Entre Séneca y Chelo Rodríguez

June 24, 2019, 4:43 pm

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Manuel Villalba y Chelo Rodríguez.

Del texto filosófico de Séneca, De la brevedad de la vida y otros escritos, y la biografía teatral Como un libro abierto de Gerardo Blanco López son algunos de los textos que utilizo para esta reseña sobre el desopilante espectáculo de la super modelo y actriz Chelo Rodríguez, el cual se muestra en el Trasnocho Cultural hasta el 21 de julio, en funciones para viernes a las 5:00pm; sábados y domingos a las 4:00pm. Ahí, el teatro nuevamente copia o plasma la vida real y nos endulza la ficción. 

“Manejemos este librillo con mano asidua”, apunta Seneca, “y penetrémonos profundamente de su bondad, porque no es breve la vida; nosotros la abreviamos. Los vicios, las ocupaciones inútiles, las vanas oficiosidades, nos hurtan una parte del tiempo preciosa. Sólo está bien invertido, el tiempo que se consagra a la sabiduría”. Y nosotros diríamos que en el teatro, donde se divierte y se enseña, se practica todo lo que recomienda aquel filósofo de los tiempos de Calígula, Nerón y Claudio.

Mientras que la pieza teatral de Blanco López, encarnada por la misma Chelo Rodriguez, es un magnifico homenaje a la legendaria comediante, ahora en retiro de los espacios televisivos, pero toda una mujer muy especial, llena de una vitalidad, una energía y envidiables ganas inmensas de vivir a pesar de las contingencias; un ejemplo que debemos mostrar no solo desde los escenarios, precisamente en estos tiempos. Y nosotros subrayamos que se vive hasta el último respiro y a ella le pedimos que no se rinda jamás para que pueda ver a sus descendientes en otras atmósferas.

Apunta el autor y director de Como un libro abierto que sí le interesa y le ocupa la vejez como un tema que hace síntesis de lo vivido y confronta con una estampa difícil y muy compleja de la vida, la más traumática y a la vez devastadora. “Una etapa que presenta un inmenso reto para el que la vive, hermosa en algunos aspectos, pero frustrante, donde se hace indispensable la compañía del otro y es en todo caso una realidad posible, y el teatro debe presentarla porque el teatro es la vida. A veces es difícil de ver pero necesario. En este caso como en mis otros tres montajes, La Cuadrilla,Nos vemos el Miércoles y Noche de guardia, vamos a reír y a reflexionar si se puede decir, una comedia dramática, como la vida”, gracias por supuesto a la dama que es Chelo Rodríguez.

En este caso, vamos a reír y a reflexionar donde el telón de fondo es la vejez en sus etapas más patéticas y en diversas situaciones que van desde el retiro de un torero hasta la huida hacia adelante de una gran dama de la actuación.

Blanco reitera que la vejez es más que “un tema que hace síntesis de lo vivido y confronta con una estampa difícil y muy compleja de la vida la más traumática y a la vez devastadora, una etapa que presenta un inmenso reto para el que la vive, hermosa en algunos aspectos, pero frustrante, donde se hace indispensable la compañía del otro y es en todo caso una realidad posible, y el teatro debe presentarla porque el teatro es la vida. A veces es difícil de ver pero necesario”.

La protagonista, pues, de Como un libro abierto es Chelo Rodríguez, “toda una luchadora, que consiguió con perseverancia, amor y disciplina, materializar su sueño de niña: ser modelo y actriz”, puntualiza Blanco López.

 Consuelo Rodríguez Álvarez, el nombre presente en la cédula de identidad de Chelo (Sober, España, 25 de febrero de 1942), estuvo casada durante 11 años con el actor Orlando Urdaneta (Maracaibo, 14 de octubre de 1946). ”Sí, once años...que me premiaron con un hijo maravilloso y dos nietos hermosos. Actualmente sobrevivo y creo para nadie es desconocida la situación que estamos viviendo los artistas en Venezuela”, reitera el personaje por intermedio de su actriz, “pero de aquí no me voy” dice la actriz y su magro personaje.

Ahí Chelo, su nombre de batalla o de guerra existencial, se encarna ahora a sí misma, “el personaje más difícil que me ha tocado escenificar, hasta ahora”. Esto pocas veces se ve en los escenarios, donde los personajes no son de carne y hueso, pero que ahora no es su caso.   Ella está totalmente satisfecha de destacar en los escenarios teatrales, “porque he tenido la gran suerte de estar dirigida por el maestro Blanco López, autor de este monólogo de mi vida, este Como un libro abierto, todo un ser extraordinario que reapareció en mi vida hace casi tres años, cuando ya yo creía que el ocaso me había llegado. Quisiera continuar con la actuación si Dios me lo permite, la cual ha sido mi vida en todos estos años que los he dedicado con mucho amor a esta carrera. Y me gustaría seguir actuando de la mano de este gran maestro, excelente dramaturgo y un ser humano maravilloso. Mi respeto y admiración para él. Gracias por estar ahí, por existir”.

Los que no pudimos disfrutar de los espectaculos televisivos y de los  shows de Chelo Rodriguez, nos remitimos a los videos que han sobrevivido y debemos reconocer que siempre fue una gran actriz y que tenía que llegar esta etapa de su vida para que el público venezolano pudiera disfrutarla de nuevo

El espectáculo  es  muy sencillo: un silla donde la actriz reposa y va dejando correr su memoria, ayudada momentos por las proyecciones de un video, pero que en último  momento es hasta innecesario porque son sus palabras y los ritmos que tienen sus respectivas transiciones las que hacen el espectáculo. Un buen espectáculo es un cuento bien echado, decían los griegos. Nuevamente Gerardo Blanco López da una clase magistral de direccion global del espectáculo teatral.

Como un libro abierto es producido por el grupo teatral Bagazos, el Centro de Artes Integradas y la Asociación Venezolana de Conciertos. Cuenta con la participación especial del actor Manuel Villalba, quien interpreta al actor Orlando Urdaneta, quien fuera esposo de Chelo Rodríguez y a su primo, quién falleció de una manera trágica y fue un importante personaje en su vida. El vestuario fue confeccionado por el diseñador Carlos Aguilar y con las fotografías de Lil Quintero @lqfotoescenica

También forman parte del equipo de producción de Como un libro abierto: Valentina Sánchez, iluminación; Oscar Salomón, escenografía; Valentina Blanco, diseño gráfico; Manuel Gerdel ,sonido e imágenes; Sandra Yajure, coreografía, Enith Pulido y Cipriano Castro como asistentes de producción y con las voces en off de Eduardo González, Daniel Revette, Martín Almonetti, Mauricio Blanco y Fabiana Caraballo.

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Teatro con Goethe venezolano

July 1, 2019, 4:12 am

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Talento a toda prueba

Algunas facetas gratas de mi crítica profesión periodística es poder conocer e identificar, de primera mano, a las nuevas generaciones de artistas, a esa valiente y creativa gente que asalta, cual versiones prometéicas, a los escenarios para nutrir la cartelera y hacer que el público disfrute y aprenda.

Tal es el caso de una reputada profesional de las ciencias médicas, la cirujana plástica Elizabeth Yrausquin quien ahora escribió y montó una pieza aleccionadora que dice mucho para estos tiempos: la mortalidad de los seres humanos y la redención que puede ser el amor, cuando este llega. Gracias, pues, a su texto centrado en el colofón existencial del legendario escritor alemán Johann Wolfgang Goethe (Frankfurt, 1749/ Weimar, 1832), los caraqueños hemos salidos favorecidos.

Elizabeth, artista por vocación, una vez completado sus postgrados médicos, tomó la decisión de inscribirse y graduarse en la Escuela de Arte de la Universidad Central de Venezuela. “No fue fácil encontrarme de nuevo sentada en un pupitre, pero fue una maravillosa experiencia rodeada de juventud y adquiriendo conocimientos que eran nuevos para mí”.

 Ahí, en el aula 212 conoció al maestro Nicolás Curiel, quien le sembró la curiosidad primero y luego la pasión por el teatro. Había coqueteado con las artes plásticas y las artes del fuego, haciendo pintura, escultura y vitrales; pero “al comenzar a estudiar las artes escénicas, el teatro, se quedó conmigo y yo me quede con él; como quiera que sea, desde hace unos 15 años atrás, no nos hemos separado”.

Admite quehacer teatro representa una manera de ver la vida, recrearla de cómo pudo haber sido, cómo nos gustaría que fuera; dar voz a personajes reales o imaginarios. “Aprendo cuando escribo, investigo y trato de poner esos conocimientos a la orden de cada escena que deseo representar. Me siento cómoda imaginando, escribiendo. A veces voy manejando y una idea se cruza en mi cabeza, estaciono y la escribo o ya dormida me despierto con otra y la escribo en una libreta que tengo sobre mi mesa de noche. A veces, nada sucede y allí se quedan la ideas, esperando un día ser rescatadas, otras, danzan como abejas en mi cabeza, se atropellan y es cuando no paro de escribir. Así que me apasiona la dramaturgia y la dirección, dar vida a los personajes, colocarlos en el lugar y tiempo en que han sido concebidos. Eso me gusta”.

Su primer primer grupo en la UCV se llamó “Aula 212” y de allí nació Luna Roja, su ópera prima, luego vino Sherezade, la mujer del vestido de plumas y Girasoles de silencio. Hasta que un díatomó la decisión de buscar compañeros que tuviesen condiciones actorales y sobre todo que les gustase el teatro; que aparte de la medicina tuviesen interés de formar un grupo y nació “AsKlepion”, conformado por profesionales activos del Centro Médico de Caracas.

Otras textos de Elizabeth germinaron y fueron representaron como Amapola de maíz, Lisistrata vuelve arrecha, El diablo sagrado y en estos momentos representan Delirio en Marienbad. “No estamos solos, no somos autodidactas, hemos estudiado, hecho talleres de actuación y dirección con personas conocidas en el medio artístico teatral. No lo sabemos todo, así que nos rodeamos de personas que nos han apoyado entre ellos José Tomás Angola, Carlos Silva, Edgard Vidaurre, Freddy Belisario. Son columnas de este edificio teatral. Pienso que cuando uno como persona o como institución no sabe de algo, debe rodearse de gente capaz”, un docto consejo para tantos improvisados que hacen vida pública.

Su Delirio en Marienbad está basado en la elegía homónima de Goethe, escrita al final de su vida cuando hacía a los 75 años se enamora de una niña de 18 años. “En mis años de estudios en la Escuela de Arte, ya había escrito algo sobre Goethe y fue Federico Pacanins, quien en el marco de la celebración de los 75 años de la Asociación Cultural Humboldt, quien me invitó a escribir una obra de corte germano y pensé que sería la ocasión perfecta para retomar la escritura de ese personaje. Me gusta escribir sobre personajes históricos, que a través de su hacer han pasado la línea de la inmortalidad y ¿Quién mejor que el autor del Fausto para explorar el alma humana a través de una pieza teatral?”

Su Delirio en Marienbad arranca con uno de los momentos más importantes de la vida de un hombre: reconocer su mortalidad y la cercanía al mutis final. El enfrentamiento con lo que hemos hecho, bueno o malo, el temor a ser enjuiciados, el perdón atravesó del amor y cuando el amor termina por justificar a la vida misma en esa terrible soledad ante la inminente muerte. “En este caso, Goethe y Fausto son dos caras de la misma moneda”, puntualiza esta discreta dama con obra propia, toda una líder de un respetable movimiento de profesionales entregados al desarrollo del teatro vernáculo.

Para este grato y didáctico montaje contó con las últimas tecnologías de video y mapping, en este caso apoyada por José Tomas Angola, José Martínez y Asdrúbal Barrios, quienes fueron los encargados del manejo de tales complejos instrumentos electrónicos, para lograr así brindarle al público una diáfana experiencia teatral que, aparte de estimular todos sus sentidos, también estimula sus razones y sus almas, además de disfrutar de la selecta información ahí plasmada. Cultura y diversión en un solo evento, además del exquisito cuidado de la producción en general, envidiada por otros teatreros.

Así pues, con su  esmerado trabajo global  sobre ese Goethe en su prologado mutis, Elizabeth Yrausquín entrega su  importante aporte a una Venezuela adaptada la circunstancia política que nos está tocando vivir, pero donde  jamás morirá el arte, porque  sin él la vida no tendría sentido.  “Hoy día, la incertidumbre pesa sobre cada uno de los venezolanos, es difícil enfrentarse a ella, es por eso, que sin dejar de luchar, debemos buscar una tabla que nos sostenga en este maremoto emocional de nuestra sociedad”, puntualiza esta trabajadora cultural de valía.

El elenco está encabezado por Orlando Villalobos, quien encarna a Goethe, y cuenta con las actuaciones especiales de Gerardo Soto, como Mefistófeles, y Sandra Yajure, en el personaje de Cristiana. Asimismo, están las interpretaciones de Bernardo Cuomo, Andrea Miartus, Anny Castillo, Silvia De Abreu, Anakarina Fajardo y cierra Edgard Vidaurre como pianista invitado. Todos se lucieron a lo largo de los 85 minutos del espectáculo.

La bandera como inspiración para el arte

July 1, 2019, 12:42 pm

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TALENTO CRIOLLO DE EXPORTACIÓN El artista venezolano Flix, quien reside actualmente en Lisboa, Portugal, fue invitado a participar junto a la Fundación Cartier en el proyecto “Dibújame una Bandera”, el cual se expone en la segunda edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR 2019, que se realiza actualmente en Buenos Aires, Argentina. Diseñado para exhibirse en la Plaza Rubén Darío de Buenos Aires y lanzado por la Fondation Cartier pour l’art contemporain sobre una idea de Christian Boltanski, este proyecto reúne alrededor de 80 banderas diseñadas por artistas, científicos, filósofos y amigos de la Fundación Cartier, que contribuyeron a sus programas a lo largo de los años y constituyen hoy una fuerte comunidad, tales como David Lynch, Guillermo Kuitca, Agnes Varda, Raymond Depardon entre otros. Es un proyecto que sigue creciendo, sumando autores para nuevas banderas, que no representan países sino solo y simplemente identidades visuales para un mundo sin fronteras. En su propuesta Flix se inspira en la bandera de Venezuela, utilizando los colores primarios que la componen (amarillo, azul y rojo), los cuales se han convertido en un código reconocible para la mayoría de sus obras a lo largo de los años. En medio de la ineludible crisis histórica que atraviesa el país, Flix ha querido simbolizar a todos los venezolanos de la nueva Venezuela, con una propuesta que cuestiona y elude el significado de las estrellas para proyectar una nueva visión. “La única estrella visible en mi propuesta habla de la necesaria unidad y de mi deseo por pertenecer a un país de primera categoría. Esta imagen simboliza la conquista de la libertad a través de la unidad, el reencuentro, y el renacimiento desde las bases de todos los poderes, infraestructuras e ideologías. Es una estrella llena de luz, que muestra el triunfo de la esperanza sobre el abismal presente: una estrella de Esperanza que nació vibrante y que ilumina todo, borrando la oscuridad que cubre a nuestro país y a su gente”, afirma Flix. En cuanto a la disposición de las formas geométricas, el artista señala que la dirección de la secuencia de las franjas en forma de punta y en expansión, simbolizan la propulsión, la energía y la fuerza de avance indetenible, valiente, de un país nuevo, la fuerza que llevó a los jóvenes estudiantes a convertirse en guerreros que entregaron sus vidas por la lucha en busca de la libertad. Asimismo asegura, que esta bandera la dedica a su familia, a su gente que resiste y continúa viviendo en Venezuela, también a la diáspora que desde lejos y en medio de muchas adversidades ayuda, apoya e impulsa este movimiento para avanzar y alcanzar el cambio posible y positivo. Cabe destacar que el artista Flix (1976, también participó en la exposición Geometrías del Sur: Desde Mexico hasta la Patagonia, realizada en la Fundación Cartier, en París el 14 de octubre de 2018. La muestra reunió 250 obras de más de 70 artistas, que datan desde el período Pre-colombino hasta la actualidad, abarcando esculturas, pinturas, cerámicas, tejidos y obras de arquitectura. Con el objetivo de estudiar las relaciones visuales entre diversas culturas y regiones del continente, la Fundación Cartier ha reunido significativas obras de arte, incluyendo a grandes actores de la escena Latinoamericana de artes plásticas como Alejandro Otero, Gego, Carmen Herrera, Carmelo Arden Quin, Cesar Paternosto y Lygia Clark, entre otros.  Como parte de la exposición el artista Flix realizó un mural de 30 metros de largo por 4 de alto en la pared exterior de la Escuela de arquitectura, ubicada frente a la Fundación Cartier, también realizó la intervención de diversos elementos del mobiliario urbano, así como la intervención de las paredes que contienen las escaleras que comunican las salas expositivas dentro de la fundación, todo esto con la intención de generar un hilo conductor entre el exterior y el interior.

Narciso tiene ira

July 1, 2019, 1:04 pm

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Teatro americano que triunfa en el mundo.

Después del rotundo éxito de Tebas Land, Rossana Hernández dirige La ira de Narciso, la segunda pieza de la trilogía de Sergio Blanco, que culminará luego con El bramido de Düsseldorf.

Bajo el auspicio de la Embajada de Francia y La Alianza Francesa, se estará presentando del 28 de junio al 04 de agosto en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, La ira de Narciso, un monólogo –calificado como un thriller porno intelectual– que narra, a modo de relato, un fascinante y arriesgado trayecto, abordando temas como la creación, la soledad, la muerte, la sexualidad, la adicción, la separación, la desesperanza y la belleza, interpretado por el actor y también director, Gabriel Agüero Mariño.  

En un hotel de Liubliana, la capital de Eslovenia, un joven escritor prepara una conferencia sobre el mito de Narciso. De pronto le llama la atención una mancha de sangre sobre la alfombra, e inicia entonces una averiguación que, a través de un intrincado laberinto, lo conducirá hasta los extremos del suspenso, y se irá mezclando con su proceso creativo y con ardientes encuentros sexuales. Su recorrido se convierte en una reflexión implícita sobre la realización artística contemporánea y su subjetivación.

José Luis García Barrientos —uno de los más respetados estudiosos españoles del teatro— dice del autor franco uruguayo: “Sergio Blanco ha llevado una auténtica investigación artística en torno a la autoficción teatral, una posibilidad problemática que ha logrado resolver con profundidad, brillantez y originalidad incomparables” «Sergio Blanco está considerado como uno de los cuatro o cinco dramaturgos mayores de la lengua española en la actualidad" y refiriéndose a La ira de Narciso dice: “Cuesta creer que se pueda ir más lejos".

El equipo artístico y técnico de La ira de Narciso lo conforman:En el diseño gráfico y videos promocionales: Carolina Torres; Coach de movimiento: Armando Díaz; Asistencia de escena: Miguel Cabrera; Musicalización: Abilio Torres; Iluminación: David Blanco; Vestuario: Raquel Ríos; Escenografía: Elvis Chaveinte; Asistencia de Dirección y visuales: Noel Cisneros; Producción de campo: Ana Waleska Martín;   Producción Ejecutiva y Dirección: Rossana Hernández.  

La ira de Narciso se estará presentando los viernes a las 7:30 pm; sábados y domingos a las 7:00 pm en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, del Centro Comercial Paseo Las Mercedes

Venezuela es tierra bendita para el teatro

July 8, 2019, 3:24 pm

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No fue facil lograr esta entrevista con Pedro Lander Moreno, el director del Movimiento Teatral César  Rengifo, pero al final, cuando la  Internet colaboró, se lograron sus palabras.

¿Cómo nace el Movimiento Teatral César Rengifo?

 El Movimiento Nacional de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes César Rengifo, nace oficialmente, en el año del arranque presidencial de Nicolas Maduro Moros,  como una poderosa herramienta de inclusión social a través de las Artes Escénicas, dando respuesta,así, a la necesidad existente en nuestro pueblo, de poder contar con un programa de formación integral en el ámbito de las artes, dirigido fundamentalmente a niñas, niños y jóvenes; este Movimiento es creación del presidente Nicolas Maduro, quien avizoró en este programa de formación la posibilidad de ampliar a través de los derechos culturales de nuestras niñas, niños y jóvenes la protección social, el presidente Maduro le da el nombre de César Rengifo tomando en cuenta la integralidad de este gran creador Venezolano y la pertinencia social que expresó en su obra, es el arte al servicio de las luchas populares, es el arte al servicio de la lucha de nuestro pueblo.

¿En qué consiste el Movimiento y cuáles son sus ámbitos de trabajo por ahora?

 Nuestro Movimiento consiste, fundamentalmente, en la formación de valores que conducen a la reivindicación de nuestra identidad nacional, el reconocimiento a nuestros cultores que han plasmado en su obra la realidad social y las banderas de independencia y soberanía que hoy nos conducen por el sendero de destinos patrios. Es un programa cultural educativo en el ámbito de las artes escénicas que articula la actuación, la danza y el canto con el objeto de promover la integralidad en sus participantes, potencia aptitudes, desarrolla habilidades, desarrolla el trabajo disciplinado y colectivo; a esto le dedicamos todas las semanas en horario vespertino en los distintos núcleos que tenemos, dándonos así la oportunidad de complementar, sin duda, la formación escolar.

¿Quiénes lo impulsaron a lo largo de todos estos años?

 El primer impulsor, sin duda, ha sido el presidente Nicolas Maduro, quien le hace seguimiento a todos nuestro trabajo, al igual que la Primera Combatiente… el Presidente es el primer Promotor de nuestro Movimiento de Teatro, es así que contamos con su presencia en cada uno de los montajes y no escatima ningún esfuerzo en brindarnos todo su apoyo, desde el Despacho de la Presidencia se garantiza todo lo necesario para que este programa avance y pueda desarrollarse.

De igual manera hemos establecido alianzas con el Ministerio del Poder Popular para la Educación y con el Ministerio del Poder Popular para la Cultura; estas contemplan: la instalación de núcleos en todas las escuelas de nuestra patria, alcanzando hasta la fecha 4021 núcleos en igual cantidad de escuelas y con el Ministerio de la Cultura tenemos una alianza que nos permite contar con personal formado en la Misión Cultura, quienes son formadores en el Movimiento de Teatro.

Igualmente tenemos  un equipo de Padres, Representantes y Formadores quienes llevan adelante todo lo referido a la promoción del Movimiento de Teatro; así también, tenemos una alianza, que hemos establecido con la Universidad Experimental para las Artes (UNEARTE) que contempla la formación de nuestros muchachos una vez que hayan cumplido la edad de egreso del Movimiento, ya que, como es sabido nos dedicamos a Niñas, Niños y Jóvenes, es así que cuando superan la edad y cumplen el ciclo en el Movimiento de Teatro pasan a la UNEARTE  a través de este convenio; para la fecha hemos logrado incluir a un grupo de jóvenes, consolidando, con ello, dicho acuerdo institucional en el que seguimos trabajando; Quiero decirte con esto que tenemos promotores importantes de este programa que nos permiten hasta ahora mostrar en 5 años y medio de su creación avances

¿Cuáles son los logros cuantificables?

 Contar con más de 80.000 niñas y niños en escuelas, comunidades y otros espacios involucrados con el hecho teatral con pertinencia social. Hemos realizado 18 montajes con calidad profesional. Tres giras nacionales. Y tenemos un elenco estable cercano a 1500 niñas, niños y jóvenes quienes son atendidos de manera integral.

¿Cómo ha sido la reacción de la comunidad?

 Venezuela es una tierra bendita, no solo por la fertilidad de su suelo, sino por nuestra gente, espacio donde llega el Movimiento Nacional de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes César Rengifo, espacio en el que la comunidad la asume, lo promueve, lo hace suyo, eso es lo que explica nuestro crecimiento en casi seis años de creación, pues, una niña, un niño o un joven que es tocado por las artes tiende a desarrollarse en el resto de las áreas de su vida, la escuela, la familia, la comunidad, etc.

 ¿Qué planes o metas hay para los años venideros y que se organiza para los actuales muchachos y muchachas en esos lapsos posteriores?

 Continuar creciendo, lograr llegar cada vez a más niñas y niños del país…Internacionalizar este gran esfuerzo de nuestro presidente para mostrarle al mundo las políticas de inclusión social y atención integral al pueblo venezolano, específicamente a niñas, niños y jóvenes.

Chocrón influyó a Mariana de Althus

July 9, 2019, 2:48 am

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La autoraperuana de moda ahora en Caracas. Ha debutado en los escenarios venezolanos la dramaturga peruana Mariana de Althaus Checa (1974) con su pieza   Tres historias del mar, la cual sirvió para el aceptable montaje de egreso de las estudiantes Chris Tigrera, Stephannye Baena Y Patricia Castillo, bajo la dirección de Guillermo Díaz Yuma, el cual se presentó los días 3,4, 6 y 7 de julio en la Sala Horacio Peterson de Unearte. Hay que puntualizar que esta autora estudió Dirección de Escena en Barcelona, España, donde dirigió su primera obra, En el borde (estrenada en 1998, y puesta en escena en Buenos Aires también). Seguidamente dirigió El viaje (2001, coautora), Los charcos sucios de la ciudad (2001), que además protagonizó y la obra apareció publicada en el libro Dramaturgia Peruana II, cuyo editor fue Roberto Angeles.. Le siguieron las piezas Princesa Cero (2001, coautora), Tres historias de mar (2003, la estrenó y dirigió en Barcelona, obra participante en el Festival Margaritas), Vino, bate y chocolate (2004), Volar (2004) y La puerta invisible (2005). En 2006, escribió y dirigió la obra Ruido. En 2011, presentó las obras de teatro La mujer espada, Entonces Alicia cayó y Criadero, instrucciones para (no) crecer. En 2012, dirigió la obra El lenguaje de las sirenas en el  Mali. ​ A fines de año presentó El sistema solar, repuesto el año siguiente durante los meses de abril y mayo. ​ De Althaus publicó el libro Dramas de familia en 2013., que reúne sus tres últimas obras. Y ese mismo año escribió y dirigió Padre nuestro. Sin lugar a dudas es una valiosa artista peruana que exactamente a la edad de su hija Nerea (10 años) asistió por primera vez a una obra de teatro. Por una razón que desconoce, su abuela paterna, Blanca Guarderas, no eligió una pieza infantil. La llevó a ver Simón, del venezolano Isaac Chocrón, dirigida por Gianfranco Brero, en la que Alberto Isola hacía el papel de Simón Rodríguez, tutor del Libertador, y Miguel Iza cumplía el rol del aún inexperto Simón Bolívar. Con sus ojos verdes y crédulos de niña, Mariana de Althaus siguió muy atenta los diálogos entre maestro y pupilo y entendió que allí se iba gestando una transformación: el joven de vida cómoda y resuelta decidiría entregar su vida por la libertad de América Latina. De algún modo, el teatro fue siempre su propio mundo. La primera obra de Mariana de Althaus fue escrita antes de que acabara la primaria: una breve pieza costumbrista actuada por ella misma en la que debía apaciguar a un bebé llorón. Luego le siguieron una serie de sketches, escenificaciones de chistes o versiones graciosas de cuentos infantiles, que ella misma define como “malas imitaciones de Chiquilladas”, un programa ochentero para niños. Pese a la improvisación, escribía guiones en un cuaderno escolar y se esmeraba por dirigir a sus primos Etienne, Isabel y Beatriz, y a su hermana Lucía, con la rigurosidad que exigía el público conformado por su familia. En la soledad de la infancia, siempre desde ese rincón oscuro reservado para ella en las relaciones sociales, las telenovelas estimularon aún más su mundo interior. El melodrama la hacía vibrar. “Me da mucho medio hablar al público en una conferencia, en una presentación de libro o en una feria. Tiemblo. Tengo que tomar una pastilla”, dice. Por eso prefiere hablar para grupos pequeños, siempre de dramaturgia —su tema preferido— o comunicarse por Whatsapp o por correo electrónico. Si de ella dependiera, eliminaría los teléfonos. Pero aclara que no se considera huraña. “Me encanta la interacción humana, pero máximo de cuatro personas”, aclara y su risita tímida aparece otra vez. A la timidez le siguió la rebeldía. En los últimos años de colegio, Mariana de Althaus se quiso despegar de ese molde de niña frágil y tímida, encerrada tras los muros de su imaginación, y empezó a tener una adolescencia más integrada. Los amigos aparecieron, pero el sentimiento de estar al margen jamás desaparecería. No quería ser la freak del grupo. “Buscaba parecer lo más normal posible”, dice en voz baja. “Y lo logré, creo que lo logré”, continúa con una sonrisa de satisfacción. “Primera llamada, primera llamada”, se escucha en el teatro. Después del colegio, la vocación teatral se intensificó. Como no tenía el valor suficiente para anunciarle a su familia (de tradición universitaria) que se dedicaría al teatro, se decantó por Literatura en la Pontificia Universidad Católica del Perú. La carrera le permitió acercarse al mundo de las tablas a través de talleres de  Roberto Angeles, Alberto Ísola y Alonso Alegría. Más tarde sus padres se sorprenderían de su elección, aunque ella está convencida de que el germen familiar le viene de su tatarabuelo Clemente de Althaus, un poeta romántico de finales de Siglo XIX. A sus 45 años, esta dramaturga piensa a menudo en la muerte. Quizá no tanto como en las obras que debe escribir en los próximos dos años o como en la adaptación al cine de su pieza El sistema Solar, a cargo de Bacha y Chinón. Pero en esa noche de junio el tema la acompaña de regreso a casa, donde Nerea (12) y Octavio (4) duermen. “Cuando uno tiene hijos empieza a mirar más de cerca a la muerte, inevitablemente”, dice, como lo registran varias entrevistas de la prensa peruana que hemos utilizado en esta crónica.  Quienes conocen la obra de Mariana de Althaus en el teatro, pueden dar fe de que la familia suele estar siempre presente en cada una de sus piezas. El drama, el amor y los conflictos que existen dentro de los hogares se ven reflejadas en cada una de sus puestas en escena. Y es ese precisamente el tema de Tres historias de amor donde la gran protagonista es una madre de tres mujeres a quienes las abandona en plena infancia y se las deja sus progenitores. Pero esperamos que este montaje caraqueño sea más depurado y pueda ser mostrado al publico caraqueño .Por ahora hay que festejar que esta autora de gran valía haya sido conocida en Caracas..

EN MEMORIA DE HERMAN LEJTER

July 10, 2019, 11:47 am

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HERMAN LEJTER

La última vez fue hace cuatro meses. Era la tarde de un día cualquiera en la estación “Los dos caminos” mientras él esperaba el Metro que lo llevaría a Petare. Hablamos poco y caímos en el recuerdo conjunto del Gran Ausente, el argentino aquel que le cambió el camino y la ruta a muchos de nuestros artistas.

Hoy sabemos que tenía planes para un gran montaje, pero ya no se podrá porque Herman Lejter, una de las principales figuras de la dirección, producción y docencia teatral en Venezuela, así como célebre organizador y promotor de eventos ligados al histrionismo, ingresó a la historia de las artes venezolanas por la  puerta grande de los que cumplieron su misión.

 Nació en Santa Teresa del Tuy el 26 de julio de 1935, debiendo residenciarse en Caracas, para estudiar Sociología y Antropología en la Universidad Central de Venezuela. Comenzó su actividad teatral con quienes luego conformarían la generación más importante de dramaturgos, actores y directores teatrales de la historia venezolana: la “Santísima Trinidad”: Isaac Chocrón, Román Chalbaud y José Ignacio Cabrujas, en los años sesenta. Irá también a la Universidad de la Sorbona en Francia a aprobar un doctorado, trabajando también en teatro, cine y televisión, cuenta amenamente Isaac Morales Fernández.

 De regreso en Venezuela, Herman conoce y trabaja con importantes figuras del quehacer teatral del momento en Caracas como Enrique Izaguirre, Rubén Monasterios, Elizabeth Schön, Leonardo Azpárren Giménez, entre otros. Está tras bastidores y en ficha técnica de diferentes montajes, pero su gran aporte al teatro venezolano comienza el 6 de junio de 1972 cuando estrena bajo su dirección la obra Los criminales del también mirandino Rodolfo Santana. Luego, en 1974 llevó a escena bajo su dirección Las torres y el viento de César Rengifo, en el teatro Municipal, espectáculo que disfrutamos.

 Perteneció luego a la junta directiva del Teatro Profesional de Venezuela. Más tarde, en 1978, en compañía de Rubén Monasterios, recopila diferentes materiales de trabajo e informes de grupos teatrales y, con criterio reflexivo, publica el libro Formación para un teatro del tercer mundo, auspiciado por el CONAC. En 1983 dirige Souflé para dos voces de Salvador Garmendia e Ídolos encontrados de Carlos Fraga. En 1984 dirige Whisky & cocaína de Thaís Erminy. Dirige telenovelas en VTV y RCTV, y filma para VTV El día que se acabó el petróleo, escrita por Cabrujas e Íbsen Martínez, con la que gana el Premio Iberoamericano de Televisión. Se encarga de la dirección general y luego de la dirección sectorial de teatro del CONAC, entre 1985 y 1996.

Fue director de cultura de la UCV y dirigió el Teatro Universitario de allí y el de Maracay. En 1993, la edición especial de la paradigmática obra teatral Triángulo de Chalbaud, Cabrujas y Chocrón, fue dedicada a él como Maestro del teatro venezolano. Ese mismo año trabaja en la fundación de la Compañía Regional de Teatro de Miranda, centralizada en Santa Teresa del Tuy, y que lamentablemente desapareció a los pocos años. En 1995 organiza con gran éxito el 1er Festival Municipal de Compañías Regionales de Teatro en su pueblo natal Santa Teresa del Tuy, con grupos de toda Venezuela, en donde no hubo sala que no se llenara, evento que marcó un hito en la historia cultural de nuestro pueblo. Esta actividad fue parte de su gestión como funcionario del CONAC, cargo que aprovechó para intentar desarrollar el teatro en las provincias y pueblos venezolanos y, por supuesto, empezando por su terruño. También a su gestión se debió la fundación del Instituto Universitario de Teatro (IUDET).

 En 1996, sale del CONAC. En 1999 trabajó en la oficina de Planificación, Desarrollo y Presupuesto del sector Cultura. Hoy, desde 2006, trabajaba en la oficina de Asuntos Culturales de la Cancillería General de la República Bolivariana de Venezuela, y siempre, desde su cercana lejanía, mantiene comunicación y relación (y preocupación) con el lamentablemente cada vez más decaído ámbito teatral en el Municipio Independencia.

Cabe destacar que en Guanare, capital del estado Portuguesa, el Centro Teatral de Occidente lleva el epónimo de “Herman Lejter”, donde este año se realizara otra edición de su Festival Internacional, a mediados el venidero noviembre.

La semilla sembrada por Herman ha dado y seguirá dando sus frutos. Hay gente que sigue sus huellas.

FESTEA 2019 A ESCENA

July 13, 2019, 3:16 am

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Desde el 22 de julio y hasta el 1 de septiembre se desarrollará en cuatro salas caraqueñas la 16 edición de FESTEA, El Festival Para Ti. El Teatro Premium, el Teatro Dubais, la Sala Alberto de Paz y Mateos y el Teatro Nacional recibirán a los grupos participantes en funciones con horarios vespertinos para el disfrute de toda la familia.

“Venezuela vive momentos difíciles y el teatro es una de las artes llamadas a rescatar la alegría y educar a través de las historias que nos llevan a mundos posibles y nos hacen crecer como seres humanos”, afirmo Maigualida Gamero, directora del Festival. 

Lo innovador de esta edición es la alianza con el Festival Infantil del teatro Premium, y que las agrupaciones, a diferencia de años anteriores, tendrán más de una función dentro del Festival. Además, al ser un evento competitivo contará con un jurado calificado que evaluará a los grupos que presenten obras de los autores antes señalados. Las agrupaciones que presentan obras de otros autores entran en el renglón de Mejor Obra invitada. “De igual manera tendremos actividades alternas como abrazos gratis, cuentacuentos, Payasos, Mimos, y el FESTEA ESCUELA un espacio para la formación”, agregó Gamero.

Entre las agrupaciones participantes de este año se encuentran: Proyectos en Ebullición, Cuentos Grimm Producciones, La Máquina de Vapor Estudio, Dell Arte Producciones, Evolución y Teatro 7, Mimo Carlos Rivero, Marcos Gámez Producciones, Fundación Comunicarte y los Graduandos de la ENAE César Rengifo; quienes traen interesantes obras para niños, adolescentes y toda la familia. 

DONA UN CALZADO, HAZ FELIZ A UN NIÑO 

 Otra de las novedades de esta XVI Edición es que, durante todos los fines de semana, el Festival servirá de centro de acopio para donación de calzados en buen estado, a beneficio de los niños de “Give pan de Vida”. 

La Gran Campaña de Donación de Zapatos beneficiará a los 1.200 niños que la fundación Give Pan de Vidasostiene, y forma parte del compromiso social del festival y sus participantes. 

Los espacios teatrales que funcionarán como centro de acopio son: el Teatro Premium, ubicado en el CC Los Naranjos y el Teatro Dubais, que recientemente reabrió sus puertas en Parque Central. “Los interesados en donar calzados en buen estado para niños entre los 4 y 14 años pueden acercarse al festival de teatro en cualquiera de estos puntos, los fines de semana del mes de agosto para dejar su donativo”, expresó Albita Luzardo, Directora Creativa de la Give Pan de Vida. 

Give Pan de Vida es una organización sin fines de lucro cuyo objetivo es despertar, promover y apoyar el desarrollo social y nutricional de niños y adolescentes a través de la educación y la cultura.

Ante la crisis humanitaria que enfrenta el país, en 2017 “Give Pan De Vida” abrió cinco comedores gratuitos en zonas vulnerables de la Gran Caracas, con el fin de alimentar a niños y mujeres embarazadas, en situación de desnutrición. Desde entonces, su espectro de beneficiarios ascendió a 1.200. 

En Give Pan de Vida también usan las artes como una plataforma de aprendizaje para desarrollar la sensibilidad y la inteligencia emocional en los niños. “Como creadores, es nuestro compromiso modelar al ciudadano del mañana, como un ser crítico y autónomo, capaz de conocerse a sí mismo, de detectar sus fortalezas y debilidades y de desarrollar humanidad a través del amor y el servicio al prójimo”, agregó Luzardo, quien también presentará dos obras a beneficio de la fundación. 

“Para nosotros es un verdadero honor contar con el apoyo de esta fiesta teatral encabezada por  FESTEA y el Festival de Teatro Infantil PREMIUM", finalizó. 

Sobre FESTEA (Festival Teatral de Autor)

Festea es una iniciativa de Pathmon Producciones y ha contado con el apoyo de instituciones públicas y privadas a lo largo de su trayectoria. Ha recibido agrupaciones nacionales e internacionales. FESTEA, reconocido con el premio Municipal de Teatro es una referencia para el teatro de los jóvenes creadores. Esos mismos que reconstruyen el país día a día desde las artes.

Sobre el Festival de Teatro Infantil PREMIUM 

Es un evento que por cuatro años consecutivos se ha convertido en una fiesta esperada por la familia, el público en general ; y en especial , por los más pequeños, ya que en el período vacacional encuentran en la opción  teatral  el inefable vínculo que se establece entre entretenimiento , excelencia y aprendizaje .

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Escribo para hablar con Dios

July 13, 2019, 6:01 pm

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La Compañía Nacional de Teatro (CNT) cumple 35 años de labores útiles para promover y difundir al milenario arte de Tespis en Venezuela, ahora liderizada por Carlos Arroyo. A su primer director general, Isaac Chocrón Serfaty, no le gustaba hablar de su vida ni tampoco hacer balances y por eso pedía a los demás que hicieran por él esos “odiosos balances”.

Chocrón Serfaty, nacido en Maracay el 25 de septiembre de 1930, sí decía que tenía muchas satisfacciones, como la creación de El Nuevo Grupo, la dirección durante ocho años de la CNT y todo lo que ha significado para el teatro venezolano y para él como teatrero integral. ”Fui director del Teatro Teresa Carreño durante dos años y medio; fui director de la Escuela de Artes de la UCV durante tres años, además participé en su fundación, y recibí el Doctorado  Honoris Causa, que me otorgó la UCV, después de 40 años que no se lo  daban a ningún artista. Esas son algunas satisfacciones que se pondrían ese ir ese balance que tú me pides. También logré crear la colección Teatro de Monte Ávila Editores; fui presidente de la Asociación Venezolana de Teatro. No tengo tiempo para más balances, aunque tendría que revisar mis cuadernos de contabilidad, de cuando estudié Economía, y de donde recuerdo que hay dos columnas en los libros de balance: la del debe y la del el haber”.

¿Están equilibradas esas dos columnas?

No, por supuesto que no. Hay cosas más positivas en ese balance vital que tú me pides. Pero tú que has escrito tanto de mi vida y obra eres quien debe hacer ese balance o inventario. Eso mismo pasa con mis obras teatrales y mis novelas, pues, dejo a los demás que digan lo que quieran de ellas, porque son independientes de mí. Yo soy un vitalista, un hombre que lo que ha hecho es vivir, más nada.

¿Y cómo profesional de las artes que espera?

Mucho, porque si dejo de escribir no tengo razón para vivir, porque escribir paras mi es mi razón de ser.

¿Cuántas horas escribe al día?

Todas las mañana, de nueve a una. Escribo todos los días, sin que la fecha me detenga o me lo impida. Una vez, era el 31 de diciembre y estaba escribiendo, y también hice lo mismo ese1 de enero, entonces, mi amigo Luis Salmerón me dijo: Tú no piensa dejar eso para después. Y yo le dije que se tranquilizara y que después de algunas horas haríamos las respectivas celebraciones. Si yo no escribo, paso el resto del día malhumorado, me deprimo y me siento que no valgo la pena.

Recordó que gracias a su pieza Okey dejó su oficio de economista y se dedicó de lleno a la dramaturgia y la escritura de novelas y ensayos.

¿Cómo están sus relaciones con Dios?

Yo fui criado en la religión judaica y cuando participaba en las grandes fiestas aprendí a leer fonéticamente el hebreo, porque ya tenía la chispa para del teatro por dentro, para mi Bar Mitzvab, eso gustó tanto a unos judíos religiosos que le ofrecieron a mi papá, Elías, una beca para que yo terminara mis estudios en Estados Unidos y de ese manera yo sería el primer rabino nacido en Venezuela. Mi papá al escuchar tal propuesta, me mandó a estudiar a una escuela militar en Estados Unidos, precisamente, y todo el mundo sabe lo que pasó después. Pero con el paso de los años, me he dado cuenta que Dios para mí es como la luz de una vela, como la luz del Sol. Es una esencia, que de alguna manera me dirige y me da confianza.

¿No lo invoca o tiene un ritual para hablar con él?

No, e incluso mis amigos judíos me reclaman porque no voy a la sinagoga. Pero yo les digo que soy un judío laico, una expresión que aprendí en Israel. No soy tan religioso. Creo que mi manera de comunicarme con Dios es escribiendo.

Chocrón, que además de dramaturgo y novelista es maestro, insistió en que “los seres humanos tienen dos vidas: la vida real, que la empezamos cuando nos levantamos de la cama, delicada tarea que se debe hacer despacio, después que adquirimos  conciencia de que estamos vivos y  finalmente pararse. La otra vida es cuando nos dormimos y esa ya no la domina uno, ni la sociedad, no la domina nadie. Ahí es donde uno puede soñar en colores o en blanco y negro. Uno puede tener sueños recurrentes, como matar a la mamá unas 80 veces. Y hay sueños buenos o pesadillas”.

¿En cuál de esas vidas ha vivido mejor?

Por supuesto que en la real, porque si se intenta vivir la de los sueños durante el día, uno se vuelve loco y termina en la cárcel en un manicomio. Los que están locos son los que no pudieron adquirir disciplinas ni conciencia de lo que verdaderamente eran, y se quedaron pretendiendo ser lo que querían ser.

Chocrón confesó que nunca ha necesitado de los servicios de un psiquiatra, a pesar de tener varios amigos profesionales, porque se ha desahogado con todo lo que ha escrito, con su vasto legado literario.

 Isaac, el primogénito de Elías y Estrella, hermano de Mercedes y Mauricio, hizo mutis el 6 de noviembre de 2011.Lo ayudó en ese trance su fiel Sara, compañera durante más de 40 años.

La vejez es el precio de la larga vida

July 13, 2019, 6:29 pm

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El director y autor venezolano Gerardo Blanco López con su conmovedor espectáculo en el Teatro Trasnocho sobre la primera actriz Chelo Rodríguez (Como un libro abierto) reconoce que la vejez de los seres humanos es una de sus obsesiones existenciales e intelectuales y lo explica así:

¿Por qué la vejez como temática?

Es un tema, una preocupación, una angustia, que siempre está presente en mí; la vejez va de la mano con la cercanía de la muerte; sobre ella se dice muy poco, se discute muy poco en la calle sobre ella más allá de la burla o la compasión, no nos gusta tropezarnos con ella, la vivimos muy de cerca cuando nos toca cuidar o proteger a un ser querido, pero es el precio de la larga vida, es una etapa ineludible. Y el recuerdo se convierte en la mayor razón para hacerla más amable.

Me interesa presentarla con todos sus bemoles y por eso, hasta ahora, escribí y monté La cuadrilla, la defensa por mantener la dignidad. Nos vemos el miércoles es la inevitable pérdida de los amigos queridos y la soledad. Noche de guardia es la urgente necesidad de morir y no sufrir y la compañía de los más cercanos mostrándonos la parte buena de la vejez y ahora muestro Como un libro abierto, un canto a la vida y a la maravillosa lucha por seguir activo, un homenaje a los olvidados que fueron y siguen siendo grandes y luminosos y la ingratitud de una sociedad que muchas veces olvida y no reconoce. Todas estas obras las escribí en tiempo de vida, comedia y tragedia, risa y tristeza.

¿Qué espera del público y de los actores?, con esa temática de la cual nadie hablar ni tampoco vivir.

 Del público siempre espero presencia y reflexión ya que el teatro es para mostrar, para ser visto, la espera ansiosa de su llegada a la sala y el deseo de lograr generar discusión, análisis, cambios y que al día siguiente, sigan pensando y comentando lo que vivieron. ¿Que espero de los actores? Compromiso , verdad al ser el otro, compañía, disfrute al hacer su personaje, que se identifiquen con el discurso, honestidad y sobre todo poder aprender de ellos más de su maravilloso y valiente oficio . Los actores son seres de respeto y admiración, seres especiales.

¿Satisfecho de lo logrado?

 Siempre hacer teatro, siempre es un reto y mucho más en las circunstancias en que vivimos, en momentos en el camino hacia el estreno nos preguntamos si valdrá la pena tanto esfuerzo; definitivamente sí, no podemos abandonar ese espacio maravilloso que nos permite gritar lo que sentimos o pensamos , a veces unas son de cal y otras de arena , poco público , mucho público , pero siempre recuerdo a uno de mis maestros en esos momentos donde son más las sillas vacías: "Si viene una sola persona a la platea hay función". Creo firmemente en eso   y siempre quedo muy satisfecho por otro logro, la travesía, el proceso  y el llegar, estrenar, es una satisfacción inmensa, alimento para el alma y porqué no para el ego.

Tio Vania en Miami con venezolanos

July 15, 2019, 5:23 pm

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La magia de las ciencias humanas nos puso en contacto con Javier Vidal Prada y he aquí los resultados:

Hola, caro Edgar Antonio Moreno-Uribe. Pues aquí en Miami como habrás leído en las RR.SS. vamos a montar Gente Ociosa, expropiación del Tío Vania de Antón Chejov en tiempos de la revolución rusa, que ha adelantado la dramaturga venezolana Karin Valecillos, bajo la dirección de Michel Hausman, reconocido director venezolano radicado en Estados Uniidos desde hace varios años, para el New Drama Miami en el Colony Theater.

Fuimos contratados para este proceso de ensayo y temporada. Todos actores venezolanos, unos que ya viven en Miami, como Elba Escobar y María Corina Ramírez; Eloísa Marturén llegó de Los Ángeles; Vicente Peña de Bogotá; Basilio Álvarez de Asturias, además de Luigi Sciamanna, Tania Sarabia y yo de Caracas. La temporada es del 1 al 25 de agosto, dentro de algunos días, y regresamos cada quien a sus casas. Es el propio teatro en el exilio, por así decirlo Un gran montaje de exploraciones y búsquedas sobre un clásico ruso que encaja en su lectura alternativa para nuestros actuales tiempos”.

El día que me quieras

July 15, 2019, 5:59 pm

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La primera década de la desaparición de José Ignacio Cabrujas (1937-1995) fue un buen pretexto para que respetables instituciones como Grupo Actoral 80 y Theja se lucieran con varios espectáculos, los cuales al final de cuentas resultaron ser los mejores o los más importantes de la temporada. El día que me quieras subió a escena bajo la dirección de Juan Gené e hizo una larga temporada en la Sala de Conciertos del Ateneo de Caracas, mientras que Autorretrato de artista con barba y pumpá era remontada por José Simón Escalona en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, convertida en sede artística de la Compañía Nacional de Teatro, desde el año 2018, comandada por el director Carlos Arroyo.

El día que me quieras, con la nueva lectura escénica de Gené, aquel 1995, es una bella historia de amor con final difícil o abierto o confuso, la cual muestra el sufrimiento de unas mujeres sometidas a los designios de unos machos de fin de semana y del eterno deambular ideológico de los que se asumen como intelectuales izquierdistas en las repúblicas tropicales. Es una feroz diatriba contra todos los intentos por embozalar las ideas libertarias y es una exaltación más del amor sin tapujos e intereses, donde la presencia de Carlos Gardel es un delicioso pretexto. Se trata, pues, de una obra polisémica y cuyos significados sociopolíticos son de gran vigencia para estos tiempos bolivarianos. Pío Miranda (Héctor Manrique), Plácido Ancizar (Basilio Álvarez) y Carlos Gardel (Iván Tamayo), como también María Cristina Lozada, Gladys Prince y Marta Estrada, además de Juan Carlos Ogando, fueron los aplomados intérpretes que le dieron vida a esa prédica de Cabrujas que reivindica a las pacientes y sacrificadas mujeres venezolanas. Es el homenaje a la madre de Pío Miranda, quien se suicidó por un atraso en su pensión y con ello catapultó a su hijo hacia el comunismo.
Autorretrato de artista con barba y pumpá en la reposición que Escalona hizo para el 2005, porque él la estreno hacia 1990, rescató ahora sí la poesía del personaje Armando Reverón, el anciano y enloquecido pintor en el asilo psiquiátrico, y lo mostró en una fantástica etapa delirante de su insania mental, en una especie de recuento de lo que había sido su vida, con sus amores y desatinos, además de la lastimosa etapa final. Es una obra extraña porque propone al célebre artista como un ejemplo de todos los creadores que como él eran explotados y manipulados por las sociedades en que viven. De cierta manera hay un paralelo existencial entre este personaje del mundo de la plástica y el autor, un creador del mundo de las comunicaciones, quien había sido explotado o esquilmado por las empresas hasta el momento de su muerte, trágicamente en Porlamar.

Pero si el contenido de Autorretrato de artista con barba y pumpá puede resultar confuso o simplemente anecdótico, queda para el espectador las delicias de un espectáculo múltiple, de un verdadero derroche de creatividad por parte del puestista Escalona, apuntalado en el trabajo de sus actores, especialmente en la perfomance poética de Javier Vidal, quien compuso al histórico anciano y ruinoso Armando Reverón como un ser juvenil y pletórico de vida, una contralectura a lo convencional o tradicional que se ha escrito del personaje.
En síntesis, Cabrujas fue el mejor autor del año 2005. Todavía su teatro está vivo, a 24 años de su mutis, y ojalá que así sea por muchos años, ya que su pensamiento es todavía guía de acción para estos tiempos difíciles.

Nada mejor que recordarlo en estos tiempos de revolución ya que no podemos contactarlo en el más allá, en ese espacio ignoto de las ondas gravitacionales donde está su voz ronca, agorera y entusiasta.  Murió vivo y legó vastísima obra literaria que lo sobrevive. Nació el 17 de julio de 1937 en Caracas y le falló el corazón en Porlamar, el 21 de octubre de 1995. Era José Ignacio Cabrujas, vitriólico y original intelectual que amó demasiado a esta Tierra de Gracia y quien sí enseñó las claves de su método, cabrujiano, para interpretarla. Lo recordamos hoy para que nadie, inteligente y además patriota, lo borre de sus agendas y menos en este año cuando se cumplen 22 años de su desaparición física.

Imposible evocar a Cabrujas sin aludir al crítico Leonardo Azpárren, quien, auspiciado por la Universidad Simón Bolívar, adelantó la compilación de toda su obra teatral, y la periodista y escritora Yoyiana Ahumada porque en su libro  El mundo según Cabrujas , importante  compendio de 320 páginas, impresas por Editorial Alfa, con textos ineludibles que recogen las impresiones de una de las intelligentzias más complejas y brillantes del siglo XX criollo; ahí reposa una parte de la consecuencia del periplo intelectual y humano del legendario autor de  El día que me quieras, Acto Cultural, Profundo y El Americano Ilustrado, para citar algunas piezas memorables de ese mural de la Gran Venezuela que nos enseñó a conocer y amar. Pero dejemos que sea esta apasionada trabajadora cultural quien revele más detalles sobre esta joya literaria nacida de un acto de amor.

Vigencia de un autor

La colega Ahumada puntualizó que cuando un investigador se obsesiona con un autor, y eso es exactamente “lo que me ha sucedido a mí. Desde mi tesis de Magister Literarae en la Universidad Simón Bolívar, hasta los artículos que he escrito, los seminarios etcétera, me han permitido descubrir claves cabrujianas sobre una de las intelligentzias más completas del siglo XX venezolano como lo fue, o lo sigue siendo Cabrujas”.
Pero Ahumada no propone a Cabrujas como modelo, “porque en su permanente juego dialéctico, y su brillante juego paródico, siempre marcó distancia con voces como la de Arturo Uslar Pietri, que fungía de una especie de oficiante del “deber ser” del venezolano. Cabrujas rompió con el modelo del intelectual distante del país, del venezolano de a pie y se puso de tú a tú con él. Creo que las nuevas generaciones deberían estudiarlo para comprender las claves del fracaso del proyecto de Venezuela como país, para profundizar en los tópicos sobre los cuales hemos construido la idea de la venezolanidad y el porqué de nuestras taras: la provisionalidad, la distancia entre las instituciones y el individuo; el fracaso de esas propias instituciones, el concepto del Estado Mágico; el país como lugar de paso, la ciudad del “mientras tanto y por si acaso”, el redentorismo entre otras. Comparto lo de que dice el escritor Alberto Barrera Tyzka en cuanto a que “El Estado del Disimulo”, una entrevista realizada en el marco de la Comisión para la Reforma del Estado (1987) debería ser un texto fundamental en el bachillerato”.

-¿Vale la pena recordarlo, cuando no lo montan con la frecuencia que se merece?

-El hecho de que no lo lleven a escena es un tema que habría que preguntarse, y siempre me ha llamado la atención que salvo Profundo y por supuesto su obra más famosa, El día que me quieras, sean las únicas que se hayan montado varias veces. El Trasnocho Cultural ha hecho varios homenajes a través de lecturas dramatizadas y montajes, pero hasta ahí llega. Pienso en  Acto Cultural  (mi favorita) que hoy día tiene mucha vigencia, mucho que decirle al país sobre un proyecto cultural que a troche y moche se quiere imponer al país. Me refiero al anacronismo de la cultura endógena de pájaros guarandoles, y chiriguares, de un teatro político mediocre; y marcado por una orientación del “prolet kult”. Creo en la resistencia cultural e insisto ir en contra de la desmemoria.

-¿Qué es lo importante de Cabrujas?

-Cabrujas me apasiona en primer lugar porque desde el punto de vista dramatúrgico es un genio que combina con maestría el manejo de técnicas modernas de intervención ficcional, como la parodia, la ironía, etcétera, con géneros aparentemente arcaicos como el sainete. Su construcción de personajes es muy profunda y ese es un gran hallazgo que no se repite en otros autores venezolanos, la construcción de personajes que llegan a convertirse en arquetipos Pío Miranda por ejemplo. Son personajes con los cuales el autor te permite establecer empatía porque son como uno, meten la pata, con una ingenuidad, que sólo te despierta compasión y ese giro ya los hace inolvidables y profundamente humanos.
En cuanto a los argumentos indudablemente la capacidad de “historiar” el teatro es extraordinaria, de que la historia nacional le sirva como telón de fondo para un argumento es un teatro enraizado en la venezolanidad para hurgar en esa Gran Historia, la de Eduardo Blanco o Gil Fortoul y parodiarla, y decirnos “mira epa no sigas creyendo que somos un país grande”, sino un gran país mediano donde un protocolo, como el de Rojas Freire, borra 300 mil kilómetros del Esequibo porque se derramó una compota de hicacos como en la escena de  El americano ilustrado . Cuando llevaron a escena El día que me quieras, yo la veía y decía está hablando de Pío Miranda, un comunista que ni siquiera leyó el Manifiesto, que ni sabía por qué lo era. Símbolos vaciados de significado. Así mismo desde el punto de vista de la estructura dramática Cabrujas y eso lo recoge buena parte del trabajo crítico sobre su obra está construida como una partitura porque era melómano y erudito de la ópera.

Cabrujas publicó casi todas sus obras y otros libros, entre ellos recordamos: Profundo, ActoCultural, Fiésole, El día que me quieras, Una noche orienta, El Americano Ilustrado, Autorretrato de artista con barba y pumpá y Sonny. Y un libro póstumo, Latinoamérica inventó la telenovela, resultado de un taller que dictó sobre “El Libreto de Telenovelas”, en el Instituto de Creatividad y Comunicación (ICREA).

Para el crítico Azpárren Giménez, El Americano Ilustrado es la coda del conjunto de obras que hicieron de él un dramaturgo indispensable. La historia de los hermanos Lander y sus relaciones con Antonio Guzmán Blanco, el Ilustre Americano, trasciende los enredos de la intriga para presentar el mundo de privaciones, anhelos y frustraciones de los personajes. Arístides y Anselmo Lander no resuelven, al igual que los personajes de obras anteriores, sus incompetencias en sus vidas privadas, en particular las relaciones con la pareja, al tiempo que su proyección pública, uno Ministro de Asuntos Exteriores y el otro Obispo, termina siendo un grotesco lamentable.

La historia de un caballo que era bien bonito

July 20, 2019, 1:57 am

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Este domingo 21 de Julio, a las 2:00 pm, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través, de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y la Compañía Nacional de Música (CNM), celebrará el Día del Niño con la presentación de la obra La historia de un caballo que era bien bonito, en los espacios del emblemático Teatro Nacional.

La historia de un caballo que era bien bonito es una coproducción entre la Compañía Nacional de Teatro y la Compañía Nacional de Música inspirada en el cuento homónimo del ilustre poeta venezolano Aquiles Nazoa. En esta pieza dirigida a toda la familia. Grandes y pequeños podrán disfrutar de un viaje lleno de magia y fantasía, en donde la música en vivo y la poesía se funden para contar la historia de un extraordinario caballo. 

La propuesta cuenta con la dirección de Rufino Dorta, la participación de los actores: Gerardo Luongo, Dora Farías, Yurahy Castro y Michael Pérez por parte de la Compañía Nacional de Teatro.  Acompañados por la Orquesta Típica Nacional de la Compañía Nacional de Música, dirigida por el maestro José Patiño e integrada por los músicos: Sigfrido Chiva, Pedro Guerrero, José Domínguez, Eusebio Pacheco, Salvador Hernández, María Inés Mejía, Olga Tkachenko, José M. Camargo, Jesús E. Milano, Ángel Pérez, Jack Levy, María G. Gutiérrez,Yolanda Aranguren, José A. Mondragón, Ángel Hernández, Nancy Gómez, Ángel Luis Piñero, Juan Caraballo, Laura Pastrán, Giovanni Sciortino Ll., Iris V. Rojas, Antonio Khan, Orlando Gámez F., Jesús M. Torres y Germán Domador.

La invitación es a toda la familia para que acudan este domingo 21 de Julio, a las 2:00 pm, a disfrutar de esta obra que forma parte de la celebración del día del niño en la Gran Caracas. 

GOMA con 17 artistas venezolanos

July 20, 2019, 2:12 am

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Una plataforma de difusión artística llamada GOMA, será lanzada por el proyecto cultural Bestialo Culapsus: Artefactos y Esparcimiento el domingo 21 de julio de 2019 a las 11 am, en la galería GBG Arts de Caracas, con una exposición que bajo el título Gemología Oportuna Minorías Agitadas, reúne las propuestas de 17 artistas venezolanos de generaciones recientes, con la curaduría de Abraham Araujo y la museografía de Ricardo Báez y Mario Matos.

Orientada a renovar e indagar dentro del espectro actual del arte venezolano, la plataforma GOMA toma en consideración para sus muestras expositivas, trabajos de relevancia, alta factura y vigencia que usualmente pasan desapercibidos por el total desconocimiento del público o espacios y galerías públicas/privadas, para generar exhibiciones de naturaleza fresca, dinámica y de mutuo provecho para el artista, así como para diversificar la situación actual del arte local, promoviendo el trabajo de creadores venezolanos que residen dentro y fuera del país.

En la exposición Gemología Oportuna Minorías Agitadas–con la cual se estrena el proyecto– se incluyen obras de los artistas Germán Adolfo, Igor Bastidas, Alejandro Beltrán, Luz Carabaño, Gustavo Dao, Carlín Díaz, José Ostos, Aquiles Hadjis, Daniella Isamit, Abraham Araujo, Jeanne Jiménez, Pedro Medina, Sebastián Merkl, AV/CV, Angyvir Padilla, Darío Utreras y Abdul Vas, quienes descomponen un poco la monotonía del paisaje de los montajes habituales, y configuran, hoy por hoy, el previsible, inconmovible ritmo de lo que se estanca, según escribe Rafael Castillo Zapata en el texto que acompaña la muestra.

El dibujo, la pintura, la escultura, la fotografía, la instalación, la intervención, el video y el collage, entre otros medios y técnicas, se conjugan en esta colectivabajo el emblema de GOMA, “ahí lo elástico, lo que bota y rebota”, señala Zapata, “un poco al azar y otro poco al aire de una porosidad que acierta, abierta a la contaminación y a los contagios, sin rechazar lo esperpéntico ni lo bizarro, lo conceptual y lo artesanal, lo electrónico y lo manual, lo analógico y lo digital, en amalgamas que se arriesgan dejándose tentar por los bucles incómodos de la revuelta en la memoria de viejas reyertas del arte con el arte y del arte con la política y su mítica”.

Bestialo Culapsus: Artefactos y Esparcimiento es una plataforma que se inició en el 2008 para brindar opciones de esparcimiento en distintos formatos y lugares dentro del contexto caraqueño. 

Fundado por Gustavo Dao y Abraham Araujo, quienes de organizar múltiples fiestas en Caracas pasaron progresivamente a incursionar en el mundo de las publicaciones independientes y fanzines, utilizando el formato editorial para difundir el trabajo de diversos artistas venezolanos. Posteriormente la plataforma fue ofreciendo proyecciones de cine de culto de manera itinerante, talleres y conversatorios en torno al mundo editorial en Caracas. 

Gemología Oportuna Minorías Agitadas estará en exhibición del 21 de julio al 22 de septiembre de 2019 en la galería GBG Arts, ubicada en la avenida principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas), Caracas. El horario es de martes a viernes de 2 a 6 pm, sábados y domingos de 11 am a 3 pm. La entrada es libre.

Mayor información visitar a través de GALERÍA GBG ARTS en Facebook, @GBGARTS en Twitter @GBGARTS en Instagram y @bestialoculapsus en Facebook, Twitter e Instagram

Los artistas

AV/CV (Maracay|Maracaibo // Madrid, España)
El dúo de pintores que optan por mantenerse en el pseudo anonimato son introducidos al público como AV/CV, cuyas siglas corresponden a las iniciales del artista "AV" y al pintor marabino "CV". El origen del proyecto proviene del descubrimiento e interés recíproco del trabajo de cada uno, pero a su vez sus fundaciones nacen al compartir un fervor especial por el Beisból de las Grandes Ligas, incluyendo el clásico linage de la tradición venezolana del beisból, y cómo esto ha afectado en ambos sentidos, tanto a Venezuela como a Estados Unidos dentro de la cultura beisbolera. Incluyendo personajes peculiares, historias, hazañas y anécdotas memorables. En el caso de su primera participación en esta colectiva debutarán con una serie de 6 obras dedicadas a la temporada dorada de los Rojos de Cincinnati en el '76. AV/CV por su parte, posee un prolífico cuerpo de trabajo (con aproximadamente 60 obras finalizadas y bien resguardadas en algún depósito de España), cuyo trabajo no ha visto la luz hasta este momento en el que serán expuestos por primera vez al público. Primicia mundial. 

Germán Adolfo (Puerto Cabello // Buenos Aires, Argentina)

Germán Adolfo nace en 1986. Sociólogo egresado de la UCV y fotógrafo. Oriundo de Puerto Cabello, Carabobo. Define la fotografía como un espacio espiritual interno, donde desarrolla la documentación cotidiana, íntima de diversas comunidades costeras y religiosas, o inclusive incorporando al transeúnte anónimo. La calle siendo este su tema recurrente, se encuentra caracterizada por una fuerte carga cromática, evadiendo bajo todo concepto la monocromía en blanco y negro.  Dedicando gran parte de su trabajo al área de Playa Blanca en Puerto Cabello, un lugar en el que conviven una diversidad de personajes que proporciona una peculiar playa que según él, se encuentra ubicada prácticamente dentro de la ciudad. Durante estos ya 10 años de fotografías ha participado en diversas exposiciones, publicaciones y concursos dentro y fuera de Venezuela.

Igor Bastidas (Caracas // Nueva York, E.U.)
Originalmente formado en el área del diseño gráfico y la publicidad, Igor desarrolla una fuerte trayectoria en sus comienzos como ilustrador bajo el pseudónimo Gib o "The Gib Life", con el que produce en diversos medios como afiches serigrafiados, franelas, invitaciones a fiestas, y fanzines, trayectoria que posteriormente ha ido desarrollando como animador digital (en cortometrajes, .Gifs animados, propagandas), y director de arte al radicarse en Nueva York trabajando en proyectos para marcas como: Google, Converse, Apple, Nike o Facebook, canales de TV: Nickelodeon, MTV, Cartoon Network y diversos periódicos/publicaciones tales como The Guardian, Le Monde, The New York Times,  Esquire o Bloomsberg Businessweek. 

Alejandro Beltrán (Caracas // Barcelona, España)
Cursa estudios de diseño gráfico y comunicación visual entre Caracas y Barcelona (PROdiseño y Elisava), especializándose posteriormente en la fotografía. Espacio en el que ha jugado con la experimentación digital o análoga a partir de la recontextualización del collage, el ancestral ejercicio del corta y pega, o la repetición de patrones geométricos seriados, y en varias oportunidades estableciendo guiños al trabajo cinematográfico de Jodorowsky, The Yellow Submarine o los documentales de la National Geographic. Al mismo tiempo, sus fotografías íntimas retratan espacios públicos urbanos o naturales en el abandono, sujetos anónimos pero icónicos característicos de un estallido cromático calculado al punto de convertirse casi en una puesta en escena previamente planificada, aunque la misma haya sido conseguida de manera voluntaria.

Luz Carabaño (Maracay // Nueva York, E.U.)
"Comienza con mirar, disfrutando de ver algo extraño y hermoso. Entonces, una metamorfosis se produce a partir de esta interacción inicial; El objeto encontrado es fotografiado, recogido en la memoria, y reestablecida en el mundo de la pintura. Aquí, en la superficie lisa del lienzo, juego con colores brillantes, aíslo formas, desplazo el objeto para que pueda existir armoniosamente como un fragmento. Suspendido en el espacio aterciopelado de tonos saturados y degradados. La pintura se encuentra entre este mundo en su representación naturalista y otra en un campo abstracto y ambiguo. Me detengo cuando el La pintura revela algo sorprendente e intangible, una huella del primer encuentro.". Nace en Maracay, obtiene en el 2017 un BFA in Studio Art, minor en Art History, New York University. - (extraído del statement del artista) 

Gustavo Dao (Caracas // Nueva York, E.U.)  
Nace en Caracas, Venezuela en el año 1983, y vive en Brooklyn, Nueva York. Estudia en la Escuela de Comunicación Visual ProDiseño en Caracas y concentra sus temas principales entre diversos ámbitos de la comunicacion (ilustración, animación, diseño, branding/diseño de estrategias para posicionamiento y activación de marcas). Actualmente se dedica a la dirección creativa en Doubleday & Cartwright, un estudio creativo cuyo rol es ayudar a los clientes ganar territorio en el mercado cultural, y al mismo tiempo desarrollando la identidad gráfica para un portafolio variado de clientes como: Red Bull Music Academy, Nike, la revista Victory Journal, y Reebok entre otros. En su tiempo libre se dedica a profundizar en su trabajo como ilustrador, y en dos de los temas más presentes en su faceta como ilustrador: la pornografia y el erotismo. Su trabajo ha sido publicado por la revista Jacques Magazine (Nueva York, Estados Unidos) y Plexus Cavatum (Lausana, Suecia).

Carlín Díaz (Caracas // entre París, Francia + Bruselas Bélgica)  Es un artista gráfico y director de animación digital venezolano que vive entre París y Bruselas. "El trabajo de Carlin Díaz abarca la animación, la ilustración y el collage, y combina colores vivos con formas orgánicas y personajes de caras redondas. El creativo nacido en Venezuela, con sede en París, se graduó como diseñador gráfico en 2012, pero se convirtió en ilustración en busca de más libertad creativa, y desde entonces ha trabajado en videos musicales, carátulas de LP y GIF animados" - CREATIVE REVIEW https://www.creativereview.co.uk/new-talent-carlin-diaz/

Aquiles Hadjis (Maracaibo // Tokio, Japón)
Es un artista nacido en Maracaibo, Venezuela, y radicado en Tokio desde 2009, donde acaba de obtener un PhD en Tokyo University of the Arts, tras recibir un MFA en la misma universidad y una Licenciatura en Diseño Gráfico de la Universidad del Zulia. Su trabajo reciente consta principalmente de instalaciones en torno a máquinas interactivas de su propia elaboración; en ellas, el sonido y la relación cuerpo-espacio actúan como metáforas a través de los cuales busca invitar al visitante a sumergirse en una experiencia no-mediada, una conversación entre la maleabilidad de la obra y la voluntad del visitante de involucrarse con ella. En esta entrevista, conversé con Aquiles sobre su obra como espacio de traducción y experimentación para sí mismo y espacio de encuentro y generación de contenido para la audiencia que logre aceptar la invitación al juego; sobre la interacción con desenlace abierto, la ficción y la ritualización, y el encuentro con el arte como un fin en sí mismo que lleva, de manera orgánica, al rapto de lo bello. El intercambio está estructurado en torno a frases tomadas del texto –de su propia autoría–que acompaña la obra reciente You Know What To Do.

 Daniella Isamit (Caracas // entre Torino, Italia + Barcelona, España). En el 2012, realiza su primera exposición personal (The Monster N° Patrimony, Iaspis, Estocolmo), y comienza a colaborar con Lucie Fontaine (Milán) y Cherimus Sardegna (Cerdeña). Entre algunas de las exhibiciones colectivas se encuentran: Les Associations Libres (París, La Maison Rouge, 2012); 80 (Turín, Gum Studio, 2012); Estate (New York, Marianne Boesky, 2012); Mirror Project, bi-personal junto a Franco Ariaudo (Turín, Associazione Barriera, 2014); Les sentiers battus sont pleins de fictions endormies (GAP, Château de Montmaur / Caraglio, Filatoio di Caraglio, 2014);Quienquiera que pensó en_____, dígale que está equivocado (Museo Alejandro Otero, Caracas -Venezuela, 2014). En el 2015 participa en un workshop con Lara Favaretto como tutor en la Residencia Spinola Banna per l’arte y forma parte la última edición de “Artissima Art Fair” dentro de la exhibición colectiva Inclinations. Durante el 2016 participa en una residencia en Hangar (Barcelona), Daniella Isamit actualmente trabaja y reside en la ciudad de Barcelona, España.

Daniella Isamit (Caracas // entre Torino, Italia + Barcelona, España)En el 2012, realiza su primera exposición personal (The Monster N° Patrimony, Iaspis, Estocolmo), y comienza a colaborar con Lucie Fontaine (Milán) y Cherimus Sardegna (Cerdeña). Entre algunas de las exhibiciones colectivas se encuentran: Les Associations Libres (París, La Maison Rouge, 2012); 80 (Turín, Gum Studio, 2012); Estate (New York, Marianne Boesky, 2012); Mirror Project, bi-personal junto a Franco Ariaudo (Turín, Associazione Barriera, 2014); Les sentiers battus sont pleins de fictions endormies (GAP, Château de Montmaur / Caraglio, Filatoio di Caraglio, 2014);Quienquiera que pensó en_____, dígale que está equivocado (Museo Alejandro Otero, Caracas -Venezuela, 2014). En el 2015 participa en un workshop con Lara Favaretto como tutor en la Residencia Spinola Banna per l’arte y forma parte la última edición de “Artissima Art Fair” dentro de la exhibición colectiva Inclinations. Durante el 2016 participa en una residencia en Hangar (Barcelona), Daniella Isamit actualmente trabaja y reside en la ciudad de Barcelona, España.

Jeanne Jiménez (Caracas, Venezuela)   La pintura de Jeanne alude a una escala cromática tenue, gélida y a veces desolada, carente de hiperrealismo y virtuosismo que al parecer no es tan necesario para recrear algunos de sus paisajes mentales, de momentos procura recurrir al auto-retrato aunque desde la ficción, ubicándose a sí misma en paisajes inexistentes, en ocasiones tomando prestada la arquitectura de la Caracas ostentosa del boom petrolero. También tiene por costumbre retratar con las mismas características oníricas sus mayores obsesiones de la música contemporánea, ídolos del rock indie, el pop, el punk, o el post-punk (Los Ramones, Patti Smith, Sonic Youth, Yo La Tengo, The Bad Seeds, Pulp) son substraídos y magnificados en algunas de sus portadas icónicas. / Artista visual nacida en Cardón, edo. Falcón, Venezuela, en 1979. Cursó estudios de Diseño gráfico en La Universidad del Zulia, de 1997 al 2002. Vive y trabaja en Caracas, Venezuela desde el 2006. Ha realizado exposiciones individuales en BackroomCaracas (2015), la Alianza Francesa de Maracaibo (2013) y en Carmen Araujo Arte (2011) de Caracas. Participó en el Salón Regional de Jóvenes Artistas (2014) organizado por el MACZUL, recibiendo el segundo premio por la obra Amigos seguidores Twitter 1. Serie Fotos de perfil. Entre otros salones regionales y nacionales destacan el Salón Jóvenes con FIA (2011) y el Salón Municipal de Artes Visuales Juan Lovera (2007) realizados en Caracas, el Salón Arturo Michelena en el Ateneo de Valencia (2005) y el Salón de Artes Visuales del Zulia en el Centro Bellas Artes de Maracaibo (2004). Por otro lado, participó en colectivas y eventos dedicados al arte emergente en Maracaibo como Arte Unido, Velada Santa Lucía entre (2002 – 2006) y Ene Incidentes: Entre Milenios (1999), en Caracas, Pinturas Recientes (2008), Serial (2006), Minimal (2005). Además cuenta con participaciones en ferias nacionales e internacionales junto con la galería Carmen Araujo Arte, tales como, FIA Caracas, Pinta NY y ArteBA.

Pedro Medina (Maracaibo, Zulia)Nació en el estado Zulia en 1990, reside y trabaja en Maracaibo. El artista, estuvo desde su infancia ligado al dibujo, debido a que su padre también se desempeñaba en el área de las Artes. Medina asistió también a diversos talleres en la ciudad de Maracaibo, muchos de los cuales en el MACZUL. Concluye su carrera en Artes Platicas en la Universidad del Zulia en 2017. “Valorar el paisaje a través del reconocimiento, la identificación, e interpretación de sus elementos naturales y culturales, relaciones y procesos, significa que un determinado paisaje es el resultado de un proceso de percepción particular. De manera intuitiva Pedro Medina realiza la identificación de valores escénicos a través del registro y la creación de diferentes cartografías que conllevan a la valoración de los recursos y efectos sobre ese paisaje conformado por las orillas del lago de Maracaibo que él habita; y lo hace a diversas escalas para establecer una lectura particular de las relaciones tangibles e intangibles que van construyendo y transformando continuamente la historia natural y antrópica de esos lugares para propiciar la comunicación y sensibilización social con sus habitantes y su proyección extraterritorial a través de su proyecto cultural”. -MACZUL.

Sebastián Merkl (Caracas, Venezuela)  
"Supo temprano que le interesaban las artes visuales, pero no tenía preferencia ni práctica en ningún medio. Entra a Unearte en la mención “Artes del Diseño.” Llega a la fotografía por amigos de la universidad. Le contagian el entusiasmo por la fotografía. Así comienza a explorarla, alrededor de los 18 años. La fotografía lo persigue, y no al revés. Su primera cámara la encuentra en un armario de su casa y el aparato calza cómodamente en sus inquietudes expresivas. Su vocación por caminar Caracas cámara en mano, supone que le roben su instrumento en dos ocasiones. Enamorarse de la fotografía química lo retrotrae a cuando barajaba las fotografías familiares engavetadas de su infancia. Ese elemento de nostalgia le insta a continuar cultivando la disciplina. Volver de la calle, donde suceden los “flagrantes delitos” (diría Cartier-Bresson) que le interesan, y encerrarse en su cuarto oscuro a ejecutar y presenciar el proceso mediante el cual la imagen se dibuja en el papel, es una dinámica que le atrapa y le hace salir de nuevo por más. Su objetivo es extraer un fragmento esencial desde el que se pueda reconstruir subjetivamente una realidad". - Extracto del texto introductorio escrito por Pedro Marrero.

José Ostos (Caracas // Lyon, Francia)N es un cineasta y artista audiovisual de Caracas, Venezuela, actualmente residenciado en Lyon, Francia. Su cuerpo de trabajo como escritor, realizador y editor incluye los films La Causa (2019), Panóptico Celeste (2017) Historia y Montaje (2017), Temporada de Mangos (2016), Los Viajes Platónicos (2014), Semiosis Hipervinculada (2014) y Se va (2013), los proyectos multimedia Historia y Montaje (2017) y Jardín de Tiempo (2014), y una decena de videos musicales. Su trabajo ha sido presentado en festivales de cine y exposiciones colectivas en Venezuela, México, España, Alemania, Colombia, Francia y Chile.

Angyvir Padilla (Caracas // Bruselas, Bélgica)  Vive y trabaja en Bruselas, Bélgica. Es Comunicadora Visual de Prodiseño Escuela de Diseño y Comunicación Visual de Caracas, y Licenciada en Arte en Los Espacios Públicos de la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas. Igualmente, es Magíster en Escultura de ENSAV La Cambre de Bruselas. Su trabajo artístico gira en torno a un cuestionamiento filosófico sobre el paso del tiempo y el encuentro con la alteridad en la distancia, manifestado a través de múltiples técnicas y materiales como fotografías, esculturas e instalaciones. Con él ha participado en ferias y exposiciones en Caracas, Bruselas, Madrid, Toronto, Belgrado entre otras ciudades. También ha sido profesora asistente de Tipografía en su país de origen, y ha colaborado en proyectos colectivos de ilustración y diseño.

Darío Utreras (Caracas // Oxford, Inglaterra)  Nace en Caracas, Venezuela en el año 1981, y reside en Oxford, Reino Unido. Estudia en la Escuela de Comunicación Visual ProDiseño en Caracas así como en el London College of Communication, actualmente se dedica a la edición, el diseño y la publicación de material Impreso independiente. De igual forma dirige la editorial Common Books, cuya editorial utiliza el diseño y medios impresos para involucrarse con proyectos de educacion, política, comunidad y arte en los alrededores de Oxford y Londres. Se ha desempeñado de igual forma en la fotografía digital y analógica durante un largo período de su carrera, y más recientemente en la composición de música electrónica y la experimentación sonora.

Abdul Vas (Maracay // Madrid, España) Nacido en Maracay, Venezuela. Creció viviendo entre Surinam, Guyana y Bélgica.Ha creado libros hechos a mano y fanzines, fotografías, collages, dibujos, pinturas y murales. La obra de Vas ha sido reseñada en Vice, la revista Rolling Stone, ABC España, Revista Esquire, y el New York Times. En 2009, fue seleccionado para la Bienal de Beijing. Sus obras forman parte de varias colecciones a nivel internacional, y se han exhibido en los Estados Unidos, América Latina, Asia y Europa. La obra de Abdul Vas tiene una fuerte influencia en las obsesiones con los símbolos del sueño americano nacidas en su país natal, Venezuela. Fuertemente influenciado por Marc Chagall y James Ensor, el trabajo de Vas consiste en representaciones de gallos agresivos y bien dotados que representan el elemento masculino de la cultura del cowboy Americano. Por lo tanto, sus cuadros están llenos de referencias a la Asociación Nacional del Rifle (NRA en EEUU), el equipo de béisbol estadounidense Cincinnati Reds, MLB, Malcolm Young, The Rolling Stones, Metallica, Muddy Waters, SUV, la pornografía y los símbolos de la potencia imperialista norteamericana: los camiones Navistar. Otro tema recurrente en su obra es el grupo de rock australiano AC/DC, sobre todo el cantante Brian Johnson. Muchas de sus otras obras de arte llevan el nombre de las canciones o los álbumes de AC/DC.

Abraham Araujo (Caracas, Venezuela)Nace en la ciudad de Caracas, Venezuela y cursa estudios en la Escuela de Comunicación Visual y Diseño ProDiseño, para continuar posteriormente en paralelo en la producción independiente de eventos audiovisuales con la emisora de radio online (Una Valiente Nueva Radio/UVNRadio/A Brave New Radio) y la promoción cultural a través del proyecto Bestialo Culapsus: Artefactos y Esparcimiento a partir de la organización de festivales de cine itinerantes (Aquellas Cosas Que Nunca Llegaron), múltiples fiestas en locaciones no-convencionales (Culapsus y 0-800), conversatorios (La Magistral Clase del Sonido) y ferias editoriales (Un Zine Fin de Semana). En el 2010 inicia el proyecto editorial por medio de Ediciones Bestialo Culapsus produciendo un nutrido catálogo de fanzines y publicaciones independientes, igualmente continúa organizando y participando de manera local como internacional en diversas ferias editoriales en el Banco del Libro y la galería Carmen Araujo Arte en Caracas, y Sprint, Tijuana Feria, Fanzines! Festival en Milán, París y Sao Paulo respectivamente. En el año 2014 inaugura en el Museo Alejandro Otero la primera muestra individual de piezas tanto recopilatorias como inéditas de Bestialo Culapsus titulada "Quienquiera Que Pensó En_________ Dígale Que Está Equivocado" que más tarde en el 2015 será trasladada al Museo de Arte de Valencia. Su trabajo ha sido editado en la revista Bolo Paper en Milán, en la exposición aniversario de la agrupación Buffalo Daughter "Happy BirthDay BD20!" realizada en la galería Tokyo Cultuart By Beams en Tokyo, Japón y en "CLAP 10 x 10 Contemporary Latin American Photobooks" editado por 10x10 Photobooks en Estados Unidos. Reside y paralelamente trabaja como diseñador gráfico de manera freelance actualmente. 

Tio Vania en los llanos venezolanos

July 22, 2019, 12:21 pm

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Artistas venezolanos Prosigue Javier Vidal Prada revelando desde Miami lo que hace con su teatro y su familia: Caro Edgar Antonio, estamos “las cuatro Jotas” en Miami de paso. Jan regresó de su asueto sabático germano/español, por así llamarlo y ahora asiste en el montaje Gente Ociosa junto a Vyana Petri y Carlos Fabián, quienes sí residen en ésta urbe gringa. Josette parte mañana (martes 23) hacia México para rodar la serie de Amazon sobre Menudo ¿Se acuerdan de "Súbete a mi moto"? Julie finalizó su temporada de La Sra. Ímber con 11 funciones sold out.Incluso hubo sobreventa. Regresa a Caracas para su temporada en Trasnocho a partir del 2 agosto. Yo, junto a mi hijo, estamos, cómo te dije en anteriores cartas, en Gente Ociosa, una atrevida"expropiación del Tío Vania de Antón Chejov en tiempos revolucionarios" de Karin Valecillos, bajo la dirección del tambien venezolano Michel Hausman del Miami New Drama en el The Colonny Theater.  Cuyo estreno está previsto para el 1 de agosto hasta el 25 del mismo mes. Me acompañan: Luigi Sciamanna, Tania Sarabia, Basilio Álvarez, Vicente Peña, Eloísa Marturén (la ex esposa de Gustavo Dudamel), María Corina Ramírez y la grande Elba Escobar. Es un montaje intimista de cuatro frentes o un “cuadrilátero circular” para 130 espectadores, con vestuario de Eva Ivanyi y con un elenco jamás reunido en Venezuela que se da cita en el exilio para mostrar, exhibir, expandir un teatro comprometido y altamente político. Chejov desde las estepas rusas de la decadencia zarista aterrizó en los llanos venezolanos en los días del proceso revolucionario chavista. Una pieza de trascendencia que se verá en el sur de Florida donde los veranos en el Colony Theater se montará teatro hispano, teatro en castellano.  El 27 de agosto nos devolvemos Jan y yo para iniciar los ensayos de Casas Muertas en versión de mi hijo, bajo mi dirección con otro elenco de igual categoría, bajo la producción de Evelyn Navas. Pero de eso hablaré al volver a la patria. Aunque nuestra patria está repartida por todo el mundo y Miami es la sede principal, antes que España. Aunque en Colombia el problema de la migración se haya convertido en una invasión. Eso es otro tema, también.

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"Quiéreme mucho" ha regresado

July 24, 2019, 3:40 am

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Otri texto de Ott en escena

Las buenas propuestas teatrales merecen la pena que cada cierto tiempo vuelvan a ser montadas, este es el caso de Quiéreme mucho, obra original del periodista y dramaturgo Gustavo Ott (Caracas, 14 de enero de 1963), la cual hizo temporada en el Teatro San Martín de Caracas, bajo la dirección de Verónica Arellano, el 27 de septiembre de 2017 con las actuaciones de Ángel Pelay y Margareth Aliendres. Ahora ese mismo montaje, sin muchos cambios y con la participación de los jóvenes Johana Vargas y Luisangel Muñoz, hace temporada en la sala Rajatabla.

Ahí, según lo que plasmó el autor Ott, luego de varias décadas como inmigrantes, un matrimonio ha tocado el techo bajo y desilusionado de sus esperanzas: limpiar un viejo cine en un país extranjero. Pero “Teresa”, sin el consentimiento de su esposo, “Alfonso”, ha decidido regresar a su país. Mientras, al otro lado del cine, dos jóvenes, “María” y “Rómulo”, se conocen y a pesar de ser muy distintos, inician un improbable romance. El paralelo entre el amor que comienza y otro que termina define el valor de las relaciones, el respeto y el odio, conectando estos cuatro personajes como si fueran solo dos, rodeados de cine, humor, y la búsqueda de lo que significa la vida en pareja».

Quiéreme mucho es, pues  una comedia con un par de lágrimas que nos traslada con cariño e hilaridad a uno de los dilemas más antiguos del ser humano: el significado y la posibilidad del amor,  señaló Ott en una breve sinopsis

Hay que recordar que las obras de teatro de Ott han sido traducidas a más de 15 idiomas, desde el alemán hasta el griego. También han sido numerosos los reconocimientos obtenidos por textos como A un átomo de distancia, 120 vidas x minuto, Tres noches para cinco perros y Ogros bajo la cama, entre muchas otros.

El galardón más reciente se lo otorgó el Trasnocho Cultural por ser el ganador de su Primer Concurso de Dramaturgia con La foto. Escrita en 2016, la historia habla sobre la crisis de la mediana edad. “Pero después la obra despegó y se hizo más ambiciosa. Eso me sucede mucho y esas son las piezas de las que termino enamorado”, dice el dramaturgo

El espectáculo de Quiéreme mucho es grato, tanto el de la temporada 2017 como el de 2019 Mucha acción, mucho juego de caramelo amoroso de la parejita joven para contrastar el tedio de los ancianos. Todo dura unos 70 minutos. Nos sigue sorprendiendo la dirección de la Arellano. Las actuaciones son convincentes, aunque las entonaciones vocales lucen extrañas para ser un espectáculo realista. Eso lo detectamos en los montajes de las temporadas

VENEZOLANOS DESTERRADOS Escribir sobre el exilio cuando eres exiliado no es nada fácil y menos cuando se hace por primera vez, aunque todavía la predica del   profesor de filosofía nos retumba en la cabeza, por aquello de que toda la humanidad esta exiliada en este planeta y aún sigue sin encontrar su origen y su destino. Hay exilios, como se aprehende en la marcha, por convicciones políticas, violencia, persecución política, represión, depresiones existenciales y la curiosidad por conocer cosas nuevas, etcétera, tras asumir esa decisión del exilio o destierro. En síntesis, las razones que empujan a los intelectuales, o a los seres humanos en general, al exilio resultan diversas. Tan diversas como las historias que son frutos de esas experiencias. Pero, ¿en qué consiste exactamente el exilio?, como lo advierte la página web IberLibros en una extensa nota sobre exilio cultural para referirse al exilio impuesto, en particular, por la situación en que se encuentra la producción del libro y la acogida por el público lector o, en este caso que nos interesa, las piezas teatrales venezolanas y la respuesta de la audiencia de la comarca. “La literatura en el exilio conlleva un doble sentido: en sentido estricto, es la literatura de los autores que tratan en sus obras el tema del exilio; en un sentido más amplio, es toda la literatura escrita por los autores desterrados”. En palabras de Julio Cortázar, según cita IberLibros "el escritor exiliado es alguien que se sabe despojado de todo lo suyo, muchas veces de una familia y en el mejor de los casos de una manera y un ritmo de vivir, un perfume del aire y un color del cielo, una costumbre de casas y de calles y de bibliotecas y de perros y de cafés con amigos y de periódicos y de músicas y de caminatas por la ciudad. El exilio es la cesación del contacto de un follaje y de una raigambre con el aire y la tierra connaturales; es como el brusco final de un amor, es como una muerte inconcebiblemente horrible porque es una muerte que se sigue viviendo conscientemente". IberLibros se ha centrado en ese ensayo monográfico en la literatura en el exilio de la segunda mitad del siglo XX, de escritores latinoamericanos que emigraron a otros países del continente, Estados Unidos o Europa. En su gran mayoría son argentinos, pero también hay unas cuantas centenas de chilenos, paraguayos, uruguayos, cubanos, colombianos, peruanos... para integrar  una larga lista sin fin. Ahí están, por supuesto, los desterrados o exiliados venezolanos, quienes conocieron y sufrieron durante los siglos XIX y XX; cuando se escapó Andrés Bello, el más importante intelectual hacia Chile y allá hizo su valiosa vida para el mundo de habla hispana, y las rocambolescas peripecias del cuasi mitológico Rómulo Gallegos, entre otros. Durante este siglo XXI, el exilio literario y/o artístico se ha nutrido durante la segunda década por innegables razones sociopolíticas -o por ese gen libertario que anida en los criollos- pero ya antes se había fraguado el exilio del periodista Gustavo Ott escritor teatral y líder absoluto de la agrupación escénica (Textoteatro) con su propia sala, el Teatro San Martín de Caracas (TSM), cedido en comodato por el otrora Alcalde de Caracas, Antonio Ledezma, durante la ultima década de los 90 del siglo XX, el cual se convirtió en alternativa para las nuevas generaciones. Ott, casado y padre de una adolescente, vive en Washington D. C. y trabaja con GALA Theater como autor y director, además de laborar como docente en una prestigiosa universidad; pero no ha cesado de escribir teatro y últimamente ha publicados tres novelas. En síntesis, el susodicho exilio le ha dado diversos frutos, algunos premiados, además en Venezuela. Ott apunta que su Quiéreme mucho ahí subraya el paralelo entre el amor que comienza y otro que termina para definir o revisar el valor de las relaciones, el respeto y el odio, conectando estos cuatro personajes como si fueran solo dos, rodeados de cine, humor, y la búsqueda de lo que significa la vida en pareja.  Quiéreme mucho es una comedia con un par lágrimas que nos traslada con cariño e hilaridad a uno de los dilemas más antiguos del ser humano: el significado y la posibilidad del amor, considera Ott, quien es, precisamente, otro incansable enamorado del amor difícil, o en dificultades. Este Quiéreme mucho como love story en dificultades puede lucir superado por las circunstancias existenciales del contexto, o simplemente verla como “una pieza vieja y pasada de moda”, pero no es así, porque se puede sufrir y recurrir incluso a la dieta mediterránea para la sobrevivencia, pero nadie deja de amar o al menos soñar en un amor, por más imposible o difícil que parezca, aunque los personajes sean desterrados y quieran regresar al lar familiar, aunque no sepan quien se los marcado.  No es que Ott esté haciendo con Quiéreme mucho su testamento, no, nada de eso, es que como desterrado no puede dejar de aludir a esa temática, que está bien abajo de lo que escribe o hace, en el subtexto. Todo dura unos 70 minutos. Nos sigue sorprendiendo la dirección de la Arellano. Las actuaciones son convincentes, aunque las entonaciones vocales lucen extrañas para ser un espectáculo realista. Eso lo detectamos en los montajes de las temporadas citadas.

Escribir sobre el exilio cuando eres exiliado no es nada fácil y menos cuando se hace por primera vez, aunque todavía la predica del   profesor de filosofía nos retumba en la cabeza, por aquello de que toda la humanidad esta exiliada en este planeta y aún sigue sin encontrar su origen y su destino. Hay exilios, como se aprehende en la marcha, por convicciones políticas, violencia, persecución política, represión, depresiones existenciales y la curiosidad por conocer cosas nuevas, etcétera, tras asumir esa decisión del exilio o destierro. En síntesis, las razones que empujan a los intelectuales, o a los seres humanos en general, al exilio resultan diversas. Tan diversas como las historias que son frutos de esas experiencias. Pero, ¿en qué consiste exactamente el exilio?, como lo advierte la página web IberLibros en una extensa nota sobre exilio cultural para referirse al exilio impuesto, en particular, por la situación en que se encuentra la producción del libro y la acogida por el público lector o, en este caso que nos interesa, las piezas teatrales venezolanas y la respuesta de la audiencia de la comarca. “La literatura en el exilio conlleva un doble sentido: en sentido estricto, es la literatura de los autores que tratan en sus obras el tema del exilio; en un sentido más amplio, es toda la literatura escrita por los autores desterrados”. En palabras de Julio Cortázar, según cita IberLibros "el escritor exiliado es alguien que se sabe despojado de todo lo suyo, muchas veces de una familia y en el mejor de los casos de una manera y un ritmo de vivir, un perfume del aire y un color del cielo, una costumbre de casas y de calles y de bibliotecas y de perros y de cafés con amigos y de periódicos y de músicas y de caminatas por la ciudad. El exilio es la cesación del contacto de un follaje y de una raigambre con el aire y la tierra connaturales; es como el brusco final de un amor, es como una muerte inconcebiblemente horrible porque es una muerte que se sigue viviendo conscientemente". IberLibros se ha centrado en ese ensayo monográfico en la literatura en el exilio de la segunda mitad del siglo XX, de escritores latinoamericanos que emigraron a otros países del continente, Estados Unidos o Europa. En su gran mayoría son argentinos, pero también hay unas cuantas centenas de chilenos, paraguayos, uruguayos, cubanos, colombianos,peruanos... para integrar  una larga lista sin fin. Ahí están, por supuesto, los desterrados o exiliados venezolanos, quienes conocieron y sufrieron durante los siglos XIX y XX; cuando se escapó Andrés Bello, el más importante intelectual hacia Chile y allá hizo su valiosa vida para el mundo de habla hispana, y las rocambolescas peripecias del cuasi mitológico Rómulo Gallegos, entre otros. Durante este siglo XXI, el exilio literario y/o artístico se ha nutrido durante la segunda década por innegables razones sociopolíticas -o por ese gen libertario que anida en los criollos- pero ya antes se había fraguado el exilio del periodista Gustavo Ott, exitoso escritor teatral (tiene, por lo menos, una cuarentena de obras, escenificadas la mayor parte) y líder absoluto de la agrupación escénica (Textoteatro) con su propia sala, el Teatro San Martín de Caracas (TSM),. .

Frida Kahlo y Trotsky, los amantes de la Casa Azul

July 27, 2019, 12:34 pm

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MARIO DIAMENT

¡Qué bueno escuchar de vos! Efectivamente, acabo de estrenar en Buenos Aires 
Los amantes de la Casa Azul, sobre el affaire entre Frida Kahlo y Trotsky. Estupenda producción. Creo que la producción caraqueña de Pequeñas infidelidades que hicieron Nohely Arteaga y Rafael Romero, producida por Douglas Palumbo para el Teatro Trasnocho se va a dar una vuelta por Miami.
Así nos contesta Mario Diament desde Miami y ahí fue contactado por el actor y director Luigi Sciamanna, pues es posible que pronto en Caracas veamos el más reciente éxito escénico del ya legendario dramaturgo argentino.
Diament, que además es periodista connotado, dice que le resulta difícil identificar el momento exacto en que una idea se convierte en un proyecto y eventualmente, en una obra teatral. “En un principio, es la curiosidad la que azuza el interés del autor por conocer más de la vida de la vida de unos personajes, sean éstos históricos o ficticios. Y una vez que ese interés se convierte en imperativo, el paso siguiente es encontrar la forma dramática adecuada para contar la historia”.
“En el caso de León Trotsky y Frida Kahlo, era natural que el tema me atrapase. Su estatura en la historia contemporánea es innegable y el color de sus personalidades resulta subyugante. ¿Era verdad que fueron amantes o se trató meramente de un rumor? Esta simple pregunta fue la semilla que ocho meses más tarde daría como fruto Los amantes de la Casa Azul.
Trotsky y su mujer, Natalia Sedova, llegaron a México el 9 de enero de 1937. Fue la culminación de un largo exilio impuesto por Stalin que comenzó cuando Trotsky fue expulsado del Partido en 1927, diez años después de la revolución que lo tuvo por principal protagonista y que las sucesivas reescrituras de la historia oficial soviética se encargarían de tergiversar.
Su primera residencia fue el Alma Ata, en la república de Kazajistán, donde fue desterrado en 1928. Un año más tarde fue obligado a abandonar la Unión Soviética y encontró refugio en Turquía, en la Isla de Buyuk Ada, cerca de Estanbul. Fue el año en que Diego Rivera se casó con Frida y pintó el extraordinario mural en el Palacio de las Artes, en Ciudad de México.
En 1933, mientras Hitler ascendía al poder en Alemania, los Trotsky lograren trasladarse a Francia, donde permanecerían dos años. Pero las intensas presiones soviéticas sobre el gobierno del primer ministro Fernand Bouisson, concluyeron una vez más en su expulsión.
Su próxima escala fue Noruega, donde permanecerían por algo más de un año en condiciones muy similares a las de una prisión domiciliaria. Finalmente, el 19 de diciembre de 1936, después que el gobierno mexicano del presidente Lázaro Cárdenas anunciara su disposición a recibirlos, Trotsky y Natalia se embarcaron en el petrolero “Ruth” camino de su último exilio.
Después de su viaje a la Unión Soviética, en 1927, Diego Rivera había roto con el Partido Comunista mexicano y se había declarado trotskista. Él y Frida vivían en Coyoacán, en una casa bautizada La Casa Azul, por el color que se le había dado a las paredes. Cuando los Trotskys llegaron a México, los Rivera les ofrecieron alojarse en la Casa Azul y ellos se mudaron al estudio de Diego en San Ángel, a poca distancia de allí.
Las dos parejas se veían con frecuencia y la comunicación entre ellas era compleja y poliglota. Trotsky y Diego hablaban en francés. Trotsky y Frida lo hacían en inglés, un idioma que Natalia no entendía y Diego chapuceaba. Trotsky, quien por entonces tenía 58 años, comenzó a sentirse fuertemente atraído por Frida, que acababa de cumplir los 30. Su método de seducción consistía en prestarle libros, donde solían incluir pequeñas notas o cartas. Cuando estaban en presencia de Natalia, podían comunicarse libremente en inglés, porque Natalia no comprendía una sola palabra en ese idioma.
La fuerte custodia que siempre rodeaba a Trotsky hacía difíciles las escapadas, pero así todo, los amantes se las ingeniaban para encontrarse, generalmente en el estudio de Cristina, la hermana de Frida, que también quedaba en Coyoacán. Hacer el amor con Trotsky en el estudio de Cristina debe haberle resultado una hiperbólica venganza a Frida, que venía de descubrir la infidelidad de Diego con su hermana.El romance duró apenas unos meses. Las sospechas de Natalia y Diego creaban una atmósfera tensa en la Casa Azul, al punto que en julio, Trotsky decidió mudarse a una hacienda que le fue prestada en San Miguel Regla, a unos 80 kilómetros del Distrito Federal.
Fue allí, durante una visita de Frida, que el romance llegó a su fin. Frida viajó a Nueva York donde una importante exhibición de su obra había sido organizada por la Galería Julien Levy y Trotsky volvió a los brazos de Natalia, después de escribirle una larga carta cargada de explícitas referencias sexuales, donde le reiteraba su amor.
“Sintetizar toda esta historia en una obra teatral no es una tarea simple. A diferencia de la novela, el teatro requiere concentración dramática y constante interés. Una de las novedades estilísticas de Los amantes de la Casa Azul es que a lo largo de toda la obra, los personajes se vuelven para compartir con el público sus pensamientos y confesiones”.

En septiembre llega "Fin de mundo"

August 2, 2019, 1:38 am

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Francis Rueda,primera actriz de la CNT.

Hacia la tercera semana del venidero mes septiembre, lo más seguro hacia el jueves 19,  se ha fijado el estreno de Fin de mundo, pieza de Rubén Joya López (Maracay, 25 de abril de 1970), quien ganó el Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana 2018, según la versión escénica de Carlos Arroyo para la actual temporada de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), en la sala Alberto de Paz y Mateos.

 Reveló Joya que ha sido un gran estímulo para la creación este galardón y el montaje que ahora se adelanta, porque le permitirá visibilizar esfuerzos engavetados y le inquieta mucho más saber que tanto puedo ofrecer a quienes les interesa escribir o hacer teatro. “El premio, en fin, es reconocer y encontrarnos en la palabra frente al mundo insensato y una asociación espacio- tiempo inolvidable. Además, tenemos el derecho de continuar expresando y esta es una de las oportunidades para ofrecerle a la vida algo más interesante; a veces, hay que inhabilitar lo cotidiano, traicionar la lógica; el hecho real por sí me fastidia. Hay que motivar a crear otros concursos con una línea de montaje, o lo que esté al alcance para que a obra salga a la luz, como un parto bravío".

¿Puede resumir la temática y la argumentación de Fin de mundo?  

El tema es la opresión frente a un mundo que decide cambiar y vuelve a reincidir tanto en lo que aspira, como en lo que intenta y va dejando a su interés. Presenta una estructura con cuatro obras cortas, concatenadas que llamo cuadríptico, pues, su composición es importante dentro de la relación temática.  Es una obra atemporal, con visos absurdos, con un ambiente de guerra, personajes enigmáticos dentro de un lenguaje particular y realista. Es un ejercicio poético de la desdicha y la esperanza que se desarrolla en un entramado de teatro, música, danza, performance. Hay que vivir el teatro para entender qué nos está pasando y qué podemos reflexionar al menos en torno a eso. Espero, púes, su estreno del montaje que ahora adelanta el director Arroyo, donde además yo participo como actor al lado de  profesionales de la talla de  Gerardo Luongo, José Canelón, María Brito, Francis Rueda, Jean Manuel Pérez y Yordano Marquina, entre otros integrantes del elenco estable de la CNT, institución adscrita al Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

¿Hay más obras escritas tienes o más proyectos para desarrollar?

He escrito varias obras, incluso algunas han sido estrenadas como por ejemplo, Tacones seguros, Independencia una historia de hoy, Una tarde gloriosa, Los nadie (homenaje a Eduardo Galeano), una breve obra infantil El cochinito desobediente, obras cortas para espacios de calle y no convencionales, otras para Radio Teatro, algunas por encargo como Poseidón en el cual fui su coautor y se presentó en una gira por varios estados del país.

“Quiero escribir una pieza donde refleje un contexto de niños, es decir, actores representando a niños de la calle o sin refugio, además de toda esa imaginación lúdica, también llevo adelantado un tema sobre el petróleo y sus vaivenes históricos, quiero fortalecer mi ejercicio escritural en el guion para cortos y largometrajes, así como este año ser parte dela Compañía Nacional de Teatro ¡Qué gran sorpresa! Y quizás ser sorprendido de nuevo, quizás, como actor de Fin de mundo, o sea, de mi propia obra”.

¿En un país donde el profesional del teatro no sobrevive fácilmente, que hace usted para ayudarse?

La subjetividad siempre ayuda, es un motor para seguir creando sin que las criaturas cotidianas te encadenen al suelo. Pero hay que formalizar los sueños, tratar de que tengan un espacio terrenal, y eso amerita colocarse paralelamente en otro oficio por ejemplo en la docencia, como facilitador de procesos de aprendizaje, también como productor o más bien, “entrompador” para lograr viabilizar políticas en colectivo acordes con las acciones que pueden impulsar condiciones creativas con más posibilidad productiva.

¿Qué perspectivas tiene o trabaja para realizar?

Concebir un teatro más integrado, desde la escritura como en la puesta en escena; trabajar por un movimiento que pueda generar acciones en torno al arte dramático, como festivales, muestras, formación, como ya lo habíamos hecho en gran parte. El teatrista, siempre tiene algo pendiente. Siempre tiene una desobediencia ante lo maltrecho, frente a la opresión; El dramaturgo, frente a los desajustes, eso nos da un escenario para repensarnos en todos los ámbitos tanto educativos, como socioculturales. Debemos vernos en la realidad concreta, y convertir todo lo que acontece en un riesgo mucho más creativo. Debemos vernos frente al espejo pero no para contemplarnos, parafraseando a Octavio Paz, el espejo es el destino donde nos realizamos. El escenario, es nuestro; necesario es vernos. Un aplauso para todos”.

Un teatrero feliz

August 5, 2019, 1:40 am

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ENRIQUE PORTE Rafael Enrique Porte Villasana, más conocido como Enrique Porte, fue un hombre feliz. Lo decimos porque así lo enseñó Sófocles por intermedio del corifeo de su Edipo Rey, ya que no se debe considerar feliz a un ser humano hasta que este haya traspasado el umbral de la muerte, sin desventura alguna. Nacido en La Victoria, estado Aragua, el 10 de octubre de 1947, y fallecido en Caraballeda el 22 de agosto de 1990. Amó intensamente, se casó con Rosa Elena Arcaya y procrearon a su hija, Federica; además logró fundar y hacer funcionar, durante diez años consecutivos, una institución para la enseñanza del arte de la actuación, pieza fundamental del arte escénico en general, y por si todo esto fuera poco también mostró una larga serie de excelentes espectáculos teatrales y musicales, y además colaboró en la producción de los mismos. ¡Sí fue un hombre feliz! Hizo lo que siempre se propuso y nosotros creemos que por su trabajo como educador y formador apasionado de las nuevas cohortes, esas a las cuales nosotros bautizamos “la generación del relevo”, será recordado siempre. Fue, pues, un hombre feliz hasta minutos antes de su muerte, porque a pesar de que ya su corazón le advertía un deterioro critico, él insistía en subir hasta Caracas para continuar los ensayos de la que a la postre seria su meta final: La maldición de la clase hambrienta del norteamericano Sam Shepard. Nosotros, porque así lo hemos aprendido a lo largo de nuestras décadas de existencia, creemos que hacer lo se quiere, alcanzar las metas propuestas, dar y recibir amor, ser útil, son, por supuesto, los elementos de la felicidad, la cual no se podrá evaluar sino cuando el ser humano le haya puesto “la raya” a su periplo vital, como lo enseñó Jean Paul Sartre. Enrique Porte hizo todo eso y por eso fue un hombre feliz, aunque quizá él no lo supo. Entre las cosas que colmaron la felicidad de Enrique Porte, las que lo estimularon a que seguir viviendo, está el Taller del Actor, una asociación civil sin ánimo de lucro creada el 19 de junio de 1980, donde se realizaron inicialmente más de 20 talleres.  De todos esos talleres donde  los estudiantes trabajaron intensamente a lo largo de un  año entorno a las enseñanzas del  método stanislavskiano, salieron mejorados notablemente y con un mayor dominio de sus recursos actorales figuras destacadas  y suficientemente reconocidas como Alberto Acevedo, Chela Alterio, Saúl Arocha, Juan Carlos Azuaje, Rosa Elena Arcaya, Cesar Alonso, Leonardo Bustamante, Flavio Caballero, Koke Corona, Jorge Canelón, Verónica Cortez, Carlos Cruz, Balmore Carrero, Odilia Docaos, Carolina España, Gustavo Escobar, Morelia Segnini, Iván Feo, Marcos Ford, Ivette Garcia, Dimas Gonzalez, Lupe Gehrenbeck, Isabel Hungría, Carlos Herrera, Ivonne Hernández, Gledys Ibarra, Mimí Landaeta, Carmen Landaeta, Morelia Monagas, Maria Alejandra Martin, Hernán Marcano, Abril Méndez, José Ramón Ortiz, Javier Paredes, Gladys Prince, Reynaldo Perez, Juancho Pinto, Sergio Pacheco, Elizabeth  Quintanales, Vilma Ramia, Gina Roversi, Carlos Julio Ramírez, Hector Rodriguez Manrique, Jeannette Rodriguez, Nelson Segré, Carlota Sosa, Sixto Sánchez, Julio “Chino” Salas, Yordano Di Marzo, Carlota Sosa, Iraida Tapias, Carlota Vivas, Claudia Venturini, Mimí Lazo y muchos más. Ellos lograron convertirse en personajes destacados en los ámbitos del teatro, el cine o la televisión dentro y fuera de Venezuela. Fue una semilla que sembró y pudo ayudar a cosechar el mismo Enrique Porte, “la esperanza blanca”, como nosotros le decíamos cariñosamente. Enrique Porte aprendió el abecé del teatro en la UCV. Trabajó durante los años 60 con Nicolás Curiel, Herman Lejter y otros más; pero su gran aprendizaje lo hizo en Londres, en el Drama Center. Retornó a Caracas, en 1978, y a la par que creaba el Taller del Actor, en compañía de Carolina Puig, Carlota Sosa, Leonardo Bustamante, Antonio Machín, Rodolfo Hurtado y otros amigos, comenzó a dirigir  y producir espectáculos de calidad, como lo fueron: El sagrado corazón de la cochina, Una medalla para las conejitas, El tartufo, Todo bicho de  uña, Cruce sobre el Niagara, Teresa, Lennon, El esclavo, Viaje hacia la tierra de Jauja, Muñequita Linda, Suicidio en Si Bemol, La hora Texaco, Humboldt y Bompland, y muchísimos más. Su último montaje fue La maldición de la clase hambrienta, pero la conducción la asumió su alumno y amigo Santiago Sánchez, quien hizo la respectiva temporada a partir del 28 de octubre de 1992, en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, escenario donde precisamente tuvo sus mejores momentos estéticos. Hector Rodrigue Manrique, Morelia Segnini, Ivette Garcia, Juan Tresserres, Jorge Canelón, Flavio Caballero, Dayan Coronado y Antonio Machín fueron los intérpretes de ese montaje que cerró la historia de Enrique Porte. El Taller del Actor a la desaparición física de su fundador-director sobrevivió un tiempo como asociación civil, pero por diferentes factores de orden jurídico legal se trasformó en la Fundación Taller del Actor Enrique Porte, la cual auspicio el montaje del Cuarteto de Muller, producción mostrada durante las temporadas de 1992 y 1993.

Rigoletto en dos funciones para Caracas

August 5, 2019, 12:38 pm

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La Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho presenta Rigoletto, ópera en tres actos que se ofrecerá en el Teatro Municipal de Caracas por solo dos funciones: sábado 10 y domingo 11 de agosto a las 3:00 P.M.

El evento se realizará bajo la batuta del director musical invitado Antonio Delgado, quien viaja desde Canadá para deleitarnos con este espectáculo, cuya dirección escénica estará a cargo de Alexandra Pérez. Asimismo, Gaspar Colón, interpretando a Rigoletto, se acompaña del tenor Reynaldo Droz, quien llega, directamente, desde Italia para encarnar al Duque de Mantua, compartiendo tablas con Annelia Hernández y Ninoska Camacaro – Gilda–. En escena, además, se reúnen los talentos de Martín Camacho, Marilyn Viloria, Camilo Serrano, Domingo Balducci, Daniela Medina, Anderson Piaspam, Matteo Cestari, Carlos Díaz, Jesús Herrera, Julio César Salazar y un coro de ópera.

Rigoletto es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la obra teatral Le Roi s'amuse, de Víctor Hugo. Se trata de un drama de pasión, engaño, amor filial y venganza que tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua.

Esta coproducción del Teatro Municipal de Caracas y el Teatro Teresa Carreño cuenta con el apoyo de la Embajada de Italia, la Sociedad Giuseppe Verdi, Piazza Producciones y el Instituto Italiano de Cultura.

Quienes deseen vivir la experiencia total de la ópera tienen la oportunidad de comprar un boleto para tomar un transporte que saldrá a las 2:00 P.M. desde el Centro San Ignacio, desde donde serán conducidos hasta el recinto cultural del centro de Caracas, garantizando seguridad y confort. Una vez en el Teatro Municipal, el público podrá disfrutar del clásico de la ópera en tres actos, con posibilidad, en cada intermedio, de degustar alguna bebida en el café o, sencillamente, apreciar, desde su interior, la joya arquitectónica de estilo neoclásico inaugurada en el siglo XIX.

La Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho continúa brindando una amplia programación musical en su Temporada 30 aniversario, con la finalidad de celebrar tres décadas de desempeño orientado a la excelencia y el cultivo de la creatividad y la imaginación del ser humano. A lo largo de su historia, ha hecho un gran aporte social y cultural al país, realizando montajes de zarzuelas, óperas, conciertos sinfónicos, musicales, crónicas musicales, actividades sociales, conciertos populares, conciertos pop, galas sinfónicas, entre muchas otras actividades.

Más información sobre las entradas y los tickets con transporte incluido en www.ticketmundo.com, taquillas del teatro, teléfonos 0212-5769404 y 0212-5765285.