EL ESPECTADOR venezolano

Las dos Fridas, novedoso texto teatral del venezolano José Jesús González, que es interpretado por la primera actriz Indira Leal, tiene ya casi dos meses en la cartelera en el Paseo Wynwood de Miami bajo la dirección de Miguel Augusto Rodríguez.

En ese espectaculo Las dos Fridas se materializan los avatares existenciales de la legendaria pintora Frida Kahlo (Coyoacán, México, 6 de julio de 1907/ 13 de julio de 1954)y es así como las dos mujeres conviven en una sola persona y se debaten en un duelo sobre el arte, la vida y los amores. Es un reflejo mágico de la vida de la artista Frida, una mujer que se sentía diferente y lo plasmaba en su arte, en su forma de vestir y en su vida

Indira Leal, destacada comedianta venezolana con nueve años en Estados Unidos, después de haber vivido en Nueva York, Boston, Portsmouth y ahora en Miami, subraya que desde hace cuatro años trabaja y mora en “la popular urbe mayamera, como la llaman los venezolanos.

¿Cómo llegó ese texto a sus manos?

Me lo hizo llegar el mismo director artístico del Paseo Wynwood, Miguel Ferro.

¿Cómo fue el proceso de montaje?

¡Hermoso!, de la mano de mi director Miguel Augusto Rodríguez, quien que recreó una galería de arte dentro de un contenedor y tiene una propuesta estupenda y fuera de lo común. La obra está escrita para dos actrices y nosotros decidimos que una de ellas se presentara en video. A partir de esta primera premisa, Miguel Augusto que es un ser super creativo, decidió que la otra estuviera en persona pero que hablara a través de sus cuadros, por lo que como actriz, debo estar dentro de las paredes de la galería y salir por los marcos de los cuadros. Tanto la escenografía como el video de la otra Frida, fueron diseñados por el mismo Miguel Augusto, y se realizaron a propósito de un tiempo y espacio determinado para que todo ajuste una vez comenzada la obra.

Puntualiza Indira que una es la Frida artista y la otra es la Frida mujer y ambas se enfrentan en “esta sublime gran obra de arte al servicio del texto maravilloso de José Jesús González, llevando al público a un pequeño tour de la vida y obra de esta gran artista mexicana”.

“Como actriz me tuve que enfrentar con varias cosas novedosas, cosa que para mí es el alimento del alma y performance: uno el video que está grabado en tiempo real y en el que debo caer en sincronización perfecta de diálogos, la otra es estar dentro de la pared de la galería e interactuar con el público desde allí, y como siempre en este concepto de teatro breve, pues tienes al espectador super cerca, y como es una galería, pues ellos asisten y observan de pie”.

“En general fue un proceso tan complicado como enriquecedor. Y por supuesto, involucrarse, investigar, ver todo lo referente a esta gran artista, es una de las cosas que más llenan para poder llevarles esa versión de una Frida que ríe, que llora y canta su vida sin tapujos. La producción de la obra está a cargo de P.O.V Productions, inc., avalada por Iberoamerican Art Foundation que es una fundación para promover el arte Iberoamericano en USA. Patrocinada por DDrepro & Graphics quienes fueron los realizadores de tan especial escenografía y Kliché Nails quienes son nuestros aliados en varios de nuestros eventos”.

¿Cómo han sido las temporadas?

Muy buenas, ya esta es la tercera temporada de Paseo Wynwood, un espacio increíble, donde el público no solo puede ver teatro breve en siete contenedores, acondicionados como pequeños teatros para ver las obras cortas que han tenido mucha variedad en géneros y estilo, sino que también tiene una sala de teatro donde se disfrutan de obras más largas, conciertos, charlas, encuentros y cine. Miguel Ferro ha hecho de Paseo un verdadero "oasis de buen teatro" en estas instalaciones y cada vez va creciendo. Este sitio es un punto obligado de encuentro para los amantes del arte en esta ciudad tan exigente”.

¿Qué criticas ha recibido?

Estupendas. La gente de verdad se disfruta al máximo esta obra, se la vive, la ríe, disfruta y llora con Frida. Miguel Augusto y yo hicimos un match estupendo y mágico y eso se siente y se ve en el espectáculo y por supuesto como todo lo que se hace con amor, pues, es recibido de la misma manera. Escuchar los comentarios del público y recibir sus aplausos cada noche es un gran acto de amor en respuesta a nuestro trabajo.

¿Qué planes tienes con esa pieza y con su trabajo teatral en general?

Muchos, ya tenemos ofertas para mostrarla en otros escenarios, se irán concretando, pero una vez concluida esta temporada que será el 24 de febrero, sigue una obra que me tiene muy emocionada, se llama Contracaray es de José Gregorio Rodríguez; allí produciré y dirigiré a estos dos estupendos actores como lo son Francisco Porras (mexicano) y Luis Carreño (venezolano).

“En Paseo Wynwood, soy una de las productoras asociadas, por lo que tengo el gusto de producir una obra cada cinco semanas que es el tiempo que dura la temporada. Por otro lado, tengo otros proyectos como actriz, directora y escritora para este año. Aparte de la muestra de cine venezolano que dirijo y realizo junto a mi equipo, todos los años en esta ciudad y que tiene planes de extenderse a otros estados de USA.Mí Cinema Venezuela en este 2019 cumple cinco años.

Victor Vargas,teatrero y novelista.

La intolerancia, o sea la falta de tolerancia en los ámbitos religiosos, sociales y sexuales, fue el tema escogido por el barquisimetano Victor Vargas para su debut profesional en el teatro, a una edad que no es precisamente para dar los primeros pasos en tan exigente y competida disciplina artística, para ese entonces estaba en los 40.

Lo conocimos, pues, en el teatro San Martín de Caracas, durante la temporada del 2007, con su pieza Mientras amanece, dirigida muy profesionalmente por Gonzalo Cubero y con las precisas de David Villegas y William Escalante, quienes escenificaron un estrujante drama sobre un asesinato cometido en un motel y además revelaron las historias íntimas de esos hombres involucrados en semejante crimen: un macho heterosexual mata a un amadamado gay porque le cobra “servicios prestados”, después de amanecer juntos.

Aquel novel dramaturgo nos declaró, en ese entonces, que “el racismo, la homofobia, la xenofobia y el genocidio, que es lo tratado en Mientras amanece, no son más que diferentes tipos de intolerancia. Han servido de excusa para hablar precisamente sobre la intolerancia, un tema que me preocupa en extremo. Los venezolanos, que tenemos fama mundial de afables y receptivos con aquellos que son diferentes, para mí es un cuento que tiene más de mito que de realidad, algo que me ha costado tragar desde siempre. Hemos estrenado el siglo XXI como una sociedad con niveles muy bajos de tolerancia, niveles casi alarmantes. Algo que debería llevarnos a la reflexión a todos”.

Victor, tras las normales repercusiones de aquel drama, calcado de la vida real, tomó las de Villadiego y con su esposa saltó a Madrid, y ahora desde esa urbe nos manifiesta que ha continuado escribiendo y haciendo literatura. “Desde que en 2003 decidiera abandonar mi profesión de informático y retomar mi vocación literaria no he dejado de hacerlo. Por ejemplo, sin ir más lejos, hace un par de semanas se lanzó en el mercado español mi más reciente novela titulada Me llaman Big. La ha publicado Huso Editorial (una edición cuidada y hermosa) y estimamos presentarla acá durante la segunda quincena del mes de febrero. En ella se relata la historia de un mimo que crea sus propios espectáculos para luego representarlos, de forma exclusiva, a niños en situación de riesgo en países que se encuentran inmersos en conflictos bélicos. Big, el nombre artístico del protagonista principal de la novela, es una especie de mimo trotamundos que va saltando de guerra en guerra con el fin de llevar un poco de alegría a los niños”.

Puntualiza que durante el año pasado también presentó su texto La naturaleza de las cosas (Ediciones Carena, 2018), un libro de relatos cuyos textos giran en torno a los objetos y la influencia que dichos objetos ejercen sobre la cotidianidad de los seres humanos. El libro tuvo muy buena acogida, tanto en medios, lectores, así como en la crítica especializada. Y para cerrar mi respuesta a tu pregunta, en estos días me encuentro trabajando en lo que será mi próxima novela. Estoy apenas en la etapa preliminar, tomando algunas decisiones importantes antes de sentarme a escribir, pero el tema, el argumento y gran parte de lo que va a suceder en esta nueva obra los tengo bastante claros en mi cabeza. Quizá con lo que me encuentro ahora mismo luchando es con el tono que tendrá la novela. El tono es un elemento esencial y hasta que no lo tenga definido no puedo iniciar el proceso de escritura. Como has visto, la literatura continúa siendo parte importante de mi vida”.

¿Satisfecho?

Qué puedo decirte… Por cuestiones de mi propia naturaleza me cuesta aceptar que estoy satisfecho al cien por ciento con lo que hago o he hecho. Siempre aspiro más. Así que dejémoslo en que estoy contento y entusiasmado con los resultados logrados.

¿Qué viene ahora?

Ahora me toca promocionar a Me llaman Big. Parte de mi tiempo durante los próximos meses lo dedicaré a esta actividad. Luego haremos una pequeña gira por varias ciudades de España. Lo que sigue será intenso y es quizá la parte que menos me agrada del oficio de escribir, pero a la vez soy consciente de que en esta época el que un autor se involucre con la promoción de sus libros es esencial para darlos a conocer entre los lectores. Te confieso que yo preferiría utilizar ese tiempo para seguir creando, pero, insisto, es algo con lo que los autores debemos involucrarnos y que debemos comprometernos a hacer para dar a conocer nuestra obra.

¿Dónde dejó al teatro o el teatro lo abandonó?

No. De ninguna manera. Ni yo he dejado al teatro ni él me ha abandonado a mí. Me costaría sacar mi vida adelante sin estar ligado de una u otra forma al teatro. De hecho la novela que acaban de publicarme tiene un lazo muy fuerte con el teatro. Si bien la última pieza que subí a mi web está fechada en 2014, no significa que desde entonces no haya creado nuevas obras. Aunque te confieso que sí hubo un pequeño parón de un par de años. Pero en 2017 y 2018 he retornado a la escritura teatral. Ahora mismo mantengo dos piezas reposando en el cajón de “cuarentena” para, en su momento, darles una revisión exhaustiva y posteriormente colgarlas en mi web. Además, me rondan en la cabeza nuevas ideas para crear al menos otras cinco piezas más. Solo necesito organizarme y encontrar el tiempo para sentarme a escribirlas. Permíteme añadir que el parón que tuve con la escritura teatral se debió en buena medida a que, en 2015, estrenamos un espectáculo con el que fuimos invitados a un festival de teatro en Medellín, después hicimos un par de temporadas en salas de teatro alternativas de Madrid y a esto siguió una gira por varias ciudades de España. Tuvimos ocasión de presentamos en lugares emblemáticos para las artes escénicas españolas como el Teatro Real Carlos III de Aranjuez o el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria. Te estoy hablando del montaje de Babyboom en el Paraíso, pieza de Ana Istarú que he dirigido, un espectáculo que conservamos en el repertorio de la compañía y con el que seguimos presentándonos de tanto en tanto en centros culturales de la Comunidad de Madrid gracias a nuestra alianza con una productora que ha asumido su distribución. La última función que dimos fue en octubre pasado y estamos en conversaciones para una posible función en Lanzarote el próximo mes de mayo. Estela Perdomo (la actriz que interpreta a la Ariana Morelli de la obra) y yo estamos muy contentos con el trabajo que hemos conseguido porque es un espectáculo que llega muy bien al espectador que viene a verlo; se ríe y conmueve a la vez que reflexiona sobre ese maravilloso misterio que es la maternidad.

¿O sea que el teatro sigue?

Por supuesto que sí, mis piezas continúan produciéndose y estrenándose alrededor del mundo. Por estos días dos compañías trabajan en el montaje de dos de ellas: una en Chile y otra en Ecuador. Y me siento un gran afortunado por todo esto.

¿Y Venezuela?

Se todo lo que pasa en mi patria. Me preocupa.

Pablo García Gámez vive ,estudia y trabaja en Nueva York.

La segunda temporada de la pieza Oscuro, de noche, ahora en la sala Anna Julia Rojas de Unearte, del 14 al 31 de marzo, permite que su autor responda a varias preguntas que ayudarán a los espectadores a interpretar mejor dicho montaje, que ha dirigido Carlos Arroyo y que es producido por la Compañía Nacional de Teatro.

¿Pensó en el éxito con este texto?

Desde que lo escribí, Oscuro, de noche se convirtió en un texto con el que me identificaba: expresa visiones que siempre quise abordar. Se integra a un proceso en el que, a través de la dramaturgia, me reencontraba con la Caracas de mi mente y a la que tenía dos décadas sin ver. Los otros textos extremadamente caraqueños son Noche tan linda, El Gos, Vendrán tiempos mejores y La vieja herida. En ellos está la memoria y también la necesidad de explicar cómo es el lugar de dónde soy, un espacio que crítico y celebro. En el proceso, mi escritura encuentra la alteración de tiempos -el tiempo de la memoria que llega en fragmentos- con personajes que luchan por querer ser, como escribió sobre mi dramaturgia, en Latin American Theatre Review, Antonio César Morón, catedrático de la Universidad de Granada.

“Todo este preámbulo porque no sabía si alguna vez Oscuro, de noche podría ser representado. De hecho, una vez leí un fragmento en The New School y una asistente al evento comentó: “¡Eso es inmontable!” Yo estaba seguro que era montable, pero no sabía si algún teatrero o grupo estaría dispuesto a correr el riesgo. Igual estaba satisfecho con lo que leía en el papel. Definiría Oscuro, de noche como crónica periodística hecha crónica teatral: una crónica con un hecho que ha sido tan manipulado que se convierte en palimpsesto de verdades, medias verdades y mentiras: no sabes qué hechos son realmente ciertos -el caso de los testigos en la obra- algo que ocurre con la información que actualmente nos hacen digerir, mucha de ella desvirtuada. Era una obra con la que tenía empatía, pero de ahí a pensar que tendría dos temporadas, confieso que no, no lo pensé”.

¿Qué lo llevó a participar en el Concurso de Dramaturgia Nacional Apacuana?

Cuando me enteré del Apacuana, no le presté atención… o se le presté, pero sé de la calidad que hay en la dramaturgia de Venezuela. A todas estas, mi amigo Hernán Colmenares, me comenta sobre el concurso y me convence que envíe una pieza. Desempolvo el texto y lo mando. Recuerdo exactamente dónde estaba cuando me enteré que había ganado: estaba en una cafetería y los clientes escucharon un “¡Coño! ¡Me gané el Apacuana!”

“Aprovecho la pregunta para afirmar que el Apacuana debería ser de nuevo inclusivo a los autores venezolanos en el extranjero. Creo que el diálogo teatral marcará el futuro del país. A todo nivel. Hay autores que están fuera del país y lo llevan encima con propuestas que aportan a ese diálogo. Cuando he tenido la oportunidad de intercambiar con estudiantes en Caracas he notado la preocupación por la vanguardia, por inscribirse en la vanguardia tomándola como el grupo de manifestaciones más recientes que se dan en USA o Europa. A diferencia de este criterio, Richard Schechner -el creador de la disciplina de estudios del performance- dice que la vanguardia es policéntrica: cada espacio tiene su vanguardia. Creo que la inclusión de autores venezolanos en el exterior abriría un debate que podría abordar aspectos como el que te acabo de comentar. Además, las ausencias no dialogan.

¿Satisfecho de lo que logró Carlos Arroyo?

No estoy satisfecho con Carlos Arroyo. Estoy extremadamente agradecido con Carlos Arroyo por todo lo que ha logrado con el texto. Encontró inmediatamente su carácter manipulable, sus elementos lúdicos. Vistió al texto de circo, lo subió al cerro. Hizo que cada actor, cada actriz, cada músico, cada técnico diera lo mejor para crear este musical cerrícola, cerrícola con el orgullo y la humildad de reafirmar de donde emerge la obra. La práctica que emplea la CNT ofrece la posibilidad de múltiples lecturas al rotar los personajes entre los actores. Cada función tiene un sabor diferente a las demás, algo difícil, muy difícil de ver en cualquier contexto.

¿Qué le cambiaría a su texto ahora que lo ha visto representado?

Moreno Uribe: no le cambio nada. El texto sigue allí para ser jugado, para invitar a diferentes lecturas, para jugar con la poesía, la dureza y el vacilón que es la vida.

Instalado en Nueva York para escribir teatro.

Pablo García Gámezreapareció en los escenarios venezolanos, durante la temporada 2018, gracias al estreno de su pieza Oscuro, de noche, bajo la dirección de Carlos Arroyo y con la producción del espectáculo por parte de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en la caraqueña sala Alberto de Paz y Mateos. Ahora, este caraqueño de 58 años, quien lleva algo más de medio siglo de residencia en Nueva York, es nuevamente noticia porque dicha pieza abre la temporada 2019 en la sala Anna Julia Rojas, de Unearte (Universidad Nacional Experimental de las Artes), del 14 al 31 de marzo, en funciones de jueves a domingo, a las 4 PM.

Oscuro, de noche tiene una sinopsis que los eventuales espectadores del espectáculo deben conocer: Kenny Javier Barrios (25 años) es víctima de la violencia urbana: pierde la vida y la roban su motocicleta recién comprada. Sus padres se enteran de la noticia y además comienzan a luchar contra las imágenes negativas de Kenny. Ellos hacen lo posible por cumplir con los rituales funerarios, pero encuentran una serie de obstáculos: la abuela Mercedes está seriamente enferma, los medios mencionan que hacía actividades ilegales, el proceso en la morgue dura más de lo debido, las funerarias se niegan a velar su cuerpo. Tratan de resolver cada problema en la marcha buscando encontrar una paz que no llega. Mientras tanto, tres testigos narran sus versiones que se niegan a compartir con las autoridades. Deja una novia enamorada.

En este montaje de Oscuro, de noche, texto merecedor del tercer Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana, el director Arroyo juega con elementos de las estéticas expresionista, realista y circense, hasta lograr crear un conmovedor e impactante espectáculo, el cual poetiza el miedo que se ha apoderado de una ciudad, para no más de 90 minutos de exhibición escénica.

¿Pensó usted en el éxito con este texto?, preguntamos al autor.

Desde que lo escribí, Oscuro, de noche se convirtió en un texto con el que me identificaba: expresa visiones que siempre quise abordar. Se integra a un proceso en el que, a través de la dramaturgia, me reencontraba con la Caracas de mi mente y a la que tenía dos décadas sin ver. Los otros textos, extremadamente caraqueños, son Noche tan linda, El Gos, Vendrán tiempos mejoresy La vieja herida. En ellos está la memoria y también la necesidad de explicar cómo es el lugar de dónde soy, un espacio que critico y celebro. En el proceso, mi escritura encuentra la alteración de tiempos -el tiempo de la memoria que llega en fragmentos- con personajes que luchan por querer ser, como escribió sobre mi dramaturgia, en Latin American Theatre Review,Antonio César Morón, catedrático de la Universidad de Granada.

García Gámez advierte que hace todo este preámbulo porque no sabía si alguna vez Oscuro, de noche podría ser representado. “De hecho, una vez leí un fragmento en The New School y una asistente al evento comentó: “¡Eso es inmontable!” Yo estaba seguro que era montable, pero no sabía si algún teatrero o grupo estaría dispuesto a correr el riesgo. Igual estaba satisfecho con lo que leía en el papel. Definiría Oscuro, de nochecomo crónica periodística hecha crónica teatral: una crónica con un hecho que ha sido tan manipulado que se convierte en palimpsesto de verdades, medias verdades y mentiras: no sabes qué hechos son realmente ciertos -el caso de los testigos en la obra- algo que ocurre con la información que actualmente nos hacen digerir, mucha de ella desvirtuada. Era una obra con la que tenía empatía, pero de ahí a pensar que tendría dos temporadas, confieso que no, no lo pensé”.

¿Qué lo llevó a concursar en el Apacuana?

Cuando me enteré del Apacuana, no le presté atención… o se la presté, pero sé de la calidad que hay en la dramaturgia de Venezuela. A todas estas, mi amigo Hernán Colmenares, me comenta sobre el concurso y me convence que envíe una pieza. Desempolvo el texto y lo mando. Recuerdo exactamente dónde estaba cuando me enteré que había ganado: estaba en una cafetería y los clientes escucharon un “¡Coño! ¡Me gané el Apacuana!”

“Aprovecho la pregunta para afirmar que el Apacuana debería ser de nuevo inclusivo a los autores venezolanos en el extranjero. Creo que el diálogo marcará el futuro del país. A todo nivel. Hay autores que están fuera del país y lo llevan encima con propuestas que aportan a ese diálogo. Cuando he tenido la oportunidad de intercambiar con estudiantes en Caracas he notado la preocupación por la vanguardia, por inscribirse en la vanguardia tomándola como el grupo de manifestaciones más recientes que se dan en USA o Europa. A diferencia de este criterio, Richard Schechner -el creador de la disciplina de Estudios del performance- dice que la vanguardia es policéntrica: cada espacio tiene su vanguardia. Creo que la inclusión de autores venezolanos en el exterior abriría un debate que podría abordar aspectos como el que te acabo de comentar. Además, las ausencias no dialogan”.

¿Satisfecho de lo que logró el director Arroyo?

¿Cuál es la clave para ganar premios, es que no hay otros concursantes?

Claro que hay colegas muy buenos. No sé si será parte de la clave, pero escribo sobre temas que me apasionan: el desarraigo, el paso del tiempo; sobre la periferia y sus personajes. Durante el día me lleno de imágenes, vivencias, conversaciones sueltas, recuerdos, cuestionamientos que exploro con la palabra y el tiempo. Un factor de mi escritura es que la vida ha transcurrido desde el margen y que tengo arraigado un sentido de pertenencia a diversas minorías en diversos espacios. Se dio el hecho afortunado de caer en conciencia de ello y poder revisar ese proceso. De ahí el re/sentimiento, doble sentir de esas experiencias. A mis estudiantes les digo que traten de ver la situación desde la periferia, que escriban sobre lo que quieren ver en escena, que sus obras pregunten, interpelen al espectador. Que sean fieles a su trabajo, que no hay que estrenar mañana.

¿Cómo hace? ¿Tiene a otros que escriben por usted?

¿Cómo hago? ¿Qué hago? Escribir. Es la única manera. Dedico aunque sea una hora al día porque quiero escribir, porque necesito escribir, porque tienen que salir esas voces, porque me gustaría verlas en escena. Hace un par de años estoy desarrollando la tesis doctoral sobre teatro y comunidades hispanas y no he dejado de escribir teatro. Edgar, ¡llevo 32 años escribiendo! El montón de obras sale porque estuvieron guardadas todos estos años. Guardadas no, intenté difundirlas en diversos momentos, pero el canon de la dramaturgia es un filtro; de hecho, el canon es de naturaleza cogollística. A Venezuela las mandé a grupos, productores; tuve una única respuesta sobre una obra: “es interesante”. Aquí mandé a concursos y así fueron saliendo a la luz. Agradezco a la Compañía Nacional de Teatro por Oscuro, de nochey a la Escuela Juana Sujo por presentar ¿…Y qué es Nueva York? (Cariaquito Morao). Fue un modo de aceptación de mi identidad.

“Volviendo a las piezas, escribí Cariaquito Morao hace 27 años. De repente, se da la coyuntura y gana el ACE de dramaturgia y de actuación en monólogo. Con la pieza que ganó el LATA, Eclipse Total en G.T.s, es diferente: en 2018 soy invitado por Harlem 9 y Pregones para participar en 48Hours in The Bronx, actividad en la que en dos días trabajas en equipo para hacer un montaje incluyendo el texto. Me tocó trabajar sobre un bar gay en los ’80 y escribí un texto para recordar a los que se nos fueron por el SIDA y celebrar a los que están; el LATA fue el sábado 9 de febrero y no pude ir por la tesis… y porque estoy con el borrador de algo que creo será una obra.

Dos actrices y bailarinas en impactante espectáculo.

Las artes escénicas no han desaparecido de Parque Central y es por eso que desde el sótano 1 del edificio San Martín, donde funciona la sala o el espacio teatral La rampa, sale para presentarse en el teatro Principal, esquina con la plaza Bolívar de Caracas, únicamente este sábado, a las 5 PM, y el domingo, a las 4PM, el extraño montaje dancístico-teatral Tropical, sorprendente creación de la agrupación Igual a Uno Teatro, la cual bajo la dirección de Gregorio Magdaleno se estrenó durante el pasado Festival Internacional de Teatro de Caracas y ahora hace una breve temporada, antes de irse de gira a la provincia , como paso previo para dos compromisos internacionales, uno de ellos en España.

En Tropical, montaje que combina sabiamente las técnicas del baile o la danza con el teatro, los espectadores podrán rememorar y disfrutar como “ser y no ser” identifica al inglés Shakespeare o que “inventamos o erramos” es el reto que el venezolano Simón Rodríguez le hizo a los latinoamericanos hace más de dos siglos, o aquel “pienso, luego existo” del francés Descartes que generó toda una revolución en las maneras de abordar el análisis de la realidad, temida revisión que ya la había iniciado muchísimos siglos antes ese "solo sé que no sé nada" del griego Sócrates.

Aclaremos a los eventuales asistentes a las funciones que Tropical no es una densa clase de filosofía reducida a un entretenido recital de sentencias memorables con bailecitos aleatorios, son, eso sí parte, algunos de los textos, bien actuados, que transmiten las actrices-bailarinas protagonistas Osleyda Pérez y Yarumí González, apoyadas por el actor Amílcar García, quienes emprenden, a lo largo de 90 minutos, un singular viaje escénico, con sus bailes y movimientos a través de la búsqueda de su propio nombre y a partir de ello, de la búsqueda del ser. Es una indagación teatral, donde se suda, como ha dicho el director-autor Magdaleno, para descubrir quiénes somos, frente a unas maneras, unas formas impuestas en nuestros propios comportamientos. “Entonces nosotros como espectadores podemos conocer lo que podría ser el cliché, la iconografía de lo tropical, es decir, por ejemplo, los mambos, los bailes, los merengues, las cumbias, que de alguna manera signan una manera de ser y que nos contrastan en nuestra mirada interior”. Y todo ese culmina con esta memorable frase de Goethe: "Mientras no mueras y resucites de nuevo serás un desconocido para la oscura tierra".

Tropical es, pues, una pieza de teatro arte, ese que muchos teatreros tienen miedo identificar por su nombre y al cual miran peyorativamente porque es, sin lugar a duda, teatro filosófico y además consideran que el público es ignorante y lo que quiere o hay que servirles es la banalidad de algunos textos.

En Tropical, Gregorio Magdaleno, actor, director y escritor, con más de 40 años de trayectoria artística, permite conocer su visión sobre el arte y la vida, las cuales ha logrado conjugarse para llevarle al público general una pieza para plantearle la razón sobre el ser, su origen y verdad, buscando así enfrentarlo con la complejidad y singularidad del ser humano.

Este trabajo es consecuencia de dos años de exploración, de continuo entrenamiento, preparación y búsqueda de las verdades de cada intérprete. Ver Tropical reivindica al arte del movimiento escénico dancístico que injustamente algunos críticos habían calificado de banal porque sus artífices no emiten palabras o sentencias de trascendencia.

Pero Tropical recuerda al viejo arte del teatro circense y rompe la cuarta pared y va hacia el público y lo afronta con sus preguntas que lanza cuales dardos de filosofía o conocimientos generales y glosa sus respuestas, además que lo premia con mandarinas, naranjas mangos o cambures. Hace una fiesta o un happening en la sala teatral, distiende las distancias y todos participan, al tiempo que lo baña con pétalos de flores o pedazos de coloridos papeles. La fiesta termina con las palabras del legendario filósofo alemán: "Mientras no mueras y resucites de nuevo serás un desconocido para la oscura tierra".

Es, pues, Tropical, un novedoso teatro ritual nada convencional, donde proyecta sus dos actrices, que recrean unas fantásticas mujeres. Si quieres reír, llorar, bailar, sorprenderte, reflexionar y descubrir lo que significa o es para ti, Tropical, no dejes de asistir a esta obra que de seguro querrás ver todas las veces que sea necesario.

Y no podemos cerrar esta reseña sin recordar que Igual a uno Teatro es una agrupación nacida en el 2016, la cual hace vida en la sala de teatro La Rampa y tiene como norte la búsqueda de un desarrollo estético fundamentado en la posibilidad creadora de los seres humanos como capacidad única para un desarrollo intelectual y espiritual, armonioso y creciente; esta agrupación se dedica a mostrar historias, eventos y sucesos humanos hilados por la búsqueda del significado del ser, a través de la propia búsqueda expresiva del actor o actriz.

La rampa es el antiguo espacio experimental del Celcit, creado por el filósofo del teatro Juan Carlos De Petre, en las décadas de los 80 y los 90 del siglo XX, el cual se transformó en la Sala Altosf, en el año 1993 y ahora, desde el año 2015, se convirtió en La Rampa, siempre bajo la égida de Magdaleno. Gracias al apoyo de Fundarte y la empresa Corpocapital (que gerencia al Complejo Habitacional Parque Central), para su reacondicionamiento y ahora espera ser un espacio alternativo para las nuevas generaciones de artistas venezolanos.

Tres jóvenes para encarnar a Lucía

Del 14 al 24 de marzo, Oscuro, de noche, una de las producciones de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) más exitosas del 2018 regresa a escena. En esta oportunidad las presentaciones serán de viernes a domingo, a las 4:00 pm, en la sala Anna Julia Rojas de la Unearte.

Ariana León, Marxlenin Cipriani y Randimar Guevara son las actrices del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) quienes tienen la responsabilidad de interpretar a “Lucía”, uno de los personajes principales de la exitosa producción “Oscuro, de noche que a finales del año pasado fue muy bien recibida por el público caraqueño.

A propósito del remontaje de la pieza para el venidero mes de marzo, se les realizó sendas entrevistas para contrastar sus opiniones sobre el personaje que les corresponde encarnar en esta obra escrita por el ganador del Apacuana 2017, Pablo García Gámez dirigida por el maestro Carlos Arroyo.

¿Cuál fue el mayor reto de interpretar a Lucia en “Oscuro, de noche”?

León:

“Creo que en la interpretación de Lucía en Oscuro de noche hubo dos retos muy grandes. El primero representar a un personaje que está teniendo una perdida humana muy importante para ella, eso ya es una situación muy difícil para cualquier ser humano; pero representarlo y que el público logre conectar con eso a través de un dialogo interno con el personaje, que logre ver el duelo que tiene esta persona, es un reto bastante alto, el darle poder a la imagen de esa persona que se fue, que ya no está es un reto bastante difícil. Y en luego sin duda la incorporación de un elemento que no es propio del teatro, o no es normal que este incorporado en esa situación, que es la lira, el elemento de circo, que más allá del aprendizaje y el manejo del elemento como tal, que por supuesto que fue un reto, y que fue difícil. Que ese elemento se lograra unificar junto con lo que el personaje estaba diciendo… Que lograra intensificar lo que Lucía estaba diciendo. Eso fueron los dos mayores retos de interpretar a Lucía”.

Cipriani:

“Además, del gran contenido poético que Pablo García Gámez imprimió, no solo a Lucia, sino a cada uno de los personajes de esta obra, lo que particularmente siento que a nivel actoral requiere un mayor compromiso con la imagen, la belleza, la estética y los matices que demanda (en mi opinión) fueron cada uno de sus monólogos (de Lucía). La puesta sugerida por el maestro Carlos Arroyo involucraba propuestas (elementos) de circo… A Lucia en este caso la muestra como una practicante de lira profesional, y para poder cumplir con esta característica tuve que someterme a un riguroso entrenamiento continuo y lograr, al menos, cierta destreza con el instrumento sin descuidar, claro está, las otras técnicas actorales, más bien con el objetivo de que ambas disciplinas se mezclaran en un todo lo más prolijo y honesto posible”.

Guevara:

“Personalmente uno de los temas que aborda Oscuro, de noche que es la pérdida de un ser querido, fue algo que a mi particularmente me toco como ser humano porque recientemente, hace unos poco años yo, Randimar Guevara, perdí un ser querido, y esta obra reavivo muchas emociones en mi… En cuanto a Lucía el mayor reto fue desapegarme de mis emociones pero sin negarlas, para poder entender las emociones de Lucía, cuando logre distanciarme de mis emociones y acercarme a la de ella, logre entender el mundo de esta joven, que además de ser artista, es novia de un chico que muere. Por eso para mí uno de los retos más grande de interpretar a Lucía fue a nivel emocional… El otro reto fue combinar las exigencias físicas que requería el personaje con las interpretativas... Trabajar en una lira, o hacer este tipo de disciplina, implica una fuerza, una resistencia, una concentración y una gran responsabilidad en cuanto al riesgo que representa para ti mismo estar en una lira a tres metros del piso”.

¿Qué opina Lucía sobre la violencia?

León:

“Con respecto a la violencia creo que Lucía y cualquier otro personaje de Oscuro, de noche está totalmente en contra de ella. Está en contra de la violencia sin razón, de la violencia desmedida, de la violencia material, es algo que no puede ser justificado, ni aceptado, de ninguna manera, bajo ningún concepto. Y no solo la violencia como hecho físico; sino también la violencia comunicacional, como la que sufre Kenny después que muere, y como la sufre su familia después de esta pérdida”.

Cipriani:

“Creo que la opinión sobre la violencia en Lucía no esta tan distante a la de la mayoría, o al menos a la de la gente que en su universo la rodea y a lo que la mayoría de los venezolanos pensamos y creemos sobre este tema. Como su intérprete considero, o siento, a Lucia como una muchacha que no desea vincularse con la violencia en ninguna de sus presentaciones. Ella es madre de un niño pequeño, creo que más bien que ella desea que la violencia sea eliminada lo más posible de su entorno, eso sería lo más conveniente. Además, por lo que se descubre en su primer gran monologo, Lucia, como estudiante de letras, tiene un compromiso notable con las palabras y su acción en la sociedad a lo largo del tiempo. Pienso que ella entiende y utiliza las palabras como herramienta de entendimiento y comunicación, entre los seres humanos que la rodean y forman parte de su entorno, de una forma muy moral, apacible, romántica y hasta pacifica, en donde la violencia evidentemente no tiene espacio”.

Guevara:

“Lucía es una joven muy consciente de la realidad social en la que vive, ella además de ser artista, que eso la llena de una sensibilidad especial, también es una chica preparada intelectualmente, estudia letras, reconoce que vive en un sociedad que está siendo dominada por la violencia... En ese sentido creo que diría que a pesar de que la violencia es parte de su vida, ella seria de las que piensa que esto puede cambiar, que puede haber una solución, y que debe haber una solución; pero que parta del mismo ser humano, porque el ser humano no nace violento, se convierte en una persona violencia, y Lucía piensa que a través de las oportunidades que este ser humano tenga para educarse, para no ser violento, con una buena formación, una buena educación, puede convertirse en una mejor persona… Creo que para ella la educación es muy importante”

¿Por qué cree que Oscuro, de noche fue tan bien recibida por él público?

León:

“Bueno yo creo que el teatro, el buen teatro, es aquel que te hace enfrentarte con la realidad y te hace reflexionar sobre ella. Creo que Oscuro, de noche es una de esas piezas que logra conectarte con la que está pasando en este momento en Venezuela y en Latinoamérica entera, que es el tema de la violencia, y creo que por eso fue tan bien recibida por el público, por ser una obra que te deja un espacio de reflexión…Y sin duda lo más llamativo de esta pieza es el elemento de circo incorporado, un elemento totalmente nuevo, totalmente expresionista, que realza, y que se logró incorporar muy bien a lo que es la pieza, a lo que es su mensaje”.

Cipriani:

“Siento que Oscuro, de Noche es una pieza muy honesta e infinitamente conmovedora. A pesar de tratar un tema y un acontecimiento tan fuerte en toda la panorámica de nuestra sociedad actual, lo hace de una manera inteligente y llena de recursos dramatúrgicos muy llamativos, y esto se acentúa mucho más con la propuesta escénica de Carlos Arroyo que, en mi opinión, supo combinar elementos musicales y de circo, con una escenografía, vestuario e iluminación que van en total armonía con el ritmo y el sentido dramático del montaje. Creo que en este punto la pieza cobra vida propia, como es lo normal y mantiene al público muy vinculado y atraído por la propuesta; de lo contrario, en una opinión muy personal, hubiera resultado muy duro enfrentarnos al público con un tema que nos toca tan de cerca y nos a involucra a todos como responsables en mayor o menor medida. Oscuro, de noche logra mantener ese equilibrio”.

Guevara:

“Esta pieza de Pablo García Gámez, como pieza dramatúrgica, como pieza literaria aborda temas universales que hacen posible que el público se sienta identificado con la obra… Como bien dice el “Payaso” al inicio de la obra “Es una historia que le puede pasarle a cualquiera”, a cualquiera en nuestro país o a cualquiera en la mundo, es la pérdida de un ser querido… Ahora en cuanto a la propuesta de Carlos Arroyo la obra tiene un gran atractivo artístico y el público a la que la hemos enfrentado, que es el público caraqueño, es un público bastante sensible y no solamente le atrae los temas de la obra, la oralidad, sino la parte visual, el compendio de las disciplinas circenses y teatrales es bastante atractivo para ellos. Entonces, el público que ve la obra se permite disfrutar lo que a través de la propuesta nos están expresando Pablo García Gámez y Carlos Arroyo. La obra toca temas fuertes pero es agradable (atractiva) visualmente en la forma en que los presenta”.

¿Qué diría para convencerme de que debo ir a ver Oscuro, de noche? ¿Porque debo ir a ver la obra?

León:

“Hay muchas razones para ir a ver Oscuro, de noche. Primero, es una obra escrita por un venezolano, Pablo García Gámez, que habla de lo que estamos viviendo, de nuestra realidad en Venezuela, es una obra que como venezolanos tenemos la tarea de ir a ver, de ir a enfrentar y de reflexionar sobre ella. Segundo, es una obra muy interesante a nivel visual y a nivel actoral, es una historia muy interesante. Tercero, es una obra interpretada por los actores del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro por lo tanto tiene un elenco de primera. Tienen que ir a ver a la maestra Francis Rueda, al maestro Ludwig Pineda, a María Alejandra Tellis, a Dora Farías, es una obra que no se pueden perder y es un regalo que se tienen que hacer”.

Cipriani:

“Es una oportunidad para ver una obra en donde te sientas en casa, por así decirlo, desde que entras y aquellas piezas de salsa vieja te dan la bienvenida, hasta al final en donde te despiden. Oscuro, de noche nos habla de alguna manera del miedo, es cierto, pero también nos habla del amor como herramienta para contrarrestarlo en estos tiempos tan difíciles. Vale mucho la pena ver obras de este tipo, muy frescas y de un alto nivel y compromiso actoral”.

Guevara:

“Para mí las expresiones artísticas son un punto de encuentro para limpiar el alma. Es el lugar donde nos permitimos hacer catarsis… En este sentido “Oscuro, de noche” te enfrenta a una realidad de la que todos queremos escapar pero de la que nadie está a salvo, yo creo que las personas deben ver la obra porque precisamente el enfrentarse a estas situaciones es lo que nos va a convertir, o lo que nos convierte en seres reflexivos ante ellas. Creo que como ciudadanos del mundo debemos reflexionar sobre estos problemas, no para sumergirnos en ellos sino para ver de qué manera se pueden solucionar, como se pueden acabar. Oscuro, de noche es una pieza que todos deberíamos ver porque invita a la reflexión y de las reflexiones parten las revoluciones, los cambios. Por eso los invito a todos a ver la obra en nuestra temporada de m

Un novedoso espectáculo salió de Parque Central.

En estos días, precisamente cuando los políticos tratan de imitar al teatro y no les funciona la trama ni los actores, porque elaboran mal sus guiones y pretenden burlarse de la inteligencia del pueblo-espectador, conviene recordar, para beneplácito de los habitantes de Caracas, que las verdaderas artes escénicas no han desaparecido de esta Venezuela ni del Complejo Habitacional Parque Central. Y es por eso que, desde el sótano 1 del edificio San Martín, donde está la sala La rampa, salió para presentarse en el teatro Principal (donde cantara Carlos Gardel el 25 de abril de 1935), esquina con la plaza Bolívar, durante los días sábado 23 y domingo 24 de febrero, el extraño montaje dancístico-teatral-circo Tropical. Sorprendente y grata creación de la agrupación Igual a Uno Teatro, bajo la dirección de Gregorio Magdaleno.

En Tropical, montaje que combina sabiamente las técnicas del baile o la danza con el teatro y el circo, los espectadores pudieron rememorar y disfrutar como “ser y no ser” identifica al inglés Shakespeare o que “inventamos o erramos” es el reto que el venezolano Simón Rodríguez le hizo a los latinoamericanos hace más de dos siglos, o aquel “pienso, luego existo” del francés Descartes que generó toda una revolución en las maneras de abordar el análisis de la realidad, temida revisión que ya la había iniciado muchísimos siglos antes ese "solo sé que no sé nada" del griego Sócrates.

Aclaremos las funciones que Tropical no son una densa clase de filosofía reducida a un entretenido recital de sentencias memorables con bailecitos aleatorios, son, eso sí parte, algunos de los textos, bien actuados, que transmiten las actrices-bailarinas protagonistas Osleyda Pérez y Yarumí González, apoyadas por el actor Amílcar García, quienes emprenden, a lo largo de 90 minutos, un singular viaje escénico, con sus bailes y movimientos a través de la búsqueda de su propio nombre y a partir de ello, de la búsqueda del ser.

Es, pues, Tropical una indagación teatral, donde se suda, como ha dicho el director-autor Magdaleno, para descubrir quiénes somos, frente a unas maneras, unas formas impuestas en nuestros propios comportamientos. “Entonces nosotros como espectadores podemos conocer lo que podría ser el cliché, la iconografía de lo tropical, es decir, por ejemplo, los mambos, los bailes, los merengues, las cumbias, que de alguna manera signan una manera de ser y que nos contrastan en nuestra mirada interior”.

Tropical no es más que una pieza de teatro arte, ese que muchos teatreros tienen miedo identificar por su nombre y al cual miran peyorativamente porque es, sin lugar a duda, teatro filosófico y además consideran que el público es ignorante y lo que quiere o hay que servirles es la banalidad de algunos textos. Este trabajo es consecuencia de dos años de exploración, de continuo entrenamiento, preparación y búsqueda de las verdades de cada intérprete. Ver Tropical reivindica al arte del movimiento escénico dancístico que injustamente algunos críticos habían calificado de banal porque sus artífices no emiten palabras o sentencias de trascendencia y únicamente se desplazan sincrónicamente.

Gracias a Tropical se recuerda al viejo arte del teatro circense y se rompe la cuarta pared y se va hacia el público y lo afronta con sus preguntas que lanza cuales dardos de filosofía o conocimientos generales y glosa sus respuestas, además que lo premia con mandarinas, naranjas mangos o cambures. Hace una fiesta o un happening en la sala teatral, distiende las distancias y todos participan, al tiempo que lo baña con pétalos de flores o pedazos de coloridos papeles. Y toda esa fiesta culmina con esta memorable frase de Goethe: "Mientras no mueras y resucites de nuevo serás un desconocido para la oscura tierra".

Y no podemos cerrar esta reseña sin recordar que Igual a Uno Teatro es una agrupación nacida en el 2016, la cual hace vida en la sala La Rampa y tiene como norte la búsqueda de un desarrollo estético fundamentado en la posibilidad creadora de los seres humanos como capacidad única para un desarrollo intelectual y espiritual, armonioso y creciente; esta agrupación se dedica a mostrar historias, eventos y sucesos humanos hilados por la búsqueda del significado del ser, a través de la propia búsqueda expresiva del actor o actriz.

La rampa es el antiguo espacio experimental del Celcit, creado por el filósofo del teatro Juan Carlos De Petre, en las décadas de los 80 y los 90 del siglo XX, el cual se transformó en la Sala Altosf, en el año 1993 y ahora, desde el año 2016, se convirtió en La Rampa, siempre bajo la égida de Magdaleno. Gracias al apoyo de Fundarte y la empresa Corpocapital (que gerencia al Complejo Habitacional Parque Central) fue posible su reacondicionamiento y ahora es un espacio alternativo para las nuevas generaciones de artistas venezolanos.

Otra obra de Pablo García Gámez en tres ciudades venezolanas.

Cuando un actor o actriz se quedan sin trabajo en un escenario o en la televisión, de inmediato se ponen a funcionar sus músculos y sus cerebros para inventarse un taller de actuación y así conseguir los mínimos recursos económicos destinados a su sobrevivencia. Algunos de esos inventos o rebusques funcionan por la presencia de aspirantes a ser profesionales de la actuación algún día y así se “les redondean las arepas” al desocupado o desempleado artista.

Esto, que es más frecuente de lo que se puede sospechar en los países azotados por el capitalismo salvaje, inspiró al dramaturgo Pablo García Gámez, quien mora en Nueva York hace más de más de un cuarto de siglo, y de ahí salió o brotó el novedoso texto para el espectáculo Taller de actuación Espina, que ahora se presenta en Caracas y otras dos ciudades venezolanas.

¿Cómo es ese proyecto?, es la pregunta de rigor al laborioso escritor, de quien se exhibe precisamente su obra Oscuro, de noche, en Unearte a partir del 14 de marzo.

Mi Taller de actuación Espina es el monólogo de una actriz madura,Regina Espina, que para redondearse dicta clases de arte dramático. Entre ejercicio y ejercicio cuenta parte de su experiencia profesional y de su vida desde sus inicios en el Miss Pericoco, sus primeros trabajos en televisión su personaje antagónico en una telenovela hasta ser maestra de la actuación. Habla también de su extracción humilde y hasta te puede enseñar a hacer arepas (en Barcelona enseñan a elaborar empanadas). A todas estas, MariFab, su asistente, prepara algo que la sorprende.

¿Qué características tiene el monologo y cuáles son sus intenciones?

La primera característica de este trabajo es el humor. Humor neurótico de un personaje que ha batallado duro, pero que, por diversos motivos, sigue en la lucha del día a día esperando un reconocimiento que no llega, que pudo haber llegado antes. Regina Espina enfrenta los reveses, sigue en la lucha y para seguir, organiza sus talleres. Actualmente hay muchos y muchas Regina Espina, en Caracas y en Nueva York, que ofrecen talleres con metas insólitas asegurando la transmisión de conocimiento en tiempos increíbles. ¿La intención? Pasar un rato chévere, honrar -especie de contra-homenaje- a figuras que han contribuido a la actuación como medio de expresión, que por diversos motivos terminan haciendo papeles secundarios en películas y telenovelas, que son tan singulares que su humanidad se resiste a ser la simple imagen del espectáculo.

¿Cómo es eso de que se estrena en tres sitios?

Oscar Acosta, destacado investigador teatral quien dirige la producción caraqueña interpretada por Francis Rueda de Pinto, planteó a otras dos actrices la idea de estrenar simultáneamente, el 8 de marzo, precisamente el Día Internacional de la Mujer, en otras dos ciudades: Ivonee Varela en la plaza Boyacá, frente a la Casa Amarilla del Centro Histórico de Barcelona e Yrali López Guevara en el Auditorio de la Alcaldía de Caroní, Ciudad Guayana; ambas se comprometieron con el proyecto. Según Oscar, “es una circunstancia que no tiene antecedentes en la escena nacional: una obra se estrenará por triplicado en ciudades diferentes”. Ivonee e Yrali, como Francis, son intérpretes que han dedicado su vida al teatro. Aun ando procesando la audacia y la calidad de este hecho artístico en este convulsa patria mía, cuyos teatreros no se rinden ni traicionan jamás a sus audiencias.

Francis Rueda en Caracas.

Un acontecimiento único, que pasará a los anales del teatro venezolano y latinoamericano, tendrá lugar el próximo viernes 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, con el estreno simultáneo, en tres ciudades venezolanas (Caracas, Barcelona, y Ciudad Guayana) de la pieza Taller de Actuación Espina , del dramaturgo, Pablo García Gámez,

El reto, por iniciativa del investigador, dramaturgo y director Oscar Acosta, lo asumieron las actrices, Francis Rueda, Ivonee Varela e Yrali López Guevara, quienes encarnan a la primera actriz Regina Espina y materializan así su Taller de Actuación Espina, una primera actriz cuya ascendente carrera comienza con la elección del Miss Pericoco, en su pueblo natal.

Todas las actrices son diferentes y sienten y expresan sus papeles de distintas formas, y eso es lo que más va a gustar de la representación de la obra, por la libertad de actuar de ellas, en cada una de las tres ciudades y en disímiles escenarios.

El dramaturgo, Pablo García Gámez, (afincado en Nueva York, desde hace 26 años), asoma en su texto, una reflexión sobre las vicisitudes de una mujer madura, que nunca logró cumplir sus aspiraciones de alcanzar la fama y el amor; pero también es una sátira de las engañosas ofertas de formación escénica que buscan lucrarse, gracias a la ingenuidad de quienes sueñan con ser grandes estrellas de la actuación.

La obra aborda la historia de Regina Espina, actriz, apegada a sus raíces, que desatendió la propuesta para trabajar con el director de cine español, Pedro Almodóvar, y decidió quedarse en su país para desarrollar su carrera. Y como el teatro siempre está en crisis, la actriz se dedicó a dictar talleres de actuación -a veces de modelaje- para generarse el sustento para vivir.

En sus célebres talleres, la maestra Espina dice enseñar las técnicas actorales que la han hecho famosa, mediante la combinación de las técnicas teatrales universales con elementos de la cultura popular, especie de pedagogía híbrida, que de manera expedita, rápida, en poco más de una hora muestra y alecciona los secretos fundamentales para convertirse en estrella del teatro, el cine y la televisión.

CARACAS

La primera actriz, Francis Rueda, bajo la dirección de Oscar Acosta, nos brindará un espectáculo, con la participación especial de Aura Rivas y Aura D´Arthenay, presentado por la Compañía Nacional de Teatro y la agrupación Teatro del Duende, que cuenta con la realización de videos de Juan Hernández, y la asistencia como operador de vídeos y musicalización de Paúl Salazar. Funciones, los días 8, 9, 10, 14, 15, 16 y 17 de marzo, a las 6:00 pm, en la Sala experimental del Celarg, ubicada en Av. Luis Roche con 3ra transversal de Altamira, Casa Rómulo Gallegos. Cerca de la Estación de Metro Altamira. Entrada general. Bs S 4000 (Cuatro mil bolívares soberanos)-

Francis Rueda, (Premio Nacional de Teatro 2017), mostrará su profesionalismo, una vez más, en la segunda oportunidad de representar un texto de Pablo García Gámez. Recordemos, que viene de actuar en Oscuro, de noche, que le mereciera a García Gámez, el Premio Apacuana de Teatro 2017, montada por la Compañía Nacional de Teatro, bajo la dirección de Carlos Arroyo.

Actriz desde los 16 años de edad, en su repertorio figuran autores como Albert Camus, Federico García Lorca, Lope de Vega, Gilberto Pinto, Isaac Chocrón, José Ignacio Cabrujas, César Rengifo, Román Chalbaud, Eugene O’ Neil, Carlo Goldoni, Moliere, Tennessee Williams, Griselda Gambaro, Emilio Carvallido, Antón Chéjov, Zorrilla, Arthur Miller, Nelson Rodrigues, y Pablo García Gámez, entre otros.

PLAZA BOYACÁ, BARCELONA

Taller de Actuación Espina es una pieza que se amolda muy bien a cualquier espacio público, bien sea una sala de teatro, un auditorio o una zona de una ciudad, como lo es la Plaza Boyacá, del Centro Histórico de Barcelona, en las afueras de la Casa Amarilla, de la calle Bolívar de la capital de Anzoátegui.

Lugar emblemático, donde la actriz, Ivonee Varela, (la mismísima de Doctora Corazón, obra que representa desde 2011, y que ha llevado por casi toda Venezuela, así como por escenarios de Colombia, Ecuador, Argentina, Chile, Perú y Cuba), mostrará, una vez más, sus cualidades artísticas con el texto de García Gámez.

La cita será a las 4 de la tarde, “cuando –como bien dice la actriz- baje un poquito el sol, al aire libre, con un público cautivo como también el transeúnte y el inesperado. Todo puede pasar…”

Ivonee Varela, caraqueña, cursante del doctorado en Cultura y Arte para América Latina y el Caribe, en la 'Universidad Pedagógica Experimental Libertador, (UPEL, Caracas); residenciada en Barcelona, experimentada actriz desde su adolescencia, cuando, en 1976, participó en el montaje Metamorfosis de Kafka, en el rol de Gratel Sansa, inolvidable puesta en escena, donde hizo su entrada al escenario por el techo, a través de un mecate y una polea manual, en pleno centro de Caracas, en el marco del II Festival de Teatro Popular Venezolano ATPV. Egresada en la I Promoción del Instituto Universitario de Teatro IUDET (Hoy, UNEARTE), en la licenciatura en Teatro, Mención Gerencia y Producción Teatral, y en la mención de Docencia Teatral.

Su periplo por el teatro, la llevó a fundar el grupo teatral “Actoral República” ; así como en los montajes La Trampa de los Demonios de César Rengifo; su primer monólogo: Mara, Ligeros de Equipaje de Jorge Díaz Así como en El Juego de Mariela Romero. Como actriz Invitada participó en Yo también soy candidato de Rafael Guinand, dirigida por Lucio Bueno; Bolívar en su Laberinto dirigida por Alejandro Palacios; El Testamento del Perro , de José Ignacio Cabrujas, dirección de Chuce Revilla; Maria Cristina me quiere gobernar , de José Gabriel Núñez; Cuentos de Navidad, por citar algunos.

HOMENAJE A CABRUJAS Y RODRÍGUEZ

Uno de los atractivos de las tres puestas en escena de Taller de Actuación Espina, está en el reto y desafío para cada una de las actrices que asumió la interpretación de “Regina Espina”, el personaje del unipersonal de García Gámez, al cual se entregan con todas sus fuerzas y le ponen “alma, corazón y vida”.

La actriz, Yralí López Guevara, que se presentará en el auditorio de la Alcaldía de Caroní, a las nueve de la mañana del viernes 8 de marzo, sintió la necesidad de reencontrarse con aquellos personajes y episodios que marcaron su vida teatral y que le dieron luz para esta oportunidad , por lo que decidió hacer un guiño con personajes ya representados por ella, en varios momentos de su vida actoral, además de rendirle un homenaje a José Ignacio Cabrujas y a otros autores de la dramaturgia venezolana y universal.

En el caso de José Ignacio Cabrujas, (además, de intervenir en telenovelas de su autoría), participó en El Americano Ilustrado : y por otro lado, le tocó encarnar a la joven Matilde, la sobrina de los hermanos Ancízar, en el segundo elenco de la obra El día que me quieras , historia que transcurre el 11 de junio de 1935, día de la llegada de Carlos Gardel a Caracas y de su célebre concierto en el Teatro Principal.

Asimismo, Yralí López Guevara le dedica estas actuaciones al maestro Orlando Rodríguez, recientemente fallecido, en febrero pasado.

De sólida formación teatral, Yralí López Guevara realizó estudios en la Escuela Funcional de Teatro “Gonzalo J. Camacho”; Taller del Actor Enrique Porte. Egresada de la Escuela Nacional de Artes Escénicas César Rengifo, como Técnico en Artes Escénicas mención Teatro. Opción: Animación Cultural.

En 1987, en Caracas, fundó y dirigió el grupo de teatro de calle Intirraimy; Colectivo Teatral casa del Arcoiris, al igual que el grupo de teatro CDARTE. Además de integrar el grupo de teatro de zancos Maroma, de la Universidad Central de Venezuela. En 1989, se incorporó al Nuevo Grupo; y en 1990, formó parte del grupo de teatro Ruptura, al igual que el grupo de teatro La Murga, ambos en la UCV. Su labor incluye actividades como facilitadora de teatro penitenciario y difusión cultural.

En su biografía artística abundan las obras de teatro, en las que ha participado como actriz o ha dirigido. En las tablas se montó de la mano de directores, tanto en Caracas como en Ciudad Guayana, como Ovidio Jiménez; Gonzalo J. Camacho; Álvaro Dalí; Luis Pardi; Oscar Acosta; José Ignacio Cabrujas; William Pereira; Francisco Pancho Acanto; Rubén Darío Gil; y Luis Silva, entre otros.

Función de estreno: Auditorio de la Alcaldía del Municipio Autónomo Caroní, a las 9:00 am, ubicada en Calle Bolívar Diagonal Plaza Bolívar. Palacio Municipal - San Félix, estado Bolívar. Próximas funciones en la sede de Fundación La Barraca, Av. Principal El Roble, frente Av. Guayana.

En su biografía artística abundan las obras de teatro, en las que ha participado como actriz o directora. En las tablas se montó de la mano de directores, en Caracas y en Ciudad Guayana, como Ovidio Jiménez; Gonzalo J. Camacho; Alvaro Daly; Luis Pardi; Oscar Acosta; José Ignacio Cabrujas; William Pereira; Francisco Pancho Ocanto; Rubén Darío Gil; y Luis Silva, entre otros.

Nohely y Rafael en comprometida comedia romántica.

Para los teatreros argentinos como Juan Carlos Gené y Mario Diament no hay teatro comercial (por aquello de cobrar taquilla y estar encapsulado en supuestas situaciones banales). Lo que sí hay es teatro bien hecho o mal hecho, teatro vacuo o teatro con contenidos y predicas. Recordamos esto porque una pieza del mejor teatro comercial se exhibe, con éxito, en el santo sanctorum, del teatro caraqueño: Trasnocho Cultural, al cual calificamos nosotros como el Ateneo de Caracas del siglo XXI.

A Mario Diament se le conoce en Caracas gracias el éxito de taquilla y público que generaron los espectáculos Cita a ciegas (2007), Un informe sobre la banalidad del amor (2011) y Franz y Albert (2016), basados en sus obras homónimas, dirigidas por Daniel Uribe y Luigi Sciamanna, respectivamente. Ahora, este destacado intelectual y periodista (Buenos Aires, 17de abril de 1942), está de nuevo en la cartelera del teatro Trasnocho Cultural gracias a su pieza Pequeñas infidelidades, resuelta convincentemente por los intérpretes Nohely Arteaga y Rafael Romero, y puesta en escena, perfectamente, por Luigi Sciamanna. Plausible espectáculo, cuya duración no supera los 90 minutos, el cual deberá asombrar al público caraqueño, integrado principalmente por mujeres, porque ahí subraya como las deudas que dejan los amores mal clausurados o cerrados, se suelen pagar con la propia sangre, o desencadenar con un lio judicial metafóricamente hablando.

Pero antes de echar el cuento sobre Pequeña infidelidades, “que tiene que ver con otro costado mío muy importante, como son la pasión y el amor”, según palabras del propio Diament, debemos subrayar que sí es un triunfador en su arte dramatúrgico –sus textos se representan en Europa y en América- aunque no le gusta reconocerlo, pero aquí contamos un poco de esa faceta que ha consumido su vida entera y dado bienes en su tránsito existencial, aristotélicamente hablando.

PERIODISTA Y TEATRERO

El invitado, Guayaquil: una historia de amor, Escenas de un secuestro, Esquirlas, El libro de Ruth, Tango perdido, Equinoccio, Interviú, Por amor a Lou, Moscú y Tierra de fuego,son algunos de los textos más representados de Diament, a quienes hemos tratado personalmente durante un par de visitas que hizo a Caracas.

Estrenó hacia 1971 su primera pieza Crónica de un secuestro, en Buenos Aires, y desde entonces encontró el modo de desarrollar una carrera dramatúrgica en paralelo con su tarea periodística, hasta que se dedicó de lleno a la docencia, pues lleva más de 10 años en Miami, en la Universidad Internacional de La Florida, y además está vinculado al New Theatre, la compañía que suele estrenar sus textos (escritos en español y luego traducidos al inglés).

Diament escribe y difunde continuamente sus obras que, en muchas oportunidades, recalan en los sitios más diversos. Sus textos los montan talleres de teatro, conjuntos filodramáticos, elencos profesionales y hasta un grupo de indígenas en la Puna de Atacama, las han representado, ha puntualizado el escritor con cierto asombro.

Ante la polémica de lo comercial y lo artístico en el teatro, él afirma que esa división de comercial y artístico no pertenece al teatro. No se plantea hacer teatro comercial o artístico. Lo que se propone “es hacer teatro y punto; después trato de colocarlo en algún lado, pensando en que tiene que tener algunas premisas que ayuden a quien invierte dinero en el montaje y que pueda ser disfrutado por cualquier espectador. El mal teatro puede ser un buen negocio comercial. El buen teatro naturalmente si se hace bien anda bien. Escribo a partir de situaciones que me parecen interesantes. Y mis obras terminan siendo una exploración de este potencial. Desde el comienzo tengo solamente algunas ideas, nunca más que eso”.

Ha declarado que le interesa pensar más en las ideas de la casualidad y el destino. ”Me interesan ambas cosas, porque estos hechos podrían ocurrir en dimensiones diferentes. En muchos de sus cuentos Borges muestra, a partir de su agnosticismo, su fascinación por los mundos paralelos mucho antes de que la mecánica cuántica se difundiera tanto. Pensar en la existencia de otras dimensiones modifica nuestra noción de tiempo y espacio. Leo mucho sobre estas cuestiones por la necesidad de comprender el mundo en el que vivo. Estos planteos –si bien algunos los entiendo mejor que otros–, a veces, me hacen cuestionar la naturaleza de la existencia. Otras, afortunadamente, se convierten en obras de teatro. Porque la noción de vivir en un mundo que no se entiende es muy angustiante”.

Admite que no le fue difícil dejar su Argentina para radicarse en Miami. “No, porque ya había vivido muchos años afuera: siete en Nueva York y otros siete en Israel, como corresponsal en Medio Oriente. A comienzos de los ’90, cuando llegué, viví la transición del Miami geriátrico a la ciudad de las supermodelos, el veloz rediseño de lo que ahora es la Riviera de Estados Unidos. Fue un proyecto deliberado que comenzó con la revalorización de los edificios art déco y que más tarde trajo como consecuencia una mayor actividad artística, teatral, cinematográfica y literaria”.

¿Se puede vivir de los derechos de autor?
No. Pero uno puede morir orgullosamente.

LA CUARTA OBRA

Con Pequeñas infidelidades, la cuarta pieza que montan a Diament en Caracas y la segunda que le produce Douglas Palumbo, vemos, deliciosamente, como Rafael Romero y Nohely Arteaga asumen los conflictivos personajes de un macho y una hembra viviendo con preocupación no asumida sus cuartas décadas existenciales. Ellos, como Alejandro y Emma, se encuentran en un apartamento que está siendo redecorado y estalla ahí un diálogo nostálgico porque ambos se amaron a lo largo de siete años, pero se separaron, a pesar del tradicional divorcio, y no de buena manera, hace ya 20 años. A las no fingidas sorpresas siguen las preguntas, y lo que comienza como una inocente conversación, se transforma gradualmente en una inquietante indagación de su fracasada relación, donde la sospecha de la infidelidad estuvo siempre presente. El texto es una entretenida noveleta de suspenso y genera seguramente conmoción, sonrisas y complicidad, hasta que terminan amándose desesperadamente y llega al final inesperado, el cual promete ser discutido, inevitablemente, entre la audiencia. Las actuaciones son más que satisfactorias y la dirección también es convincente. Tanto que el tiempo escénico pasa sin afectar al impaciente espectador, que es atrapado de principio a fin.

Sobre esa pieza se ha dicho que es una enseñanza cruel porque hay que arrepentirse de lo que se hace y no por lo no hecho. Queda, cual moraleja, que no se puede tratar de relanzar lo que no fue transparente y estaba basado en mentiras o en desesperada necesidad, nunca confesada, para “no estar solos”. ¡Emma se venga, porque después de ese reencuentro y los excesos ocurridos y además saciados, llama a la policía para denunciar que su ex marido la ha violado!

¿Qué puede ocurrir?, Mario Diament no lo escribió, pero el público sí sacará conclusiones y algunas decisiones se adoptaran para esa noche y las posteriores, porque donde hubo fuego… cenizas incendiarias quedan, siempre. ¡Y nadie está exento!

Una de las oueza de lamuestra española

El trabajo del artista plástico venezolano Jonidel Mendoza se mostrará hasta el 1º de abril de 2019 en su más reciente exhibición, que bajo el título “Encuentros/Desencuentros”, se presenta actualmente en la galería In Casa de Madrid en alianza con la venezolana GBG Arts.

Artista de nuevos medios mixtos proveniente del dibujo y la pintura, Jonidel Mendoza ha creado su cuerpo de trabajo a partir del uso de materiales como fibra de vidrio, láminas de aluminio microperforadas, mallas metálicas y seda organza, entre otros.

De acuerdo a la investigadora, crítica y docente de artes visuales, María Elena Ramos, cada instalación de Jonidel Mendoza “está siendo, internamente, una obra-en-proceso: el proceso de convertir telas metálicas o fuertes mallas industriales en figuras ingrávidas. O el proceso de transmutar cables y guayas de acero en líneas de dibujos aéreos que conforman criaturas leves. Va tomando el espacio un dibujo escultórico, un trazado que se hace cuerpo, una línea que se separa del soporte para multiplicarse”.

A su juicio, el eje de las instalaciones de Mendoza son “entes tangibles y a la vez incorpóreos; apariencias de radiografías que recuerdan, del hombre, la constante convivencia -marcada por la realidad biológica- de lo exterior de su anatomía con la ósea estructura interna (...) Son ambiguos dibujos en el aire en todo caso, croquis mínimos, instalaciones de asomos fantasmáticos de apariencia fluida y comunicante (...) Figuras cambiantes, en las que a veces prevalece el mandato de la línea que las dibuja en el aire, otras veces predomina la fuerza de la estructura instalativa, y en otros momentos es la traslucidez de la materia la que protagoniza, hacia la invención de la obra abierta”.

Por su parte el curador e investigador Félix Suazo, considera que en la obra de Jonidel Mendoza la mirada se sumerge en un tejido de líneas superpuestas, “trama configurante donde lo visible es una entidad ambigua que busca su plenitud en la ilusoriedad del claroscuro. Allí, el ojo se enreda, pierde el rumbo y lo reencuentra, salta de un trazo al otro, calibra las distancias y recompone –al fin- la escena que lo convoca. Tal es el recorrido que exige este juego de veladuras ingrávidas”.

Para Suazo, en sus piezas sólo hay siluetas y rostros inacabados. “Son criaturas de apariencia evanescente, cual retratos de una existencia amenazada que se protege de incursiones indiscretas o perniciosas detrás de cercas, rejas y cortinas. El individuo - aislado o diluido en la multitud - es sólo una sugestión cuasi corpórea que lleva la marca del encierro. Todo lo demás –ventanas, muros, edificios – ha desaparecido, excepto estas figuras imperfectas, hechas con el detritus de una sociedad insegura, como si aquel blindaje de alambres cruzados se hubiera instalado en el interior del sujeto”.

onidel Mendoza (Maturín, estado Monagas) cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas Eloy Palacios en Maturín, y en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón en Caracas. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Venezuela, y otros países como en Estados Unidos, Corea del Sur, Colombia, Chile, Inglaterra, Francia y España. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas de Venezuela, Estados Unidos, Corea del Sur, y ha recibido numerosas distinciones, entre las cuales figuran, Premio Antonio Edmundo Monsanto. Bienal 64 Arturo Michelena. Ateneo de Valencia, Carabobo (2008), Mención de Honor. V Bienal Internacional de Acuarela Ciudad de Viña del Mar. Sala de Exposiciones del Casino de Viña del Mar, Chile (2006), y Mención de Honor. VIII Salón Cantv Jóvenes con FIA. Fundación Corp Group Centro Cultural, Caracas (2005), entre muchas otras.

Su más reciente exposición Encuentros/Desencuentros se estará presentando hasta el 1º de abril de 2019 en la galería In Casa, ubicada en la calle de Villanueva 5, 28001, Madrid, España.

El TEATRO REVIVE SU HISTORIA

Cuando fuimos alumnos de Isaac Chocrón, en la Escuela de Artes de la UCV, racionalizamos, según cuenta la leyenda bíblica, que la vida eterna o la inmortalidad la perdimos los humanos por la desobediencia de Adán y Eva, pero, que, gracias a los artistas del espectáculo (teatro, cine y televisión) sus personajes, bien construidos y caracterizados, son inmortales y vivirán cada vez que se les exhiba o escenifiquen.

Recordamos esto porque en Bogotá (la otrora capital del Virreinato de la Nueva Granada) un suicida, de 16 años, y su novio, además de sus amigos, y su madre, están en escena gracias al montaje teatral Sergio Urrego no está muerto, amiga mía, una pieza que salvará vidas, según sus realizadores, quienes la están exhibiendo desde el pasado 8 de marzo, bajo la dirección de Daniel Galeano y con actores en escena, quienes decidieron no deja morir el recuerdo del protagonista.

Su caso estremeció a Colombia, reseñan varias publicaciones, las cuales subrayan que en la tarde del 4 de agosto del 2014 se conoció como un homosexual de 16 años decidió quitarse la vida en Bogotá. Su muerte, según investigaciones policiales y periodísticas, se produjo después de haber sido víctima constante de discriminación por parte de las directivas del colegio en el que estudiaba, lo que vino a ser el epilogo de un siniestro bullying.

Ese suicidio abrió un debate en toda Colombia sobre la forma en que las instituciones educativas deben proteger y fomentar la diversidad sexual, pero, sobre todo, su muerte dejó un legado de respeto y responsabilidad para cientos de personas que toman su caso como ejemplo.

“Todos en algún momento nos hemos sentido discriminados por alguna razón, ya sea por la preferencia sexual, por el color de piel, por el pensamiento y nosotros queremos mostrar precisamente eso, que como sociedad debemos acabar con juzgar y juzgar a los demás”, señaló Geraldine Mora, actriz que da vida a dos personajes dentro de la obra: a Tatiana, una de las mejores amigas de Sergio, y a su abuela.

Un mes y medio en la preparación, ensayos de domingo a domingo, momentos “tensionantes” en medio de la elaboración de las escenas, angustia y un profundo respeto y admiración por Sergio fue lo que vivieron los actores que decidieron darle vida a este joven, desde un punto de vista diferente, puntualizan las reseñas.

Alejandra Giraldo Romero, quien interpreta a Alba Reyes, madre de Urrego, describe al joven como “una persona muy valiente, que no se quería callar nada y que, desafortunadamente, el entorno en el que estuvo lo obligó a callarse muchas cosas y eso hizo que explotara de la forma en que lo hizo”.

Ninguno de los actores que hace parte de la obra conoció a Urrego, pero todos lo ven como un ejemplo a seguir debido a su tenacidad y valentía. Muchos también se sienten identificados, pues en varios momentos han sido víctimas de discriminación e incluso han llegado a sufrir de enfermedades como depresión y ansiedad.

Barraca, una pequeña sala de teatro de Bogotá, se convirtió en el lugar adecuado para contar esta historia de la vida; una que de acuerdo a sus actores no es la misma que ya han contado otros medios de comunicación o incluso la película Mariposas Verdes (2017), filme colombiano de Gustavo Nieto Roa, basado en el caso del joven Sergio Urrego. Esta es una historia que va más allá y que no quiere caer en dramas ni tristezas sino resaltar la vida y tenacidad de ese adolescente gay.

“Con la puesta en escena queremos que la gente salga feliz y con una sensación de libertad”, explicó Miyer Andrés Jiménez, encargado de dar vida a Sergio Urrego en la obra. Su papel es quizá el más importante y no por personificar al joven, sino por la responsabilidad que conlleva plasmar su historia de manera diferente.

“Lo más difícil para mí fue ese choque mental de saber que todavía siguen pasando casos así, que no fue lo que le pasó a él sino que a diario hay millones de Sergios Urrego pasando por lo mismo y que no saben cómo defenderse o qué hacer en estos casos”, explicó Jiménez.

La legendaria banda Queen, su gata, su novio, entre muchos otros elementos también hace parte del montaje. Entre canciones de Freddie Mercury, interpretadas por los mismos actores, hasta parte de los relatos de su madre se pueden ver reflejadas en la obra.

Cuando se habla de matoneo, probablemente más de uno sienta cómo vuelven a su mente recuerdos no muy gratos si durante los años escolares fue el “gafo”, “la gorda”, “el negro” o “el o la marica” del salón, ante los cuales se respira profundo y se evita hablar de eso, por aquello de la vergüenza.

HISTORIA PARA DIGERIR

Afirman, los analistas colombianos, que sin duda alguna, en esa memoria colectiva que a veces se prefiere olvidar por cobardía o comodidad, ronda el nombre de Sergio Urrego, un joven estudiante cuyo rostro copó todos los medios de comunicación porque tomó la decisión de acabar con su vida.

Sergio se suicidó porque fue víctima del matoneo más cobarde que haya podido alcanzar a la opinión pública. A él lo juzgaban los docentes que se suponía debían formarlo para la vida, todo porque sus preferencias sexuales eran diferentes. Más allá de hablar de ese suceso, de ahora en adelante se hablará de un joven con sueños, con una determinación de hierro y un pensamiento libre que será recordado gracias a la obra de teatro Sergio Urrego no está muerto, amiga mía, que busca reivindicar su existencia.

De acuerdo con el director de la obra, Daniel Galeano, el mensaje que quiere dejar a través de esta pieza que reúne 10 momentos de felicidad en la vida de Sergio, es sencillo: “Salvar vidas, eso es lo que pretendemos con esta obra, que los chicos sepan que tienen una herramienta legal, una ley que los protege para cuando sufren matoneo en el colegio, que sepan que hay algo en la ley que los defiende independientemente de cuál sea su color de piel, credo u orientación sexual”, precisa.

Hace hincapié en el logro de una madre que toma la bandera que su hijo le ha dejado, y se aparta del dolor para emprender una lucha ante la Corte Constitucional de Colombia, en busca de que ningún niño o joven en Colombia piense si quiera en desistir de vivir porque en su institución educativa le hacen matoneo. “La obra nace a partir de todo lo que implicó la muerte de Sergio. Su madre, Alba Reyes, demanda a la Corte Constitucional y gana, en ese momento se empiezan a estudiar los manuales de convivencia y se habla de un tema de discriminación en Colombia que antes se discutía pero no estaba legislado. Por eso creemos que es una historia que hay que sacar del closet”, explica.

Por su parte, el actor que encarna a Sergio, Miyer Jiménez, le envía un mensaje de amor a aquellas personas que vivieron o viven en la actualidad la discriminación para que sepan que no están solos y lo hace extensivo para quienes tienen la necesidad de ultrajar a otros por ser diferentes. “Quiero dejar un mensaje de vida, amor y respeto, quiero que no se sigan repitiendo situaciones como estas. Con este montaje quiero personalmente pedir que no se repitan estos casos de discriminación…que este sea un mensaje de paz, para decir que el amor es hermoso, no es algo que deba ser dañino”, concluye.

Así que si usted, lector venezolano, realmente entendió el mensaje que el colombianito Sergio quiso difundir al mundo con su temprana partida, anímese a viajar a Bogotá – o espere a que la monten en Caracas- para disfrutar de esa obra porque “más allá de la muerte de un pela’o, van a ver una historia de vida que los va a abrazar en la risa y en el llanto, van a ver en Sergio Urrego un joven que cambió la vida de Colombia y de muchas personas que han sido discriminadas y perseguidas", como explica Galeano.

Ya han transcurrido no menos de 48 años de la compleja historia teatral venezolana y lo manifestamos porque hemos visto: entre aquel 27 de febrero de 1971,el espectáculo músico teatral Tu país está feliz, dirección de Carlos Giménez y su original guión basado en el poemario homónimo de Antonio Miranda, con la música fabricada por Xulio Formoso, y, durante el pasado 16 de marzo de 2019, el melodramaLa gata sobre el tejado de zinc caliente, con dirección y versión de Javier Moreno sobre el texto original de Tennessee Williams y producido por Williams López, para la agrupación Rajatabla que él ahora comanda. Dos formas o maneras de vivir en este balcanizado continente.

Ahí, y hay que subrayarlo para la historiografía teatral que ha de venir, porque Venezuela prosigue a pesar de los tropezones, que esos dos montajes se han mostrado, en distintas épocas, en la misma parcela (al norte del Teatro Teresa Carreño y la plaza Morelos) donde estaban la quinta Ramia y el soberbio teatro que diseñó Carlos Raúl Villanueva para la primera sede del Ateneo de Caracas, y el galpón que construyó el MOP mientras se erigía la soberbia edificación que terminó siendo la sede de la actual Universidad Experimental de las Artes.

TU PAÍS ESTA FELIZ

Tu país está feliz, que era una crítica futurista para la sociedad venezolana de las décadas posteriores, renovó el gusto del público durante las tres últimas décadas del siglo XX y ayudó principalmente para crear y acrecentar a la agrupación Rajatabla, la cual verdaderamente revolucionó a las artes escénicas criollas, además de ser el motor de los diez primeros Festivales Internacionales de Teatro, aupados por el Estado venezolano y esa extraordinaria mujer que era Maria Teresa Castillo.

Con los mutis de Giménez (1993) y Francisco Alfaro (2011), la locomotora teatral de Rajatabla disminuyó velocidad y ahora esta reducida a cinco personas que sobreviven en la sede y no han dejado de entregar discretas producciones, esperando quizás que el mítico Godot llegue al valle de Caracas, para decirlo metafóricamente.

La desaparición de Giménez, un artista que dedicó los 46 mejores años de su vida a inventar y reinventar la escena venezolana; un hombre, como lo ha escrito Aníbal Grunn, quien al despertar cada mañana ya estaba generando ideas y proyectos, en los cuales involucraba a todos aquellos que eran capaces de montarse en el loco carrusel que lo hacía girar por el mundo. “Tuvo muchos enemigos durante su vida y aún ahora después de muerto. Pero los principales enemigos son aquellos que no siguen haciendo teatro, los que detienen el proceso creador, los que no luchan, los que sienten que no hay nada que hacer. Los que han desertado y se sienten abatidos por la crisis, por la falta de subsidios. Los más grandes enemigos de Carlos Giménez son aquellos que antes y ahora siguen creyendo que es necesario estar con el gobierno de turno y raspar un poquito de la olla para ver que me toca”.

TENNESSEE WILLIAMS

Pero como la historia de Rajatabla sigue viva es que en la sala de la institución se ha presentado la plausible producción de La gata sobre el tejado de zinc caliente (1955)del legendario Tennessee Williams,(Columbus, 26 de marzo de 1911/Nueva York, 16 de octubre de 1983), un atormentado autor estadounidense quereinterpreta la mitología familiar de su país a través de la envidia y el resentimiento. Un pieza amarga o dura donde el profundo sufrimiento de los integrantes de una prospera familia convive entre la aceptación y el rechazo de las normas establecidas por la sociedad, donde lo íntimo del odio está permitido y desde lo público las políticas conservadoras y tradicionales regulan el conjunto social de los nativos y los inmigrantes empeñados en alcanzar y mantener el American Way of Life, una filosofía práctica, como se difunde por Internet, basada en “un estilo de vida despojado, de libertad sin restricciones, de consumo exacerbado, en la dominación económica de los pueblos desfavorecidos”. Un sistema social enemigo de todo lo que irrespeta o violenta las normas religiosas, un sistema anclado en el pasado, pero donde, sus nueva generaciones están luchando para voltearlo todo, desde 1969 con la rebelión o revolución de StoneWall.

Una familia donde tres mujeres luchan por tener sus capitales y para eso procrean o buscan parir, aunque al final de sus vidas tendrán que reconocer que no todo puede ser comprado con oro o dólares y que la naturaleza humana es como un barril sin fondo de sensaciones y sentimientos que al pasar al ámbito familiar liberan ambiciones ocultas, odios familiares, sexualidades reprimidas y posturas conservadoras que orbitan entre la nostalgia y la muerte. No deja de ser paradójico que todos esos elementos son convocados para celebrar el cumpleaños de uno de los personajes protagónicos de la obra, como lo puntualizan las notas de prensa de Rajatabla.

La anécdota teatral permite conocer, veladamente, la homosexualidad del hijo menor de la adinerada familia y la obligación que tiene de engendrar un hijo para no perder la herencia y mantener la tradición familiar.La sociedad norteamericana comenzó un cambio profundo desde 1969 y ahí están, algunas veces con contratiempos y tribunales inquisitoriales. El autor también luchó para que no lo anularan por su conducta sexual no tradicional.

Dirigida puntualmente nuevamente por Javier Moreno, este texto desgarrador de Tennessee Williams reinterpreta la mitología familiar a través del resentimiento. En este sentido, el profundo sufrimiento de los integrantes convive entre la aceptación y el rechazo de las normas establecidas por la sociedad: donde desde lo íntimo impera el odio permitido y desde lo público se manifiestan las políticas conservadoras y tradicionales que regulan el conjunto familiar y el de toda esa sociedad, como es la gringa, pero que es copiada o calcada en el resto del continente americano por la nefasta presencia de la tan cacareada transculturización.

Un grato aplauso se merece el profesional elenco ahí presente para esos 90 minutos de teatro educativo correcto: Luis Carlos Boffill (además de ser un correcto cantante), Mayte Parias, Gabriel Duno, Verónica Arellano, Frank Obando, Marisol Matheus y Omar Lugo.

Carlos Giménez nunca montó este texto de T.W pero seguramente habría probado con una puesta en escena más controversial, pero Javier Moreno salió preciso para apuntalar la producción de lo que aún queda de Rajatabla, una empresa cultural que se fundó para impedir que las mentiras pudiesen ser tomadas o consideradas como verdades.

Así lo fotografiamos en la casa de Chalbaud,hacia 2011.

Otro duelo para la cultura y la sociedad venezolana. Se fue de gira hacia el infinito el dramaturgo Gilberto Agüero Gómez, quien había nacido en Barquisimeto, hacia el año 1940.Deja un legado valioso para la dramaturgia venezolana; son no menos de 40 obras escritas, pero solo 12 le fueron editadas, aunque buena parte de su producción se ha distribuido en libretos y algunas hasta se las han representado. Al menos pudo ver a unos cuantos de sus personajes en escena.

Se hizo dramaturgo cuando ya había vivido un cuarto de siglo. Debutó con Ciclón sobre los barcos de papel, la escribió en Caracas y la envió a un concurso de Maracaibo, en el año 1966, donde obtuvo el primer premio, unos dos mil bolívares de la época. Su ópera prima fue representada en el Zulia y nunca más subió a escena, aunque ha estado en cinco proyectos de producciones. Es la historia de un muchacho que viaja a Londres para hacer unos talleres sobre traducción simultánea de conferencias y cuando regresa se le presentan serios problemas con su mamá porque ella quiere casarlo a juro. Después entregó Amelia de segunda mano y desde entonces nunca paró de escribir. También ha escrito teatro para niños, lo que más le han escenificado. Pero no es suficiente.

“Sigo siendo un excluido, quizás el campeón de todos los excluidos escritores del teatro venezolano”, nos declaró al ganar el III Concurso de Obras Teatrales Marita King 2008 con la pieza Mono con revólver, por la cual recibió a pieza premiada, con 5 mil bolívares, dentro de un universo de 21 textos participantes. El veredicto unánime, suscrito por los dramaturgos Román Chalbaud y José Gabriel Núñez, y este periodista y crítico, puntualizaba que la obra fue elegida “por el acertado manejo de la estructura teatral, el preciso e inspirado uso del lenguaje y el hábil desarrollo de una trama vigorosa profundamente vinculada con el acontecer nacional”.”, afirma.
Mono con revólver es una respuesta para quienes reclaman o exigen por qué la dramaturgia contemporánea no refleja en nada a la actual nación petrolera. Sus cinco personajes desarrollan una saga sobre cierta organización mafiosa que medra en una sociedad la cual avanza en un proceso de agudos cambios sociales y además revela como esos sicarios se las arreglan para sobrevivir o desaparecer, en medio de una revolución, que, según Vladimir Lenin, es un levantamiento, un acto de violencia, por medio del cual una clase derroca a otra, tal como lo recuerda “Monqui”, el líder de ese quinteto.

Agüero Gómez, quien residía en la capital larense, se ganaba la vida dando talleres de dramaturgia para las nuevas generaciones y por eso siempre recomendaba la lectura del libro Técnicas literarias del drama del crítico Enrique Izaguirre, porque es un texto mínimo, preciso y altamente didáctico, que explica, de manera muy clara, los rudimentos de una pieza teatral y cómo son la exposición, el nudo y el desenlace. Y además enseña que los temas tienen que ser, al principio, sobre cosas que el principiante conozca.

Agüero Gómez vivió gran parte de sus 79 años en Barquisimeto, donde acompañaba a su madre, Rosa Doralicia Gómez de Agüero. Visitaba Caracas siempre por motivos especiales, aunque aquí tiene amigos como Román Chalbaud. Cada que podía decía a la prensa que se escenifica muy poco teatro nacional porque se editan muy poco a nuestros autores. “El Estado, que es el único que lo puede hacer, no tiene todavía una política especial de incentivos, aunque hay que resaltar el caso de la editorial oficial El perro y la rana que me ha publicado mi libro La primera orquesta latina de mujeres, y también lo ha hecho con otros escritores. Ojalá que intensifiquen esa tarea de hacer conocer a los dramaturgos criollos, porque es muy larga la lista de inéditos o ignorados o excluidos. Ojalá que las autoridades de esa empresa estatal se entusiasmen con esa tarea que yo considero patriótica”,
Agregaba siempre que también se escenifica poco teatro de autor nacional por “razones muy personales, supuestamente culturales o intelectuales de los productores y directores, pero de eso prefiero no hablar, porque por ahí salta la liebre de la comercialización de la escena, que es otro problema complejo, el cual se caracteriza por la búsqueda de textos exitosos de afuera o de autores internacionales y la contratación de aquellos actores que tienen un buen rating por la televisión. En fin la situación es bien compleja, pero se puede ayudar a sofocar o disminuir esa exclusión con la publicación al menos de los textos, También gracias a la Internet hay posibilidad de difundir algunas piezas pero yo no estoy en nada de eso, ni computadora tengo”.

“Los tiempos han cambiado para mal, porque antes existía El Nuevo Grupo y ahí el autor nacional tenía prioridad, porque para eso lo crearon José Ignacio Cabrujas y Isaac Chocrón, ya fallecidos, y Román Chalbaud, entre otros. Esa institución cerró y nadie tomó el relevo, lamentablemente. Y eso también ha afectado el desarrollo de nuestro teatro en general”.

Ojala que los teatreros revisen sus textos y los escenifiquen para que su memoria no se le lleve el viento, como suele suceder.

Teatro con jóvenes.

El experimentado actor y director Luis Bernal, quien este año celebra 20 años de carrera artística, es uno de los directores invitados para formar parte del maravilloso ciclo de teatro breve latinoamericano organizado y llevado a cabo por La Escuela Superior de Artes Escénicas Juana Sujo.El cual presentarán el sábado 23 y domingo 24 de marzo a las 4 pm. En el Celarg de Altamira, la obra del colombiano Jairo Aníbal Niño: El monte Calvo .
Por su parte, Bernal se siente muy satisfecho de vivir la experiencia y de tener la responsabilidad de llevar a escena esta extraordinaria pieza que se mantiene vigente hoy por hoy en nuestra sociedad. Así como también de trabajar con las nuevas promesas de la actuación de la Escuela Juana Sujo . Al mismo tiempo, manifiesta haberse enriquecido de trabajar con los alumnos de esta prestigiosa escuela de actuación, porque es una manera de compartir lo aprendido durante estos 20 años de trayectoria con las nuevas generaciones.
El monte Calvo, considerada la obra maestra del dramaturgo colombiano Jairo Aníbal Niño, nos cuenta la historia de Sebastián, un antiguo combatiente de la guerra de Corea y Canuto un ex -payaso con quien comparte su vida como habitantes de la calle, soportando el hambre y frío que los acompaña en esa vida de pordioseros. Durante la trama, se van revelando el pasado de estos personajes, y donde nos deja comprender como en la guerra los perdedores siempre son los mismos, o sea los de abajo, que se ponen como carne de cañón para defender ideales abstractos como la patria, la civilización o el honor.
La obra está concebida con gran ritmo, con distintas soluciones. La sencilla actitud de los personajes, la elementalidad, sin intelectualizaciones forzadas de última moda, de sus diálogos, nos muestra un autor atento a no inventar nada innecesariamente, a no hacer más teatro del absurdo que el absurdo mismo de esa guerra de opereta. Una pieza con contexto trágico y cómico a la vez, donde el autor nos muestra una obra fresca, llena de humor negro y de humor tierno, de crueldad y de sorpresa. Sus defectos reflejan a la vez sus virtudes, tan solo para recalcar la conciencia de un pueblo que enmedio de sus sufrimientos y privaciones, no es melodramático, y que en medio del drama de su vida, ríe y se burla de aquello que lo oprime. Con unas actuaciones honestas y unos actores muy comprometidos en el escenario.
Esta pieza será interpretada por algunos de los alumnos de la Escuela Superior Juana Sujo. Ellos son Elisyerson Hernández como Sebastián, Alejandro Andrade como Canuto, Gilbert Acosta como el coronel, Angélica Morales en la asistencia de dirección, y Vanessa Blanco en la producción. Todos bajo la dirección de Luis Bernal y la producción general de Andrés Martínez.
El monte Calvo se estará presentando el sábado 23 y domingo 24 a las 4 pm, en la sala experimental del Celarg, ubicada en la Av. Luis Roche de Altamira. Cuenta con estacionamiento y seguridad.

Juan Carlos Giménez Gallardo fue un importante director y productor de teatro venezolano. Nació en Rosario, Argentina, el 13 de abril de 1946 y murió en Caracas, a consecuencia del SIDA, el 28 de marzo de 1993.

Es posible que la mala memoria, una verdadera epidemia nacional, no lo identifique ahora por su nombre de batalla, Carlos Giménez, pero algunos recordaran que fue él, junto a María Teresa Castillo, quien puso en marcha -precisamente durante el negro septiembre de 1973 -una empresa fantástica de promoción cultural como fue el Festival Internacional de Teatro de Caracas (FITC), el cual hasta ahora ha cumplido más de 40 años de persistencia.

Este Giménez también fue el fundador del grupo Rajatabla, el Taller Nacional de Teatro, el Centro de Directores para el Nuevo Teatro y el Teatro Nacional Juvenil de Venezuela, todas instituciones vanguardistas y originales, fábricas de controversiales contenidos estéticos, de las cuales solo sobreviven, maltrechamente, dos.

Lo recordamos ahora porque para el próximo 27 de marzo, a las diez de la mañana, en la sala Rajatabla, la Compañía Nacional de Teatro, con su director Carlos Arroyo, le hará un homenaje, junto a las actrices Francis Rueda, Aura Rivas y el primer actor Aníbal Grunn. Y ahí estaremos para decir unas cuantas palabras sobre su huracanado paso por el teatro venezolano, del cual fuimos testigos y por el que hemos escritos dos modestos libros.

Carlos Giménez

Ya han transcurrido no menos de 48 años de la compleja historia teatral venezolana y lo manifestamos porque hemos visto: entre aquel 27 de febrero de 1971,el espectáculo músico teatral Tu país está feliz, dirección de Carlos Giménez y su original guión basado en el poemario homónimo de Antonio Miranda, con la música fabricada por Xulio Formoso, y, durante el pasado 16 de marzo de 2019, el melodramaLa gata sobre el tejado de zinc caliente, con dirección y versión de Javier Moreno sobre el texto original de Tennessee Williams y producido por Williams López, para la agrupación Rajatabla que el ahora comanda. Dos formas o maneras de vivir en este balcanizado continente.

TU PAÍS ESTA FELIZ

TENNESSEE WILLIAMS

Pero como la historia de Rajatabla sigue viva es que en la sala de la institución se ha presentado la plausible producción de La gata sobre el tejado de zinc caliente (1955)del legendario Tennessee Williams, (Columbus,26 de marzo de 1911/Nueva York,25 de febrero de 1983), un atormentado autor estadounidense quereinterpreta la mitología familiar de su país a través de la envidia y el resentimiento. Un pieza amarga o dura donde el profundo sufrimiento de los integrantes de una prospera familia convive entre la aceptación y el rechazo de las normas establecidas por la sociedad, donde lo íntimo del odio está permitido y desde lo público las políticas conservadoras y tradicionales regulan el conjunto social de los nativos y los inmigrantes empeñados en alcanzar y mantener el American Way of Life, una filosofía práctica, como se difunde por Internet, basada en “un estilo de vida despojado, de libertad sin restricciones, de consumo exacerbado, en la dominación económica de los pueblos desfavorecidos”. Un sistema social enemigo de todo lo que irrespeta o violenta las normas religiosas, un sistema anclado en el pasado, pero donde, sus nueva generaciones están luchando para voltearlo todo, desde 1969 con la rebelión o revolución de StoneWall.

Nadie lo esperaba. Surgió el proyecto y se puso en marcha. Inaugurar la temporada 2019 de la caraqueña Compañía Nacional de Teatro con sendos espectáculos: uno totalmente nuevo y otro con una pieza estrenada el año pasado.

Fue así que el pasado 14 de febrero, a las 7 pm en la Sala Alberto Ravara del Centro Teatral de Occidente de Guanare, se estrenó la versión escénica de Los inmigrantes de Rómulo Gallegos, nuestro escritor más emblemático y ex Presidente de la República, autor de la novela Doña Bárbara donde, precisamente, hay un fantástico fresco sobre la civilización y la barbarie presentes en la patria venezolana.

Aníbal Grunn, coordinador del Núcleo Portuguesa de la Compañía Nacional de Teatro, y además director del espectáculo Los inmigrantes, originalmente escrito y editado en 1919, es la historia de dos extranjeros: un judío y un italiano, quienes se encuentran en una plaza caraqueña y comienzan a contarse sus vidas, con momentos felices y sus desdichas, desde que llegaron a Venezuela. Hermosa historia, llena de esa gran maestría en la narración galleguiana, con una vigencia absoluta. Saga llena de amor, de burlas, de buenas noticias y de malos momentos. Historias impregnadas de nostalgia y con un profundo agradecimiento a esta tierra que supo cobijarlos y darles no sólo dinero, bienestar y trabajo, sino una familia.

Recuerda Grunn que en aquel cuento de Gallegos los hijos de los inmigrantes, nacidos ya en Venezuela, se casan y comienzan una nueva familia, esta vez de venezolanos que se arraigan aquí, con la perspectiva optimista que nuestro gentilicio podía abrazar en aquellos años y que era la envidia de muchas naciones en desgracia.

Cuenta Grunn que el año pasado, durante las clases del Taller de Formación de la Compañía Regional de Portuguesa, vieron dramaturgia y leyeron el cuento para hacer una versión teatral. Dividieron la obra en escenas y a cada estudiante le correspondió dialogar una escena. Los escritores fueron Jhessika Betancourt, Emili Valladares, Yonder Carrizalez, Sinait Lameda y Gabriel Jurado, “gente joven que prometen mucha más piezas”, acota Grunn

“Al final el producto nos gustó tanto que decidimos proponerle a la Compañía Nacional de Teatro, cuyo director general es Carlos Arroyo, para coproducir el montaje. Aceptaron y comenzaron los ensayos. Hicimos un receso por el Festival de Teatro, en el mes de noviembre y al regreso de este 2019 retomamos los ensayos y la producción”.

Los personajes de la versión teatral de Los inmigrantes son: Abraham (el judío), Doménico (el italiano), Domitila (esposa de Abraham), Franchesca (esposa de Doménico), Abraham (joven), Domitila (joven), Sara (hija de Abraham y Domitila), Samuel (hijo de Abraham y Domitila) Giácomo (hijo de Doménico y Franchesca), cuyos roles están resueltos por Wilfredo Peraza, Giuseppe Fischetti, Mercy Mendoza, Carlos Moreno, Rosangélica Sánchez, Jhessika Betancourt, Sinait Lameda, Yonder Carrizalez y Gabriel Jurado.

Grunn coordinó todo el trabajo de escritura así como la dirección general de la puesta en escena. La propuesta escénica, el vestuario, la iluminación y la música, también son producto de charlas, discusiones e investigación cada uno realizó. “Teníamos una referencia de un video que se había hecho para televisión, pero ninguno lo vio hasta que la puesta estuvo terminada y nada podía contaminarlos La historia teatral, ubicada Caracas, transcurre en cinco épocas diferentes: 1925,1942, 1945,1950 y 1955.

La producción del Núcleo Portuguesa es de gran formato donde “la experiencia de escribir con estos muchachos fue maravillosa. Cada día descubríamos más cosas y siempre tuvimos en cuenta no traicionar al autor en su propuesta de conflicto. Además, lo difícil fue encontrar un mismo estilo todos, como así mismo mantener lo romántico y tan particular de la pluma de Gallegos. Sobre todo con muchachos cuyas edades oscilan entre los 14 y los 20 años. Es importante destacar que casi nadie conocía a Gallegos, por haberlo leído y mucho menos el cuento. Verlos emocionarse y hasta llorar con el final sorpresivo e inesperado, fue algo que nunca me podré olvidar”-

Los inmigrantes se verán en Caracas, por ahora hizo 16 funciones y no menos de mil personas lo aplaudieron. Así comenzó a escribirse la historia del Núcleo Portuguesa.

PABLO GARCÍA GÁMEZ

La Compañía Nacional de Teatro se presentó en el teatro Alberto de Paz y Mateos, desde el 27 de septiembre hasta el 4 de noviembre de 2018, con su espectáculo Oscuro, de noche, texto de Pablo García Gámez que ganó el Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017, el cual fue llevado a escena por Carlos Arroyo y actuado por el elenco estable de la CNT.

Oscuro de noche es la trágica historia de Kenny, un trabajador bancario, de 25 años, que es asesinado en una avenida para robarle su moto, y de todas las vicisitudes que tienen que afrontar sus familiares y amigos para recuperar su cadáver y lograr darle cristiana sepultura.

Es, pues, un obra dramática, no convencional, donde el autor García Gámez apunta a la médula de la esfera privada de una familia que ha sido desequilibrada o herida. El detonante es el hecho que le ocurre al Kenny y lo que importa es ver qué pasa en el mundo de su madre Zenobia, su padre Cristóbal, su abuela Mercedes y su novia Lucía, además de toda una serie de trabas burocráticas que surgen para complicar las exequias.

En ese primer montaje de Oscuro de noche trabajó un doble elenco por lo cual ahí participaron los comediantes Francis Rueda, Adriana Bustamante, Luis Domingo González, Gustavo Rengel, Ariana León, Dora Farias, Marxlenin Cipriani, Randymar Guevara, Gustavo Meléndez, Trino Rojas, Kala Fuenmayor, Adrián Jiménez, Angélica Rinaldi, Yordano Marquina, María Tellis, María Brito, Andy Pérez, Vito Lonardo y Jorge Canelón. La música era, sin duda alguna, un creativo ensamble y el vestuario utilizado es la Compañía Nacional de Teatro, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura desde mayo de 1984.

En este montaje el director Carlos Arroyo juega con elementos de las estéticas expresionista, realista y circense, hasta lograr crear un conmovedor e impactante espectáculo, para no más de 90 minutos de exhibición escénica.

Otro de los atractivos que hizo que la pieza llamara la atención del público fue que varios de los personajes son interpretados por distintos actores que rotan sus roles entre una función y otra, lo que invita al espectador a volver a ver la pieza para disfrutar de las diferentes propuestas actorales.

Ahora Oscuro, de Noche tendrá una segunda temporada en la sala del Teatro Alberto de Paz y Mateos, del 21 al 31 de marzo de 2019, con funciones de jueves a domingo, a las 4 PM. Vale destacar que durante las 24 funciones de su primera temporada la pieza fue muy bien recibida por las más de 2.500 personas que asistieron a la actual sede artística de la Compañía Nacional de Teatro para disfrutar de la obra.

El elenco del actual Oscuro, de Noche lo conforman: Francis Rueda, Adriana Bustamante, Ludwing Pineda, Gustavo Rengel, Ariana León, Marxlenin Cipriani, Randymar Guevara, Gustavo Meléndez, Trino Rojas, Gerardo Luongo, Angélica Rinaldi, Yordano Marquina, María Alejandra Tellis, María Brito, Dora Farias, Jean Manuel Perez, Vito Lonardo y Jorge Canelón, integrantes del elenco estable de la CNT. La música es un creativo ensamble además de un especial trabajo de musicalización por parte de Julia Carolina Ojeda y los percusionistas Andersson Figueroa y Jorge Canelón hijo y el vestuario es de la CNT

Comentario general necesario: ahí hay valiosa gente que trabaja para materializar un presente y erigir un futuro .Artistas comprometidos con su país.

José Luis León se atrevió con el libro sagrado del pueblo maya.

La maquinaria de la creación artística comenzó a funcionar desde una conferencia-rueda de prensa que organizó la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en su sede del teatro Alberto de Paz y Mateos, a mediados del pasado mes de diciembre de 2018. Ahí se anunció que se dispone a ejecutar la producción y exhibición de un monumental espectáculo basado en Popol Vuh, el libro sagrado del pueblo maya, durante su temporada de 2019.

Hay que subrayar que el Ministerio del Poder Popular para la Cultura avala este proyecto de la CNT, cuyo director general es Carlos Arroyo, ya que está consciente de “la urgente necesidad de reafirmar nuestros valores como pueblo, venezolano y de nuestra América”, y para eso nada mejor que llevar a escena uno de los textos más poéticos y génesis de la creación del hombre como es Popol Vuh.

Hay que puntualizar que la propuesta artística de trabajo con Popol Vuh está basada en la historia de nuestra región latinoamericana y adaptada, como es lógico, a las diferentes culturas indígenas de nuestro país, como un aporte fundamental para el fortalecimiento de nuestra identidad.

Este Popol Vuh, sobre el cual ha estado trabajando la CNT, está basado en el mito de la creación según la leyenda maya quiche. Los dioses en consejo hacen la palabra y en acuerdo se proponen crear el mundo, el mundo es creado, emerge la tierra de la magia, montañas, mares, ríos y cielo, luego dan vida a los animales esperando su reconocimiento y adoración, al no ser adorados por aquellos seres, deciden condenarlos a vivir errantes en la tierra y ser devorados entre ellos. En un tiempo sin tiempo donde no existía el sol ni luna ni los días ni las noches. Los dioses continúan su cometido en busca del ser que los adorara, el consejo, moldeo barro y madera en busca de la máxima creación: el hombre.

La propuesta escénica del espectáculo Popol Vuh ha sido llevada a cabo por el maestro José Luis León, bajo un concepto minimalista en sus elementos, pero con mucha riqueza visual y sonora. Los personajes son representados por actores-bailarines y manipulación de objetos. La escenografía refleja el carácter mágico de la obra, con tecnología audiovisual y lumínica, sobre fondo en completo blanco, con escasos elementos corpóreos. La iluminación refleja el vacío, la nada, tomando luego un juego de tonos haciendo alusión al sol y la luna. La música, creada por el maestro Federico Ruiz e interpretada por la Orquesta Filarmónica, es parte esencial de la historia, se relaciona en todo momento con los elementos agua, tierra y aire y acompañará la pieza durante 80 minutos de duración. Y, como es lógico, el elenco estable de la CNT aporta su musculo y su sangre, además del talento de ese grupo de profesionales ahí reunidos.

Las fechas tentativas para el estreno y la respectiva programación, en el teatro Municipal de Caracas –lo más seguro será desde el 12 de abril- las anunciaran durante la primera quincena del venidero mes de abril, para después mostrarse en el teatro La Ópera de Maracay y en el Festival de Teatro de Caracas, hasta ahora.

Y como colofón de este importante anuncio sobre el teatro que viene para este 2019, hay que recordar que el Presidente de la República, Nicolás Maduro Moros, en pasada reunión de su Gabinete Ejecutivo, dispuso que hay que invertir en proyectos culturales y llevarlos a la televisión, cine, teatro y literatura para que se conozca la cultura, el arte y las expresiones diversas de la estética, del canto de los pueblos indígenas y rescatar el canto, cultura y arte de los ancestros de la historia venezolana. Todo esto trabajado en conjunto con el Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

El maestro José León

El espectáculo no puede desaparecer jamás, aún en las más difíciles circunstancias de la vida social y política de una nación, lo enseñaron los antiguos griegos. Y es por eso que la maquinaria de la creación artística criolla comenzó a funcionar desde una conferencia-rueda de prensa que organizó la Compañía Nacional de Teatro (CNT) en su sede del teatro Alberto de Paz y Mateos, a mediados del pasado mes de diciembre de 2018. Ahí se anunció que se disponía a ejecutar la producción y exhibición de un monumental espectáculo basado en Popol Vuh, el libro sagrado del pueblo maya, también conocido como El libro del consejo o El libro de la comunidad,durante su temporada para este 2019.

Las fechas tentativas para el estreno y la respectiva programación, en el teatro Municipal de Caracas –desde el 12 de abril- para después mostrarse en el teatro La Ópera de Maracay y en el 8 Festival Internacional de Teatro de Caracas, evento que contará con 9 montajes foráneos y 35 nacionales, para ser mostrados en 14 salas capitalinas.

Y como colofón de este importante anuncio sobre el teatro que viene para este 2019, hay que recordar que en las otras producciones criollas presentes están: Tropical, Doce cosas importantes antes del desayuno, La nona y Carmina Burana,entre otras.

Este evento está dedicado al maestro del teatro José León (el padre de José Luis) y también para la primera actriz Aura Rivas

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