EL ESPECTADOR venezolano

Román Chalbaud comparte sus conocimientos con las nuevas generaciones.

El nuevo cine venezolano de ficción, documental, estudiantil y profesional fue proyectado en el 11° Festival de Cortometrajes y Óperas Primas de Barquisimeto (FCB) 2015, que del 17 al 20 de noviembre convirtió a Lara en la capital cinematográfica del país, mostrando una selección de 66 cortometrajes y 13 largometrajes provenientes de todo el territorio nacional.

Musawat, inclusión en los campamentos saharauis, del director Darwin Dikó Cañas, conquistó el Gran Premio CNAC La Flor de Venezuela al mejor cortometraje nacional del concurso oficial por su sencillo y a la vez contundente registro de imágenes que reflejan el drama de pequeños especiales que habitan en el Centro de Educación Integral para Niños con Discapacidad, ubicado en un campo de refugiados saharauis en Argelia.

El Premio Araya a la Mejor Ópera Prima se lo llevó Travesía, película de la Escuela de Medios Audiovisuales de La Universidad de Los Andes (ULA), del realizador Jesús Rondón. “Buscamos rescatar todos los valores que el venezolano ha perdido, contando una historia en la que cuatro niños pretenden ser adultos y un adulto pretende volver a ser niño. Queríamos dar una mirada infantil de la Venezuela de dos épocas: la de 1958 y la actual, rememorando toda la esencia que vive un pequeño por primera vez”, comentó Rondón, quien estrenará su obra en salas comerciales en 2016, un filme realizado con elenco 98% merideño. Este galardón lo seleccionó el público que asistió a las proyecciones del evento mediante sus votaciones. Para la selección oficial, el jurado calificador estuvo conformado por el cineasta y dramaturgo Román Chalbaud, el realizador Orlando Rosales y Rita Elena Ávila.

Como Mejor corto de ficción y Mejor producción resultó ganador Rueda libre de Jackson Elizondo, quien a través de una trama sencilla reflejó el transcurrir de la cotidianidad de una familia, destacando la solidaridad, la amistad y la libertad. Peso en el barro de Nileanny Petit, filme que muestra el patrimonio arquitectónico de la Península de Paraguaná mediante historias contadas por sus habitantes, ganó Mejor cortometraje documental profesional y Mejor fotografía.

En el renglón Mejor video comunitario triunfó Aventura en Angostura, producto de un taller realizado a niños y jóvenes de Ciudad Bolívar, quienes dirigieron colectivamente esta obra. No jile de Carolina Dávila y Chirino, décimas animadas de Jean Charles L'Ami ganaron el premio compartido al Mejor corto de animación.

CINE ANIMADO

El cine animado fue el género homenajeado en la onceava edición del evento cinematográfico, con especial reconocimiento a los cineastas José Castillo “Castillito” y Armando Arce. “Estoy feliz porque se siga realizando continuamente el FCB. Estuve en su quinta edición y ser reconocido en ésta me llena de alegría, porque se está tomando en cuenta el cine animado, que es importantísimo en el desarrollo de nuestro séptimo arte. Nosotros tuvimos que hacerlo sin escuelas, tecnología ni libros, lo realizamos por esfuerzo propio. En mi caso, lo hice viendo muchas películas de todas partes del mundo y aprendí viendo las nubes, apreciando cómo se movían”, puntualizó Arce.

LA NECESARIA FORMACION

Profesionales y realizadores nacionales encabezaron las actividades de formación del FCB 2015. El Taller de actuación para jóvenes, dictado por Leandro Arvelo, ofreció una primera mirada a las técnicas de interpretación para un grupo de 17 estudiantes. La realizadora Laura Goldberg brindó su experiencia en el Taller de asistencia de dirección y Raúl Ávila explicó las técnicas del 'stop motion' en su cátedra.

BITÁCORA

La bitácora cinematográfica comenzó el martes 17 con una clase magistral que ofreció, en un colmado Museo de Barquisimeto, Román Chalbaud. Los conversatorios también tuvieron una concurrida presencia larense. El productor Rodolfo Cova dio la conferencia “Cine venezolano: dónde estamos y hacia dónde vamos”, en el que se extendió sobre grandes incógnitas de futuros directores respecto al trabajo posterior a la culminación de un largometraje. Armando Arce, pionero del cine animado en Venezuela, moderó la tertulia cinematográfica sobre el séptimo arte desde la animación.

Los jardines del monumento La Flor de Venezuela sirvieron como escenario para diversas muestras de cortos y óperas primas en competencia, como Sonata del pajarillo y Vuelo sobre ti, que contaron con la presencia de sus directores.

Isabel Caroto, presidenta del festival, se mostró satisfecha con el resultado de esta décimo primera edición. “Queremos seguir creciendo, que la gente disfrute y aprenda a ver otro cine: el venezolano y el latinoamericano. Mirarlo de otra manera es el fin, nuestro granito de arena. Este año hubo mucha diversidad en los temas en competencia, tanto en ficción como en documental. Esto es una muestra del avance que hemos tenido en cuanto a la formación de futuros realizadores, pues los cortos estudiantiles están casi al nivel de los profesionales. Recibimos 132 trabajos en la convocatoria. La evolución del FCB ha sido notoria. Comenzamos siendo un festival muy modesto. Siempre pensamos si será posible realizarlo de nuevo, pero se ha dado. Esto se lo debemos al Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) que durante estos 11 años ha estado con nosotros, en las buenas y en las malas, fortaleciéndonos cada vez más”, afirmó.

EL NUEVO CINE

En aras de fomentar el desarrollo de la cinematografía venezolana, el 11° Festival de Cortometrajes y Óperas Primas de Barquisimeto realizó el VI Desafío Audiovisual, auspiciado por la productora Factor RH, que consistió en realizar durante cuatro días un trabajo audiovisual sin restricciones técnicas ni de historia. Rodolfo Cova, Evans Briceño y Andrea Ríos otorgaron el primer premio a Mirando bajo la lluvia de Sebastián Ovalles, mientras que A ná tonelá de Eduardo Pino, Armando Salas, Orlando Pérez y Leonel Meléndez ganó el segundo premio.

Por el Rally fotográfico, que premia las mejores fotografías realizadas para la convocatoria del concurso, se llevaron el primer lugar Sebastián Ovalles y Marian Guerra, por su trabajo estético, colorido y de composición en las instantáneas. Jesús Cañizales ganó el segundo premio de la competición, que tuvo como jurado a Marhú Mc Cormick e Isabel Alarcón.

LISTA DE GANADORES

Gran Premio CNAC La Flor de Venezuela: Musawat, inclusión en los campamentos saharauis de Darwin Dikó Cañas. Premio Araya a la Mejor Ópera Prima Venezolana: Travesía de Jesús Rondón. Mejor cortometraje de ficción: Rueda libre de Jackson Elizondo. Mejor cortometraje documental profesional: Peso en el barro de Nileanny Petit. Mejor cortometraje documental estudiantil:Asómate a la ventanita de Tito Dalia. Mejor cortometraje de animación (premio compartido): No jile de Carolina Dávila y Chirino, décimas animadas de Jean Charles L'Ami. Mejor video comunitario: Aventura en Angostura, dirección compartida. (Ciudad Bolívar). Premio Juan Arcadio Rodríguez al mejor cortometraje estudiantil realizado en Lara: Gobi de Héctor Vargas. Premio Iribarren Films al mejor cortometraje aficionado nacional: Elniño y el mar de Miguel Ángel Quintero. Premio Ambiles Cordero al mejor cortometraje estudiantil nacional: El acuerdo de Estefanía Inocente. Mejor dirección: Estefanía Inocente por El acuerdo.Mejor producción: de Jackson Elizondo. Mejor guión: Luis Fernando Moreno por Ofelia. Mejor fotografía: Nileanny Petit por Peso en el barro. Mejor dirección de arte: Ruth Santos por Ofelia. Mejor música original: Rommel Moreno por Ofelia .Mejor actor: Diógenes Matute por Quesillo. Mención especial al mejor actor: al niño Naife Betancourt por Corral, dirigido por Anselmo Portillo. Mejor actriz: Stephanía Arantxa por El acuerdo.

Producciones cinematográficas comprometidas con el desarrollo humano

El promotor cultural y periodista Bernardo Rotundo, líder del Circuito Gran Cine, está muy satisfecho por lo realizado a la largo de este 2015 y desde ya anuncia que en “2016 cumpliremos 20 años de labor ininterrumpida como la única institución independiente en pro de la distribución del buen cine y en la promoción y difusión de la cultura cinematográfica en Venezuela-Hemos alcanzado este año 2015 grandes éxitos en la distribución de películas nacionales, coproducciones con otros países, el cine de arte y la organización de festivales, así como también en la puesta en práctica de programas de Acción Social a través del Gran Cine Móvil y en conjunto con otras compañías e instituciones privadas”.

DOCUMENTALES

Desde finales del año 2014 el Circuito Gran Cine inició la ardua labor de distribuir documentales en el país con el estreno en salas de Hay alguien allí de Eduardo Viloria, un film que trataba un tema no abordado hasta ahora por el cine nacional como lo es el del autismo y que no sólo fue visto en salas sino además tuvo un impactante recorrido por varios estados del país a través del Gran Cine Móvil, precisamente a comienzos de 2015.

Gracias al apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), esta labor de distribución de documentales ha continuado con el estreno de Nikkei (enero), de Kaori Flores Yonekura, sobre la inmigración japonesa a Latinoamérica, continuando con Sabino vive (febrero), del reconocido realizador Carlos Azpúrua, que en más de una treintena de salas en todo el país, recreaba la vida y las luchas del líder indígena yukpa Sabino Romero, asesinado en 2013. Por su parte, el film Fe de Chamán(estrenado en julio), de Juan de Dios Gómez Ruíz, abordaba el tema de la integración de tres jóvenes, pertenecientes a distintas etnias, a la vida estudiantil en la Universidad de los Andes en Mérida. Mientras que Sin vuelta (julio), de George Walker Torres, seguía a una gitana, acusada de “mula”, y su pequeña hija, en el devenir de su día a día en la ciudad de Caracas.

Es importante señalar que gracias a la Ley de Cine, en Venezuela es posible distribuir y exhibir en salas de cine comerciales y alternativas películas del género documental. A partir de los resultados obtenidos por el Circuito Gran Cine el próximo año se espera desarrollar nuevas estrategias de promoción para seguir difundiendo lo mejor de este género al público venezolano.

COPRODUCCIONES

Por otra parte, desde 2013 el Circuito Gran Cine ha venido distribuyendo, igualmente con el apoyo del CNAC, las películas donde Venezuela ha participado como coproductor, iniciándose esta labor con el estreno en enero de ese año de Prometeo deportado (Coproducción Venezuela-Ecuador), del ecuatoriano Fernando Mieles; al que siguió ese mismo 2013 con los lanzamientos de Pasiones (Cielo oscuro) del peruano Joel Calero (Coproducción Perú-Venezuela) (agosto) y de “Lo que tiene el otro” del español Miguel Perelló (Coproducción España-Venezuela) (noviembre). En 2014 se continuó con “Princesas rojas” de la costarricense Laura Astorga (Coproducción Costa Rica-Venezuela), Amores peligrosos del colombiano Antonio Dorado (Coproducción Colombia-Venezuela), Edificio Royal (Coproducción Colombia-Francia-Venezuela) del también colombiano Iván Wild y Mujer Conejo de la argentina Verónica Chen (Coproducción Argentina-Venezuela).

En 2015, Gran Cine estrenó el ya citado documental Nikkei (Coproducción Perú-Venezuela); el drama La piscina (mayo), la ópera prima del cubano Carlos Machado Quintela (Coproducción Cuba-Venezuela); Mika, mi guerra de España (agosto),documental de los argentinos Fito Pochat y Javier Olivera (Coproducción Argentina- Venezuela), para cuyo lanzamiento se contó con la presencia en el país del primero de los realizadores; el drama Carga sellada (agosto) de la boliviana Julia Vargas-Weise (Coproducción Bolivia-Venezuela-México-Francia), basado en hechos reales, que toca el tema de los desechos tóxicos y que contaba con las destacadas actuaciones de los venezolanos Gonzalo Cubero y Prakriti Maduro; y Radiografía de un crimen (septiembre), aclamado film del argentino Sebastián Schindel (Coproducción Argentina- Venezuela), su primera cinta de ficción, igualmente basada en hechos reales y que ha alcanzado varios premios internacionales.Estas coproducciones han logrado llevar a más de 150 mil espectadores a las salas de cine, lo que ha ayudado a fomentar de esta manera la apreciación del buen cine hecho en la región.

CINE DE ARTE

En el área de la distribución del cine de arte, durante 2015 el Circuito Gran Cine ha continuado su labor de difusión con títulos de reconocida trayectoria en festivales y premios de categoría, como los son La inmigrante (The Inmigrant) (marzo), drama histórico de James Gray que compitió en Cannes; Dos vidas (Zwei leben) (junio) del alemán Georg Maas, que trata sobre los secretos ocultos detrás de los niños noruegos engendrados por soldados alemanes durante la 2da. Guerra Mundial; Ida (julio), dirigido por el cineasta polaco Paweł Pawlikowski, ganador del Premio Oscar como Mejor film extranjero; La jaula de oro (septiembre), ópera prima del mexicano-español Diego Quemada-Díez, la cinta mexicana más premiada en los últimos años sobre el tema de la inmigración latina a Estados Unidos; Leviathan (octubre) del cineasta ruso Andrei Zvyagintsev, ganadora del Globo de Oro a la Mejor película extranjera y candidata al Oscar en la misma categoría; y finalmente Gemelos perversos (Le grand cahier) (noviembre), del húngaro János Szász, premiada en Karlovy Vary, sobre cómo sobreviven unos hermanos a los horrores de la guerra.

FESTIVALES

Algo que ha caracterizado la labor realizada por elCircuito Gran Cine es la organización y realización de festivales y muestras especiales. Como cada año, Gran Cine estuvo presente en los festivales más importantes que se presentan, a saber: el festival de Cine Francés (abril) -para cuya programación se aportó el film ¿Y si vivimos todos juntos? de Stéphane Robelin, que tuvo su estreno posterior; el Festival de Cine Independiente USA (julio); la VIII Muestra de Cine Latinoamericano (septiembre), organizada gracias al apoyo del CNAC –de la cual formó parte la citada cinta mexicana La jaula de oro, así como también Gran Cine presentó el film de Trinidad y Tobago Pan, odisea de la música , de Jérôme Guiot y Thierry Teston-; el Festival de Cine Español (octubre); y el festival Euroscopio (noviembre).

Asimismo, Gran Cine estuvo en la organización de la Semana del Cine Japonés (marzo), exhibida en espacios no convencionales y al aire libre a través del Gran Cine Móvil, en conjunto con la Embajada del Japón y otras instituciones; participó en el 3er. Festival de Cine Alemán (junio-julio) aportando el citado film “Dos vidas”; en el Festival de Cine Libanés (noviembre), con la Embajada del Líbano; y la primera Muestra de Cine Polaco que se realizó en Margarita (noviembre).

ACCIÓN SOCIAL

A la par de estas actividades, el Circuito Gran Cine también viene ejecutando desde hace diez años un programa de desarrollo social que contempla a través del Cine Móvil llevar el cine a zonas del país donde no se tiene acceso a este entretenimiento. Con 206 funciones que reunió a más de 60 mil espectadores, el público pudo disfrutar tanto de películas extranjeras como venezolanas.

Además del ya señalado recorrido por varios estados del documental Hay alguien allí (febrero), se destaca la exhibición de Dauna, lo que lleva el río , de Mario Crespo, en la localidad de Los Guayos del estado Delta Amacuro, con la presencia de su protagonista (Yordana Medrano) y del propio director (marzo); la proyección del film El desertor, de Raúl Chamorro, en el pueblo de Jajó, estado Trujillo, donde tuvo lugar su rodaje (abril); de la gira por varias localidades del estado Bolívar, del documental El río que nos atraviesa, de Manuela Blanco, (junio).

Asimismo, el Gran Cine Móvil fue pieza fundamental para la presentación del film animado El libro de la vida, de Jorge R. Gutiérrez, que gracias a la Embajada de Estados Unidos, pudo proyectarse en varios estados del país (abril).

También hay que destacar la participación del Gran Cine Móvil en la 8va edición del Festival Latinoamericano y Caribeño de Cine de Margarita (octubre) con la proyección de films en competencia en varias localidades de la isla.

Desde su fundación, Circuito Gran Cine ha hecho importantes alianzas con sectores públicos y privados con la finalidad de emprender programas de responsabilidad y desarrollo social. La experiencia de esta asociación es relevante, marcando la diferencia en cada actividad realizada con todas las Alcaldías del Distrito Capital y demás regiones de Venezuela.

Por otra parte, se han logrado importantes avances con el trabajo ejecutado para los sectores populares en coproducción con organizaciones internacionales como ACNUR o UNICEF y las empresas privadas, con las cuales se han establecido alianzas estratégicas para desarrollar la inversión social y la generación de impactos significativos en la ciudadanía a fin de elevar el nivel educativo del venezolano.

Importante es señalar los talleres de: “Cine como herramienta de Desarrollo Social”, emprendidos por Gran Cine con las empresas Repsol y Quiriquire Gas (agosto), una alternativa innovadora para formar y capacitar a la comunidad de Quiririquire (Municipio Punceres, Estado Monagas) y demás poblaciones cercanas en el conocimiento y difusión de valores sociales y culturales (tanto nacionales como regionales), promoviendo el fortalecimiento de las capacidades ciudadanas para producir piezas cinematográficas sencillas, pero con criterios de calidad cuyo eje central sean los valores.

De la misma forma, se busca que también el cine sea una herramienta de desarrollo social y de autogestión comunitaria, permitiendo no sólo producir y exhibir películas, sino que constituya una oportunidad de obtener recursos para satisfacer las necesidades de las comunidades. En este sentido, se ha querido llevar este proceso de formación también a los niños y jóvenes, como método de aprendizaje de ciertos conceptos y habilidades a fin de documentar realidades, convirtiéndose así en una alternativa para los periodos vacacionales.

En el 2016 el Circuito Gran Cine seguirá fortaleciendo su objetivo de llevar el buen cine al espectador venezolano y de contribuir con mayor amplitud con la difusión de la cinematográfica nacional e internacional, en todos sus aspectos: exhibición, promoción, educación y fomento de valores

Ernesto Emilio Villegas Poljak cumplió ya 45 y espera festejar los 46 años con el estreno del largometraje Abril la película, de José Antonio, Varela, basada en su libro Abril golpe adentro (2009), los cuales son precisamente sendas creaciones artísticas sobre el golpe de Estado contra el presidente Hugo Chávez y el contragolpe que dieron los militares leales y el pueblo para restituirlo en el mando; increíbles sucesos escenificados en Caracas durante los días 11,12 y 13 de abril de 2002.

Pero este periodista, escritor y además político exitoso vive más preocupado por la crianza de sus gemelos que por los típicos avatares de la post producción de Abril la película, pero sí está al tanto de todo lo que pasa en ella, gracias además a la productora y reportera cultural Lorena Almarza, y es por eso que ya sueña con ver en la pantalla lo que condensó en las 438 páginas de su libro, el cual tiene cuatro ediciones y además está en la web para quien lo quiere leer y bajar.

NADA FACIL ESCRIBIR

Pero Ernesto Emilio, hombre que maneja y ordena con paciencia las palabras esenciales para comunicar y derribar muros y mitos, aclara que Abril golpe adentro no fue un trabajo fácil ni tampoco lo tenía como “una pauta profesional”, lo que si es cierto es que durante siete años compiló y guardo cuanto papelito caí e en sus manos, porque eran años de ajetreo profesional en El Universal y en el canal 8 y no había tiempo para nada más; era una especie de Arlequín servidor de dos patrones, como el legendario personaje creado por Carlo Goldoni.

Hasta que le llegó a sus manos un documento de Rafael Arreaza, quien fuera ministro de salud del fugaz presidente Pedro Carmona, y se le metió entre ceja y ceja la posibilidad de un gran reportaje sobre los sucesos de aquel nefando abril, pero a medida que iba construyendo su pieza periodística se dio cuenta que lo que tenía ahí era un libro de tamaño descomunal y hacia eso apuntó. La profesora Olga Dragnic leyó el borrador de lo que había logrado y ella, sabiamente, le aconsejó que toda esa información había que ordenarla de manera cronológica. Y así fue: nació el libro, que es un drama en tres actos, el que ahora forma parte del imaginario, la memoria y la conciencia del pueblo venezolano, como apunta J. A Calzadilla Arreaza.

Y logró editar Abril golpe adentro, un texto impoluto sobre la memoria heroica, un recordatorio preciso, sistemático y fidedigno, de cómo se fraguó y se llevó a efecto el nefando golpe de abril, las fases del proceso, sus eventos, sus actores y las condiciones y circunstancias que permitieron revertirlo de inmediato, gracias a la voluntad y acción el pueblo contra el cual estaba dirigido, como puntualiza Calzadilla Arreaza.

No sabe si el comandante Chávez leyó Abril golpe adentro, pero el mandatario sí le hizo una presentación oficial en su programa Aló presidente y sospecha que por eso, y otras cosas más, es la difusión que ha logrado.

El insiste en que su libro no es más que una historia de los tres días del golpe de abril, un reportaje histórico sobre un hecho visto y vivido por millones de personas, un hecho que duró no menos de 47 horas.

Ahora, cuando ya ha visto algunos videos de la película que rodó Valera, admite que a lo largo de la redacción de su libro llegó a pensar lo que sería poderlo llevar a la pantalla, teniendo en cuenta al violencia y la virulencia de todo esos acontecimientos, y del soporte audiovisual que se le hizo a cada uno de esos sucesos. En abril del 2016 cree que podrá satisfacer ese deseo.

LA PELICULA

Avanza a paso de vencedores artísticos la post producción de Abril la película, tercer largometraje del cineasta José Antonio Varela, basado en el libro Abril Golpe Adentro del periodista y escritor Ernesto Villegas. Y si todos los cálculos salen bien, en abril de 2016 será su estreno.

Abril la película plasma los hechos de los tres días más convulsionados de la historia política de los últimos quince años de nuestro país, del 11 al 13 de abril de 2002, días de llanto por dolor e indignación; y de llanto con alegría, en los cuales se consumó un golpe de Estado, que fue sorprendentemente revertido por la acción conjunta del pueblo y de la Fuerza Armada.

El guión, una tarea que exigio 18 meses de labores, estuvo a cargo de Luis Alberto Lamata, José Luis Varela y el propio José Antonio Varela, donde se tomó al libro Abril Golpe Adentro de Villegas, como brújula fundamental para conocer y navegar cronológicamente los hechos. Destaca en la tarea investigativa desarrollada por los guionistas, la revisión exhaustiva de decenas de documentos bibliográficos, hemerográficos y documentales hasta ahora producidos; así como la realización de entrevistas y la reflexión sobre sus propias historias vividas, con el fin de reconstruir lo ocurrido desde distintas voces, vivencias y visiones; para dar cuenta de las conspiraciones que se entrecruzaron esos días de abril.

En 110 minutos, Abril la película presenta las distintas intrigas que tuvieron lugar en las horas del golpe, para lo cual cuenta con las actuaciones de más de 100 actores y actrices, entre los que destacan: Adolfo Nittoli, Alberto Alifa, Alberto Rowinski, Aníbal Grunn, Antonio Cuevas, Alejandra Rojas, Alejandro Palacios, Arnaldo Mendoza, Aura Rivas, Carlos Arroyo, Carlos Martínez, Carlos Torres, Costa Palamides, Daniela Leal, Francisco Denis, Frank Wiese, Hernán González, Irabé Séguias, Israel Moreno, Jesús Carreño, José Gregorio Franquiz, Juan Longa, Julio César Castro, Kenia Carpio, Luis Domingo González, Luis Vicente González, Ludwig Pineda, María Alejandra Rojas, Marlon Sanabria, Marvin Huise, Rafael Gil, Rubén León, Sebastián Falco, Vanessa Morr, Will Saballo, William Escalante, entre otros, quienes pusieron su talento para presentarnos en voz coral la obra colectiva de un pueblo.

Abril la película logró convocar a profesionales como Antonio García en la Dirección de Fotografía, Yuruani Rodríguez en la Dirección de Arte, Ignacio Márquez a cargo de la Dirección de Casting, Eleazar Moreno en el Sonido y el maestro Chuchito Sanoja en la Música. A su vez, en la Producción Ejecutiva está Alejandro Medina y en la Dirección de Producción Marco Mundaraín. Abril la película, es una producción de Divarte Cine Comunicación Visual, conjuntamente con la Oficina de Planes y Proyectos Especiales de la Presidencia de la República, Villa del Cine y AlterMedia.

Es importante destacar que Abril la película se rodó en ocho semanas y alcanzó más de 250 escenas para reconstruir esa increíble historia de conspiraciones militares, civiles y empresariales que condujo al golpe de Estado de abril de 2002.

El trío de comediantes venezolanos encarnando a personajes de la India

Aura Rivas, Citlalli Godoy y Rafael Gil, bajo la dirección del autor Elio Palencia (Maracay, 1963), crearon convincentemente el aleccionador espectáculo Aru, amador de las mujeres, inspirado en un hecho acaecido en una modesta población del sur de La India, un país de milenarias culturas, con 1249 millones de habitantes en 3, 3 millones de kilómetros cuadrados, y además tiene un arsenal nuclear.

Su metáfora artística, a buena hora, se transforma en una didáctica y tierna saga de amor, preñada de humor, ternura y poesía. Un montaje mínimo, descarnado, muestra ejemplar del necesario teatro pobre, por aquello de la economía de recursos materiales, pero sumamente grato por su contenido y el trabajo actoral ahí materializados.

Aru -apócope de Arunachalam Murugananthan- por el demasiado amor que tiene y manifiesta hacia Shanti, su esposa, se dedica a materializar un sueño: crear una máquina para fabricar toallas sanitarias, caseramente, a bajo costo y así ayudar a millones de mujeres para que dejen de usar trapos, barro o ceniza, durante el lapso de sus menstruaciones, ya que solo el 12% de las féminas indias usan compresas, las cuales son costosas e imposibles de adquirí por sus bajos ingresos.

La argumentación de Aru, amador de las mujeres se fundamenta en un artículo de prensa que el escritor leyó, "como en enero del año pasado", cuenta Palencia. "¡Me pareció tan bonita! Y es bello compartirla con otras personas”. De ahí brotó el cuento teatral, dentro de lineamientos brechtianos, de cómo se creó la única maquina en el mundo para elaborar compresas sanitarias a bajo costo y mejorar la calidad de vida de muchas mujeres. Óptimo trabajo, sin lugar a dudas, que nos recuerda aquello de "inventamos o erramos", muy acordo con las tiempos que vivimos.

No sorprende que Palencia haya plasmado en el teatro Bolívar una argumentación de tales características “transgresoras de la convencionalidad”, como es el empoderamientos de las damas indias para solucionar modernamente sus problemas higiénicos; porque él, precisamente, ha escrito varias piezas esclarecedoras sobre la diversidad sexual, como Penitentes, y especialmente la transexualidad con La quinta de Dayana, llevada al cine con el actor transexual colombiano Endry Cermeño, bajo el titulo Cheila, una casa p´maíta, dirigida por Eduardo Barberena. Este es un dramaturgo que sí está con el tiempo que le ha correspondido vivir y ha de llegar lejos, si Dios quiere.

El Grupo Actoral 80 es un modelo de gerencia cultural en artes escénicas.

El sector de la cultura y la creación representa un 3 por ciento del PIB mundial y da empleo a 29,5 millones de personas en el mundo, más que el sector de telecomunicaciones, según un informe publicado por la Unesco, que cita la agencia AFP.

Los venezolanos deben saber que los ingresos de las industrias culturales y creativas (publicidad, arquitectura, edición, videojuegos, música, cine, prensa, espectáculos, televisión y artes visuales) representan 2,25 billones de dólares, más que toda la industria automovilística de Europa, Japón y Estados Unidos.

"Los sectores culturales y creativos son un motor esencial de las economías de los países desarrollados y en desarrollo y forman parte de los sectores que tienen el crecimiento más rápido", indica el estudio publicado conjuntamente por la Unesco y la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (Cisac).

El informe asegura que, para aprovechar al máximo el potencial económico de la cultura, los creadores tienen que ser "remunerados de manera equitativa".

La región Asia-Pacífico, líder en videojuegos, representa un 34 por ciento de los ingresos de la industria cultural a nivel mundial y el 40 por ciento de los puestos de trabajo. Europa representa un 32 por ciento de los ingresos y el 25 por ciento de los puestos de trabajo, con "una importante concentración de creadores" y siete de los diez museos más visitados del mundo.

Por su parte América del Norte suma el 28 por ciento de los ingresos culturales mundiales y el 15 por ciento de los puestos de trabajo. El continente es líder en el sector del cine, la televisión y el espectáculo. En América Latina (6 por ciento de los ingresos y 16 por ciento de los puestos de trabajo) la televisión es el sector cultural más importante, con programas que se exportan a todo el mundo.En África (3 por ciento de los ingresos mundiales y 8 por ciento de los puestos de trabajo) la economía informal, sobre todo en el sector de los conciertos, representa una parte significativa de la escena cultural.

EL PAQUETE CRIOLLO

Y es precisamente por todo eso que dicen desde la Unesco, que la actriz y productora Maigualida Gamero, con su agrupación Pathmon Producciones, organizó y realizó un intenso y extenso Encuentro sobre la Economía de la Cultura, el cual se escenificó en los espacios del Celarg, con la participación de un grupo de especialistas, durante el jueves 12 de noviembre de 2015.

Maigualida dijo que organizó ese evento, inédito en el mundo cultural caraqueño, por la inquietud de Camilo Landaeta, miembro de Pathmon Producciones. “Él es nuestro asesor en el área de nuestro agrupación, y por mi iniciativa personal, por la necesidad que tenemos, para el sector de las artes escénicas, de ahondar en este tema de la economía cultural ya que hay mucho desconocimiento por parte de los creadores, actores y grupos independientes, e incluso entre las mismas autoridades culturales.

¿Cómo se consiguieron los ponentes?

A partir de los nexos y amistades que tenemos en el sector, se llamaron a las personas que cumplían con el perfil de gestores, animadores socioculturales, economistas, especialistas en literatura, docencia, artes, comunicación y emprendimientos artísticos.

¿Cuál es su visión general después de escuchar a los ponentes?

Mi visión, y la de los participantes en el encuentro, es que es muy importante trabajar en red, unidos para un fin común como debe ser el desarrollo económico y cultural de nuestra nación.

¿Cuáles son sus conclusiones generales?

Es necesario ahondar en el área de la formación de gerentes de la empresa pública y privada, de los patrocinantes, sensibilizarnos y hacerlos entender que temas como el turismo cultural, economía de la cultura y apoyo certero a las artes escénicas fortalecerá y dará un nivel de vida digno a los creadores y hará de Venezuela el país potencia que todos queremos. Y todo ello está en nuestra Carta Magna, y estamos a la espera de la reglamentación de la Ley de Cultura y especialmente de la Ley del Teatro. Creemos que nuestras grandes ciudades como Caracas, necesitan ser más creativas y amables, hay que despertar el alma de nuestra ciudad y de sus ciudadanos.

¿Qué podemos hacer con la economía naranja?

Tomar los aspectos más humanos de la propuesta, que va desde la integración y hermandad con todos los sectores productivos y hacer la cadena de emprendimiento que una la cultura con la vida cotidiana del venezolano y no sea solo por eventos aislados.

¿Cuáles son los criterios oficiales con respecto a la economía del teatro?

Creo, particularmente, que es un tema en construcción, aunque ya hay directrices, pero pienso que debemos articular con el actor cultural y no solo sea decisión de expertos en economía o finanzas, sino que nos apoyemos y entendamos mutuamente.

TEMARIO GENERAL

Los participantes en este Encuentro, licenciados y especialistas, leyeron o disertaron sobre temas como “Sensibilización Turística y Educomunicación para turismo sustentable con comunidades” (Karina Quintero), “El arte del performance” (Carlos del Castillo), “La economía naranja” (Ignacio Gorrochategui, “La civilización del espectáculo” (José Antonio Barrios Valle), “Economía del ocio y el béisbol: su actualidad y futuro en Venezuela y en la economía global (José Manuel Serna), “Ecosistema teatral. El mercado de la producción teatral en el Distrito Capital” (Ingrid Ross) y “Ciudades Creativas “(Luis Mancera).Es posible que Pathmon Producciones compile las ponencias y lo publique porque no hay publicaciones sobre tales temáticas, tan vitales para el desarrollo cultural.

ARTE DEL PERFORMANCE

Carlos del Castillo, productor y docente, al pronunciarse sobre el arte del performance, subrayo que es una experiencia teatral en su esencia más simple, ya que solo es necesario un actor en un espacio cualquiera y un ojo que lo mire, es decir un espectador, de esta manera se da el hecho teatral. Sin importar que no se esté en un edificio teatral, que exista la ausencia de butacas o sillas, que no se requieran telones y luces, que no se amerite un vestuario sofisticado o maquillaje. Recalcó que cuando se refiere a la simplicidad del performance no se refiere a su contenido y no quiere que se me mal interprete, más bien apunta a su limpieza o pureza visual. “Su trabajo se presenta sin los típicos artificios teatrales, sustentado básicamente en el desempeño del actor y sus potencialidades, quien se entrega a mí parecer de manera más auténtica al no esconderse en la interpretación de un personaje. Lo que implica un mayor riesgo por parte del artista, mostrándose físicamente de forma más directa y humanamente más verdadera”.

A partir del 18 de diciembre llega a la gran pantalla el largometraje El Malquerido, dirigido por Diego Rísquez. Esta película marca además el debut de Jesús “Chino” Miranda en el séptimo arte encarnando a Felipe Pirela al lado de Greisy Mena, quien caracteriza a su amada Mariela Montiel, juntos protagonizan un romance arrollador y lleno de obstáculos. El elenco lo completan intérpretes de la talla de Sheila Monterola, Héctor Manrique, Mariaca Semprún, Carlos Cruz, Sócrates Serrano, entre otros.

El filme retrata la vida de Felipe Pirela, desde que la inspiración y el camino de la música se abrieron en una emisora de radio en su Maracaibo natal, hasta conquistar los mercados y plazas internacionales. En medio de ello, el encuentro con el amor de su vida, una niña, un sueño de felicidad imposible. Un bolero que le perseguirá hasta el final de su vida. Aún y cuando lejos de Venezuela pretenda reconducirla, recuperar el éxito, y encontrarse una vez más con el romance, la pasión, la música.

La versión final del guión cinematográfico fue escrita por Robert A. Gómez, Emiliano Faría y Diego Rísquez, basada en el libro Felipe Pirela, su vida, del periodista zuliano Eduardo Fernández y se hace un repaso por su vida y su carrera.

DEL LIBERTADOR AL “BOLERISTA DE AMÉRICA”

En sus películas dedicadas a personajes ilustres e icónicos de la historia venezolana, el realizador Diego Rísquez retrata tiempos pasados de manera artística y con su reconocido sello de autor, en su nuevo filme se adentra en la segunda mitad del siglo XX: su estética, su estilo de vida y por supuesto parte de su identidad musical.

“Yo siempre he hecho películas que hablan de mi país y mi cultura, y de alguna manera me he especializado más en el siglo XIX, con Manuela Sáenz,Bolívar Sinfonía Tropical e inclusive Francisco de Miranda. Con Reverón fue mi primer acercamiento a un personaje más contemporáneo, pero en este caso, El Malquerido me permite acercarme a la realidad de mi país entre los años 50 y 70 y una buena excusa para adentrarme a un personaje que desde la ciudad Maracaibo logró ser el cantante venezolano de mayor proyección internacional en la década de los 60 y por supuesto al bolero, que es una forma de retratar cómo nos amamos nosotros en esta parte del mundo”.

Para darle el papel protagónico al integrante del dúo venezolano Chino y Nacho, Rísquez tomó en cuenta su talento vocal así como sus rasgos físicos, pero le advirtió que aceptar esta oportunidad requería muchísima preparación y ensayos. “Yo no quería que Jesús Miranda imitara la voz de Pirela y él logró darle un sello propio a los temas que popularizó el artista marabino”, señaló el realizador.

“ESE BOLERO ES MÍO”

En sus creaciones Diego Rísquez suele terminar las grabaciones para luego adentrarse en la banda sonora. En el caso de El Malquerido fue al revés: partió de la música que llevó a la cima al “Bolerista de América” apoyado en la pericia de los productores Kail Lovera y Alejandro Blanco Uribe.

Los temas “Entre tu amor y mi amor”, “Frenesí”, “Cuidadito Compay Gallo”, “Ese bolero es mío”, “Bésame mucho”, “Sombras nada más” y por supuesto “El Malquerido” musicalizan el largometraje. El filme incluye 12 de los éxitos que convirtieron al maracucho en un fenómeno masivo pero interpretadas por Jesús “Chino” Miranda, quien cumplió con un intenso proceso de investigación para adaptarse al género del bolero como parte de su preparación del personaje de Felipe Pirela y de las canciones que acompañan el film.

La pieza "Frenesí", compuesta por Alberto Domínguez y cantada en su momento por Felipe Pirela en 1964, mientras pertenecía a la Billo´s Caracas Boys, fue la elegida como abreboca promocional de un disco que está próximo a salir y contendrá toda la banda sonora de la cinta. “Es una canción que está en la memoria auditiva del espectador latinoamericano y da la casualidad que es la canción más presente en la película porque el personaje de Felipe Pirela la canta en las distintas etapas de su vida”, dijo el director Diego Rísquez.

“FIGURANTES” Y “EXTRAS”

Diego Rísquez acostumbra invitar a personalidades relevantes a nivel cultural, social, político e incluso de posiciones encontradas a participar en sus películas como figurantes o extras. En esta oportunidad muchos de esos personajes están asociados con Felipe Pirela de manera directa o indirecta y en otros casos, con la época desarrollada en el filme.

“Por ejemplo, durante la investigación descubrimos que el Magistrado Francisco Carrasquero fue vecino de Felipe Pirela, en Maracaibo y estudiaron juntos primaria. Me pareció interesante también invitar al arquitecto Fruto Vivas, porque el Club Táchira es uno de los íconos de la película desde el punto de vista arquitectónico. Si se fijan podrán ver en algunas escenas a Roland Carreño, Carlos Azpurúa, Luis Chataing e incluso al diputado de la Asamblea Nacional Fernando Soto Rojas”, explica su realizador y también destacado director de arte.

Asimismo, la producción tuvo el privilegio contar con la familia del fallecido cantante Felipe Pirela. Su única hija Lennys Pirela frecuentó las grabaciones e incluso en la escena donde se desarrolla una importante entrevista de televisión, al menos la mitad del público era familia directa del Bolerista de América. “La escena culminaba con Jesús “Chino” Miranda cantando un tema de Pirela y se generó en el lugar una energía muy especial”, recordó el realizador.

Finalmente Diego Risquez adelantó que tiene otro proyecto que será protagonizado también por Jesús “Chino” Miranda, esta vez interpretará al indioGuaicapuro, relatando la vida de este prócer venezolano desde su lectura más mitológica y profunda, que espera comenzar su rodaje a finales de 2016.

DATOS DE PRODUCCIÓN:

La película se rodó en Caracas y Maracaibo durante ocho semanas. Durante un año y medio Jesús “Chino” Miranda se preparó para asumir el rol principal. Su coach actoral estuvo bajo la responsabilidad de su compañera de reparto Sheila Monterola que en el filme interpreta a la madre de Felipe Pirela. Cuando Lenny Pirela escuchó a Jesús “Chino” Miranda cantando como su padre, durante una de las escenas del filme en la que estuvo presente, comenzó a llorar de la emoción. La producción hizo un arduo trabajo de investigación para recrear el rango de años que vivió el cantante zuliano (entre la década de 1940 y 1970). Entre los detalles que más cuidaron estuvieron el vestuario que estuvo a cargo de Luisa Jacinta Aveledo, las caracterizaciones a nivel de maquillaje y peluquería, responsabilidad de Juan de Dios Guzmán. En relación a la arquitectura de un momento histórico del país muy particular, como lo fueron los años 50, se usó como locación los siguientes lugares: el Club Táchira, el Hotel Humboldt, el Centro Simón Bolívar, el Círculo Militar, entre otras. En un principio se había concebido la idea de que el filme se vería en blanco y negro. Durante el rodaje, se tuvieron dos monitores con referencias en escala de grises y color, pero finalmente en el proceso de edición final que se tomó la decisión de colorizar fotograma por fotograma para dar la sensación de retrato antiguo. La película es una producción de Producciones Guakamaya, Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), Pedro Mezquita, Xenon Films, Ron Santa Teresa y la Gobernación del Estado Zulia. Distribuye: Cines Unidos

FICHA TECNICA

Director: Diego Rísquez Guión: Robert A. Gómez, Emiliano Faría y Diego Rísquez. Basado en el libroFelipe Pirela, su vida, de Eduardo Fernández. Producción Ejecutiva: Antonio Llerandi Dirección de Fotografía: Cézary Jaworsky Edición y Montaje: Leonardo Henríquez Producción Musical: Alejandro Blanco Uribe Dirección de Arte: Fabiola Fernández y Diego Rísquez Vestuario: Luisa Jacinta Aveledo Maquillaje: Juan de Dios Guzmán Efectos Visuales: Titan Post Sonido: Mario Nazoa Marketing y Prensa: Ninoska Dávila CinemapressB Intérpretes: Jesús “Chino” Miranda (Felipe Pirela), Greisy Mena (Mariela Montiel, el amor de Felipe Pirela), Iván Tamayo (José Paiva), Sheila Monterola (Mamá Lucía, madre de Felipe Pirela), Mariaca Semprún (Aminta, la suegra de Pirela), Natalia Román (Paquita), Carlos Cruz (Portabales), Sócrates Serrano (Daniel Sánchez), Samantha Castillo (La Lupe), Héctor Manrique (Billo).

Hijo de tigre no casa ratones pero el hijo de actores cuenta siempre

con maestros.Es el caso de Jan, el mayorazgo de Julie Restifo y Javier Vidal,

quien al parecer prolongará la dinastía de estos valiosos comediantes venezolanos.

Los 20 nominados a la XVIII edición del Premio Marco Antonio Ettedgui 2015 fueron anunciados ayer. Entre los postulados se encuentran Jan Vidal Restifo, Abel García, Jan Thomás Mora y Adolfo Nitoli.

La lista la completan: Jorge Souky, José Manuel Suárez, Aitor Aguirre, Oswaldo Maccio, Andreina Mesa, Shakti Maal, Valentina Garrido, Jennifer Gasparini, John González Vicent, Theylor Plaza, Graziella Mazzone, Josbel Caraballo, Aronix Morales, Jennifer Morales, Isabel Nieto y Héctor Castro. Todos hicieron importante trabajos escénicos durante la temporada.

El premio Marco Antonio Ettedgui fue instituido por Carlos Giménez, para apoyar a jóvenes creadores menores de 35 años de edad. Para esta edición, el jurado calificador estuvo conformado por Francis Rueda, Douglas Palumbo, Luis Parada, Joaquín Lugo y E.A. Moreno-Uribe.

Hay un Premio Marco Antonio Ettedgui de Honor, el cual se lo llevará un creador, ya no tan joven, pero de prestigiosa performance profesional.

El grupo Rajatabla, actualmente bajo la egida del productor William López, cumplirá 45 años de fundado el próximo 28 de febrero y como es costumbre lo celebrará con la entrega del Premio Marco Antonio Ettedgui y un espectáculo,

Diana Volpe en un papel histórico

Gratísima sorpresa recibimos al ver Las noches celestiales de la señorita Rasch, con lo que La caja de Fósforos cerró su temporada 2015. Un ácido monólogo existencialista sobre la soledad y la vejez combinadas, resuelto brillantemente por Diana Volpe, gracias a la creativa dirección de Orlando Arocha, quien trabajó a partir del texto original de Franz Xavier Kroetz.

Conviene subrayar que durante la temporada 1979 de El Nuevo Grupo, bajo la dirección de Ugo Ulive y con la performance de América Alonso, vimos una lectura escénica de ese texto de Kroetz, pero titulado Corazón solitario, y dentro de un espacio no convencional que simulaba un anfiteatro. No hay puntos de comparación entre esos montajes, concebidos en otros tiempos y espacios, sobre el drama de la vejez y la soledad; nosotros optamos resaltar al actual, particularmente por los matices románticos decadentes del personaje y dentro de lograda atmosfera hiperrealista, además de la utilización de cuatro actores cantantes, vistos solo por los espectadores voyeristas.

Las noches celestiales de la señorita Raschplasma a una mujer sola en su mínimo apartamento, entregada a labores domésticas básicas, mientras le llega la hora de dormir, quien además teje un tapete para cubrir un sofá, escucha un programa radial con boleros y consejos para radioescuchas solitarios, además de un programa de televisión sobre la historia de las viviendas humanas. Y todo culmina con el suicidio de la mujer o con la tarea desesperada de ella al consumir somníferos.

Hay, pues, muchas tareas escénicas para disfrutar y soportar la soledad de la señorita Rasch, gracias al montaje, verdadero lujo de producción, que recuerda a la audiencia la soledad, mal existencial de los humanos, para lo cual la única solución, a medias, es la compañía humana o de una mascota… o soportarla hasta que llega el mutis final, a sabiendas que es perjudicial para la salud. No es para deprimidos o preocupados por la soledad.

Y si reflexionamos sobre ancianos solitarios que terminan suicidándose o falleciendo antes de tiempo, como lo evoca el estrujante espectáculo de Diana Volpe, conviene recordar esta información de carácter científico:

La soledad puede aumentar 14% el riesgo de muerte prematura en los adultos mayores, según un estudio que postula una base fisiológica para este fenómeno. Los peligros del aislamiento social se conocen desde hace tiempo, pero no se entendía hasta el momento, con exactitud, cuáles eran sus efectos en el cuerpo, señaló una investigación publicada en las Actas de la Academia Nacional de las Ciencias (Pnas).

El equipo de investigadores, dirigidos por el psicólogo de la Universidad de Chicago John Cacioppo, había ya identificado un vínculo entre la soledad y un aumento de actividad de los genes involucrados en las inflamaciones y una disminución de la actividad de otros genes que cumplen un papel crucial en las respuestas antivirales del cuerpo. El resultado es un sistema inmunológico debilitado que vuelve a las personas más vulnerables a la enfermedad. En su última investigación, los científicos analizaron los leucocitos, que son células blancas en la sangre utilizadas por el sistema inmunológico para proteger al cuerpo de virus y bacterias. Hallaron este mismo cambio de expresión genética en los leucocitos de las personas que viven solas y aisladas socialmente.

Zhandra Rodríguez y Daniel Castellanos.

Se ha presentado el libro El cascanueces de Vicente Nebreda y el Teatro Teresa Carreño 1996-2015, para preservar así las memorias de sus 20 temporadas para el quehacer artístico venezolano. Se trata de una severa investigación periodística, la cual, en 176 páginas y más de 300 fotos e ilustraciones, plasma la que fue la última gran creación coreográfica del legendario maestro del arte del movimiento.Esta publicación, financiada y coordinada por la Fundación Teatro Teresa Carreño, presidida por Gustavo Arreaza, resume en 50 entrevistas las anécdotas de directores y bailarines, escenógrafos, vestuaristas, técnicos y otras figuras que desde 1996 llevan el espectáculo de ballet a la sala Ríos Reyna del referido centro cultural.

Durante un encuentro con los medios de comunicación, que contó con la asistencia del autor de la obra, Daniel Castellano; del líder del departamento de utilería del teatro, Rodrigo Rodríguez,y de la destacada bailarina venezolana Zhandra Rodríguez; el presidente de la fundación indicó que el libro es un homenaje a Vicente Nebreda, maestro del ballet venezolano quien asumió el montaje de este pieza en Venezuela, que este año alcanza su vigésima temporada, con 20 funciones que se disfrutan a sala llena desde el pasado 10 de diciembre.

La influencias de El cascanueces sobre las nueva generaciones es recogida por el periodista Castellano mediante entrevistas a jóvenes bailarines quienes narran el cómo este montaje influencio la escogencia del ballet como su profesión y además como un medio de comunicación artístico; por lo que sirve, a la par, como inspiración para las nuevas generaciones de bailarines y como guía de realización, de consulta casi obligada para quienes deseen producir en Venezuela un espectáculo basado en esa joya del arte balletistico.

La consolidación de las causas que permiten considerar a este montaje como una de las grandes tradiciones decembrinas de Caracas se dilucidan en esta publicación, que está llamada a convertirse en un homenaje al ingenio imperecedero de Vicente Nebreda (Caracas, 1930-2002)

En el prólogo, la primera bailarina Zhandra Rodriguez evoca no solo los criterios de creación de ese ballet nebrediano sino también pasajes de su entrañable amistad con el coreógrafo y además recuerda la historia de la creación de El cascanueces, hasta que se estrenó el 18 de diciembre de 1892 en el Teatro Marinsky de San Petersburgo, de la Rusia zarista, y su evolución hasta hoy.

Nadie ha ocupado el espacio de Carlos Giménez,pero nuestros teatreros insisten
porque sus proyectos siguen siendo válidos y positivos

Hace más o menos un cuarto de siglo, aquí en Caracas estalló un escándalo en al ámbito teatral. El todopoderoso artista Carlos Giménez, fundador del grupo Rajatabla y el coordinador de los Festivales Internacionales de Teatro, se había atrevido a señalar que el arte escénico criollo no iba bien y que por lo tanto tenían que cambiarlo, especialmente en lo referente a la creación de montajes o la visualización en tres dimensiones de los textos dramáticos u cómicos. Comenzó con unos talleres de dirección teatral destinados a capacitar a la nueva generación de puestistas. Pero aquel proyecto no prosperó porque falleció su líder, aquel 27 de marzo de 1993, y nadie más habló de tan espinoso tema.

Es a finales del año 2014 y durante los primeros meses del 2015 que el tema de la capacitación de una generación de puestistas saltó y se mostró en escena.Se organizó un festival para darles la oportunidad a jóvenes que quisieran debutar como directores de teatro, así como lo había iniciado el legendario Carlos Giménez. Fue así que el Trasnocho Cultural, fundación cultural privada instalada en el Centro Comercial Paseo Las Mercedes, con la cineasta y culta Solveig Hoogesteijn a la cabeza, organizó y puso en marcha el Festival de Jóvenes Directores de Teatro Trasnocho. Buena intención para airear la cartelera y ayudar a subir la difícil cuesta de la profesionalización a las nuevas generaciones.

STRINDBERG E IONESCO

Ese evento comenzó a mediados de enero del 2015 y cerró tras mostrar ocho espectáculos, dos meses después. Los dos mejores montajes, según un jurado, hicieron una temporada en la sala Espacio Alterno. Ese fue el premio, además del prestigio y la publicidad que suscitó tan novedosa competencia.

De esos ocho montajes destacó la audacia inteligente de Jorge Souki al transformar la romántica y amarga pieza de Augusto Strindberg en la truculenta pasión de una pareja de jóvenes de diferente origen sociocultural tratando de sobrevivir en una convulsa Caracas del siglo XXI. Su Julia contó con casting novedoso porque el “utilizado” Juan es un joven motorizado que goza de la atrevida Julia, pero al final la deja para continuar con su novia Cristina, roles resueltos con solvencia por José Ramón Barreto, Vanessa Morr y María Fernanda Meléndez.

También resaltó la respetuosa versión y dirección escénica que hizo Leonardo Van Schermbeek con La Lección, de Eugenio Ionesco. Él, sin alterar el texto, demostró los errores de la metodología educativa aplicada a los jóvenes y el mortal final que les espera: asesinados por sus maestros. La metáfora escénica que propone Ionesco quedó brutalmente plasmada en la escena, cuando el profesor se pone su brazalete nazi y se dispone a recibir la 41 alumna y futura víctima. Destacó el excelente trabajo actoral de Héctor Castro, bien apuntalado por la impactante caracterización de Rebecca Perich (la alumna) y correctamente complementado por Dayhana Carmona como la sirvienta cómplice.

SEGUNDO ACTO

Fue tan positivo aquel experimento con el Festival de Jóvenes Directores de Teatro que la directiva del Trasnocho Cultural ya puso en marcha la segunda edición de este evento, el cual va del 15 de enero hasta finales de febrero del año 2016. En esta oportunidad, un jurado, conformado por Héctor Manrique, Solveig Hoogesteijn, Pilar Arteaga, Douglas Palumbo y Eva Ivangy, evaluó a más de 30 obras que concursaron, quedando así seis seleccionadas, para esta primera etapa, y sus respectivos directores: Cómo agua para chocolate (Julián Izquierdo); La excepción y la regla (María Eugenia Sequera); Los amantes inconstantes (Fernando Azpúrua); La escala humana(Pedro Borgo); La vida es un sueño (Jonell Páez) y Gorditas(Lissy García). Cada una será mostrada en seis funciones, ofreciendo así a los nuevos talentos una oportunidad para darse a conocer.

Durante dichas presentaciones, las piezas serán evaluadas nuevamente por un comité de premiación conformado por Xiomara Moreno, Orlando Arocha, María del Pilar Arteaga, Rossana Hernández, Douglas Palumbo y E.A. Moreno-Uribe; el cual elegirá a dos ganadores. El primer lugar será parte de la programación oficial del Espacio Plural del Trasnocho Cultural en la temporada comprendida entre el viernes 4 hasta domingo 27 de marzo. La obra que logre el segundo lugar será presentada desde el viernes 11 de marzo hasta el domingo 3 de abril.

Así este II Festival de Jóvenes Directores será otra gran ocasión para que noveles talentos se den a conocer desde el Trasnocho Cultural, además de ser un homenaje vivo a Carlos Giménez. A esta nueva edición se le suma como aliado el Centro Cultural Chacao, donde se exhibirán en temporada especial las piezas ganadoras, entre abril y mayo de 2016.

Hay, pues, un plan teatral con las nuevas generaciones.

La mejor pieza del teatro criollo la escribió y la montó Elio Palencia

Vimos más de 100 espectáculos a lo largo y ancho de esta temporada teatral 2015, cuyas reseñas fueron publicadas en nuestro blog (http://elespectadorvenezolano.blogspot.com). Aquí recordamos los 12 mejores por sus nobles contenidos, montajes y actuaciones, y además resaltamos el talento dramatúrgico venezolano que se impuso en cantidad y calidad, algo poco frecuente en temporadas anteriores.¿Qué estará pasando?

1 Aura Rivas, Citlalli Godoy y Rafael Gil, bajo la dirección de su autor, el venezolano Elio Palencia, en el teatro Bolívar, crearon convincentemente el aleccionador espectáculo Aru, amador de las mujeres, inspirado en un hecho acaecido en una modesta población del sur de La India. Su metáfora artística, como se erige una casera empresa para fabricar toallas sanitarias, se transforma en didáctica y tierna saga de amor, preñada de humor, ternura y poesía.

2 Gratísima sorpresa deparó Las noches celestiales de la señorita Rasch, en el espacio La Caja de Fósforos. Ácido monólogo existencialista sobre la soledad y la vejez combinadas, resuelto brillantemente por Diana Volpe, gracias a la creativa dirección de Orlando Arocha, quien trabajó e intervino el texto del alemán Franz Xavier Kroetz.

3 La embajada de España auspició la producción de La punta del iceberg, del canario Antonio Tabares, dirigida por Javier Vidal y con creíbles caracterizaciones logradas por Julie Restifo, Juan Carlos Gardié, Gerardo Soto, Gonzalo Velutini y los jóvenes Jan y Josette Vidal-Restifo, para brindarle una entretenida y didáctica reflexión sobre la complejidad de las relaciones laborales en una empresa y lo que puede ocurrir cuando entran en crisis las relaciones interpersonales de trabajadores y trabajadoras. Una producción de lujo en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural.

4 La venezolana Lupe Gehrenbeck escribió Ni que nos vayamos nos podemos ir, escenificada acertadamente por Oswaldo Maccio y felizmente actuada gracias a Caridad Canelón, Simona Chirinos, Nattalie Cortez y Gladys Seco.Ellas materializan la “diáspora” creciente que afecta a varios sectores de la familia venezolana –especialmente la clase sándwich- de manera inédita. Fue una sorpresa de la Torre del Teatro (Centro Cultural BOD).

5 Aleccionadora pieza La cocina del cubanoestadounidense Eduardo Machado, melodrama que transcurre en la mansión habanera de la familia Santana, entre la llegada de Fidel Castro y el “período especial”. Espectáculo conmovedor, gracias a las performances de Layla Vargas (Gladys, empleada doméstica), Rubén León y Josmary González en comprometidos roles, Ernesto Campos (el ambiguo Julio, perseguido y castigado por su desviada conducta) y Valeria Castillo (Adria y su hija Lourdes), correctamente dirigidos por Rossana Hernández. Una producción de lujo en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, tras de haberla estrenado en la Caja de Fósforos.

6 Un grupo de jóvenes artistas montó Yo, Federico, del criollo Jan Thomas Mora Rujano, bien escenificado por Dairo Piñeres y los coreógrafos Angélica Escalona y Carlos Dimas, apuntalados en las destrezas físicas del actor Theylor Plaza. Espectáculo impactante y novedoso para el público que lo aplaudió en la Sala Anna Julia Rojas de Unearte.

7 El venezolano Francisco Denis rompe reglas del espectáculo y lo demuestra con su montaje Ubú, donde utiliza coordinados movimientos del solido telón de boca y así parcela y muestra aquellas imágenes que se lograrían con tomas de cámaras de filmación, como la aproximación, encuadre y alejamiento. Esto acentúa el efecto visual de las vulgaridades cotidianas del todopoderoso Ubú, una libérrima versión del francés Alfred Jarry. La Sala Rajatabla fue el espacio apropiado para mostrarlo.

8 En esta Tierra de Gracia los malandros siempre han estado de moda y la prueba más reciente la dio, nada menos que la venezolana Sonia Chocrón, con su comedia Ni un pelo de tontas, donde un “extraño delincuente” es el gran protagonista. Y se le dio vida en escena por la complicidad de los histriones -Marycarmen Sobrino, Michelle Taurel y Robert Chacón- y la paciencia y sapiencia del director Javier Vidal y la productora Alep Nali. Una joyita de producción para el teatro Urban Cuplé.

9 Impacta Fotomatón, autopsia nacional en nueve innings, melodrama del venezolano Gustavo Ott, gracias al actor José Gregorio Martínez, quien le da total vigencia con sus impactantes caracterizaciones y algunos maquillajes al texto original. Su autor emula un juego de béisbol y plasma en nueve entradas la historia del pelotero Fernando, a través de los distintos personajes que componen su familia. Es una reposición de lujo para la Sala Rajatabla.

10 El criollo Leonardo Van Schermbeek ganó el Festival de Jóvenes Directores del Teatro Trasnocho con su espectáculo La lección, a partir del texto del rumanofrancés Eugene Ionesco. El elenco actual lo integraron, muy solventemente: Héctor Castro, Rebeca Perich y Varinia Arráiz, quien cubre la ausencia de Dayhana Carmona. Muestra de producción perfecta en el Espacio Alterno del Trasnocho Cultural.

11 Desde el 2014, la venezolana Virginia Aponte ha escrito, dirigido, producido y exhibido con justo equilibrio estético su drama Memoria del silencio.Muy bien actuado por Soraya Siverio y Lucrecia Baldasarre con Carlos Domínguez o Wilfredo García y Unai Amenábar o Agustín García. Resulta vital e importante porque replantea un análisis desde la razón, la sinrazón y los sentimientos de las existencias de quienes viven o vivieron el proceso revolucionario de Cuba, iniciado el 1 de enero de 1959.Lo vimos en la UCAB y en la sala Cabrujas de Chacao.

12 El criollo Fermín Reyna hizo breve temporada con su obra dramática Buenos días Noruega, apuntalado en el trabajo de Dimas González, quien funge como director y actor principal, y con el valiente soporte de María Gabriela Cedeño. Se aplaudió en la sala Maria Teresa Castillo del Ateneo de Caracas.

Un cuarteto de "raspacupos" que se colean a un funeral elegante-

Termina la temporada teatral 2015 con el grato espectáculo que es Te dejo la corona, novedoso sainete de Karin Valecillos, dirigido por Giovanni García y con las desenfadadas actuaciones de María Alesia Machado (Rosalba), Diana Díaz (Isabel), Maga Díaz (Daniela), Carla Muller (La Chiqui) y la especial participación de Jorge Roig, y la organización asumida por el equipo de 4×4 Producciones.

El argumento, plasmado por las festivas Rosalba, Isabel, la Chiqui y Daniela, es una crítica al sistema social venezolano, por aquello del “Dime con quién andas y te diré quién eres”. Se desarrolla en una funeraria, precisamente en las tensas y pesadas horas del velatorio de un personaje muy respetable. Las damiselas no conocen la persona que será sepultada, pero no están ahí para unirse al duelo y llanto colectivo, sino porque necesitan contactar a una serie de personas vitales para que las apuntalen en la consecución de codiciados trabajos, ya que están cesantes y andan, precisamente, acosadas por las deudas, entre otras cosas.

Ellas son, pues, “rompefunerales”, pues están convencidas de que no existe mejor lugar para hacer relaciones públicas que un velorio. Viven atrapadas entre los convencionalismos sociales y el deber ser, pero se atreven a ir tan lujosa funeraria porque deben resolver sus problemas, a como dé lugar. El fin justifica los medios, les enseñó Nicolás de Maquiavelo a estas inquietas damitas.

Lo mejor del sainete es su texto cargado de críticas a la actual realidad social, por aquello de las kafkianas colas para adquirir harina y papel toilette o la angustia de no recibir la llamada que las autorizará a usar sus tarjetas de crédito allende las fronteras, porque son unas “raspacupos”, unas nada discretas devotas irredentas de San Cadivi, más nada.

El valor agregado de este espectáculo, realizado dentro de un espacio no convencional, es que se mostró en el foyer de la archifamosa Villa Planchart, magnifica residencia, diseñada por el legendario Gio Ponti, ubicada en las montañas del sureste caraqueño. De esta manera Te dejo la corona, que debutó en el 2014 bajo la modalidad de “Teatro en casa”, una atractiva y novedosa tendencia para hacer itinerantes los espectáculos y favorecer así mucho más a los espectadores, ha llegado a un espacio nunca antes utilizado para shows teatrales. ¡Éxitos!

Armando y Elder ante la soledad acompañada de Caracas

Andrea Núñez-Torrón Stock

Revista EAM / Cineuropa de Santiago de Compostela, 09/12/2015

Una Caracas convulsionada es el escenario escogido por Lorenzo Vigas para presentarnos una historia —de amor, sentimientos encontrados y agresividad contenida— poco convencional y rica en matices. Desde allá, título del debut cinematográfico de este director venezolano, se trata de una obra desgarradora, dotada de una inusitada fuerza y un prisma novedoso, que lejos de centrarse exclusivamente en la complejidad de una relación plagada de incongruencias, baches emocionales y presión social, nos revela la continuidad actual de una amplia serie de estigmas sociales alusivos a la homosexualidad masculina en Latinoamérica, el poso de los traumas más arraigados en la personalidad o la imprevisibilidad asociada a muchas de las reacciones humanas.

Su valentía, su crudeza y su excelente puesta en escena han llevado a esta obra a hacerse con el León de Oro en la última Mostra de Venecia, así como recibir una cálida acogida en la sección de Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Compartiendo valor, escenario y una aguda radiografía social, recuerda en su verismo descarnado a la fantástica Pelo malo de Mariana Rondón, que se llenó el bolsillo de merecidos premios hace dos años. Las dos obras apuestan por una mirada fría y aséptica, que no juzga a sus personajes, para contarnos sus diferentes conflictos vitales, pero a diferencia de esta última citada, la cinta que hoy describimos incide en lo argumental por una ambigüedad dramática perturbadora, donde pueden caber diferentes versiones y el espectador debe tratar de desmigajar ese guion sutilmente milimetrado para llegar al quid de la cuestión, a desentrañar el corazón de los dos hombres que en ella participan y se conocen el uno al otro.

Dos son los protagonistas de Desde allá: el serio e imperturbable Armando —interpretado por Alfredo Castro, al que también hemos visto este año en la fantástica película chilena El club—, un cincuentón poseedor de un laboratorio de prótesis dentales, y Elder —gran actuación de Luis Silva—, un muchacho callejero que forma parte de una pequeña banda de delincuentes juveniles. Mientras que este joven sueña con tener su propio coche y vive entre chapuzas y triquiñuelas para ganarse la vida, Armando, de vida tranquila y bienestar económico, frecuenta paradas de autobús para captar a hombres jóvenes y ofrecerles un jugoso puñado de billetes si lo acompañan a casa. El modus operandi es siempre idéntico, ya que él sólo quiere observar cómo se desnudan y masturbarse mirando, sin mantener ningún tipo de contacto físico, dando rienda suelta a un onanismo exacerbado.

Todo cambia cuando el primer protagonista le ofrece dinero al segundo y aunque éste reacciona propinándole una paliza a golpe de insultos —delatando un alto nivel de homofobia característico en su círculo social—, pronto comienza una particular relación de amistad acompañada de cierta tensión sexual contenida. Por otro lado, Armando vigila de vez en cuando a un señor de edad avanzada, una costumbre que se nos antoja misteriosa y sorprendente. Lorenzo Vigas, de manera sumamente inteligente, decide plasmar la propia falta de comunicación y aislamiento emocional que sufren los dos personajes principales —ambos por causas muy diferentes, hay que subrayar—, a través de la austeridad narrativa, con diálogos pausados, montaje lineal y unos encuadres naturalistas y cercanos. El punto de vista del director es totalmente neutral, casi gélido a la hora de ahondar en el conflicto dramático y por ello, hace que tengamos que trabajar y buscar tras la elipsis de información el germen de los problemas y de la soledad de ambos, así como de diversos giros argumentales que se suceden, dosificados con agudeza.

Desde allá es una película desgarradora, dura y que nos muestra la parte más árida de la vida, los duelos internos que los personajes esconden bajo la piel, tras una capa de exagerada virilidad en un caso, o de semblante imperturbable y rechazo del contacto físico en el otro. Elder, como parte de una tribu callejera de delincuentes se enfrenta a la radical homofobia que se respira en las calles o en el ámbito familiar, mientras que Armando envuelve el dolor de su pasado bajo esa capa de onanismo e impasibilidad, sin dar rienda suelta a los pálpitos de sus emociones. Dos actuaciones altamente naturalistas al servicio de una ópera prima que sugiere más que muestra, que engorda sus habilidades comunicativas con el paso del minutero y que refleja una dimensión emocional entre dos hombres poco o nada explorada en el historial cinematográfico reciente. Las cuestiones que el guion aborda con sutileza oscilan desde la negación de la propia sexualidad a la alexitimia, la sed de venganza, los estigmas sociales y las fronteras que estos delimitan o el descubrimiento personal y las trabas que este conlleva cuando la familia y la sociedad se erigen en contra.

Como espectadores, Desde allá nos planteará un ángulo distinto, exigiéndonos un mayor esfuerzo que otras cintas realistas o sociales más directas y explícitas, dejando a tu juicio algunas de las líneas temáticas abordadas y, sobre todo, captando nuestra atención ante la inmensa complejidad de los sentimientos humanos, pudiendo casi tocar bajo el subtexto la rabia contenida y el amor escondido, la pulsión incontenible y la ternura recóndita, la atracción y el rechazo, la empatía y el desprecio. La bondad y la maldad absolutas, como en todas las buenas películas —gracias a dios—, no existen. Desde allá incrementa su ritmo y su vigor hasta el clímax, nos ayuda a desaprender convencionalismos y a entender sentimientos interiorizados como volcanes a punto de estallar en erupción.

No es Brokeback Mountain ni Pretty Woman. No consuela ni suaviza. Mete el dedo en la llaga y acierta. Ni siquiera estaremos seguros de poder llamarla historia de amor, pero podremos sentir el afecto, la sangre, la vergüenza y la dependencia emocional como en la vida misma, con mejores y —sobre todo en este caso— peores resultados. Como bien dijo el cantautor Nacho Vegas en una de sus célebres canciones: “Hicimos el amor una vez que sentimos el frío, y el resultado fue, ya lo ves, más o menos como en los erizos”. |

El director Lorenzo Vigas y el protagonista Luis Alejandro Silva

El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) prometió para 2015 más de 50 estrenos de películas de factura nacional. Una por semana. Pero se vieron apenas 31 filmes, la mayoría documentales, y la taquilla no pasó de un millón de espectadores.

Para el venidero año, que comienza esta misma semana, no hay anuncios precipitados. De hecho, Juan Carlos Lossada, presidente de la institución, ha sido precavido en su cuenta de Twitter @Lossadacna. Uno de los últimos mensajes compartidos fue: "ofrecer disculpas por los errores cometidos y expresar la honra de conformar la digna comunidad del Cine Venezolano".
Entonces, conocer cuáles películas venezolanas se verán el año que viene no es tanto un misterio como sí una información no oficial. Por ahora. Se sabe, por ejemplo, que algunos directores ya recibieron las fechas en las que sus largometrajes llegarán a las marquesinas del país. Muchos, incluso, ya las colocaron en la información pública de sus perfiles en redes sociales. Cruzando datos con el cronograma de algunas exhibidoras, se puede armar una lista como la que se presenta en esta página. No es definitiva, no es el universo de estrenos, pero da una idea de los títulos y las temáticas que se apreciarán en los próximos 12 meses.
Desde allá de Lorenzo Vigas parece ser el plato fuerte del año. Pero están también El abrazo de la serpiente (coproducción con Colombia), algunas comedias y las biopic El inca y Tamara.

DE TODO COMO EN BOTICA

Desde allá. Uno de los estrenos que mayor expectativa genera es el de la ópera prima de Lorenzo Vigas, ganadora del León de Oro en Venecia este año que está por terminar, además de otros importantes premios. El chileno Alfredo Castro interpreta a un profesional que le paga a hombres jóvenes solo para verlos, hasta que todo cambia cuando conoce a Elder (Luis Alejandro Silva). Pautada para el mes de abril.

El abrazo de la serpiente. Ganó el premio Art Cinéma en Cannes. Está nominada a los Spirit Awards como Mejor Película Extranjera y prenominada al Óscar en la misma categoría. La cinta colombo-venezolana de Ciro Guerra está inspirada en los diarios que los científicos Theodor Koch-grunberg (Jan Bijvoet) y Richard E. Schultes (Brionne Davis) escribieron en la Amazonía. Actúa también Luigi Sciamanna.

Devuélveme la vida. La ópera prima de Alain Maiki presenta la historia de superación de dos familias unidas por sus tragedias, que enfrentarán una dolorosa batalla personal en busca de un nuevo comienzo en sus vidas. En el elenco están William Goite, Henry Zakka, Nena Abdelnour, Christian Carabias, Sebastián Andrade y Mónica Pasqualotto, entre otros.

El Inca. Es promocionada como "una trágica historia de amor basada en la vida del gran boxeador venezolano Edwin 'El Inca' Valero. La única batalla que perdió fue esa que libró en contra de sí mismo". Dirige Ignacio Castillo Cottin y protagoniza Alexander Leterni en la piel del deportista, quien se suicidó luego de asesinar a su esposa en 2010. La película se podrá ver, aparentemente, en marzo.

El peor hombre del mundo. Para febrero está pautado, inicialmente su estreno. Dirigida por Édgar Rocca y producida por Elaiza Gil. Una comedia de La Villa del Cine sobre la crisis y evolución personal y las diferentes caras (y mensajes) que ofrece el amor. Protagoniza Alexander Da Silva y le acompañan el taiwanés Ignacio Huang y los venezolanos Sonia Villamizar, Mariaca Semprún y Natalia Román.

Qué pea. Manuel Pifano (El psiquiatra) presenta la primera de varias comedias que tiene listas (o está produciendo) para el cine nacional. En esta versión local de ¿Qué pasó ayer?, los errores pueden conducir a las personas a situaciones no tan desagradables a fin de cuentas. Actúan Anny Baquero, Jesús Nunes, Samantha Dagnino, Suki Landaeta, Francisco Díaz, Miguel Ángel Landa, Rosario Prieto, José Manuel Suárez. Estreno probable: 19 de febrero.

El show de Willi. La comedia de humor negro de Fernando Venturini (3 Noches, 2001) se desarrolla alrededor del mundo de la televisión. Willi (Sócrates Serrano) produce un reality show y su primera invitada es la actriz Elsy Ferrer, quien enciende la polémica en el país por sus declaraciones. El elenco está conformado por Daniela Alvarado, Laureano Olivarez, Sheila Monterola, Verónica Rasquin, Amilcar Rivero y Greisy Mena. Febrero de 2016.

Azul como el cielo. El segundo largo de ficción de Andrea Ríos después de Una mirada al mar (2011), cuenta la historia de Eduardo, un padre (Francisco Denis) que abandona su familia y luego, por una circunstancia trascendental, debe reencontrarse con ella. En el elenco de este drama se encuentran los jóvenes Jeixon Guillén y Luis Valiente como los hijos del protagonista. Estreno: 8 de abril.

El DiCaprio de Corozopando. Escrita por Karín Valecillos y dirigida por Luis Rahamut, la comedia de La Villa del Cine cuenta la historia de Rubén Darío (Luis Francisco Yánez) un niño que, erróneamente, es señalado por el brujo del pueblo como el mesías que ayudará a que la comunidad, ubicada en Calabozo, se haga famosa. En la cinta actúa Aroldo Betancourt junto a habitantes del estado Guárico. Se espera su estreno para mayo.

Tamara. Después de retrasar su estreno un par de años, el filme de Elia Schneider acerca de la vida de la diputada (electa) Tamara Adrián, la primera transgénero de Venezuela, verá luz a mediados de 2016. Luis Fernández se mete en la piel de un hombre que nació en el cuerpo equivocado, en un país que no le reconoce. Actúan junto a él Prakriti Maduro, Karina Velásquez, Julie Restifo y Laureano Olivares, entre otros.

(Este artículo fue estructurado con materiales publicados por el diario El Universal, de Caracas , y elaborados por el periodista José G. Márquez /@JGpunto)

Un dramaturgo que sí ama su país,a pesar de las rémoras.

Honrar honra, enseña el poeta cubano José Martin, y lo citamos como preámbulo en esta entrevista con Elio Palencia (Maracay, 1963) un artista silencioso y trabajador, que solo se lo conoce por su ya larga lista de piezas teatrales, montadas todas con éxito, como el reciente espectáculo Aru, amante de las mujeres, al cual hemos considerado como el mejor de la temporada 2015.

¿Cuál es su análisis del estado actual del teatro criollo? ¿Qué propone o qué ofrece?

No creo contar con suficientes datos para un análisis serio y más aún cuando soy de los que piensan que no hay uno, sino muchos teatros. No obstante, mi percepción es positiva, pues pese a lo fragmentario del medio y al aún exiguo apoyo de unos sectores público y privado que –excepciones aparte- no terminan de comprender el hecho teatral y su función orgánica dentro de una sociedad, contamos con renovadas energías, diversidad y una inmensa voluntad de seguir haciendo con expresiones libres y empáticas, llevando a puerto discursos, con o sin fines de lucro, con riesgos de vuelo artístico o como saludable y legítimo entretenimiento, contribuyendo a crear nuevos públicos y consolidarlos, pese a los innumerables obstáculos, generalmente materiales. Al hilo de lo cual, no estaría mal en estos tiempos que otros sectores volvieran la mirada hacia lo que hacemos porque tal vez tengamos algo qué decir en esto de la “cultura del trabajo” y la “capacidad productiva” a través de ese arte milenario gracias al cual la humanidad puede seguir viéndose a sí misma. ¿Respecto a mí? Seguir trabajando, procurando lealtad a mis necesidades expresivas, sentido lúdico, respeto a los otros y disposición a aportar algo al entorno en el que vivo.

¿Cuál es su balance profesional en este 2015? ¿Satisfecho?

Estoy muy satisfecho. Contabilizo: una propuesta de guion para cine, una teleserie para niños, la adaptación de La ópera de tres Centavos, la dramaturgia para el musical Aireteatro pop tributo a Mecano, el cual se estrenó exitosamente en Maracaibo y, encima, haberme dado el lujo de dirigir y producir teatro con un equipo de excepción. Sería un desagradecido si no me considerase satisfecho. Eso sin contar con reposiciones y nuevos montajes de algunas de mis piezas (Mátame, mamá, Habitación para hombre solo, Promoción Honor a mis Padres, Penitentes en Valencia y en México D.F.) y haber sido incluido en las antologías de Leonardo Azpárren Giménez y de Paso de Gato. Son privilegios que, a mi juicio, debe ser honrados con gratitud, más trabajo, riesgo y, a ser posible, con generosidad.

¿Qué planes tiene para el 2016, en lo referente a estrenos, con producción propia, o ajena?

En teatro, mover el montaje de Aru, amador de las mujeres, pues es un trabajo hecho principalmente con el criterio de un alcance popular y el objetivo de ser llevado a la mayor cantidad de espectadores. Ojalá encontremos el apoyo institucional y la sensibilidad entre los gerentes culturales, para ello. Lo intentaremos. En cuanto a montajes de textos, para la celebración de los 30 años de Teatrela –que ya comenzaron en el 2015- se tiene previsto el estreno de Donde caerme viva bajo la dirección de Costa Palamides, con maravillosas actrices que le han acompañado a lo largo de tres décadas (Eulalia Siso, Norma Monasterios, Nirma Prieto, Diana Volpe, Marisol Mateus). Un honor que me tiene muy emocionado, de verdad. Por otra parte, el grupo Primera Escena, que llevan Ángel Pájaro y Weidry Meléndez, va a producir el musical para niños Miniña, una yegua de otra tierra. También espero que el espectáculo Aireteatro pop tributo a Mecano, concebido, producido y dirigido el talentoso zuliano Marcos Meza, concrete sus presentaciones en Caracas y en otras ciudades del país. Para abril, en Buenos Aires estrenarán una de mis primeras piezas Secuestro Rosa que, paradójicamente, aquí no se ha estrenado en el ámbito profesional. Por otro lado, espero que los proyectos audiovisuales vean salida para su producción y difusión en las pantallas.

¿Cómo es la obra que tiene Palamides para estrenar?

Es una pieza escrita en 2014 en la que juego con ciertas recurrencias de mi trabajo. Creo que Donde caerme viva coincide con la línea de La quinta Dayana, Detrás de la avenida y Penitentes en cuanto a temas como la justicia, la sexodiversidad, la religiosidad y la violencia urbana e intrafamiliar, en una voluntad de compartir preguntas y ahondar más eso que podría llamarse “el personaje venezolano”, en este caso, todos mujeres. Desde mis primeras piezas, la indagación en lo femenino ha formado parte de mis motivaciones. Ya en 1989 escribí Secuestro Rosa y posteriormente Del alma querida, en la que quise trabajar la memoria nacional más reciente y la maternidad. La reina del soufflé, Mátame mamá, Doña Bárbara, la perfecta ama de casa, Remota, amiga remota y algunos monólogos también han tenido su fuente en visiones y preguntas sobre el mundo de distintas mujeres de nuestra Venezuela.

¿Qué está haciendo con su dramaturgia, especialmente para su difusión afuera?

No hago mucho, la verdad. Siempre he tenido la impresión de que mi imaginario y esa búsqueda en el personaje venezolano, sus contradicciones y sus contextos, que es lo que más me mueve, difícilmente tendrían receptividad en otros países. Y, ojo, eso no lo digo como un valor, se da así, y punto: cada uno atiende a sus estímulos y necesidades expresivas, y estas pueden coincidir o no con pocos o muchos lectores o espectadores. Por eso mi afán y mis esfuerzos han sido más por la difusión en el país a través de la publicación, cosa más difícil que de costumbre, últimamente. No tan en broma, he dicho alguna vez que si mis piezas llegarán a alguien de Guasdualito, Moruy o Pejugal, yo me daría por muy satisfecho. Para mi sorpresa, me he encontrado con que no sólo han hallado eco en el interior del país, sino también en otras latitudes, generalmente en ámbitos alternativos. Arráncame la vida, por ejemplo, tuvo más de cien funciones en México DF y acaban de hacer una adaptación en Valencia, España. Penitentes se montó en Puerto Rico, Panamá y para el público latino de Nueva York, y ahora Secuestro Rosa será exhibida en Buenos Aires. Aparte del sitio web (www.eliopalenciadramaturgia.com) desde donde se pueden bajar mis textos y que está conectada con la de Gustavo Ott, no hago mucho más. Me gustaría lograr la traducción de algunas piezas, pero es algo que sin, apoyos institucionales o patrocinios, resulta bastante difícil.

¿Usted dicta talleres de dramaturgia o de guiones?

He conducido un taller para Monte Ávila Editores y algunos cortos para la CNT. También he realizado clínicas de guion en el Laboratorio del CNAC. Han sido experiencias muy gratificantes y agotadoras por lo exigente que me resulta, pues mi concepción de la enseñanza, inscrita en el ejercicio de la mayéutica o el docente como “partero”, suele ser poco ortodoxa y demandar mucha sutileza. El extremo respeto y cuidado que me impongo para con el imaginario y la voz de cada participante, suponen grandes esfuerzos añadidos. Para mí es un lujo, porque salvo excepciones, la docencia sigue siendo muy mal compensada económicamente. Por eso suelo ser muy selectivo a la hora de aceptar este tipo de responsabilidades. Pero siempre estoy abierto, me gusta. Nutre muchísimo y supone una posibilidad reciclarse y confirmar que, independientemente de valoraciones, uno tiene una experiencia para susceptible de ser compartida y cuya socialización resulta, sin duda, un aporte adicional al del propio trabajo dramatúrgico.

Hijo, madre y padre, no es difícil identificarlos.

Sus padres catalanes lo trajeron a Caracas a los 36 meses y 59 años después es todo un personaje con luz propia en los escenarios, sets y platos venezolanos. En ese lapso estudió periodismo y se hizo actor. Casó con Julie Restifo y engendraron a Jan y Josette. Y es al cerrar este gozne 2015, tras destacar con importantes y creativas sendas puestas en escena (La punta del iceberg de Antonio Tabares y Ni un pelo de tontas de Sonia Chocrón), que Javier Vidal Prada respondió a nuestro interrogatorio sobre su larga jornada de creación, cual humana maquina para hacer teatro.

¿Cuántas direcciones a lo largo del 2015? ¿Satisfecho?

Fueron seis. Ni un pelo de tontas, ópera prima de mi alumna Sonia Chocrón, reconocida poeta y narradora venezolana, donde se destacó la periodista Marycarmen Sobrino, el promotor y actor Robert Chacón y la promisoria actriz Michelle Taurel, en una producción de Alejandra Nali (AENE Producciones). Con Hispanomedia dirigí la pieza más exitosa del año Venezolanos desesperados, una revista teatral, firmada por Daniel Ferrer Cubillán, la cual recorrió todo el país, hizo temporada en Caracas y se presentó en Ciudad de Panamá y Miami. Ambas seguirán en temporada con la misma constelación de estrellas en cartel. Un monólogo para Astrid Carolina Herrera, Corazón de seda, y Crónicas desquiciadas, de Indira Páez, en el BOD, donde se destacó la pareja Alejandra Braun y Adrián Delgado. Con muy poca resonancia estrené la pieza de Ernesto Caballero, Te quiero muñeca, con Charyl Chacón y Leonardo Aldana en el Teatrex, en producción de Alberta Centeno. Cerré con broche de oro con la premiada pieza La punta del iceberg de Antonio Tabares, aporte de Jota Creativa Producciones, donde dirigí por primera vez a toda mi familia: Julie, Jan y Josette junto a mi otra familia, la elegida: Juan Carlos Gardié, Gonzalo Velutini y Gerardo Soto; en el Espacio Plural del Trasnocho, bajo los auspicios de la Embajada de España.

Muchas fueron las anécdotas, pero me quedo con la reacción del público en Miami, al final de la pieza Venezolanos desesperados, donde con lágrimas reprimidas unas y otras no tanto, nos decían como un ritornello, "Venezuela vale la pena, algún día volveremos". Creo que ya deberían ir preparando las maletas. Los necesitamos a todos.

¿Cuál es su método de trabajo para las puestas en escena y con la dirección de los actores? ¿Hasta dónde respeta a los autores?

De muy joven arrinconaba el texto frente a los demás códigos de la escena. Hoy en día y desde hace muchos años, mi partida y base es el texto. El texto marca mi metodología frente al género, estilo o estética que me dicta el texto. En el teatro el texto es el dictador. Después podemos levantar nuestra autoría escénica respetando el cuerpo y espíritu del texto y confrontándolo con nuestro contexto. Con esa caja de resonancia que es el público. A los actores lo que debo es inducirlos una vez coloco sobre la mesa la metodología de búsquedas y encuentros. Reitero que el texto es el dictador porque para algunos colegas el público se ha impuesto en esta dictadura de la comedia banal y gráfica. Detesto el teatro didáctico y obvio que no da opción al público para que en su pleno entretenimiento utilice su inteligencia e imaginación.

¿Qué le puede aconsejar a la actual, valiosa y valiente, generación de relevo artístico, donde incluso sus hijos ya están bregando?

En el teatro soy un corredor de fondo y no entrego aún el testigo de relevo. Corro junto a ellos aunque no tenga tanto pulmón como un joven de 25 años y muchos me pasen en velocidad quedando yo en la zaga... más no en la reserva. De consejo ninguno salvo que sea un consejo el no dejar de ver, mirar y observar; de oír y escuchar; de tocar músculos blandos y palpar duras geometrías, de meter la lengua en orificios oscuros y saborear lo desconocido, olfatear la brisa lenta; de no dejar de leer a nuestros interminables clásicos; dejar de verse sus ombligos y estar conscientes que el agua tibia, aunque sea nueva para ellos, ya fue inventada en tiempos precedentes a la era de Pericles.

El teatro comercial, vive de la taquilla, tendrá durante este 2016 un costo elevado en la boletería, ya que estará por encima de los mil bolívares la entrada. ¿Eso alejará más a los espectadores? ¿Qué hacer?

El año que viene será una catástrofe económica nacional si no toman previsiones desde los más altos poderes del Ejecutivo. Vivimos una hiperinflación y el teatro no tiene coronita. Menos el que se mantiene desde la taquilla... que es el mayoritario, si hablamos de teatro profesional. El público necesita del teatro y en esta nueva crisis económica, en el marco de una renovada fe en la democracia gracias al triunfo de los 112 diputados de la oposición, puede que se produzca una síntesis pragmática que nos libere de los reduccionismos y la básica sobrevivencia. El teatro es una necesidad de país y por ende de Estado, y el público necesita de ese espacio público de esparcimiento, de ocio. El público no va a trabajar cuando asiste al teatro. Va a confrontarse con su yo, va a verse reflejado, iluminado, deformado, duplicado como un espejo. El que trabaja es el cómico por trágico que parezca.

¿Y para el 2016 que ofrece?

Mucho movimiento y olfateo que algunos cambios, no sólo políticos. Ahora en el poder no sólo hay enemigos... también hay aliados y eso puede cambiar discursos. Jota Creativa tiene una participación en Microteatro con una versión que hizo Jan Vidal-Restifo sobre una pieza corta de Max Aub (escritor español de origen francés que se exilió en México); en el segundo semestre tenemos una pieza también traducida y versionada por Jan que dirigirá Julie Restifo de Lillian Hellman, Children's hour (Calumnia infame) y en septiembre, conmemorando el aniversario de Isaac Chocrón, va su magna pieza Escrito y Sellado donde actuaré al lado de Gonzalo Velutini en el mismo papel que él interpretó en 1993 cuando la estrenó el maestro Ulive.

Julie también dirigirá un musical para Hispanomedia, Jóvenes estrellas para marzo, y Hasta el último trago para AENE producciones en abril. Yo tengo a fuego lento la ópera prima de Valentina Párraga también para AENE Producciones... y hay una sorpresa dramática sobre la diversidad de género y la identidad familiar, de un cercano amigo con muchos años escribiendo sobre teatro que se lanza en mares profundos. Y si el Theja se anima este 2016, me montaré como actor en el drama histórico de José Simón Escalona: Alzao, sobre la muerte de Rafael Simón Urbina, el asesino del general Carlos Delgado Chalbaud. El primer semestre estaré en la dirección artística de la telenovela de RCTV Internacional. Mucho movimiento.

Teatro en todos los rincones de Venezuela gracias a la CNT

Este 2015 ha sido un año de intensa actividad teatral en el país,auspiciada por el Estado. El Circuito de teatro César Rengifo fue uno de los grandes logros realizados a nivel nacional que contó con la participación de 16 agrupaciones que recorrieron los estados Amazonas, Anzoátegui, Aragua, Bolivar, Carabobo, Cojedes, Distrito Capital, Falcón, Guárico, Lara, Mérida, Miranda, Monagas, Nueva Esparta, Portuguesa, Táchira, Trujillo, Vargas, Yaracuy y Zulia. Las agrupaciones se dedicaron a presentar piezas teatrales de la autoría del artista homenajeado, a propósito de su centenario, en la gira nacional que logró realizar un total de 31 funciones y la asistencia de 3.450 espectadores.

El saldo de participación se estima en 29.267.00 venezolanas y venezolanos que disfrutaron de la puesta en escena de diversas actividades programadas por el Centro Nacional de Teatro (CNT). El director general del CNT, Alfredo Caldera, expresó que el eje transversal de las actividades propuestas por la institución se enmarcaron dentro de la conmemoración del centenario del dramaturgo, director, ensayista y artista revolucionario. Así mismo, se efectuó el ciclo de conversatorios sobre el artista con la realización de un seminario sobre su vida y obra. Además, se realizaron dos conversatorios sobre la dramaturgia del creador y su visión como director teatral, actividad que contó con la asistencia de 181 participantes.

Caldera informó que en el primer cuatrimestre del 2016, se llevará a cabo la producción de Peludas en el cielo de Gustavo Ott, obra ganadora del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2015 y dedicada a las temáticas abordadas por César Rengifo en su obra artística.

Los creadores circenses realizaron importantes aportes en el área organizativa como el 1.er Encuentro de Formación de Formadores en Artes Circenses en el estado Portuguesa y el 1.er Encuentro Nacional del Movimiento Escénico Urbano de Circo, celebrado en Caracas. En esta oportunidad, el poder popular organizado entregó múltiples propuestas para la profesionalización del circo venezolano y la creación de la red de circo venezolana. Las producciones Travesía y Variedades Circenses producidas por el elenco circense del CNT llevó entretenimiento gratuito y una nueva visión del circo social a más de 5.567 espectadores.

El I.mer Encuentro de Gestión Escénica y Musical también se sumó a las actividades de alto impacto este 2015, planificadas dentro de en los programas de investigación del CNT. En este encuentro 122 participantes pudieron debatir sobre el panorama de la gestión teatral en la actualidad y los diferentes retos en el marco jurídico, legal, financiero y artístico para el sector en los próximos años.

En el área de formación, Caldera informó que se realizaron 40 talleres de fortalecimiento de la actividad teatral en las áreas de producción, actuación, dirección y diseño, beneficiando a 1.407 creadores a nivel nacional. También se efectuaron 67 talleres en el marco del programa Todos al Teatro en el que participaron 1822 alumnos de educación media y diversificada y quienes experimentaron las facetas de la producción teatral, desde la fase inicial del estudio del texto dramático hasta la puesta en escena en sus recintos educativos.

En el estado Amazonas, la comunidad piaroa de Paria Grande participó en esta celebración y produjo la obra teatral Creación de los Conucos Huöttöja. En ella los propios habitantes de la etnia realizaron el proceso creativo y todos los aspectos de la producción.Por otro lado, resulta significativo valorar que 144 agrupaciones y colectivos a nivel nacional y más de 1.500 artistas fueron protagonistas directos de financiamientos y estímulos dirigidos a la creación de 8 coproducciones teatrales en los estados Carabobo, Miranda, Falcón, Delta Amacuro, Nueva Esparta, Táchira, Mérida, y Dtto. Capital. Además, se hizo entrega de convenios de cooperación cultural a 136 compañías teatrales en los 24 estados del país por un monto de 10.650.375.52 Bs.

Así concluye el año de celebración en honor a César Rengifo recordando que se las actividades del circuito se prolongarán hasta finales de marzo.

Lorenzo Vigas,director del largometraje "Desde allá"

La cinematografía venezolana continúa haciendo historia en escenarios internacionales. Cada vez son más los filmes elogiados y premiados fuera del territorio nacional. Como resultado de los logros y el impulso que han tenido, es necesario recordar cuales fueron los largometrajes, documentales y animaciones reconocidos en el 2015. Entre enero y diciembre Venezuela participó en 180 festivales internacionales, ganando 58 premios para 19 películas.

Este 2015 se escribió una nueva página en la historia del cine mundial, cuando Desde allá , ópera prima del director Lorenzo Vigas, se convirtió en el primer filme latinoamericano en llevarse el León de Oro a la Mejor película de la 72ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematográfica la Biennale di Venezia, el evento de cine clase A más antiguo del mundo. Este hecho reafirmó la posición de nuestro imaginario al hacerse notar en el viejo continente.
El protagonista de la historia, Luis Alejandro Silva, obtuvo una Mención Especial en el 63° Festival Internacional de Cine de San Sebastián, celebrado del 18 al 26 de septiembre, en España, y también fue merecedor del título Mejor Actor en el 24° Festival Biarritz Amérique Latine.

Los éxitos continúan para el filme Desde allá al recibir el Premio Coral Ópera Prima en el 37° Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba. La obra filmada completamente en Caracas que refleja temas duros como la homesexualidad en una convulsionada ciudad, obtuvo una Mención Especial en el American Film Institute Festival 2015 y recibió el premio de Mejor guión en el 56° Thessaloniki International Film Festival, realizado en Grecia. Además, la actuación de Alfredo Castro lo hizo merecedor de la estatuilla de Mejor Actor en ese mismo festival.

En el 37° Festival de Cine de Habana, la red de realizadoras cubanas otorgó su reconocimiento Sara Gómez al filme Lo que lleva el río, del realizador Mario Crespo. Esta es la primera vez que una cinta de género dirigida por un hombre recibe el galardón. La obra que fue postulada por Venezuela a los Premios Goya 2016, en la categoría Mejor Película Iberoamericana, enamoró a los espectadores en el 41º Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España, donde recibió una Mención Especial; además, fue merecedora del Premio Radio Exterior como Mejor película por reflejar la realidad social de Iberoamérica.
El filme que narra la historia de Dauna, una mujer de la etnia warao, fue postulada por Venezuela para optar por una nominación a la categoría Mejor película de habla no inglesa de la entrega 88 de los premios Oscar.

Así mismo, el largometraje La casa del fin de los tiempos de Alejandro Hidalgo, acumuló cuatro importantes galardones en el 9° Festival Internacional de Terror y Ciencia Ficción, realizado del 2 al 6 de Septiembre en Montevideo, Uruguay. Mejor película, dirección y actriz, fueron otros de los tantos reconocimientos que ganó. La película también recibió una Mención Especial.
Adicionalmente, este primer filme de suspenso realizado en Venezuela ganó como Mejor largometraje la segunda edición del Filmquest International Film Festival de Estados Unidos, también obtuvo el tercer lugar en el premio otorgado por el público. Además, recibió una Mención Especial en el 33° Brussels International Fantastic Film Festival, Bélgica.

La cinta nominada en la categoría Mejor Película Iberoamericana en la 29 edición de los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, La distancia más larga, se alzó como la Mejor Ópera Prima Iberoamericana en la 2° edición de los Premios Platino del Cine Iberoamericano. El filme destacó en el 4° Festival Internacional de Cine de Panamá, al recibir el premio del público como Mejor Película Iberoamericana. También, fue reconocido en el 11° Latin American Film Festival in Helsinki, Cinemaissi, Finlandia con un galardón entregado por los espectadores.
El premio de Mejor Película del 2° Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos, que se realizó en Bogotá, fue para El regreso, de Patricia Ortega. La historia de ficción se desarrolla en la Masacre de Bahía Portete, en la Guajira colombiana, y recrea la tragedia wayuu. Mientras que, Hasta que la muerte nos separe de Abraham Pulido, fue premiada en el 5º International Film Festival for Peace and Equality, Jakarta, Indonesia.

La película dirigida por la realizadora Fina Torres, Liz en septiembre,fue la favorita de los espectadores. La cinta recibió el Premio del Público en el 17° Miami Gay and Lesbian Film Festival, en el 28° Annual Connecticut LGBT Film Festival, en 13° Southwest Gay and Lesbian Film Festival y en el 20° Festival Internacional de cine Lésbico, Gay y Transexual, evento realizado en España. Además, fue premiada como Mejor Película Extranjera en la tercera edición de los Premios Oriana. El jurado del 20º North Carolina Gay and Lesbian Film Festival, realizado en Estados Unidos, otorgó a Patricia Velázquez, protagonista del filme, el título Mejor actriz. Mientras que la cinta Libertador, de Alberto Arvelo, alzó la estatuilla por la Mejor edición de sonido en una película extranjera en los 62° Golden Reel Awards, en Los Ángeles.

Cecilia y las muchachas, dirigida por Alfredo Anzola y Gabriela González Fuentes, se llevó dos galardones en el 14° Festival Internacional de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam, realizado en Santiago de Cuba. La historia recibió el premio a Mejor Edición y el Primer Premio de largometrajes.

Tisure, del realizador Adrián Geyer, fue galardonado en el Festival Internacional de Cine de Estocolmo, donde compitió junto a otros nueve títulos provenientes de Alemania, Países Bajos, Canadá, Líbano, Finlandia, Cuba Turquía, España y Estados Unidos. El audiovisual de ficción narra la vida de dos jóvenes que habitan en El Tisure, zona del páramo andino, un lugar tranquilo, donde lo real y lo mágico son sus vecinos más cercanos.

La animación venezolana resaltó. El filme dirigido por Carolina Dávila, No Jile, fue galardonado como Mejor cortometraje Animado en el marco del 4° Greenspace NYC Sustainability Film Festival, celebrado del 11 al 6 de agosto en New York. También, Flamingode Carl Zitelmann, se llevó el premio como Mejor Animación Videoclip, en el 8° Festival de Córdoba Anima Argentina.
El jurado del 17° Festival Internacional de Cinema e Video Ambiental, realizado en la ciudad de Goias, Brasil, le otorgó el premio de Mejor Cortometraje al filme Galus Galus dirigido por Clarissa Duque. Mientras que, El dragón de agua , obra realizada por niños en la Muestra Audiovisual Latinoamericana y del Caribe para Niños y Niñas Luces del Alba 2014, se alzó con el Premio Plata en la categoría de Animación en el 3º Festival Infantil del Audiovisual La Espiral de la Habana, Cuba.

Los documentales venezolanos también conquistaron eventos de alta talla en diferentes países. El silencio de las moscas de Eliézer Arias, obtuvo el premio Mejor Película Documental en el 1º Festival Internacional de Cine Rural de Chivilcoy, celebrado del 21 al 23 de agosto, en Buenos Aires, Argentina. También, la historia fue merecedora de una Mención especial del jurado en el 16° Habana Film Festival New York, además, y se hizo merecedora del galardón Mejor Fotografía en el 5° Moscow International Documentary Film Festival. Este largometraje estrenado comercialmente en nuestro país el pasado 11 de septiembre, fue galardonado con el Premio Highly Commended Awards en el 5° Moscow International Documentary Film Festival y recibió el segundo reconocimiento de largometraje documental en la II Muestra de Antropología Audiovisual de Madrid, España.
El laberinto de lo posible, de Wanadi Siso, fue merecedor de una mención honorífica en la 9° Muestra del Cine Polo Sur Latinoamericano de Punta Arena, Chile. El filme cuenta una historia de transformación y capacidades humanas. Otro documental reconocido en tierras internacionales fue Ti@s' del director John Petrizzelli, con el Premio Círculo Precolombino de Oro en el 32° Festival de Cine de Bogotá, Colombia.

Los cortometrajes también han sido galardonados, y es que, Musawat, inclusión en los campamentos Saharaui, dirigido por Darwin Dikó Cañas, fue merecedor de cuatro premios internacionales en el 2015, entre los cuales se encuentran el galardón a Mejor Ópera Prima en la sección de cortometrajes o mediometrajes en el 14° Festival Internacional de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam, un premio recibido en 12° FiShara International Film Festival, Campamentos de Refugiados de Dajla, Argelia. El filme se llevó una Mención Especial de Derecho a la Salud en el 31° Festival de Cine Documental y Derechos Humanos de Madrid y un Premio a Mejor Fotografía en el 14° Festival Internacional de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam, en Santiago de Cuba. Anfibio de Héctor Silva, se hizo merecedor de la Carabela de Plata en el 41º Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España.

Katary / Levántate, dirigida por Awki Esteban Lema, brilló en el Festival Nacional Cine y Video de los Pueblos y Nacionalidades “Kikinyari”, celebrado en Quito, Ecuador como Mejor Documental. Recientemente viajó al país vecino para representar a Venezuela en la Muestra oficial no competitiva del 19º Festival do Filme Documentário e Etnográfico de Brasil Forumdoc 2015.

Ley de fuga fue reconocido en el 17° Rencontres du Cinema Sud-Américan, en Marsella, Francia. The lost key recibió una la Mención Especial Gold Remi Award en el 48° WorldFest Houston International Film & Video. Mientras que, Azu,del realizador Luis Alberto Lamata, fue galardonada por el jurado del 5° Festival Internacional de Cine Político de Buenos Aires, Argentina. El río que nos atraviesa, recibió una Mención especial en el 17° Festival Internacional de Cinema e Video Ambiental, Fica, Goiás, Brasil.

El talento humano del país también fue premiado en festivales internacionales. El compositor venezolano Nascuy Linares y Marcos Salaverría fueron galardonados en la segunda edición de los Premios Iberoamericanos de Cine Fénix de México, por el trabajo realizado en la coproducción entre Colombia, Venezuela y Argentina El abrazo de la serpiente, Linares también se trajo a casa el galardón Mejor Música otorgado por la Academia Colombiana de Cine y el Premio Coral de Música en el 37° Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

Este año el imaginario criollo transcendió para llevar lo mejor de nuestra cinematografía a diversas competencias realizadas en países de Latinoamérica, Europa y Norteamérica, con el apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC).

El 2015 es el año con más estrenos en la historia del cine venezolano: 31 películas fueron llevadas a la gran pantalla, una cifra sin precedentes que augura el crecimiento exponencial de nuestro imaginario colectivo, con una gran variedad de propuestas en las tramas expuestas por distintas generaciones de cineastas, es la opinión de las autoridades del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC).

.Drama, acción, documental, historia, comedia, animación y terror son algunos de los géneros que formaron parte del abanico de opciones que más de un millón de espectadores disfrutaron en 52 semanas de cine, llevando como bandera la esencia tricolor del país en cada relato, acontecimiento, personaje y escenario inmortalizado por las cámaras.

La bitácora se inició con 3 bellezas, ópera prima de Carlos Caridad, que arrasó en festivales nacionales e internacionales exponiendo la obsesión de las familias del país con los estereotipos de la mujer atractiva y los concursos de mises a través de una comedia negra. “Nuestro cine se ha caracterizado por estar siempre encima de cualquier diatriba política, y por eso hemos tenido el resultado que ahora vemos realizado. Siempre nos hemos superado y tener tantas obras es reflejo de ello”, dijo Caridad.

Los documentales tomaron la pantalla: Francisco Massiani , Nikkei, Sabino vive, Primero la tierra, Tí@s, Favio, la estética de la ternura y Fe de chamán ahondaron en personajes nacionales e internacionales, la importancia de la naturaleza en la convivencia con el hombre, rescataron la lucha de los pueblos indígenas y ofrecieron una visión sobre la diversidad sexual en adultos mayores.

El silencio de las moscas, del director Eliezer Arias, indagó en el vértigo y la resignación de dos madres que perdieron a sus hijas en un fenómeno de suicidios adolescentes que aconteció en Los Páramos de Mérida, mientras que El laberinto de lo posible, de Wanadi Siso, mostró el arte de la fotografía invidente a través de una venezolana exponente de esta profesión en el mundo.
Lo que lleva el río, del director Mario Crespo, recorrió Venezuela y el mundo con su historia filmada en la comunidad warao, hablada por completo en esta lengua y estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2015, en la sección NATIVe: un viaje por el cine indígena. Y hasta un thriller psicológico llegó a las salas con las tres versiones de un asesinato que hilvana en clave de ficción el largometraje KM 72 de Samuel Henríquez.
Una ópera prima maravilló a los amantes del horror con una historia terrorífica cargada de misterio, angustia y pesadilla ambientada en la Guerra Federal venezolana. El infierno de Gaspar Mendoza, de Julián Balam, con el respaldo de la Villa del Cine, demostró que este género crece y gusta cada vez más en nuestro lenguaje audiovisual.

Entre carcajadas, el espectador venezolano se vio reflejado en el cine con las comedias Todo por la taquilla, Amor cuesta arriba, Paquete #3 Sonata del pajarillo, ésta última producto del trabajo de las Unidades de Producción Audiovisual Comunitaria (UPAC) del estado Anzoátegui, con el apoyo de la Villa del Cine.

La nota musical la puso Vuelo sobre ti, del realizador Luis Soles, que marcó en la filmografía nacional la gira “La última cruzada' de la banda venezolana Zapato 3, a través de un documental anecdótico en el que los aficionados fueron los protagonistas. También se proyectaron Sin vuelta de George Walker Torres, Vamos de Braulio Rodríguez y Kora, senderos a la felicidad de Frida Ayala.

Hasta que la muerte nos separe, Redención, Muerte suspendida” y La piscina se pasearon entre el drama, la acción policial y el género experimental. La idiosincrasia de los pueblos andinos se sintió en El desertor con una trama sobre la vida y la lucha perpetua, dirigida por Raúl Chamorro y rodada en el pueblo Jajó, Trujillo.
Dos coproducciones con Argentina se vieron: Mika, mi guerra de España, dirigida por Fito Pochat y Javier Olivera; y Radiografía de un crimen de Sebastián Schindler, que dio una mirada carnívora a la explotación laboral. También Carga sellada de Julia Vargas Weisse, coproducida entre Bolivia, Venezuela, México y Francia, ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de la India; y Meñique de Ernesto Padrón, filme de animación realizado con Cuba y la Villa del Cine, divirtió a pequeños y grandes a través de una adaptación de 'Pulgarcito' con magos, brujas y princesas.
Diego Rísquez cerró los estrenos del año retratando la generación del bolero en El malquerido, filme biográfico sobre la vida del ídolo zuliano Felipe Pirela que se pre estrenó a sala llena en el Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez, evento que presentó por primera vez al público su sistema de proyección digital para DCP, donado por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC). El largometraje protagonizado por Jesús Miranda, “Chino”, en la piel de “El Bolerista de América" convocó a casi 80 mil espectadores antes de finalizar el 2015.

“Estoy muy contento porque ha sido un año maravilloso no solo para el cine venezolano, sino latinoamericano. Esto se ha demostrado en diversos festivales del mundo que hemos triunfado, tanto con Desde allá como con El abrazo de la serpiente de Colombia o El club de Chile. En Venezuela está en pleno crecimiento la cinematografía”, comentó Lorenzo Vigas, director de Desde allá, que llegará a las salas del país en abril de 2016.

El desarrollo continúa y se blinda cada vez más, atrayendo la atención de los amantes del cine, ahora con talentosos realizadores que reflejan a través del lente la cultura, historias y personajes de los pueblos y las realidades que nos caracterizan. Y hay que decirlo: gracias al trabajo mancomunado de todos los gremios y el respaldo del CNAC.

De esta manera, se escribió un nuevo episodio memorable en la historia del séptimo arte venezolano, apuntando a tener un 2016 aún más exitoso, variado y entretenido, luego de haber estrenado 16 películas en 2011, 21 en 2013 y 25 en 2014, incrementando de forma consecutiva la cantidad de obras en la gran pantalla.

Levy Rossell pide que le entreguen la versión fílmica de su comedia musical.

A sus 70 años, el dramaturgo venezolano Levy Rossell vive una situación nada grata y muy digna de ser llevada al teatro o al cine mismo, porque retrataría lamentablemente el lado oscuro de nuestro país. Quiso ver en la pantalla grande su emblemática comedia músical Vimazoluleka (1966) y consiguió, gracias a su tesón y capacidad histriónica, los iniciales 7 millones de bolívares que requería; hizo los respectivos castings y hasta logró definir y comprometer los set y exteriores que el largometraje exigía; pero se había olvidado de quien sería el director y otros técnicos básicos, el indispensable y fundamental equipo humano.

Tras encuentros y desencuentros, desechando consejos y hasta gratuitas voces agoreras, seleccionó y contrató a los personajes de marras. Consiguió además un socio capitalista, su ex alumno y amigo, Benjamin Rauseo, quien gustosamente se anexó en la magna empresa cultural. Y fue así que alguien gritó las palabras claves -luces, cámaras, acción - que desde hace 120 años inauguran el mágico trabajo de hacer cine.

Al cabo de un largo año, violentando los acuerdos establecidos, la película Vimazoluleka no aparece y tampoco se cumplen los compromisos que Levy había logrado para exhibirla y ahí es donde comienza el escándalo.

Levy se lo contó a los periodistas y nosotros, incluso, le recomendamos formulas expeditas, pero él prefirió el diálogo o la negociación con el director de su ópera prima.

Al final de tantos dimes y diretes, y asustado porque ya se sentía devorado como aquella caperucita roja por el lobo feroz, Levy pensó en el padre tutelar de todos los venezolanos, o sea en el Estado, y fue así como tocó a las puertas del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC). Muy comedidamente lo atendieron y le dieron varias respuestas verbales e incluso hasta le enviaron sendas misivas.

Como el asunto sigue sin resolverse y Levy anda pidiendo ayuda y recorriendo a Venezuela, cual versión de la loca reina Juana, el CNAC optó por proponer una negociación formal a los tres entes jurídicos responsables de la “desaparecida” o “secuestrada” película, que, como obra de arte, es parte del patrimonio cultural de la Nación venezolana.

El 2015 terminó y como es "natural" no hay respuesta alguna para Levy y la gente que lo acompañó en su campaña. Y mientras llega esa noticia tan esperada, positiva o negativa, invitamos a que los lectores le echen un ojo a la más reciente carta u oficio del CNAC, para que conozcan como pueden aflorar los desatinos de algunos creadores y que el mundo artístico también tiene sus reglas y procedimientos, según señalan las leyes de la viva y nada apacible República Bolivariana de Venezuela.

OFICIO N° CNAC / PCIA-460-2015

Estimado

Benjamín Rauseo

Presidente de Guacharo´s Producciones, C.A.

Ciudad.

Víctor Olivera

Gerente General

Sirva el presente para hacer de su conocimiento que ante el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) fue consignado por parte del ciudadano Levy Rossell, Director General de Vimazoluleka Film, C.A., una comunicación con una serie de documentos adjuntos solicitando la intermediación del CNAC en función del resguardo y rescate de los medios físicos de almacenamiento (discos duros o unidades rígidas) de la película Vimazoluleka, sobre la cual, según el señor Rossell afirma, “se desarrolla una situación extremadamente delicada que involucra a Vimazoluleka Film, C.A., Guacharo´s Producciones, C.A. y Odreman & Films, C.A.”

Al respecto, el CNAC luego de revisar la documentación recibida, considera que las controversias han surgido por desacuerdos entre las partes contratantes, las cuales constituyen sujetos de derecho privado por tratarse de un proyecto cinematográfico de naturaleza independiente, es decir; el mismo no recibió aportes en ninguna de las modalidades de financiamiento de las que dispone la institución.

En tal sentido, desde el CNAC se exhorta a que la controversia sea resuelta de manera amistosa a través de un proceso conciliatorio, con base en los mecanismos que dispone el ordenamiento jurídico vigente en Venezuela. Vale la pena resaltar que similares comunicaciones, con el mismo espíritu, fueron enviadas desde la institución a los señores Levy Rossell y Mauricio Odreman el día 23-12-2015.

Del mismo modo, se considera pertinente que el caso sea remitido de manera conjunta ante los gremios de autores y productores cinematográficos (ANAC, AVEPCA, CAVEPROL) para que éstos evalúen la posibilidad de designar una Comisión que intente un acercamiento entre Las Partes y por tanto, lograr una solución satisfactoria y justa para todos.

Al despedirme, valga la ocasión para manifestar distinguidos saludos.

Atentamente,

JuanCarlosLossadaAcosta

PresidentedelCentroNacionalAutónomodeCinematografía(CNAC)
SegúnDecretoN°8.100
PublicadoenlaGacetaOficialdelaRepúblicaBolivarianadeVenezuela
N°39.651defecha07/04/2011.

JCL/AA/

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