito en 2015, que finalizó como el año con más estrenos en la historia de nuestro séptimo arte: 31.

La bitácora de títulos continúa este 2016 con más ficción, comedia, drama e historias que retratarán personajes que dejaron una huella indeleble en la memoria histórica del país a través del talento de distintas generaciones de realizadores, que no detienen su proceso creativo.

El filme independiente Devuélveme la vida marca el inicio del nuevo año cinematográfico. Este drama fusionado con el género policial, ópera prima de Alain Maiki, cuenta una historia cargada de emocionalidad entre una madre y su hija, con un elenco de actores venezolanos y equipo técnico radicado en Estados Unidos.
Manuel Pifano estrenará en febrero Cómo casarse antes de los 30, una comedia romántica con sello criollo en la que 'Pamela' (Malen Kaminski), luego de quedar soltera, se desespera por llegar al altar antes de cumplir tres décadas de vida y, junto con sus amigos más cercanos, buscará resolver la situación y volver a gozar del glamour y estilo que alguna vez la caracterizó.
Allende en su laberinto, dirigida por el chileno Miguel Littín, coproducción entre Chile y Venezuela, revivirá las últimas horas de vida del presidente Salvador Allende, cuando aconteció el golpe de Estado comandado por Augusto Pinochet en el Palacio de la Moneda, en Santiago, el 11 de septiembre de 1973, suceso que marcó un hito en Latinoamérica.

“Es un hecho importante que ambos países se unan en este proyecto para difundir el relato de Salvador Allende, una persona que ha marcado la historia de los tiempos contemporáneos, quien entregó su vida luchando por las libertades democráticas y por señalarle al pueblo de América Latina que los principios no se entregan”, comentó Littín.

El cine comunitario tendrá su espacio en marzo con Juntera, un largometraje documental producido por comunas socialistas a partir de la necesidad compartida entre la Cooperativa Audiovisual La Célula y la Corriente Revolucionaria Bolívar y Zamora (CRBZ) de contribuir al registro histórico de los procesos de construcción del socialismo bolivariano en los territorios comunales.
También llegará a las salas comerciales la película Travesía, del director Jesús Rondón, realizada en la Escuela de Medios Audiovisuales de la Universidad de Los Andes (ULA). “Buscamos rescatar todos los valores que el venezolano ha perdido, contando una historia en la que cuatro niños pretenden ser adultos y un adulto pretende volver a ser niño. Queríamos dar una mirada infantil de la Venezuela de dos épocas: la de 1958 y la actual, rememorando toda la esencia que vive un pequeño por primera vez”, adelantó Rondón.

La gran pelea, de Luis Cerasa, realizada por los estudiantes de la escuela Cine en Formación de Anaco, estado Anzoátegui, mostrará desde el ring de boxeo una trama fiel a la cotidianidad de los sectores populares del país, mediante la historia de dos hermanas de padres diferentes, una amante del pugilismo y otro músico de orquesta.

En abril, un 'reality' ficticio tomará la gran pantalla en El show de Willi, del director Fernando Venturini, una comedia satírica con humor negro sobre los programas de 'tele realidad', protagonizada por Sócrates Serrano.

Abril, de José Antonio Varela, recapitula los hechos del golpe de Estado al presidente Hugo Chávez en 2002, con un guión coescrito por Varela junto con su hermano, José Luis, y el realizador Luis Alberto Lamata.

Desde allá, ópera prima de Lorenzo Vigas, ganadora del León de Oro a la mejor película de la 72ª Bienale di Venezia, llegará al país luego de su estreno en Italia. En ella, el director plasma elementos como la incapacidad para relacionarse con las demás personas, la ausencia de emociones, la orfandad y la paternidad en medio de una caótica Caracas, con las actuaciones estelares del chileno Alfredo Castro y el joven Luis Alejandro Silva.
El humor continuará en mayo con El DiCaprio de Corozopando, comedia filmada en Los Llanos venezolanos, dirigida por Luis Rahamut. Y producida por la Villa del Cine Tamara, de Elia Schneider, dará una mirada intimista a la diversidad sexual a través de la vida de una exitosa mujer atrapada en el cuerpo de un hombre que decide ser transgénero, con Luis Fernández como protagonista, basada en la vida de la abogada Tamara Adrián, aunque no es un filme biográfico.

Jackson Gutiérrez presentará Cuatro esquinas, un ‘biopic’ sobre el basquetbolista y cantante venezolano Juan Manaure. Desde el género documental, se verá Vivir de imaginarde Carlos Bolívar, que en dos episodios se paseará por el legado de dos importantes figuras del país: Alfredo Cortina, uno de los pioneros de la televisión y figura de la radio a mediados del siglo XX que revolucionó la locución; y el escultor Alejandro Colina, artista visual que a través de piezas como la estatua de María Lionza y las de los caciques Manaure, Tiuna y Yaracuy, entre muchas otras, llenó de idiosincrasia nuestras calles y espacios públicos.

El lenguaje audiovisual de Román Chalbaud llenará de historia la pantalla La planta insolente, película con matices de realismo mágico, humor y poesía que reseña la vida del militar y presidente venezolano Cipriano Castro, quien gobernó desde 1899 hasta 1908. El joven Miguel Delgado aparece con Maisanta, la saga del general Pedro Pérez Delgado, conocido como ‘El último hombre a caballo”, este filme es el seleccionado para inaugurar el Segundo Festival de Cine Internacional de Caracas, a mediados de febrero. Del cineasta Eduardo Barberena (fallecido en 2015) llegará Alias Bambi C4, filme en clave de ficción sobre Luis Posada Carriles. Tres producciones de la Villa del Cine.

En El peor hombre del mundo de Edgar Rocca, temas como el amor, el desamor y la personalidad humana serán tratados, con un elenco conformado por Alexander Da Silva, Mariaca Semprún y Natalia Román, entre otras figuras.

La oferta del cine criollo en 2016 mantiene un carácter reflexivo y de entretenimiento a través de historias que contarán, desde distintas perspectivas, ángulos y planteamientos, tópicos que se manejan entre lo social, cultural, histórico y mágico que nos define como espectadores de un cine que toma cada vez más forma e identidad.

Freddy Ñáñez (Caracas, 1965)

Iván Padilla Bravo / Caracas, Semanario cultural Todasadentro/ 16.01.2016

El poeta Freddy Ñáñez tiene siempre a mano un libro y es algo que a nadie que le conozca le sorprende. Lector acucioso, teatrero y titiritero. Vocalista en su propia banda de punk rock, Los Residuos, creada en sus años más juveniles. Hombre de la cultura y de la calle como fuentes para su bagaje, vaciló varias veces entre terminar de leer un buen libro o seguir “perdiendo el tiempo en un aula”, como en la anécdota de la que echa mano mientras hilvana explicaciones acerca del intenso momento político actual en el país.

Esta vez acaricia Elogio de la dificultad,un ensayo de Estanislao Zuleta convertido en un breve compendio filosófico que “provoca leer interminablemente para no desperdiciar absolutamente nada de los aportes filosóficos allí contenidos, en los que la retoma de la voluntad de poder es un hecho”, según explica Ñáñez.

Vincula la lectura aludida con la conversación previa que sostiene con Todasadentromientras se afinan las condiciones para esta entrevista, solicitada desde el pasado jueves 7 de enero, cuando se supo la noticia de su incorporación al “alto mando” para conducir la dura batalla, acentuada luego de que la derecha, representativa de las oligarquías y del imperio estadounidense, consiguiera vencer numéricamente en la conformación del poder legislativo en la Asamblea Nacional.

El poeta y cultor, al frente del ministerio del Poder Popular para la Cultura, atiende diferentes temas, llamadas citas, audiencias y una entrevista en la que se asoma por La Ventana, el espacio de opinión que conduce la periodista Enza García en la emisora Alba Ciudad, 96.3 FM. Llega el turno de este Diálogo y Ñáñez continúa coherentemente con el asunto de la conversación inicial: “Éste es el momento del Elogio de la dificultad. Cuando el Presidente convoca, lo primero que hice fue buscar el libro, ese bello ensayo de Estanislao Zuleta y aplicarlo ahora”, invocando a Bolívar, quien no sólo fue el hombre de las dificultades, sino fundamentalmente el hombre de la esperanza.

La primera militancia

“Mi primera militancia política fue cultural. Hice una banda de rock anticatólica, antimilitar y antipolítica, en el sentido que combatíamos una forma de expresarse la misma. Yo no sabía que ese mundo se estaba derrumbando. Cuando el Comandante Chávez aparece por televisión, el 4 de febrero de 1992, estábamos ensayando con la banda Los Residuos y nos dicen que había un Golpe de Estado y cuando vemos en la televisión a Chávez, yo sentí una alegría porque percibí que por primera vez, en los hechos, se podía embestir al futuro, que viene algo, que hay un más allá. Hasta ese momento nuestras letras eran nihilistas, no había solución, estábamos sin salida, no había país. Pero cuando veo a Chávez siento que había una fuerza. De aquel momento la gente se acuerda mucho del “por ahora” pero yo recuerdo más bien que él dice: “y el país tendrá que enrumbarse definitivamente hacia un camino mejor”. Para mí eso fue fundamental, y lo conecto con mi infancia, porque mis padres son trabajadores, no vengo de una familia de intelectuales ni de artistas. De hecho en mi casa había muchos discos de La Fania, de salsa, y yo no sé bailar salsa. Había tres libros, de esos que venden los enciclopedistas, que eran muy raros: La Biblia, Así hablaba Zaratrusta y el Bhagavad Gita. Yo no era un muchacho lector sino rabioso. De salir a la calle y cantaba en una banda de rock. Eso es lo anecdótico. Pero cuando el Presidente Maduro me convoca para este momento, evidentemente, cualquiera en mis zapatos diría por qué yo. Conociendo mis límites, porque todos conocemos nuestros límites. Soy un hombre que se ha entregado durante mucho tiempo a intentar servir, con errores, aciertos, con la complejidad que somos. Enamorado de la gesta de Hugo Chávez y, definitivamente, contagiado del espíritu épico. La épica ha sido mi gran consigna, con Walt Whitman, Rimbaud, Homero y todos esos poetas que siempre cantaron más allá.

Cuando Maduro me invita, me pongo a pensar en cómo han cambiado las cosas desde que yo era un cantante de punk, rock, despotricando de todo, a estar sentado en un lugar tan importante como este gabinete y sentir la convicción de que, otra vez, estamos en un momento de renacimiento. Para mí, Chávez fue un renacimiento y, otra vez estamos ante un renacimiento, aunque en situaciones muy distintas.

A mi generación se nos negó el derecho a conocer nuestro país. En lo educativo, en el diseño curricular del bachillerato. Se nos negó el país, se nos negó la literatura nacional, se nos negó la música venezolana en su expresión genuina. Se nos caricaturizaron los símbolos nacionales y se nos infundió un desprecio por la historia y por lo propio. Conocimos primero a los escritores franceses que a los venezolanos. Yo conocí primero a Bakunin que a Simón Rodríguez. Nuestra desvinculación con lo nacional fue programada. Hubo una cruzada contra lo venezolano para convertirnos en una generación del desarraigo y del éxodo. Fuimos una generación del desarraigo y sólo con la ilusión del bolivarianismo se enrumbó. Unos nos vinimos para el lado de la épica y otros se quedaron en el de la reacción, del adormecimiento. Y ahí estoy yo, en un Gabinete que tiene una tarea histórica. La Revolución ha pasado siempre por condiciones difíciles. Porque una Revolución es la manera de asumir la dificultad como modo de vida, es retar a la naturaleza, decirle: vamos a ir más rápido de lo que tú me dices que debemos ir. Es retar a la condición humana, a la historia y a los referentes atávicos de la religiosidad.

En este momento, lo que plantea el presidente Nicolás Maduro es el renacimiento de un espíritu patrio, que ha sido tan atacado desde la muerte del Presidente Chávez y hasta ahorita.

Lo que ha conseguido la guerra económica, que es verdad, tiene su correlato en lo cultural. Cuando a uno le quitan la comida y los empresarios nacionales se confabulan con los internacionales, entonces surge el egoísmo, la insensibilidad, la despersonalización. Por eso la batalla es más dura, ya que se ubica, de manera muy fuerte, en el campo de lo simbólico.

Lo que nos estamos jugando es la paz

El Ministro considera que “EEUU tiene como escenario justificable para una invasión de Venezuela la ficción mediática de una supuesta crisis humanitaria. Se refiere al decreto de guerra que el presidente estadounidense, Barak Obama, firma contra Venezuela. “No sé si existirá un empresariado en otras partes del mundo que les convenga la destrucción de su país”, refiere en relación a sus actitudes lacayas.

“La tarea que nos ha encomendado el Presidente es cultivar el espíritu de lo nacional ¿quiénes somos los venezolanos?, ¿somos esos que nos peleamos por comida? ¿Somos los viajeros que venden el tesoro de su nación para comprar frivolidades en el exterior? ¿Somos así? Somos un pueblo trabajador al que se le ha hecho daño con la publicidad, prisioneros de un modelo que nos tiene presos”, indica Ñáñez.

Nací dos veces

La primera fue como todo el mundo, en una casa o en una sala de partos, a una hora y en un lugar determinado, para Freddy Ñáñez, el más importante nacimiento es el segundo: el 27 de febrero de 1989. “Fue una época cuando se produjo la ruptura de un modelo económico y social con el nacimiento de otro. Estaba en Palo Verde, en la zona de Petare, al este de Caracas. En una panadería, con mi familia. Empezamos a escuchar disparos, pensé que eran fuegos artificiales porque estábamos en febrero y algunas costumbres nuestras prolongan la Navidad hasta el día dos de este mes. Vi como entró un tanque de guerra al centro comercial de Palo Verde. Era el 27 de febrero de 1989. No sabía lo que sucedía, pero corríamos. Mi mamá estaba preocupada por salvarnos -a mi hermana y a mí- de las balas de un ejército al que nunca vimos pintando una calle o arreglando un alumbrado en el barrio. Nos preguntábamos porqué disparaban sus fales (por FAL, fusil automático liviano) contra la gente. Eso me marcó. Allí nació mi conciencia política. Nadie en la casa pudo explicarme lo que estaba pasando. Que era el gobierno el que estaba disparando contra la gente que hacía colas para comprar azúcar y caraotas en los chinos. Me di cuenta de que vivía en un país y no en mi cuarto de juegos o en la cancha de beisbol, un país donde estábamos tan desamparados y necesitados de los demás. A eso le vino un paro de transporte, marcha de maestros y algo que me convocó a luchar por los otros, el alza del pasaje preferencial estudiantil. Estábamos luchando contra un gobierno malo. Lancé piedras. Me tocó ver caer gente muerta por clavos, tornillos, tuercas o pedazos de hierro que disparaba la policía desde sus armas de guerra. No fui un hombre de la lucha armada y no la conocía. Venía de un imaginario de la contracultura, del rock, del punk, de los movimientos anarquistas que conformaban un discurso atractivo”, puntualiza Freddy Ñáñez.

Una historia de amor en una Caracas convulsa.

El próximo 29 de abril se estrena en las salas comerciales de Venezuela la película Desde allá, ópera prima de Lorenzo Vigas, ganadora del León de Oro en la 72 edición del Festival de Cine de Venecia, el certamen “clase A” más antiguo del mundo. Luego de exhibirse en 28 encuentros cinematográficos el pasado año y alzarse hasta ahora con siete reconocimientos internacionales, el filme podrá ser visto finalmente por los espectadores locales.

La obra protagonizada por el actor chileno Alfredo Castro y el debutante Luis Alejandro Silva también concretó su estreno en 50 salas de cine en Italia a través de la casa distribuidora Cinema, del reconocido productor Valerio De Paolis, quien se ha encargado de la comercialización de filmes como Fahrenheit 9/11 (2004), Brokeback Mountain (2006), Milk(2008), Her (2013), Dheepan (2014) y Spotligth (2015). Ti Guardo (Te Miro) es el título seleccionado para la película de Vigas que se exhibirá en el país europeo a partir del 21 de enero.

Italia representa el punto de partida para distribución comercial de la obra en varios países de Europa, América Latina y Estados Unidos. Recientemente, la prestigiosa compañía Strand Releasing adquirió los derechos de comercialización a Celluloid Dreams, el agente de ventas de Desde allá, para realizar el lanzamiento en territorio norteamericano a finales de la primavera. La gira por festivales internacionales también continuará durante el 2016.

ÉXITO INTERNACIONAL

El reconocimiento más reciente conquistado por Desde allá fue el Premio Coral a la Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, en Cuba. También destaca la Mención Especial por Guion en la categoría “Nuevos Autores” del AFI FEST en la ciudad de Los Ángeles, en Estados Unidos, evento organizado por el American Film Institute que reúne cada año lo mejor del cine independiente mundial. Además, sumó aplausos del público y el respaldo del jurado en San Sebastián (España), Biarritz (Francia) y Salónica (Grecia).

El filme aclamado por la crítica internacional aborda una historia sobre profundas carencias emocionales. Armando (Castro), un protesista dental de mediana edad, recorre las calles de Caracas en busca de jóvenes hombres y les ofrece dinero para que lo acompañen a su casa. Pero no los toca, sólo los observa desde una estricta distancia. Un inesperado y violento encuentro con Elder (Silva), líder de una banda de delincuentes, cambiará el curso de sus vidas.

Desde allá (Venezuela – México) fue producida por Rodolfo Cova de Factor RH, junto a Lorenzo Vigas y los mexicanos Guillermo Arriaga y Michel Franco. La producción ejecutiva estuvo respaldada por el venezolano Edgar Ramírez y contó con el financiamiento del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC).

PERTURBADORA AMBIGÜEDAD DRAMÁTICA

Según la crítica Andrea Núñez-Torrón Stock, de la revista EAM, “Caracas convulsionada es el escenario escogido por Lorenzo Vigas para presentarnos una historia —de amor, sentimientos encontrados y agresividad contenida— poco convencional y rica en matices. Desde allá, título del debut cinematográfico de este director venezolano, se trata de una obra desgarradora, dotada de una inusitada fuerza y un prisma novedoso, que lejos de centrarse exclusivamente en la complejidad de una relación plagada de incongruencias, baches emocionales y presión social, nos revela la continuidad actual de una amplia serie de estigmas sociales alusivos a la homosexualidad masculina en Latinoamérica, el poso de los traumas más arraigados en la personalidad o la imprevisibilidad asociada a muchas de las reacciones humanas”.

“Su valentía, su crudeza y su excelente puesta en escena han llevado a esta obra a hacerse con el León de Oro en la última Mostra de Venecia, así como recibir una cálida acogida en la sección de Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Compartiendo valor, escenario y una aguda radiografía social, recuerda en su verismo descarnado a la fantástica Pelo malo de Mariana Rondón, que se llenó el bolsillo de merecidos premios hace dos años. Las dos obras apuestan por una mirada fría y aséptica, que no juzga a sus personajes, para contarnos sus diferentes conflictos vitales, pero a diferencia de esta última citada, la cinta que hoy describimos incide en lo argumental por una ambigüedad dramática perturbadora, donde pueden caber diferentes versiones y el espectador debe tratar de desmigajar ese guion sutilmente milimetrado para llegar al quid de la cuestión, a desentrañar el corazón de los dos hombres que en ella participan y se conocen el uno al otro”.

PREMIOS INTERNACIONALES

León de Oro a la Mejor Película en la 72 edición del Festival de Cine de Venecia. Mención Especial del Jurado de la Sección Horizontes Latinos al actor Luis Alejandro Silva en el Festival de San Sebastián (España). Premio a Mejor Actor para Luis Alejandro Silva en el Festival Biarritz Amerique Latine 2015 (Francia). Premio al Mejor Guion y Mejor Actor para Alfredo Castro en el Thessaloniki International Film Festival 2015 (Grecia). Mención Especial por Guion en el AFI FEST 2015 (Estados Unidos). Premio Coral a la Mejor Ópera Prima en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

Tres actrices de postín.:Claudia,Valentina y Verónica.

Verónica Arellano, Valentina Cabrera y Claudia Nieto son diestras actrices que asumieron la tarea nada fácil de plasmar a cuatro mujeres criollas que viven situaciones críticas, a las cuales superan y prosiguen hacia adelante, según como las concibieron los escritores Gladys Prince, José Gabriel Núñez, Rubén León y Rubén Darío Gil, hasta así crear el lúdico espectáculo Cuentos nocturnos, que hace temporada en el Teatro San Martín de Caracas, bajo la correcta égida de Rubén León.

Cuentos nocturnos, producción del grupo Afrodiartes, auspiciada por el proyecto Fondos Concursables del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, más allá de ser una auténtica visión de la feminidad venezolana, es una demostración fehaciente de como sus intérpretes sí tienen talento de sobra para encarnar a sus personajes y dar además el apoyo necesario a los de las otras. Una verdadera cátedra que debe ser vista y analizada por las nuevas generaciones actorales.

No es un montaje feminista ni nada preñado de contenidos ideologizántes a favor o en contra de otros u otras. Es una deliciosa y sana nostalgia de aquellos mejores tiempos idos, como son las cálidas etapas de la adolescencia, los noviazgos, los hijos y los nunca deseados divorcios, además de los cambios de conductas que brotan gracias a las nuevas tecnologías de comunicación, según las propuestas de Gladys, Núñez, Rubén León y Gil con sus respectivos textos: Matinée, Infidely Chat, Diestras y siniestras, y María Marín; todo esto sobre una incesante cortina musical, con canciones, ritmos y bailes de los años 60,70 y 80, además de temas como Desesperanza, Bésame muchoy Pa´ todo el año, que interpretan a capela o en correctos coros.

Un torbellino del pasado con mujeres que amaron y nunca lo olvidan. El espectáculo no alcanza los 60 minutos y deja el deseo de seguir escuchando los desenlaces de las damas plasmadas, porque sus historias son comunes en esta irredenta Venezuela.

Llamamos la atención a los actuales administradores del Teatro San Martín de Caracas porque no entregan los programas de mano respectivos de cada espectáculo ni tampoco hacen promoción de los eventos programados. No sabemos de quien es la culpa, pero eso sí perjudica al público que paga -éramos siete en la función del 16 de enero- y afecta seriamente al TSMC mismo, porque sin audiencia no hay ingresos y el fantasma del cierre vuelve a rondar, precisamente ahora que se cumplen 23 años de actividades. Por ahí existe una ordenanza de espectáculos públicos que norma esos asuntos y además recomienda la puntualidad con los horarios de las respectivas funciones. Hace falta, pues, Gustavo Ott al frente de esa estratégica sala el suroeste caraqueño.

Manuel Trotta fabricando su futuro.

Algún día, ojala antes de culminar esta década, se haga el balance de la diáspora venezolana, esa no coordinada fuga de jóvenes hacia Colombia, Estado Unidos, Europa (especialmente España) y Australia. Y entonces se sabrá de los beneficios o de los desatinos de esa salida de gente talentosa, que comenzó en el año 1999 y la cual, según conservadores cálculos y estadísticas severas van por los dos millones y medio, hasta el día de hoy.

EL LLANO VENEZOLANO

Mientras tanto reseñamos los proyectos de otro venezolano que lleva cuatro años y medio en Estados Unidos. Se trata del productor y actor Manuel Trotta (Caracas, 1985), quien anunció su proyecto cinematográfico What lies underneath que se rodará durante este año en Minnesota, pero regresará antes a Caracas para filmar su cortometraje El astronauta, proyecto seleccionado por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC)

El astronauta es una historia intimista de dos personajes desarrollada en el llano venezolano, a donde un hijo vuelve a su pueblo natal a buscar a su padre; una historia de la conexión y el encuentro humano, a través del realismo mágico. Para este proyecto, Trotta, quien también será el protagonista, logró armar un equipo de exitosos profesionales y de gran renombre en el medio cinematográfico nacional como el actor Luigi Sciamanna, Alexandra Henao, Elik Alvarez y Matias Tikas.

Trabajar en el llano venezolano no es una temática nueva en la carrera de Trotta, anteriormente produjo el documental Humedales de Apure, presentado en la Unesco. Trotta busca destacar la riqueza de Venezuela a través del paisaje del llano en el país, además de hacer énfasis en el folklore, la música, que en ocasiones son desconocidos por el público de las grandes ciudades.

Trotta también se ha mantenido muy activo en el ámbito teatral tanto nacional como internacionalmente, sus trabajos más recientes fueron en Nueva York la obra de teatro Judgement on the gray beach (Juicio en la playa gris) dirigido por Elia Schneider y en Caracas con el espectáculo La maña, donde participo también como actor, obra elegida como una de las mejores de la temporada del 2011.

Hay destacar que Trotta ha trabajado en la producción de otros largometrajes como Desautorizados, Un lugar lejano, Esclavo de Dios y Tamara, siendo reconocido con innumerables premios entre ellos el de Mejor Edición en el Festival de Cine de Mérida 2014.

A LA SOMBRA

El cine venezolano sigue siendo noticia a nivel internacional, en esta oportunidad, los criollos Manuel Trotta y Joel Novoa y el estadounidense Moisés Amsel serán los productores del largometraje What lies underneath (A la sombra), proyecto que vienen desarrollando desde hace dos años y el cual esperan filmar durante este 2016 en Estados Unidos; lugar emblemático que ha sido testigo de producciones cinematográficas como Fargo y A serious man, de los hermanos Coen.

What lies underneath es un largometraje de suspenso, basado en hechos reales, que contará la historia de una familia clase media, desesperada por conseguir la cura a una extraña condición de su hijo. Sin otra opción, acudirán a un médico experimental cuyas prácticas revelarán un extraño secreto. La película será rodada totalmente en inglés; en cuanto al reparto, los productores por los momentos no revelaran nombres pero señalan que el protagonista será un destacado actor, de mucho reconocimiento a nivel internacional.

Sobre las expectativas en torno a este proyecto, Manuel Trotta afirmó: "El cine de suspenso genera gran atracción para la audiencia mundial por su capacidad de conexión con el público; además contamos con un guion muy sólido, un talentoso equipo y un elenco de mucho peso."

Vale destacar, que Joel y Manuel han trabajado juntos en varias producciones cinematográficas, dirigida por Elia Schneider, José Nova y el mismo Joel.

Trotta, quien anda convaleciente de una pequeña operación, comenta que estos años en Estados Unidos le han permitido trabajar al lado de los grandes, hacer más contactos profesionales, tener mayor exposición internacional, avanzar en su consagración como cineasta y unos cuantos galardones. Mal no le ha ido. Asevera.

LA MAÑA

La maña fue vista y degustada en Buenos Aires por Manuel Trotta y Joel Novoa. Se enamoraron de la pieza y lograron los permisos del autor Damián Dreizik. Regresaron y comenzaron a ensayarla, después de un trabajo conjunto de adaptación, pero el primogénito de los cineastas José Ramón Novoa y Elia Schneider escapó hacia Los Ángeles, donde estudiaba cine, y quedó encargado Jesús Delgado para sacar adelante el montaje con Manuel. Vinieron los precisos ensayos y Elia Schneider asumió una asesoría que se apreció en el montaje, el cual hizo temporada en la sala Cabrujas, de Los Palos Grandes. Vimos La maña caraqueña. Detectamos las metáforas que propone el autor: la existencia del ser humano en la sociedad moderna donde se desenvuelve está en peligro por los avances tecnológicos y ante la incapacidad para aprehenderlos, y la otra, más básica, se centra en el hombre contemporáneo, que una vez más, está solo y no tiene quien le ayude hasta que se ve obligado a sobrevivir con lo que tiene o con lo que pueda inventar, como si estuviera en la época cavernícola de nuevo.

Cinco comunas hicieron su película.

Con motivo de la celebración del Día Nacional del Cine, este viernes 29 de enero, se llevará a cabo en el cine Cipreses ubicado en Caracas, el preestreno del documental sobre experiencias comunales Juntera, un largometraje que busca visibilizar los avances de la organización popular y la construcción del estado comunal y la soberanía de la Patria, experiencias tomadas de cinco comunas campesinas.

Junteraes el primer documental producido por comunas socialistas del país y es la primera parte de una trilogía sobre el proceso de desarrollo comunal en la República Bolivariana de Venezuela. En él se registra la vida, el trabajo y la organización política chavista en cinco comunas campesinas acompañadas por la Corriente Revolucionaria Bolívar Zamora (CRBZ). Del mismo modo, esta obra nos acerca a los procesos revolucionarios de cambio que vienen ocurriendo en esos territorios comunales y hace énfasis en las reflexiones políticas y filosóficas de comuneros y comuneras que los protagonizan, a tiempo que muestra cómo esas reflexiones cotidianas se expresan en una manera de vivir solidaria, de respeto y cuidado colectivo entre todas y todos.

Este proyecto audiovisual fue realizado, gracias a la colaboración de las comunas, La Célula Cooperativa Audiovisual, la Corriente Revolucionaria Bolívar y Zamora, la Comuna Socialista Victoria Popular Las Uvitas, la Ciudad Comunal Agroturística Juan Pablo Peñaloza, la Comuna Socialista Orimed, la Ciudad Comunal Socialista Campesina Simón Bolívar y la Comuna Agropecuria Negro Primero.

La invitación se hace extensiva para toda la población caraqueña, para que disfruten y conozcan un poco más sobre la realidad campesina en nuestro país.

Asimismo, esta ocasión será propicia para hacer la presentación de la preventa de las entradas del II Festival Internacional de Cine Caracas, que se realizará desde el 24 de febrero hasta el 1 de marzo.

Sigue la juventud venezolana nutriendo al teatro.

Nuevas generaciones de artistas del teatro y el cine venezolanos están en proceso de capacitación con sus mejores maestros. Es el caso de Román Chalbaud que enseña dirección cinematográfica en el CNAC, mientras Diana Volpe y Orlando Arocha revelan los misterios del teatro criollo desde la Caja de Fósforos, al mismo tiempo que Soraya Orta presenta en la sala Rajatabla su versión de La vida es sueño y transcurre el Festival de Nuevos Directores del Teatro Trasnocho. Mucha gente joven está capacitándose para su futuro que también es del pais. Y no citamos aquí más casos, no solo de Caracas sino en todas las regiones, pero lo iremos haciendo.

Mientras tanto invitamos a los lectores/espectadores que se aventuren a la Sala Rajatabla para que descubran y reflexionen porque toda la existencia humana no es más que un engaño, una apariencia y en tales condiciones los humanos no tenemos verdaderas libertades para elegir o diseñar nuestros destinos, por lo cual debemos luchar hasta conseguirlos o fenecer en su consecución, como propone Pedro Calderón de la Barca, desde el año 1636, con su pieza La vida es sueño.

Los espectadores serán atrapados por el espectáculo que logra la directora Orta y su elenco de jóvenes y veteranos miembros del Centro de Investigación Artística Nueva Escena (CIANE), quienes obtienen ejemplar simbiosis de técnicas del teatro convencional y el circo de salón, hibrido que entretiene y recuerda siempre que la vida es ficción y al mismo tiempo es realidad, como le sucede al príncipe Segismundo que vive su juventud encerrado en una cueva porque su papá no quiere que lo destrone y se transforme en tirano; pero el joven consigue liberarse y viene la venganza, pero al final perdona a su progenitor y colorín colorado.

La directora Orta sin pretender explicar su trabajo, el cual habla por sí mismo, subraya que es un espectáculo con un texto clásico que es abordado con una estética muy definida y con toda la metodología de un teatro de investigación, arriesgado e innovador, hasta lograr convertirse en un montaje transdisciplinario, indudablemente físico y polifacético. Este exige, sin duda alguna, una visión amplia que implica desmembrarse de formas y acudir a lo ingenuo e instintivo, a lo técnico y cabal, donde el actor o intérprete requiere de un amplio dominio de su instrumento, logrando a través de la técnica, el control de la energía y la vida mecánica de su cuerpo, el agudizar sus estados generando, desde el control psicofísico, unas partituras que se convierten en su propio camino hacia la creación del personaje. Con un abanico de posibilidades perceptivas para el espectador que tanto lo demanda en esta época, invadida por la tecnología y la globalización.

Luego de una formación intensiva, teórica y física, diaria e integral, éste montaje cierra el ciclo de la primera promoción del Taller Integral de Teatro, el TIT-Ciane .Cuenta con las actuaciones de los alumnos del Taller Integral de Teatro, TIT, Daniela (Nani) Serrano, Francis Ascanio, Maddy Hernández, Daniela Sánchez, Badyr Paracuto, Yorman Zerpa, Jesús Blanco, Luis Beltrán, Wallesky Valenzuela, y como actores invitados Jota Leall y Luigi Lobig (CIANE). El diseño de vestuario está a cargo de Rufino Dorta, la producción general, dirección técnica y diseño de iluminación es responsabilidad de Peggy Bruzual y la versión y dirección general Soraya Orta.

¿Que saldrá de esa asombrosa eclosión en las artes escénicas? ¿Podrán todos continuar sus proyectos? No podemos responder a tales interrogantes. Sí están en condiciones de lucirse en cualquier escenario o buscar otros horizontes; tienen talento y no se amilanan ante los obstáculos. ¡Todos son como Segismundo!

"La excepción y la regla" mostró otra vez a Bertold Brecht en Caracas.

A 15 días de haberse iniciado el Segundo Festival de Jóvenes Directores Trasnocho, la mitad de la programación se ha realizado exitosamente. Ha contado con buena audiencia y quedan otros tres montajes para que finalice este histórico esfuerzo del teatro independiente privado para estimular a las nuevas generaciones. En esta oportunidad, un jurado, conformado por Héctor Manrique, Solveig Hoogesteijn, Pilar Arteaga, Douglas Palumbo y Eva Ivangy, evaluó a más de 30 obras que concursaron, quedando seis de ellas seleccionadas para esta primera etapa, a saber: Cómo agua para chocolate (director Julián Izquierdo); La excepción y la regla (directora María Eugenia Sequera ); La escala humana(director Pedro Borgo); Los amantes inconstantes (director Fernando Azpúrua); La vida es un sueño (director Jonell Páez) y Gorditas (directora Lissy García).

Cada una será presentada en seis funciones, ofreciendo así a los nuevos talentos una oportunidad para darse a conocer. Durante dichas funciones, las piezas serán evaluadas nuevamente por un jurado de premiación conformado por Xiomara Moreno, Orlando Arocha, María del Pilar Arteaga, Rossana Hernández, Douglas Palumbo y E.A. Moreno-Uribe. Posteriormente elegirán a las dos ganadoras. El primer lugar será parte de la programación oficial del Espacio Plural del Trasnocho Cultural en la temporada comprendida entre el viernes 4 hasta domingo 27 de marzo de 2016; mientras que la obra que logre el segundo lugar será presentada desde el viernes 11 de marzo hasta el domingo 3 de abril.

Así este II Festival de Jóvenes Directores continúa siendo así una gran oportunidad para que noveles talentos se den a conocer en el Trasnocho Cultural, que ha dado puerta abierta a proyectos y profesionales del mundo de las artes escénicas. A esta nueva edición, se le suma como aliado el Centro Cultural Chacao, que presentará en una temporada especial las dos piezas ganadoras, entre abril y mayo de 2016.

LAS TRES PRIMERAS

A los montajes Cómo agua para chocolate (director Julián Izquierdo), La excepción y la regla (directora María Eugenia Sequera) y La escala humana(director Pedro Borgo) les correspondió abrir fuegos y suscitar ese valioso fenómeno que constituye la presencia del público joven en los espacios del Trasnocho Cultural, el cual es ocupado mayoritariamente por un público adulto y de la tercera edad que acude a las salas de cine y a las de teatro.

En Como agua para chocolate, que inauguró esta muestra, hay que resaltar que hasta ahora es una producción que impacta por la ambiciosa propuesta escenográfica (diseño de Taba Luis Ramírez, Alfredo Correia y Julián Izquierdo Ayala, quien es el director general), además es de ser la primera vez que en Venezuela se ofrece una versión teatral de la película y la novela homónima de Laura Esquivel, adelantada muy felizmente por Izquierdo Ayala y Fernando Azpúrua. Una historia de amor con final rocambolesco que une en la eternidad a una pareja de amantes, en un México de principio de siglo XX. Carla Muller y Citlalli Godoy, así como Vera Linares e Irene Casanova se roban los aplausos, porque precisamente es un espectáculo para el lucimiento del fino e impactante histrionismo femenino, acompañados de Taba Luis y Luis Ernesto Rodriguez.

Hace muchos años, cuando nos debatíamos entre ser periodistas o abogados, trabajamos en el montaje de la pieza La excepción y la regla, fantástica obra de Bertold Brecht destinada a demostrar cómo se da la explotación del hombre por el hombre particularmente en las relaciones laborales y además haciendo énfasis en cómo la justicia favorece casi siempre al más poderoso, o sea la dueño del capital. Esa incursión en el teatro nos aventó hacia el periodismo de las artes y particularmente a la crítica teatral y la dramaturgia

Al cabo de muchos años, y después de haber visto varios montajes de esta pieza de marras, hemos topado con una minimalista versión de tan impactante texto, logrado por María Eugenia Sequera Salazar, quien debuta así como directora. Lo más notable de su austera y sencilla producción es la entrega de los actores Daniel Henríquez, Jon González (el más destacado), David Peña, Andreina Mesa, Andrea Silva, Alexander Jiménez y Aronix Morales. Éste espectáculo nos recuerda que el ser humano es peor que los lobos y que por eso no hay paz en el mundo, por ahora. A su vez nos hizo mirar por el retrovisor y reafirmarnos en que vamos bien, a pesar de los trompicones, por el camino de este largo viaje.

Por razones de nuestro trabajo periodístico no hemos visto aún La escala humanade los argentinos Javier Daulte, Rafael Spregelburd y Alejandro Tantanian. La pieza alude al viejo oficio de matar seres humanos, pero esperamos que el director Pedro Borge nos matice un poco tan urticante tema.

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