EL ESPECTADOR venezolano

En blanco y negro pero son los actores de este siglo XXI.

Desde la temporada teatral de 1991 se disfruta en Caracas de Los hombros de América, una deliciosa comedia dramática que escribió Fausto Verdial, la cual ahora se exhibe de nuevo, a sala llena, en el teatro Trasnocho Cultural, bajo la dirección de Hector Manrique, quien la versionó oportunamente y dirigió perfectamente y además actúa al lado de Juan Carlos Ogando, Marcela Girón, Martha Estrada, Pedro Borgo y Stefane Frade. Todo un elenco de profesionales que conmueve por el verismo y la calidad de sus trabajos destinados a materializar una propuesta existencial sobre la vida urbana posible en la Venezuela de los últimos 50 años.

Fausto Verdial (Madrid, 11 de enero de 1933/19 de octubre de 1996) fue un importante creador de las artes escénicas venezolanas a quien conocimos inicialmente en los mágicos meandros del teatro caraqueño donde hemos tenido los mejores encuentros culturales y sentimentales de las últimas décadas. Lo tratamos, con varias tazas de café con leche, de por medio, o con unas cuantas copas en vino tinto en el Centro Comercial Chacaíto o en algún restaurante de esos meandros de la Sabana Grande que ya se hizo recuerdo, pulverizada por la piqueta del progreso, y logramos así consolidar una amistad que ha sobrevivido al frío vendaval de los olvidos y es por eso que todavía continuamos disfrutando de su histrionismo y de su proverbial escritura teatral, precisamente cuando los tiempos revueltos pretenden quitarnos el aire de los pulmones o la capacidad para identificar el olor de las maduras guayabas.

Sin ningún pacto con Lucifer “el madrileño de oro” habría cumplido 85 el pasado 14 de enero, pero ese especialista en enredos del corazón social, ese que nos ayudó a exorcizar sórdidas penumbras existenciales durante largas décadas, se marchó sin aviso y sin mayores explicaciones, pero para que no lo olvidaran jamás dejó una sólida herencia de afectos verdaderos y un legado de consejos destinados a exaltar la utilidad del amor en el fiero combate cotidiano contra la soledad como lo enseña por intermedio de sus piezas que todavía se muestran en escena como son Todos los hombres son mortales, ¡Y...las mujeres también!, Los hombros de América y el unipersonal ¡Qué me llamen loca! dedicado a su amiga y cómplice primera actriz Tania Sarabia.

A pesar de ser mortal, Verdial aún no sale de escena porque los venezolanos piden una y otra vez sus obras y las aplauden donde las exhiban, como está sucediendo con esa reflexión en voz alta sobre el desarraigo del inmigrante que pasa años anhelando el país de su nostalgia y la desilusión que sufre al regresar, como es Los hombros de América.
La pieza teatral muestra los dos rostros del exilio a través de dos parejas que inmigraron a Venezuela al finalizar la guerra civil de España y acentuarse la amarga y dolorosa post guerra de una dictadura y lo que pasa con sus hijos cuando se enamoran y deben luchar para amar como único objetivo de vida.

Gracias a la magia del teatro es posible ver lo que pasó en los apartamentos de esos dos españoles aventados en Caracas por el dictador Francisco Franco, precisamente el día 20 de noviembre de 1975 cuando murió, y todo lo que les sucede hasta que recobran la estabilidad emocional y presencian la crianza de sus nietos venezolanos. Un argumento elemental pero preñado de esas cosas mínimas y cotidianas que es la vida misma.

Verdial tituló su comedia Los hombros de América sobre las vicisitudes de sendos hogares de españoles en homenaje al poeta hispano Rafael Alberti y su poema Costas de Venezuela, donde el vate afirma que las montañas de Venezuela son los hombros de America “Para mí, coincidiendo con Alberti, también lo han sido: los hombros que me sostuvieron y donde me realicé como artista y como ser humano”, dijo en una oportunidad su autor.

Es, pues, un grato momento de reencuentro con el teatro de actores, que supera los 100 minutos, donde se disfruta de una pista musical de los años 70 y 80 y de ese atmosfera nostálgica por las décadas pasadas, que se unen a los recuerdos del espectador que en ocasiones también ha sido migrante.
Vale la pena resaltar el trabajo de Girón que encarna a la venezolana que se arrejunta con el español Manuel (Manrique) y le da un hijo, Juanín (Borgo) que se enamora de Begonia (Frade), la hija del otro refugiado español (Ogando) y Encarna (otra española), bien resuelta por Marta Estrada. Todos humanos y cotidianos personajes de carne y hueso, que es lo mejor del acto teatral en sí, donde es clave el trabajo de la productora Carolina Rincón.

El colofón del espectáculo es un “regalo” de Manrique (hijo de un criollo y una española) dedicado al entusiasta público: un videotape, en blanco y negro, con imágenes sobre los migrantes venezolanos que ahora salen por Maiquetía o por las fronteras con Colombia y Brasil, como para que los criollos recuerden que todos estamos de paso en esta Tierra de Gracia y que mientras se pueda y se quiera hay que buscar el mejor destino o lo que puede ser la felicidad más allá de nuestras narices. Una invitación al público para reflexionar después de haber reído con los personajes teatrales y emprender el regreso a nuestras Itacas familiares.

La geometría de los códigos digitales y la interacción con el espectador mediante la decodificación de los mismos, son el fundamento de la propuesta creativa del artista venezolano Pedro Morales, y de su próxima exposición individual que bajo el título Signs & Symbols, Mobile Tagging Art se exhibirá del 27 de abril al 22 de julio de 2018 en el Museum of Geometric and MADI Art Dallas, en los Estados Unidos.

Partiendo del impacto de los códigos 2D en la sociedad como portadores de contenidos y significados en todas las combinaciones posibles, Pedro Morales presenta en esta muestra una instalación, donde utiliza la estética de los fractales y la abstracción geométrica para investigar la ubicuidad de la tecnología móvil en la vida de hoy, según él mismo explica.

En base al término “Mobile Tagging Art” acuñado por él en 2010 para definir la expresión artística que utiliza el escaneo, la decodificación y la lectura de formas geométricas sin sacrificar el compromiso estético, la exposición propone la reinterpretación de códigos numéricos mediante el uso de la cámara de un dispositivo móvil, dándole un giro artístico a los símbolos geométricos que llevan etiquetas e inducen la comunicación con un teléfono celular.

Para la curadora e investigadora de arte, Susana Benko, la obra de Pedro Morales es una analogía con la geometría fractal y su objetivo principal es develar la belleza en la geometría de los códigos utilizados en la tecnología digital para comunicar toda clase de mensajes, escogidos en este caso por el mismo artista utilizando enlaces del internet.

A su juicio, un conjunto de veladuras, mallas o encajes instalados en un espacio expositivo, es suficiente para contemplar y asimilar la belleza de las piezas en la exposición Signs & Symbols, Mobile Tagging Art.

“Desplegadas a modo de tapices, destacan por su ‘dibujo’ como si fuesen un tejido de filamentos, conformados por pequeños recuadros cuyas formas invariables se repiten siguiendo las pautas de una determinada geometría. Algunas de estas ‘mallas’ varían según el tipo de tramado, cambios de color, o bien por el contraste de blancos y negros. Cada una, vista en conjunto, presenta a su vez una composición geométrica particular”.

Cada una de estas piezas son códigos creados gráficamente en 2D (dos dimensiones) e impresos en 3D con una impresora ensamblada por el artista, conocidos según su tipo y uso como códigos QR, códigos azteca (aztec codes), los ultracódigos a color (Ultracodes) y los PDF417, los cuales se escanean y decodifican por medio del teléfono celular utilizando una aplicación particular para ello. La reunión de cada recuadro impreso conforma una “malla” y el conjunto de ellas se aprecia como una instalación en la sala expositiva creándose así una ambientación, según explica Susana Benklo en el texto que acompaña la muestra.

Nacido en Maracaibo y residenciado entre Versailles, Francia y Houston (EEUU), Pedro Morales ha desarrollado una importante trayectoria artística a lo largo de tres décadas, durante las cuales ha exhibido su obra en Venezuela, Estados Unidos, China, Perú, Colombia, Francia y España, entre otros países. Pionero del arte digital en Venezuela, ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos el Premio de Investigación en las Artes del Salón Arturo Michelena en 1991, el Fondo de Aportes Mixtos a las Artes (FAMA) de Fundación Polar / Fundayacucho en 1994 y el Gran Premio 20 Aniversario del Salón Aragua en 1995.La innovadora propuesta artística de Pedro Morales podrá ser apreciada en la exposición “Signs & Symbols, Mobile Tagging Art”, que se estará exhibiendo del 27 de abril al 22 de julio de 2018 en el Museum of Geometric and MADI Art, ubicado en 3109 Carlisle Street, Dallas, Texas, EEUU.

La Cantata del Rey Miguel (2008) es una coproducción entre el Teatro Negro de Barlovento y la Compañía Nacional de Teatro, que casi 10 años después de su exitoso estreno, en Guanare, regresa a la escena venezolana los días 28 y 29 de abril a las 6:00 pm, en los espacios de la Concha Acústica del Parque Los Caobos (parte posterior del Centro Nacional de Acción Social por la Música). Dichas presentaciones se darán en el marco del 7mo Festival Internacional de Teatro de Caracas 2018, que comienza el próximo viernes 27 de abril.

Visibilizando la historia del Rey Miguel

Esta pieza, del dramaturgo Tomás Jurado Zabala, bajo la dirección de Carlos Arroyo, actual director de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), es el resultado de más de cinco años de investigación sobre la historia jamás contada de Venezuela. En esta obra, ambos creadores a través de parlamentos rítmicos, canciones, bailes, ritos y otras manifestaciones culturales, emergidas de un maravilloso sincretismo artístico, fusionaron diversas manifestaciones de los cantos, la música, la danza y la creencias religiosas afroamericanas para contar así la historia del Rey Miguel, el primer negro esclavo que conformó una rebelión en contra del yugo de la corona española, en el año 1553.

Arroyo puntualiza que “la historia oficial de Venezuela ha dado poca importancia, por no decir ninguna, a una serie acontecimientos que contribuyeron a darnos forma de nación, tal es el caso del negro Miguel, considerado el primer revolucionario de América, pues su idea de independencia quedó sembrada en el espíritu del venezolano a partir de su llegada a Venezuela en 1552, y su alzamiento antiesclavista inmediatamente después; hecho que significó un accidente importantísimo en la vida de los conquistadores, pues durante tres meses ese ex esclavo, con unos 50 más, entre negros e indios jiraharas, puso en jaque al imperio español, para morir en 1553”.

El director Arroyo también afirma que a la saga de Miguel, como la de muchos otros héroes nacionales, se les ha ridiculizado hasta desaparecerlos de la historia “Quienes han divulgado la historia de Miguel se han limitado a presentar los hechos como una aventurilla graciosa, cuestión que ha llegado a mostrarlo como un personaje caricaturesco sin ninguna importancia y por ende prácticamente desaparecido en las penumbras del olvido donde van a parar los personajes sin historia... De este personaje excepcional se hace necesario resaltar su poder de convencimiento, su inteligencia, su valentía y su capacidad militar. Funda el reino libre de Curduvaré, a principios de 1553, Se erige rey, nombra un sacerdote y lo que sería una especie de ministro de guerra. Se declara hombre libre en territorio libre. Ordena la construcción de viviendas para los que siguen incorporándose y declara la libertad de todos los que están en su reino”.

Esta coproducción de la Compañía Nacional de Teatro y el Teatro Negro de Barlovento es una vitrina para exaltar las raíces afroamericanas del pueblo venezolano; y a su vez una reivindicación a la diversidad cultural de los negros e indígenas de nuestro continente que sufrieron, y aún sufren tantas vejaciones.

En los años 60 del siglo XX era “la gran esperanza blanca” del teatro venezolano. Había llegado de Nueva York y tras exhibir su espectáculo musicoteatral Vimazoluleka, en el Aula Magna y el Ateneo de Caracas, se le abrieron todos los caminos para convertirse en el gran director o en el gran pontífice de la escena criolla. Pero no fue así.

Aquel joven no era fácil de manipular o de comprar, tenía ideas propias y además era cultor de lo criollo, tampoco era de roscas ni cofradías. Tenía, conceptos personales que no negoció, algo raro en esta compra y venta en que se ha convertido no sólo la cultura venezolana.

Más de 20 piezas escritas y montadas, ocho mil actores y actrices a quienes capacitó y centenares de representaciones teatrales desde 1961, dentro y fuera de Venezuela, son parte de la cédula artística que ahora, en esta incierta centuria XXI, ostenta con orgullo el teatrero Levy Rossell Daal (Coro, 23 de abril de 1945/Caracas 25 de abril de 2018).

Debutó con su Vimazoluleka - hibrido de teatro y música, escrito a los 16 años- en el viejo Ateneo, a mediados de 1966. Y desde entonces no ha dejado de trabajar profesionalmente con lo que aprendió de maestros como César Rengifo, Nicolás Curiel, Alberto Castillo Arráez, Eduardo Fernández Salomón y Joe Chaiquin.

Explicó que su Vimazoluleka, híbrido de teatro y música, escrita cuando tenía 16 años, intentaba ser una caja de trucos donde hay oculta una idea total y universalista. Llena de innumerables pequeños momentos que transcurren vertiginosamente y son los que le dan su propia personalidad. Debe ser entendida como marco de referencias que permite una rica interpretación. Los personajes líderes de la acción son máscaras grotescas que esconden el dolor de ser ellos en una existencia alienada y solitaria, tratando de interceptar a los otros en su incomunicación. Son uno y mil al mismo tiempo, sumergidos en un aburrimiento agobiante que los obliga a hacer contacto y divertirse, burlándose de quienes viven tal situación, con mentiras fabulosas para crear una gran caricatura que escapa de la realidad para evitar así la confrontación

Levy no se quejaba, pero cuando podía exclamaba: “He pasado unos años difíciles, porque se hacen festivales y nunca me invitan, hay proyectos enormes y con buenos prepuestos y nunca me llaman. Lo que he podido hacer ha sido con el apoyo de la gente que siempre ha creído en mí y en mis iniciativas. Pero no ha sido fácil, desde que fui presidente de Fundarte hasta estos momentos. Arte de Venezuela, mi institución cultural, todavía existe, pero no tiene subsidio ni ningún tipo de apoyo oficial, aunque eso viene desde hace mucho tiempo. Yo ni siquiera he podido recibir la pensión del IVSS”.

A raíz de esa entrevista alguien lo llamó y fue incluido en la lista de pensionados del IVSS para saldar esa deuda con un creador que no se hizo rico ni robó.

Él admitía que su camino artístico había sido largo y con trampas que incluso lo arrinconaron y hasta lo maltrataron. Aguantó con dignidad y no le debe nada a nadie y está en paz con su conciencia. Él todavía era una gran carta para el desarrollo del teatro criollo, si le daban los apoyos necesarios, porque ganas de trabajar si tenía, pero sin trigo o sin maíz no se pueden hacer ni panes ni arepas.

Al parecer, las semillas que como autor, actor, director y docente ha sembrado en todos los confines de Venezuela durante las últimas cuatro décadas comenzaron a dar frutos o al menos reconocimientos que aunque no llenan el estómago si alimentan, y bastante, al espíritu. Y por eso que, en la sala de conciertos de Unearte, la agrupación Sentimiento Escénico remontó su pieza Caracas...¡Urgente!, un espectáculo que no superó los 75 minutos, sobre un grupo de jóvenes, entre quienes no ha habido más relación que una presentación y un hola, se encuentran en el vacío de una matriz, donde al despertar comenzaran a desenvolverse con mucha ingenuidad, una exteriorización de sentimientos y motivaciones profundas hacia una realidad implacable y coincidente con cualquier tiempo y lugar.

Caracas... ¡Urgente! fue estrenada en 1972 con jóvenes como Guillermo y Marielena Dávila, Arístides Aguiar, Perla Vonasek, Carlos Mata y hasta el mismo Levy. Era un obra premonitoria sobre los cambios que sufriría la sociedad venezolana, los cuales ahora son correctamente subrayados por los interpretes Eliécer Mantilla, Andreina Suárez, Saymond Jonat, Alfonzo Lamus, Julio César Marcado, Yesenia Quintero, Rusbeth Ordóñez y Yilmar Barrera, contando además con la égida musical de Jomar Daboin Ruiz y Carlos Cacique, bajo la dirección general de Idelson Sojo. ¡Un homenaje al maestro con mucho cariño!

Levy inventó el fonema "Vimazoluleka”, utilizando las dos primeras palabras de los nombres de sus íntimos compañeros de estudio del Liceo Aplicación. Quería exaltar esa amistad y bautizar su ópera prima, compuesta de dos actos o 16 escenas, nueve canciones y tres situaciones de puesta en escena. Esos amigos desaparecieron cuando hizo 39 funciones en el Ateneo de Caracas (1966), pasó al auditorio de Ingeniería y finalmente alcanzó seis semanas en la Aula Magna de la UCV. ¿Por qué? Nunca recibió respuesta. Viajó a Nueva York y allá también la escenificó durante cinco meses. En 1968 regresó para escribir y montar y además educar con las artes escénicas a miles de compatriotas, tarea que lo hizo feliz, imbatible e indomable.

No hay que olvidar que a pesar de muchos contratiempos pudo regentar una sala en el sótano 1 de Parque Central, construida bajo sus indicaciones por el Centro Simón Bolívar; pero durante el gobierno del presidente Jaime Lusinchi la entregó porque no pudo cancelar el condominio. ¡Regresaría de otra manera!

Se refugió en La Guaira para trabajar con las comunidades más pobres, pero el deslave de 1999 lo sacó y lo aventó hacia Caracas y otras poblaciones para ganarse al diario yantar. Siete años después, otra generación de actores y productores, en un acto paradójico que sólo se da en el mundo de las artes, lo homenajeó y colocó su nombre a ese mismo espacio donde trabajó intensamente en épocas pretéritas. Aceptó hacer un intenso taller de lectura dramatizada con sus 17 obras. Fue su segundo debut, porque todos, hasta sus eternos rivales, le volvieron a mirar y desde entonces es novedad hasta para los medios de comunicación. ¡La vida te da sorpresas!

Nunca se propuso ser un niño mimado de Caracas, como lo llamó Rubén Monasterios, ni tampoco un niño genio, ya que a los 21 años entró en guerra frontal contra esa gente que suponía que su ascenso era programado. Sí hubo un momento en que se puso a revisar para qué servía todo lo que había hecho en los años 60 y 70, porque en los 80 fue empleado público y lo hizo como para detener su carrera, que arrancó a los 13 años como alfabetizador. Jamás persiguió el éxito y su única cuenta o deuda es con Dios. ¡Alabado sea!

Larga y compleja ha sido la historia de la producción, su complejo rodaje y la accidentada posproducción de la película Vimazoluleka, la ópera prima cinematográfica de Levy Rossell Daal, cuyo estreno se planificaba para dentro de un mes en varias salas venezolanas. Y, por si fuera poco, iniciaba otro proyecto fílmico donde también participará su hermana Belkys Rossell Daal, la diseñadora.

Su vida no fue estéril. Deja obras y una historia de luchas

No menos de 22 festivales internacionales de teatro se han escenificado en Caracas durante los últimos 45 años, los cuales fueron financiados todos por el Estado venezolano y organizados los 15 primeros por el Ateneo de Caracas y la Fundación Rajatabla que dirigió Carlos Giménez, y los otros siete por Fundarte, el brazo cultural de la Alcaldía del Municipio Libertador. Eso ha sido un acierto de los gobernantes y los artistas, más allá de las valoraciones de los eventos en particular. ¡Un gran placer para el público, como debe ser!

Reiteramos esto porque del 27 de abril al 6 de mayo de este electoral año, se realizará la séptima entrega del Festival Internacional de Teatro de Caracas (FITCcs2018), con la escenificación de no menos de 200 espectáculos, algunos provenientes de Cuba, Colombia, Uruguay, Chile, Argentina, México, Ecuador, Perú y España, y, por supuesto los criollos, donde la Compañía Nacional de Teatro mostrará tres montajes recientes: Baño de damas, Troyanas y Develario.

Los ganadores de esa “hemorragia teatral” han sido los millones de espectadores que acudieron y por ende los artistas, quienes siempre se han quejado de la ausencia de público cuando pasa los susodichos festivales. Y es por eso que el teatrero José Jesús González ya alista una temporada con el montaje de su pieza Par de viejos en la sala Viga del Centro Cultural Chacao, para celebrar así sus 25 años en la disciplina teatral.

Par de viejos, cuyo estreno está programado dentro del FITCcs2018, cuenta con los primeros comediantes José Francisco Silva y Magalys Álvarez. Es una comedia dramática con la historia de una singular pareja de artistas de avanzada edad, Gabriel, viejo actor retirado especialista en Shakespeare y Antigua, una titiritera-marionetera. Ambos cómplices en el arte y en la vida, se congregan en un generoso espacio, con sus discapacidades, sus pesares y aciertos; con sus amores y miedos, con sus recuerdos y desencuentros; se reúnen para rememorar glorias pasadas y así evadir su cruda realidad.

González ha reiterado que su espectáculo es un homenaje al adulto mayor; a esos seres olvidados “especiales y queridos que nos dieron tantos en sus años de productividad; es una revisión al pasado, un homenaje a Shakespeare y a la hermandad. En agosto regresaremos a la sala Viga con la versión larga de La feria de la alegría, un éxito en micro teatro, además en Miami y Maracay montarán mis textos Las dos Fridas y Primero las damas, y a finales de año remontaremos uno de mis montajes más queridos: Tequila o Ron, de Gennys Pérez, con un gran elenco”.

UN CUARTO DE SIGLO

Cuenta González que desde hace 25 años está en el teatro. Se inició en la Escuela de Arte Dramático de Maracay con maestros como Roció Rovira, Alejando Bastidas y Mariozzy Carmona, entre otros. Decidió venirse a Caracas y aquí inició su formación en la Escuela de Artes de la UCV, con maestros como Isaac Chocrón, Xiomara Moreno, Ugo Ulive, Leonardo Azpárren, Orlando Rodríguez. Simultáneamente egresó de la Escuela Juana Sujo; allí encontró el apoyo de maestros como Gilberto Pinto , José Gabriel Núñez, Esteban Herrera, Orlando Rodríguez entre otros y esa etapa finalizó su formación en el Séptimo Taller de Formación Artística del grupo THEJA de la mano de José Simón Escalona, Rosalio Hinojosa, Javier Vidal y Angélica Escalona, “todas grandes experiencias que marcaron mi formación para llegar a lo que hoy en día es mi mayor logro: consolidar mi agrupación Teatro del Encuentro, que este año celebrará sus 25 años en la escena nacional”.

Está muy satisfecho por lo hecho en su primer cuarto de siglo teatral.“Son largas dos décadas con grandes logros, montajes que me han dado muchas satisfacciones, a la par de dirigir textos de grandes dramaturgos universales como Shakespeare, Lorca Strindberg, Camus, Ibsen y dramaturgos nacionales como Núñez , Chalbaud, Orsini y Gennys Perez entre otros; además he podido mostrar mis textos dramatúrgicos. El Teatro del Encuentro ha tenido gran apoyo de grandes creadores y me siento muy agradecido de los elencos maravillosos que hemos conformado a los largo de estas dos décadas, en maravillosas temporadas en las más importantes salas del país y en más de 20 festivales nacionales e internacionales: en fin, ha valido la pena todos estos años de crecimiento, porque la escena es un proceso de crecimiento espiritual, me involucré con el teatro y la dramaturgia porque me dieron la posibilidad de reinventarme, de proponer nuevos lenguajes, nuevas formar de ver la vida , de comunicación; si no la existencia sería muy aburrida, nunca me propuse ni fama ni dinero; aunque como me decía mi maestro Isaac Chocrón cuando veía mis primeros espectáculos eres un director y un dramaturgo joven con mucha suerte y talento, siempre llenas tu sala y eso es un gran logro”. A Chocrón le encantaba ver el teatro lleno y soy un afortunado que en mis veinticinco años de trayectoria, tengo un público cautivo que me sigue y eso es mi verdadera satisfacción”.

“Desde los 17 años me ha cautivado tanto la dirección como la dramaturgia y me siento muy a gusto en ambas posiciones. Me apasiona crear, soy muy inquieto, mi amor eterno es el teatro, aunque me nutro siempre del cine, la música y las artes plásticas. Un director y un dramaturgo deberían ser unos apasionados del conocimiento. A actualmente realizo estudios de Educación para seguir transmitiendo mis conocimientos, por medio de los talleres a las nuevas generaciones”.

SATISFECHO Y AGRADECIDO

Como artista venezolano que es, el artista González considera que “el teatro no escapa de la realidad de mi país; vivimos en una cuerda tensa y así habitamos en las artes escénicas, muchas veces desprotegidos, sin políticas culturales. Hace muchos años no disfrutamos de unos verdaderos subsidios de cooperación cultural, el Estado no los arrebató y espero que reflexionen porque el precio de las producciones es incalculable y ninguna agrupación actualmente tiene para costear dignamente su realización”.

Puntualiza que el arte teatral siempre ha sido el relegado de todos los gobiernos, “pero seguimos luchando, creando; los que aún apostamos a un mejor país; aquí hay mucho talento, muchos creadores con ganas de mostrar. La dignificación depende de nosotros, de unirnos como gremio y hacer respetar nuestros derechos como creadores y hacedores de sueños, deberían de darle espacio a agrupaciones que honren la creación y la investigación, no solo el teatro ligero, tenemos que ser serios a la hora de asumir nuestra profesión, el teatro es un hecho social, que de uno u otra forma debería transformar al espectador al salir de cada función y actualmente en nuestro país es uno de los pocos medios para decir verdades”.

El director-autor y el elenco de Develario.

Rodolfo Porras (59 años), uno de los cuatro hijos de la actriz Isabel Hungría y Luis Porras, escribe, dirige y produce espectáculos teatrales que no exhibe frecuentemente en el circuito comercial caraqueño. Pero ahora, sin buscarlo u organizarlo, estrena y exhibe tres suyas durante el Séptimo Festival Internacional de Teatro de Caracas 2018: Develario, El depósito y Uroboros. Pero eso no lo hace cambiar de opinión, ya que para este comprometido artista el teatro en Venezuela es una disciplina artística muy joven, pese a que comenzó a finales del siglo XVII. “Creo que la verdadera y trascendente historia escénica criolla se inicia a mediados del siglo XX, con autores como César Rengifo y con la presencia de maestros de la talla del mexicano José Gómez Obregón, la argentina Juana Sujo y el chileno Horacio Peterson, entre otros. Hay que proseguir trabajando día a día, noche a noche, para que el teatro sea el otro pan o la otra arepa del consumo venezolano, cultural en este caso. En otros paises eso es así y aquí también hay posibilidades, se puede. Yo, por ahora, no me lo creo, pero es una realidad que te atropella: tres de mis obras, las cuales yo escribí, y que además he dirigido estarán para la contemplación y disfrute de los caraqueños y hasta es posible que algunas sigan en temporada”, comenta, tras suspender un ensayo.

¿Qué significa estar presente en con tres obras suyas en este evento festivalero?

Es una competencia maravillosa y creo que los compromisos de fechas pueden afectar los primeros resultados artísticos, los cuales después se pueden mejorar o depurar. Es un evento maravilloso para mostrar el mundo que vemos y que sufrimos además. Donde participa una nueva generación de actores al lado de gente ya conocida.

¿Qué es Uroboros?

Es un espectáculo de teatro de calle, que se presenta en una plazoleta al lado del Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas, en la avenida Mexico, al lado de la salida sur del Metro, y de ahí se desplazara hasta la plaza de los Museos, durante las tardes del 30 de abril y el 1 de mayo, hacia las 5PM, por ahora. Uroboros, mitológicamente es la serpiente que se muerde la cola, pero teatralmente Uroboros es una página amarga de la historia venezolana de los años 50. Es la historia de la comunidad, durante los años finales de la dictadura del general Perez Jiménez, que enseña como la comunidad de Turiamo fue desplazada para convertirla en un playa turística, sacando sin mayores contemplaciones a sus habitantes, quienes se instalaron en Maracay a pasar dificultades. La escribí hace 14 años y es una creación actoral del Reinaldo Mijares, director además del grupo Mudanzas, donde están presentes el teatro, la danza y los ritos. Es, básicamente, un monólogo, que no supera los 15 minutos: yo lo leí en la Universidad de Salamanca y mereció aplausos. Veremos qué pasa ahora en esta Caracas festivalera.

¿En qué consiste El depósito?

El depósito es otro monólogo, actuado por Horacio Méndez, otro comediante surgido del teatro de la calle y quien ahora se ha transformado en un actor de gran factura. Esta pieza mía está basada en hechos de la vida real y retrata a la Venezuela de los años 80 al plasmar a un personaje, que acompañado de un músico especial como es Simozas, materializan una metáfora sobre un momento del pais, en aquellos años 70 y 80, cuando el boom petrolero desequilibró a la sociedad venezolana. Es un personaje que termina siendo víctima de sus propios fantasmas. Es la historia de Mario en un espacio donde él reconstruye parte de su vida. La escribí el año pasado Se presenta el 30 de abril el 1 de mayo en la Sala de Conciertos de Unearte, a las 5PM.Es otra pieza sobre la violencia venezolana, algo no se puede silenciar.

¿Y Develario?

Es la joya de la corona, por así decirlo, es la segunda pieza de la programación 2018 de la Compañía Nacional de Teatro para este año. .Es otra pieza que terminé este año y que ahora exhibo en el histórico teatro Alberto de Paz y Mateos los días 5 y 6 de mayo, a las 4PM. Es otro teatro sobre la violencia venezolana, esa que le costó la vida a más de un centenar de venezolanos el año pasado, en ese nefasto episodio de las guarimbas. Este, mi, Develario es una comedia dramática escrita al estilo de la novela negra, o el cine negro. Utilizo los ingredientes emblemáticos de este género. Pero yo diría, a la hora de buscar influencias, que la pieza se acerca más a Bertolt Brecht que a Raymond Chandler. Es decir, es una obra política que trata de alejarse del panfleto, del mensaje directo. En ese sentido, sin embargo, es como cualquier pieza teatral, porque todas responden a una ideología, a una postura filosófica y política. Con Develario pretendo que el público se encuentre con un texto y una puesta que le permita un goce estético, se divierta y pueda entrar en contacto con la posibilidad de leer la realidad más allá de lo aparente. El elenco tiene un nivel actoral excelente, así que si logro engranar con tino los otros componentes que implican la puesta en escena, vamos a dar un buen espectáculo. Y si Dios y los designios de la indomable naturaleza, no lo impiden, la estará mostrando acompañado, por supuesto, con los comediantes Arnaldo Mendoza, Adriana Bustamante, Ludwig Pineda, Maria Alejandra Tellis, Celeste Gil, Darío Soto y Ronny Mújica. Develario seguirá en temporada en la misma sala después del festival

En ocasión de cumplirse 200 años del natalicio de Karl Marx, tendrá lugar en Caracas, el Primer Congreso Internacional: “Marx en el siglo XXI. Desafíos para la transformación del mundo actual y la revolución bolivariana”; cuya programación se desarrollará en los espacios del Auditorio Gastón Parra Luzardo del Banco Central de Venezuela, entre los días 3 al 5 de mayo.

La actividad está concebida en jornadas de reflexión teórica y de debate, en las que participarán destacados investigadores nacionales e internacionales; cuyas ponencias se han organizado en 5 ejes temáticos, que comprenden aspectos filosóficos, ideológicos y económicos en su relación intrínseca con la política, comprendida ésta como la forma más compleja de la existencia humana, dada las múltiples determinaciones que la misma produce en la vida social.

La metodología propuesta debe permitir alcanzar una proximidad que explique desde una concepción crítica, los desafíos planteados en la presente etapa del desarrollo histórico de la humanidad, en una contexto de agudización de la lucha de clases y crisis estructural del capitalismo a nivel mundial, e identificar los retos que en dicho contexto oriente la acción revolucionaria de los sujetos sociales llamados a materializar la magna obra social concebida por Karl Marx.

La clausura está prevista para el sábado 5 de mayo, con la intervención del destacado intelectual marxista Álvaro García Linera, Vicepresidente de la República de Bolivia.

Invitan al Programa de Conmemorativo Bicentenario de Karl Marx, el Ministerio del Poder Popular del Despacho de la Presidencia y Seguimiento de la Gestión de Gobierno, el Centro Nacional de la Historia (coordinador general del Programa), así como el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, la Alcaldía del Municipio Bolivariano Libertador, el Instituto de Altos Estudios del Pensamiento del Comandante Hugo Rafael Chávez Frías, el Instituto de Altos Estudios «Bolívar-Marx», la Red de Intelectuales, artistas y movimientos sociales en defensa de la Humanidad, la Escuela Clasista de los Trabajadores Daniel de León, la Escuela de Formación Socialista 27F y el Banco Central de Venezuela a través del "Programa de Formación e Investigación, Análisis y Medición de la Economía Venezolana desde la Perspectiva Marxista”.

Inscripciones abiertas a través del correo electrónico: inscripcionescongresomarx@

Tras superar unos percances de vernácula logística arquitectónica teatral, José Gregorio Magdaleno está listo para estrenar su obra Tropical en la séptima edición del Festival Internacional de Teatro de Caracas, a cargo de la agrupación “Igual a uno Teatro”, que él mismo dirige y donde se diserta sobre el ser, su origen, razón y verdad. Las presentaciones serán los días jueves 3 y viernes 4 de mayo, a las 6 PM, en La Rampa Sala de Teatro, ubicado en el edificio San Martín de Parque Central.

Tropical, actuada por Osleyda Perez, Yarumi González y Amilcar García es la historia de dos bailarinas comediantes, que emprenden un viaje a través de la búsqueda de su propio nombre y a partir de ello, de la búsqueda del ser. Y es que cada nombre que prueban las hace una persona distinta, con diferentes culturas y maneras en una especie de sincretismo de personalidades. En el viaje, ambas mujeres se ven enfrentadas a la muerte y a la devastación, así como a la sensualidad, al disfrute del ser a través de la comida y del baile, definitivamente una muestra de la ambigüedad del ser humano y de su equilibrio intrínseco y natural.

“Es una búsqueda de descubrir quiénes somos, frente a unas maneras, unas formas. Entonces nosotros como espectadores podemos conocer lo que podría ser la icnografía de lo tropical, es decir, los mambos, los bailes, los merengues, las cumbias, que de alguna manera signan una manera de ser y que contrastan”, explicó Magdaleno a la prensa caraqueña.

Cuestionamientos nietzscheanos sobre los estereotipos, la identidad, qué y quiénes somos, se ven presentes en la puesta en escena que busca la reflexión del espectador. “Es decir, eres lo que dicen que eres a través de los medios, además de unos aparatos, inclusive de la misma cotidianidad de las personas, o eres aquello que tú sientes interiormente o que tú percibes que puede escaparse a ese estereotipo”, enfatizó el teatrero.

El director indicó que el conflicto en la obra se plantea desde la complejidad y singularidad del ser humano, contrastada con los estereotipos de lo tropical y del ser, signados por la cultura cinematográfica, la publicidad y los medios en general.

Tropical es entonces una especie de alegoría de la vida, sus situaciones y diversas lecturas que ponen en evidencia mecanismos, quizá de defensa con los que actúa el cuerpo humano en situaciones adversas o extremas y difíciles de comprender para las mayorías.

“El nombre lo elegí porque era un nombre que tenía esa contradicción, por un lado hay marcas comerciales que hablan de tropical, pero por otro lado, por el concepto profundo, una de las acepciones de esta palabra es vuelta u origen al regreso, entonces me pareció sumamente acertado y ahí viene la pregunta de la apariencia como la percibimos hoy en día, que tiene que ver con la contemporaneidad, aunque esté muy alejado de lo que hoy podemos ver, tiene que ver también con el origen de las cosas”, explicó el dramaturgo.

Magdaleno relató que con esta muestra intenta darle respuesta a ese porqué, que siempre estará vigente y que no se narra desde un género en particular sino que une drama, comicidad y baile, para mayores de 18 años.

"Igual a uno teatro" es una agrupación nacida en el 2016, hace vida en la Sala La Rampa y se dedica a mostrar historias, eventos y sucesos humanos hilados por la búsqueda del significado del ser, a través de la propia búsqueda expresiva del actor o actrices. “La actitud de un creador frente al fenómeno humano es verlo con la desnudez y la claridad de que el fenómeno humano siempre será desconocido y es una búsqueda constante”, explicó el actor, docente, investigador, escritor y director teatral con más de 40 años de trayectoria artística.

¡El sainete,el baile y la música cañonera generan grandes pasiones!

¿Usted cree que se justifica todo el gasto económico del Festival Internacional de Teatro de Caracas en estos momentos de crisis?

Yo creo que cualquier inversión que se haga en el sentido de que la cultura pueda ganar un espacio para ello en el aspecto social, sociológico y político, es absolutamente positiva. Es una inversión a largo plazo. El pais no se va arreglar porque se gasten unos millones el FITC en momentos en que además, misteriosamente, el presupuesto de la cultura diez veces, de 360 millones a 3 mil 6090 millones.

Esa pregunta la respondió Carlos Giménez a la prensa caraqueña, en abril de 1992, al concluir el IX FITC y la recordamos ahora cuando se desarrolla otro Festival Internacional de Teatro de Caracas, a concluir el venidero domingo 6 de mayo, para completar así 22 eventos, organizados y ejecutados a lo largo de los últimos 45 años. Los primeros 15 festivales los gerenció y diseñó el sector privado (Ateneo de Caracas con Maria Teresa Castillo y Carmen Ramia, además de Giménez y la Fundación Rajatabla) y los últimos siete fueron paridos por los gerentes de Fundarte (Freddy Ñáñez, etcétera) pero todos los 22 fueron íntegramente, auspiciados por el Estado venezolano (con Nicolás Maduro Moros ahora en la Presidencia) y esto hay que recalcarlo.

¿Qué por qué insisto en estos recordatorios? Porque la memoria colectiva suele ser frágil o es asaltada permanentemente por unos cuantos oportunistas o fracasados, que quieren ser “adanes y evas” del teatro vernáculo, cuando ni siquiera son capaces de organizar el condominio del bloque donde viven o mostrar un pesebre navideño.

Y hablando del propiamente 7 FITC, este concluirá el domingo venidero con el montaje Angelitos empantanados, procedente de Colombia (vinieron nueve paises) y no menos de otros 28 espectáculos en salas, donde destaca Develario, escrito y dirigido por Rodolfo Porras y producido por la Compañía Nacional de Teatro, que comanda el artista Carlos Arroyo, el cual vimos en un ensayo general, sin vestuario y escenografía, pero mostró grandes rasgos, muy interesantes y recargados de crítica sociopolítica.

JOYA DE LA CNT

Este Develario es la joya de la corona, por así decirlo, es la segunda pieza de la programación 2018 de la CNT. Es otra pieza que Rodolfo Porras terminó este año y cual ahora exhibirá en el histórico teatro Alberto de Paz y Mateos. Es otro teatro sobre la violencia venezolana, esa que le costó la vida a más de un centenar de venezolanos el año pasado, en ese nefasto episodio de las guarimbas.

Este Develario es una comedia dramática escrita al estilo de la novela negra, o el cine negro. Utiliza los ingredientes emblemáticos de este género. Pero a la hora de buscar influencias, la pieza se acerca más a Bertolt Brecht que a Raymond Chandler. Es decir, una obra política que trata de alejarse del panfleto, del mensaje directo. En ese sentido, sin embargo, es como cualquier pieza teatral, porque todas responden a una ideología, a una postura filosófica y política. Con Develario se pretende que el público se encuentre con un texto y una puesta que le permita un goce estético, se divierta y pueda entrar en contacto con la posibilidad de leer la realidad más allá de lo aparente. Y si Dios y los designios de la indomable naturaleza, no lo impiden, lo estará mostrando, a lo largo de mayo y parte de junio, acompañado, por supuesto, con los comediantes Arnaldo Mendoza, Adriana Bustamante, Ludwig Pineda, Maria Alejandra Tellis, Celeste Gil, Darío Soto y Ronny Mújica.

BILLO´S

Acudimos al espectáculo inaugural del FITC 2018 en el teatro Municipal, el pasado viernes 27, Caracas, el valle de los inquietos,un plausible hibrido de sainete con comedia musical bailable, creado por Miguel Issa y apuntalado en los diestros maestros de la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, comandada por Rodolfo Saglimbeni y Daniel Gil. Esta revista musical, para clasificarla así, fue creada en conmemoración de los 450 años de Caracas y está inspirada en la música, costumbres y testimonios desde inicios del 1900, los cuales determinaron una forma de ser de nuestros ciudadanos.

No menos de 80 artistas, conformados por músicos, actores, bailarines y cantantes, dieron vida a distintos momentos de la historia caraqueña, a través de su humor, costumbres y tradiciones. El público del 2018 enloqueció porque se vio en escena, como ocurrió, inicialmente, en septiembre de 1988 con el sainetee Yo también soy candidato de Rafael Guinand y la revista musical A bailar con Billo´s, dirigido todo aquello por Gilberto Pinto y Joaquín Rivera bajo el celoso ojo de Isaac Chocrón Serfati, presidente de la CNT de aquellos tiempos.

Ver aquello fue recordar al mitológico Uroboros, que en este caso es un delicioso regalo del talento actoral y las habilidades histriónicas de ese conglomerado ahí presente. Bonito y enaltecedor comienzo para un festival que se hace para el público, un bálsamo bien presentado por Fundarte.

ANTIGONA DESNUDA Y EL REY EN CALZONCILLOS

Vimos, lamentablemente, al grupo procedente de México con una versión de la clásica Antígona, la cual no nos satisfizo, pues todo el tinglado fue para desnudar a la heroína Antígona y sacar en calzoncillos azules al rey Creonte, afectando el cuestionamiento al poder, como lo escribieron y disfrutaron los griegos de hace unos cuantos miles de año. Un verdadero arroz con mango, en criollo. No supimos de los nombres de los actores ni de los meritorios actores extras, porque no había programa de mano.

Ya habrá ocasión para criticar serenamente otros montajes visitantes y los de los grupos venezolanos, los cuales seguramente estarán exhibiéndose posteriormente en varias salas, porque desde hace más de 400 años el teatro es el otro pan que consumen los habitantes de este valle, a pesar de “las huidas” contemporáneas a oriente u occidente y otros puntos cardinales, una manera de expresar la libertad de tránsito que se tiene en este país.

Desde Guanare vinieron estos artistas con su memorable espectáculo.

No es novedoso que la auténtica literatura dramatúrgica aborde la temática bélica y su efecto devastador en la vida de los humanos sobrevivientes, los dramaturgos griegos así lo demuestran a pesar del paso de los siglos. Y ahora en Venezuela se les recuerda con satisfacción. Esto lo decimos, muy sentidamente, porque hemos visto el conmovedor espectáculo Cuentos de guerra para dormir en paz, texto original de Karim Valecillos, que la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa (CRTP), según la contundente puesta en escena que ha logrado Aníbal Grunn y presentado en el VII Festival Internacional de Teatro de Caracas 2018, educativo y lúdico evento que Fundarte realizó en la capital venezolana entre el 27 de abril y el 6 de mayo de este electoral año.

DE GUANARE PARA EL MUNDO

Es necesario recordar que la CRTP fue creada en el año 1992 en Guanare (Portuguesa) para formar parte del Proyecto Nacional de Compañías Regionales de Teatro, ideado y puesto en marcha por el secretario de teatro del Conac, Herman Lejter, el cual propugnaba la regionalización del hecho escénico y por ende la conformación de un nuevo mapa teatral para Venezuela. Hacia 1994, el Sistema de Compañías Regionales de Teatro lo conformaban 22 instituciones ubicadas en cada uno de las regiones, a fin de propiciar un desarrollo teatral de calidad en cada una de las localidades. Estas instituciones estaban dedicadas a la formación integral, la creación, la investigación, la producción y la difusión teatral.

La CRTP debutó con Crónica de invierno, de Alberto Ravara, dirigida por Carlos Arroyo, y desde entonces dicha compañía, una de las pocas que ha sobrevivido, se ha dedicado a la creación, mostrando piezas venezolanas y latinoamericanas. Desde 1992 sus espectaculos han estado bajo la dirección y producción de Carlos Arroyo, sin embargo durante el transcurrir de los años la compañía ha contado con la participación de directores de alta trayectoria nacional e internacional, entre ellos están Alberto Ravara, Aníbal Grunn, Alberto Sarraín, Armando Holzer, Karol Wisnieswky, entre otros.

Es, pues, por toda esa historia de trabajos positivos para el movimiento teatral criollo que la CRTP se ha convertido en una de las más importantes del pais, para no decir que es la unica, ya que la mayoría de las agrupaciones han desaparecido como tal y se han convertido en grupos de maletín o de “el vente tú”, por diversas razones socioeconómicas, para no añadir o citar el elemento político o politiquero que es una especie de espada de Damocles.

CARNICERIAS BÉLICAS

Tras puntualizar este aspectos sobre la importancia cultural de la CRTP, la cual además organiza anualmente un Festival Internacional en Guanare, debemos subrayar que los comediantes vinieron a Caracas, tras siete horas de carretera, para mostrar durante dos noches en la histórica sala Rajatabla (gracias a sus fundadores Carlos Gimenez y Francisco Alfaro), un montaje con cuatro mini textos que evocan las carnicerías humanas (físicas y sentimentales) presentes en los conflictos bélicos, sean guerras declaradas o las nefastas contiendas civiles, tal como lo exhibe su estrujante espectáculo Cuentos de guerra para dormir en paz.

La dramaturga Valecillos logró en sus cuatro minobras -se las estrenó Jesus Carreño, hace no menos de diez años en el Ateneo de Caracas, y ahora él lucha para sobrevivir en Bogotá- enfocadas en las sagas íntimas de las víctimas de diversos conflictos bélicos. Ahí están, pues: Grita Casandra, que revela la historia de dos hermanas, que en medio de la separación de Yugoslavia sobreviven refugiándose en la ficción de la telenovela venezolana Casandra, pero el fratricidio las asecha. Un chiste de las Malvinas es la paranoica reflexión de dos excombatientes de las Malvinas y sus conflictos contra sus demonios, ya que no aceptan que perdieron la lucha con el Reino Unido, aunque tratan de tranquilizarse aceptando que son “subcampeones”. El Medio Oriente es de Carúpano pa` alláubica a una pareja venezolanas en el centro de una guerra lejana que sí afecta a todos los seres humanos, mientras ellos sensibles espectadores temen que las llamas de esas conflagraciones también los alcancen. Y Mandrake Copperfield, Hijo de Houdini que es sobre la muerte en vida de miles de desplazados colombianos que abandonan involuntariamente sus terruños para afrontar la lucha cotidiana en un país extraño (aunque sea vecino) para construir un mañana incierto.

Mandrake Copperfield, Hijo de Houdini es la diáspora o éxodo a la colombiana que se vive en Ecuador y en esta Tierra de Gracia, pero ocasiones va hacia Europa o Estados Unidos; para hablar de todos aquellos desplazados por la cainita violencia colombiana habría que escribir no una sino una docenas de piezas, porque sus cuentos hacen hueco en los estómagos de quienes las escuchan o las han vivido en carne propia, ya que la más cruel de las guerras es el destierro por la soledad cotidiana y por ende la ausencia o la prohibición misma del amor cuando este asoma.

En Cuentos de guerra para dormir en paz se detecta –y lo exaltamos- no sólo la abierta repulsión de sus artistas hacia los horrores de los conflictos bélicos, sino un afán de romper las estéticas convencionales que sofocan al teatro criollo. Y por eso incursionan ahora en una combinación con música en vivo. Una evidente y positiva manifestación del talento artístico congregado en esa agrupación portugueseña, de la cual esperamos más y mejores eventos teatrales. El acierto y el error serán sus lenguajes perennes hasta que logren la consagración o la fama. ¡Y después volverán a empezar... si sobreviven!
Ahí participan: Mercy Mendoza, Evis Cuellar, Jesus Plaza y Carlos Moreno, además de Wilfredo Peraza, el trovador con su guitarra que matiza la patética amargura de cada uno de los cuatro cuadros, además de la introducción y el colofón, cuando los actores salen descalzos para decirle al público que, ellos como venezolanos sensibles y comprometidos, “solo le piden a Dios,que la guerra no les sea indiferentes, porque es un monstruo grande y pisa fuerte sobre la pobre inocencia de la gente”.

Pero este montaje no habría sido posible sin la hermosa entrega de todos sus histriones ahí involucrados, especialmente durante el cuarto miniteatro relacionado con los desplazados colombianos, donde una pareja colombiana se abraza y sueña con el amor cercano e íntimo, en medio de su tragedia. Ahí el humor y la risa se transforman en ira y violencia ante el desatino que impera en las fronteras con Ecuador y Venezuela, las más importantes y las más críticas, donde lo que sucede es superior a lo que refleja la escena misma.

UNA GUERRA SIN FIN

Ahí están, pues: el drama que tienen que vivir dos hermanas separadas por los prejuicios raciales en la guerra de Croacia y Serbia; la triste vida que llevan dos excombatientes de la guerra de las Malvinas, sus miedos, sus recurrentes pesadillas y sus rechazos de esa hipócrita sociedad donde viven; el conflicto pasional de una pareja del oriente venezolano, que presos de la ignorancia se ven envueltos en la guerra del Golfo Pérsico ,y el desplazamiento que han tenido que sufrir los colombianos hacia las fronteras por el conflicto entre las guerrillas y los gobiernos, una guerra de más 50 años que se niega a desaparecer, porque ninguna de las partes se tiene confianza, todos se tienen miedo, ya que se acostumbraron a la guerra, aunque las nuevas generaciones piensan un tanto diferente a sus abuelos.

¡Y uno hasta lagrimea por no poder hacer nada verdaderamente contundente! Tal como lo sentimos y escribimos ante aquel memorable estreno, el cual ahora se repetido. Gracias a la CRTP hemos sentido de nuevo todo aquello y de nuevo se ahogaron nuestros ojos. Son cuatro cuentos, muy bien echados y construidos por Grunn y todo su equipo, para plasmar así la cruenta realidad de la guerra y su flagelo en cada uno de los momentos que evocan.

Ya el Séptimo Festival Internacional de Teatro de Caracas 2018 (organizado por Fundarte) es un punto respetable en la historia del arte teatral criollo para este siglo y aquí en la capital venezolana aún hay posibilidad de ver y ponderar una de las piezas estrenadas durante ese lapso del 27 de abril al 6 de junio. Nos referimos a Develario, un complejo texto dramático en clave de vernáculo melodrama policial, de Rodolfo Porras, quien además lo dirigió y estrenó en el sala Alberto de Paz y Mateos con los correctos trabajos profesionales de los comediantes Arnaldo Mendoza, Adriana Bustamante, Ludwig Pineda, María Alejandra Tellis, Celeste Gil, Darío Soto y Ronny Mújica, pertenecientes al elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, ente oficial responsable de la producción global del espectáculo.

Develario es la segunda pieza de la programación 2018 de la Compañía Nacional de Teatro (que dirige Carlos Arroyo) para este año. Es otra pieza, la número 18, de Rodolfo Porras (nació en Caracas hace 59 años), quien la culminó este 2018 y ahora le ha tocado estrenar y hacer temporada en el histórico teatro Alberto de Paz y Mateos, lo de histórico es porque ahí germinó y se catapultó la Santísima Trinidad del Teatro Venezolano (título periodístico que impuso Lorenzo Batallán), o sea a la tripleta de calidad que hicieron los dramaturgos Isaac Chocrón, Román Chalbaud y José Ignacio Cabrujas, a lo largo de la segunda mitad del siglo XX.

Develario es la primera pieza que se lleva a escena sobre la reciente violencia venezolana, esa que le costó la vida a más de un centenar de venezolanos durante el año 2017, en ese nefasto episodio de las guarimbas. Este Develario, y lo ha subrayado muy sensatamente el autor Porras, es una comedia dramática escrita al estilo de la novela negra, o el cine negro. Donde utiliza los ingredientes emblemáticos de este nada fácil género y a la hora de reconocer influencias no niega que se acerque más a Bertolt Brecht que a Raymond Chandler. Es decir, sí es una obra política que trata de alejarse del panfleto, del mensaje directo, es un detalle de honestidad intelectual, un gesto poco frecuente entre los autores criollos, que oscilan más hacia el discurso político y menos hacia la incómoda y vertical verdad de los hechos. En este caso, sin embargo, es como cualquier pieza teatral, porque todas responden a una ideología, a una postura filosófica y política, por parte del escritor o autor del texto teatral, donde la ficción teatral es libre.

PADRES BURGUESES

Con Develario,Porras pretende que el público venezolano se encuentre con un texto y una puesta que le permita un goce estético, se divierta y pueda entrar en contacto con la posibilidad de leer la realidad más allá de lo aparente. El elenco tiene un nivel actoral parejo, aunque las performances de Tellis y Soto (no menos de seis personajes) son excepcionales y fundamentales para el desenlace de la pieza, pero todos engranan de tal manera que permiten una puesta en escena dinámica, limpia y se convierte en un buen espectáculo, con una ejemplar demostración de economía de los recursos materiales y sustentados en una firme dirección actoral y un siempre mejorable ritmo escénico, clave del hecho teatral mismo

Develario, cuya duración no supera los 90 minutos, muestra a una atribulada madre burguesa solicitando los servicios profesionales de un detective privado para que eche luces sobre la misteriosa muerte de su joven hijo durante una manifestación pública o protesta organizada contra el gobierno. El sabueso, como cualquier hijo de Dick Tracy, contacta a varios funcionarios policiales que estuvieron implicados en la muerte del adinerado muchacho y encuentra detalles claves, al tiempo ue indaga en los orígenes y los desplazamientos de los adoloridos padres, abiertos opositores al gobierno, hasta que parece un hecho fortuito: hay una fotos del suceso, cuando mataron al jovenzuelo y ahí se pueden deducir que otros terceros conocen o participaron en el crimen. Los supuestos criminales o autores materiales pierden la prudencia y tratan de silenciar al investigador pero este se salva de una muerte segura y así descubre que fue su propio padre quien disparó y mató al muchacho, al parecer porque se equivocó de blanco en la manifestación. El final es abierto, por si decirlo. Y suscitará comentarios. Se esperan otros teatros sobre esa etapa de la historia venezolana.

ECONOMIA Y COMPROMISO

Vale la pena destacar lo austero del montaje que está resuelto con materiales reciclados y reducidos al mesón de un bar, un escritorio del detective que se convierte en mesa del comedor de casa burguesa, dos sillas toné y un perchero. Es una muestra que con buenos actores y un texto bien resuelto se puede conseguir un montaje nada costoso pero si muy enriquecedor en lo ideológico.

En un momento de crisis como el que se vive en Venezuela, el dramaturgo Rodolfo Porras admite que es un ser humano feliz, pero eso no quiere decir que “esté satisfecho…la sensación y la certeza de completitud es enorme, cosa que me obliga a seguir haciendo, pensando, dudando, equivocándome… las satisfacciones que funcionan, a mi criterio, son las circunstanciales, las perecederas. De hecho tengo la sensación de que las satisfacciones permanentes son una especie de fracaso. A parte del aprendizaje que significa haber convivido y crecido vinculado a la actividad teatral, yo estudié formalmente en el IFAD, y recibí una enseñanza privilegiada, dada la pléyade de profesores que me tocaron en suerte. Luego me integré al Teatro Universitario de la UCV, bajo la tutela de Luis Márquez Páez, me hice escenógrafo profesional por las enseñanzas de Ramón Aguirre, con quien trabajé en teatro y el cine, hasta que me independicé en ese oficio. En la Escuela de Letras, no sólo fui alumno sino preparador de Eduardo Gil. Es decir, tengo un aprendizaje formal. Por supuesto, que también hay un aprendizaje informal que implica el roce en el oficio y la adquisición de unas herramientas de manera autodidacta, como creo que es el proceso de aprendizaje de todo el que se dedica a aprender una disciplina. Creo que no se puede hacer teatro sin compartir el conocimiento, el aprendizaje, la experiencia y los saberes. El teatro es una actividad colectiva, gregaria y de constante aprendizaje”.

Pero puntualiza quetodo teatro es comprometido, hasta el muy malo. “Hay un teatro comprometido con el dinero, otro que está comprometido con la religión, hay un teatro comprometido hasta los tuétanos con la vanidad, otro más con el arte en sí mismo, otro con posturas políticas… lo que es difícil, si no imposible es que exista un teatro no comprometido. He escrito y llevado a escena obras comprometidas con el ideario político revolucionario, otras con la libertad, otras con la diversión, alguna más con la literatura, todas con varias cosas a la vez. Cuando se habla de teatro comprometido se suele aludir al político o al militante… yo he escrito eso que llaman teatro de urgencia o panfletario, pero no es lo que más me gusta, de hecho no me interesa… Creo que el teatro, el arte en general tiene un compromiso con la vida, lo humano, la justicia, y también tiene un compromiso con altos contenidos estéticos y filosóficos. El arte, el teatro tiene la capacidad de colocar al artista y a su receptor en una atmósfera, en una sintonía especial que lo hace mirarse y mirar al otro con libertad, con amor por lo humano y sus capacidades creadoras. Ese es el compromiso intrínseco del arte, pero es el más fácil de eludir, casi siempre en nombre de esos otros compromisos”

La historia dirá que pasó con Rodolfo Porras, quien ahora queda como un comprometido autor, estrenado en un magno evento.

Anibal con el elenco que vino de Guanare.

Vino desde Guanare para ensayar y dirigir el montaje de la pieza Baño de damas, de Rodolfo Santana, una producción de la Compañía Nacional de Teatro (comandada por Carlos Arroyo), pero antes montó en la capital de Portuguesa la obra Cuentos de guerra para vivir en paz, de Karin Valecillos, producida por la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa.Con esos dos espectáculos, de autores venezolanos -y lo reiteramos en estos tiempos tan extranjerizantes- participó en el VII Festival Internacional de Teatro de Caracas (del 27 de abril al 6 de junio) y sus montajes quedaron entre los cinco mejores y fueron además los más vistos en la muestra, según el público y la crítica especializada. Por eso decidimos preguntarle al teatrero Aníbal Grunn algunas cosas.

¿Con más de 50 años en el teatro, es la primera vez que eres noticia, por aquello del buen resultado en la muestra de teatro realizada?

Muy graciosa la pregunta. Personalmente creo nunca fui ni seré noticia. Las noticias por lo general son de lectura y repercusión masiva y nada cultural tiene esa respuesta. Muchas veces se han comentado temas relacionados con el acontecer teatral: estrenos, premios, giras, etcétera. pero nunca fue una noticia. Siempre llego hasta un grupo de hacedores del teatro y nada más. Tú que ocupas siempre de difundir todo lo que sucede en el panorama teatral, tanto nacional como internacional, pero lamentablemente nunca llegas a ser noticia. No pasa de una buena intención de tú parte y un comentario de un pequeño grupo. Es triste pero despierta más interés el amarillismo que la cultura. Si algún artista es víctima del hampa entonces eso si es noticia. Si gana premios o tiene reconocimientos a nivel nacional, no despierta interés. Ahora si es reconocido en el exterior puede ser un poco más leído o comentado. Ningún medio se ocupa de nuestra cultura como debería hacerlo. Pero si algún artista extranjero se divorcia o es reconocido por algún escándalo, inmediatamente se vuelve noticia viral.

¿Cómo se hace para trabajar tanto y bien?

En principio no trabajo tanto. Trabajo normal como cualquiera que tiene un oficio y aspira a vivir de él. Si fuese panadero, o herrero o arquitecto o zapatero tendría que trabajar todos los días. Bueno, soy artista, a ese oficio me debo y de él vivo hace mucho tiempo. Trato de hacerlo con la mayor dignidad posible. Con estudio, dedicación, profesionalismo y recordando me todos los días que lo que hago debe ser para un público que necesita escuchar, que es venezolano y que sobre todo debo cuestionarlo y mantenerlo activo y reflexionando el día a día.

¿Ha patentado la fórmula para las nuevas generaciones?

No existen fórmulas posibles. A mis alumnos les digo siempre que hay que hacer del arte un oficio. Un proyecto de vida. Que nada se consigue sin esfuerzo, dedicación, entrega, trabajo. Que es necesario sistematizar todo, planificar, tener dignidad. Que el éxito no existe. Que lo efímero, lo banal, lo superfluo se desaparece muy pronto como la espuma. Que lo que queda es lo que se siembra. Estudio mucho estudio y con dedicación. Lo demás, en perfecto venezolano es buchipluma.

¿Qué prepara ahora?

Estamos cerrando lapso en la Universidad Nacional Experimental de las Artes. Me encuentro estudiando una pieza teatral venezolana que pronto arranco a ensayar, con la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa. Otra con el Grupo Estable de la Unearte, la Crea de Acarigua. Y estoy evaluando una invitación para actuar fuera del país para septiembre. Como veras no sé estarme quieto. Ya me tocara alguna vez. Espero que falte mucho para eso.

Páblo García Gámez

Pablo García Gámez, venezolano residente en Nueva York desde 1992, ya pregunta por el cuándo y el dónde será el estreno de su pieza Oscuro, de noche, texto merecedor del Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional de 2017, organizado por la Compañía Nacional de Teatro (CNT), el cual será mostrado durante su programación para este año 2018.

Con Oscuro, de noche, obra sobre un hecho que marca a una familia de clase trabajadora en Caracas y las actitudes que mantienen los vecinos ante un hecho de violencia, Garcia Gámez aspira iniciar un diálogo sobre aspectos que supuestamente definen un carácter colectivo. “De una parte, está la estructura familiar; familia que se rehace del quiebre de relaciones anteriores y como se demuestra el afecto entre sus miembros. Por otra parte, está la calle, de particular hibridez estética, espacio de agresión, de encuentro, de pérdida. Pérdida absurda, pérdida inexplicable. El texto es un acto de circo decadente narrado por un juglar que refleja el compromiso que muestran unos pocos porque, aunque la mayoría se queje, no asumen el rol ciudadano para cambiar aspectos de nuestra sociedad que así lo requieren”.

¿Su pieza propone un ensamble de escenas que van del presente al pasado y al futuro, o sea que deja o abandona la estructura teatral tradicional por así decirlo y la organiza cual si fuese el guión de una película? Se lo pregunto por si eso no ¿le preocupa para la comprensión del texto-montaje por parte del espectador?

Hace tiempo que trabajo con alternativas a la linealidad temporal, como lo hago en mis piezas Olvidadas, Noche tan linda y El Gos, entre otras. Me interesa explorar el tiempo y su fragmentación porque cada escena define mucho más su autonomía. Por el lado de los intérpretes, la fractura de la cronología les brinda la tarea de organizar y reorganizar, de por sí es un reto. La alteración temporal incita a una participación más activa del público: los espectadores sienten que se van a “perder” en la obra, por lo que están más atentos a lo que sucede en escena; les ofrezco autoridad en el ejercicio de complementar la obra, sabiéndose parte de un colectivo. El texto potencia un carácter activo: la historia está contada con fisuras a ser complementadas por la visión del público. Creo en el espectador como ser con el cual se puede dialogar o intercambiar, que aporta al autor y a la producción en general.

¿La obra está basada en un hecho en particular o es una sumatoria de todas las situaciones de violencia urbana que aparecen en la prensa y otros medios de comunicación?

Oscuro, de noche no es una obra sobre la violencia y es algo que quiero remarcar. Ésta es el dispositivo que potencia aspectos de la pieza. La obra parte de un hecho concreto que sucedió hace unos años. Esa familia pasó por el horror de la muerte de su hijo y el estigma de ser llamado delincuente por un impreso o periódico. No es un texto sobre la violencia, pero sí hace referencia al tratamiento que puede hacer un medio sobre un hecho de sangre.

¿Qué busca con este obra o hacia donde orienta su propuesta ideológica, ya que el personaje central está condenado desde que comienza?

Son varios aspectos que trato de explorar en esta pieza. El primero, ¿Cuál es nuestro rol como ciudadanos? Los tres testigos ven un hecho que cambia la historia. Cada uno da su versión en privado, pero se esconden, se niegan a declarar. Nos quejamos y, sin embargo, pocos son los ciudadanos que toman una posición activa para resolver problemáticas en el contexto urbano apelando al “No es conmigo”, “¿Para qué me voy a meter en problemas?”.

El segundo punto es la intolerancia, la tensión constante entre pureza e hibridez, explorado en los pasajes como los que se refieren a la santería. Llama la atención, que para algunos conocidos, la santería sea sinónimo de brujería y que los que la practican sean colocados al margen, siendo la santería una religión como otra cualquiera. Otra imagen es la de la motocicleta: ser motorizado tiene una carga simbólica relacionada con marginalidad e incluso ilegalidad. Además, está la saturación de información, característica de la supermodernidad de la que habla Marc Augé. En estos tiempos somos bombardeados de información y paradójicamente poco sabemos de lo que sucede en el mundo que nos rodea. La información ya viene digerida por corporaciones mediáticas. Dudamos del hecho y preferimos confiar en los medios que se identifican con nuestra construcción ideológica, sin cuestionamientos.

¿Qué les recomienda al director y los actores que aborden el montaje de Oscuro, de noche?

Más que recomendaciones, sugeriría a director y actores que tengan presente que es una historia que se desarrolla en dos esferas: la pública y la privada. Los personajes de la esfera privada hacen un viaje interior cargados de imágenes, creencias y emociones. La esfera pública es la esfera que hay que retomar para dialogar como colectivo. Dentro del texto se esconde el grito que clama celebrar la vida… ¡celébrenla…!

PREMIO

El Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017, el tercero hasta ahora organizado por la CNT; está dirigido a “la pluma de autoras y autores venezolanos y extranjeros con temáticas relacionadas con el proceso liberador, con las acciones de paz y cooperación en la búsqueda de nuevos lenguajes y de profundizar la identidad y lo que hemos logrado durante las dos últimas décadas en el país” .Esta convocatoria finalizó el 31 de Octubre de 2017, con un total de 15 textos dramatúrgicos postulados. El jurado estuvo integrado por Paúl Williams, José Gabriel Núñez y Elio Palencia, quienes el día miercoles 22 de noviembre de 2017 se dieron cita en las instalaciones del MPPC para evaluar las obras participantes y deliberar la obra ganadora. El jurado por unanimidad declaró como ganadora a la pieza Oscuro, de noche de la autoría de Pablo García Gámez, “por haber concebido una estructura dramática dotada de unos elementos adecuadamente articulados con un interesante manejo de la relación tiempo-espacio, que conforma una propuesta ágil, sugerente y de singular teatralidad. Cabe destacar la pulcritud en el uso del lenguaje, así como también la creación de personajes claramente perfilados, que consolidan el valor de la pieza”. Además el jurado decidió el otorgamiento de dos menciones especiales entre las obras restantes dada su alta calidad dramatúrgica, recomendando su publicación y promoción: De por qué Ana Rosa Colmenares casi mató a Greta Pitres, por el amor de Edgar Padrón (Folletín teatral) de César Rojas y Mercdonalds de la autoría de Jorge Cogollo.

Este concurso que se llevó a cabo por primera vez en el año 2015 por parte de la CNT, de la mano del Ministerio del Poder Popular para la Cultura (MPPC), es parte de las políticas de fortalecimiento de la dramaturgia nacional y para enaltecer la capacidad creativa y la producción artística criolla. Pablo García Gámez (62 años), dramaturgo y profesor venezolano, actualmente se encuentra preparando su disertación doctoral sobre Al margen: Teatro y comunidades hispanas en Nueva York 1997-2011, en CUNY, Nueva York. Ha recibido reconocidos premios: HOLA, ACE, ATI, Proyecto Asunción y Abniel Marat por sus piezas Blanco, Las damas de Atenea, Noche tan linda, La vieja herida, Olvidadas y Yo no soy Lupita. Su pieza Noche tan linda fue publicada en la revista Conjunto #175. En sus piezas se muestra Venezuela con descaro o medio escondido. Noche tan linda es la historia de un chico trans que quiere presentarse en Le Baron haciendo La Lupe, precisamente el 27 de febrero del ’89. Blanco habla sobre un reino donde la belleza es primordial. La vieja herida es la vuelta a Caracas en la que aparecen dos ciudades: la que quedó en el recuerdo y la física. Vendrán tiempos mejores habla sobre la estigmatización de cultos religiosos no occidentales. Oscuro, de noche, la pieza que ganó el Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana es sobre un hecho que marca a una familia de clase trabajadora en Caracas y las actitudes que mantienen los vecinos ante un hecho de violencia.

Espectáculo memorable logro Rafael Barazarte.

Gracias al Centro de Artes Integradas, y a la gestión de Gerardo Blanco, participé durante cinco horas, del pasado sábado 19 de mayo, en una charla-conversatorio con una docena de entusiastas señoras y señores, interesados en el teatro venezolano; para lo cual, previamente, presenciaron y evaluaron los espectáculos La foto, de Gustavo Ott, dirigido por Hector Manrique, y Los ángeles terribles, de Román Chalbaud, puesto en escena según los criterios del joven Rafael Barazarte; montajes recientemente presentados en los espacios del Trasnocho Cultural, más conocido como el Ateneo del siglo XXI, que coordina Solveig Hoogesteijn, desde hace más de 10 años.

Acepté complacido ese conversatorio, o intercambio de opiniones, realizado en La Caja Teatral del Centro de Artes Integradas, con aquel puñado de espectadores porque me sedujo la idea de conocer aquellos rostros y escuchar además sus opiniones sobre dichos montajes, precisamente porque los interlocutores no son críticos profesionales sino simplemente un conglomerado importante de espectadores con diversos bagajes culturales y artísticos, una muestra significativa de ese maravilloso conglomerado humano para quien se produce el teatro, ese sector social que los estetas isabelinos calificaron como “el crítico de las mil cabezas”. Al cabo de 300 minutos que corrieron velozmente, debo admitir que si hay sensibles y cultos degustadores del arte teatral, valiosos venezolanos comprometidos seriamente con la realidad cultural y política de su país, pero el tema no era político ni electoral, sino simplemente teatral, aunque de eso también se habló, con mesura.

OPINIONES AJENAS

De aquel dialogo e intercambio de ideas u opiniones sobre los espectaculos vistos, quedan, por escrito, los juicios de varios de ellos, los cuales he usado para este tejido de apreciaciones estéticas, digno de ser conocido por los lectores. Más de uno de esos críticos pueden ser incluso hasta profesionales, pero eso ya es otro tema.

Es por eso que Valia Mujica escribió que La foto pone en relieve los dilemas existenciales de quién soy, cómo me veo y cómo quiero ser visto a través de los espacios virtuales, pero también desarrolla el tema ineludible de cómo enfrentar el inevitable paso de los años. ”De hecho, creo que esta es una obra muy moderna en parte porque Ott pone de relieve el significado de la tecnología en nuestra vidas”.

Según Verónica Lima Espiño La fototranscurre en un tiempo presente y su tema central son los riesgos que los medios sociales y la interconexión digital acarrean, unido a una trama en la que los preceptos morales de los personajes son expuestos y juzgados.

Para Patricia Abrahamz, La foto es una tragicomedia, ya que si bien tiene su parte cómica, lo que sucede en el fondo es una tragedia con el rompimiento de un matrimonio, el menoscabo de la imagen de Laura y la idea distorsionada de una sociedad siempre feliz que además se niega a desaparecer. “Esta obra toca el tema de la importancia que han tomado las redes sociales en nuestro día a día, de cómo nuestra sociedad se comunica actualmente. Se muestra la manera, en que en diversos casos, la intimidad se ha perdido desde el momento en que la cotidianidad se exhibe en las redes, e incluso se ha llegado al punto de tener romances virtuales como el de Laura y Denis. Con esta obra intentan, a mi parecer, hacer un llamado de atención a fin de que las personas disfruten de la cercanía que ofrecen estos medios, de lo bello de compartir momentos felices con la gente que se quiere, de la bondad de hacer nuevas amistades o de promover información… se pone en evidencia que un mal uso de las mismas puede causar daños irreparables a una persona, a una familia o a una relación”:

Para Totti García, La foto se expone como la tecnología que nos abraza hoy en día ha modificado las relaciones entre los individuos; el alcance que tiene un teléfono celular en nuestro día a día; el riesgo de ser mal utilizado que tiene toda la información en Internet, asimismo se expone el derecho que tiene toda persona sobre sí mismo y como la sociedad lo vulnera con estrictos cánones de conducta a que acuden a fuertes críticas y señalamientos. El individuo está expuesto a los juicio y nunca tendrá el control de esos juicios”.

Según el criterio de Irma Renzulhi, La Foto“es una tragicomedia ambientada en un tema netamente contextualizado a la actualidad social no sólo en Venezuela sino mundial, en pleno siglo XXI, con problemas netamente del momento de hoy en día, pues el contexto tecnológico es el eje del drama directamente vinculado al fenómeno social que se desarrolla hoy por hoy y su impacto sobre esta sociedad 2.0, donde a través de los equipos electrónicos y sus aplicaciones de intercambio de información, todo termina afectando finalmente las relaciones humanas convencionales y sus valores sociales”.

Según Patricia Abrahamz, en Los ángeles terribles se pone de manifiesto la triste realidad de un estrato social donde las bases familiares se han visto severamente afectadas por el elevado nivel de pobreza en el cual viven”.

Considera Belkis C. Rosales que en Los ángeles terribles se muestra la relación de dependencia-complicidad-sometimiento de un proxeneta (Zacarías) con sus protegidos-cómplices-victimas (Sagrario, Angel y Gabriel). “Se inicia con un diálogo y es a través de estos que los personajes intentan narrar sus historias. Conectar con el espectador intentando justificar su drama, su triste y básico drama ya que a medida que se desarrolla la obra se conocen algunos sentimientos y deseos de los personajes, inclusive la intención de huir de esa paupérrima vida, pero que al final esta tan arraigada en ellos que terminan por aceptarla”.

Para Luis Alarcón, Los ángeles terribles, después de 50 años está vigente y devela aspectos soterrados de cómo se mueven los roles sociales, el manejo del poder en las relaciones humanas, entre las personas que integran una familia”

Puntualiza Irma Renzulhi que “Los ángeles terribles es una historia compleja, entre aparentes sentimientos de amor y atracciones sexuales, tratos retorcidos y altibajos de sentimientos alegres a violentos, así va la relación entre sus personajes, que se desarrollan en un espacio que emula un hogar humilde de bajos recursos, con una cama central que absorbe a los personajes entre sus sabanas”.

AULA O ESCUELA

Creo que el Centro de Artes Integradas podría intentar crear una especie de aula o escuela permanente de espectadores, donde se analicen o estudien aquellos montajes verdaderamente importantes que se muestren en Caracas, para así aquilatar los juicios estéticos del público, para lo cual se podría invitar a los directores, autores y actores de algunos de los espectaculos, Sería un acercamiento inédito con los artistas y un sector de su audiencia, todo lo cual redundará en beneficiosos para el teatro en general. El saber hace patria.

Cuatro veteranos de la vida y del teatro llegan al Espacio Plural

Más para bien que para mal, el “Ateneo de Caracas del siglo XXI”, como calificamos periodísticamente al Trasnocho Cultural por su bien pensada y estructurada programación anual de teatro, tiene ya asegurada la presentación de una serie de correctos y bien producidos montajes hasta finales de este crucial y electoral 2018.

Es por eso que ahora, dejando de lado momentáneamente nuestra visión crítica sobre un hecho artístico especifico, advertimos a los lectores, eventuales degustadores, que ya en el susodicho “Ateneo” alistan el espectáculo Noche de guardia, texto, escrito y además puesto en escena por Gerardo Blanco López, donde se advierte sobre el inevitable final del camino de los humanos, especialmente de los masculinos, que logran pasar el medio cupón, por lo menos.

Blanco López, que ha escrito y escenificado no menos de 19 obras, comenta que su Noche de guardia, otra producción de su grupo Bagazos, es un reclamo a lo injusto y terrible de la vejez, un canto a la amistad, una lucha por el derecho a decidir por nosotros, un recuento de lo vivido y la sorpresa al darnos cuenta que la vida siempre nos da motivos para sorprendernos.

"Noche de guardia es mi forma de tratar de alejarme inútilmente de lo inevitable, un abrazo cálido a los viejos que nos ha tocado cuidar y que han sido un espejo, un recordatorio de lo próximo. Noche de guardia forma parte de una trilogía sobre la ancianidad, que comenzó con La cuadrilla (1996), sobre la vejez en pareja; Nos vemos el miércoles (2017), la vejez a través de la visión femenina, y ahora Noche de guardia (2018), la ancianidad a través del prisma masculino”, nos ha expresado este meritorio trabajador de las artes escénicas criollas.

Noche de guardia, enfatiza Blanco López, nace al igual que Nos vemos el miércoles de la experiencia vivida durante la gravedad de su madre, de las horas con ella durante su enfermedad y la necesidad de brindar un homenaje a nuestros viejos amados durante sus "años dorados" como suelen llamarlos. “Esta reciente pieza, Noche de Guardia, creo que es mucho más reflexiva, ahí la risa se entrelaza con la dura realidad de la vejez y la enfermedad de uno de los cuatro amigos que se reúnen una noche para cuidar al enfermo, resulta sorpresiva y plantea una serie de dilemas que nos harán reír y reflexionar, esa por lo menos es mi intención y espero que así lo vea nuestra audiencia. Será estrenada el venidero 15 de junio en la Sala Plural del Trasnocho Cultural (viernes a las 5:00 pm sábados y domingos a las 4:00pm).

Para el dramaturgo Blanco López escribir es un ejercicio de intimidad fascinante, un descubrir imágenes que reclaman su autonomía, las cuales batallan por tener vida propia y esta Noche de Guardia no fue la excepción, mucho de lo que hablan esos cuatro viejos, mis personajes protagonistas, tienen que ver con lo vivido, donde no hay nada que no sea común y cotidiano, pero a veces triste y doloroso como echar una mirada a un álbum de fotos viejas. ¿A quién no se le arruga el corazón al revisar las gráficas o las fotografias que nos atestiguan los tiempos vividos? El montaje creo que puede ser fascinante, intenso, con turbulencias y temores, como todos los montajes, pero reconfortante y de mucho crecimiento; trabajar con cuatro excelentes actores de gran experiencia, calidad humana y profesionalismo es muy enriquecedor, me siento honrado, un privilegio. Ahí estarán, dándole vida a mis personajes, comediantes como Alejandro Mata, Pedro Durán, Carlos Abbatemarco y Antonio Cuevas. Sobre los resultados del montaje por supuesto que son impredecibles, solo los sabremos después del estreno. Cuando el público, ese temible critico de las mil cabezas pronuncie su veredicto”.

Blanco López comenta que le da gracias a Dios permanentemente por haberle permitido hacer su carrera artística, “en especial a todos esos amigos; actores, técnicos, productores, patrocinantes, que han creído en mí, me han acompañado durante estos 39 años y me han enseñado a vivir el teatro, a entender que es una pasión, una hermosa locura, siempre desde esa casa cálida, que ha sido el grupo Bagazos. Hay que agradecer, dar gracias a tanta gente, mil y más nombres se vienen a mi mente. El último de los sueños logrados tienen su origen en la complicidad con el maestro Salvador Itriago y en la confianza y apoyo de su hija Trina Itriago, "La caja Teatral" y nuestra escuela de teatro "Escénica" en el Centro de Artes Integradas, sueños de años ya tangibles, como no agradecerles a todos ellos”.

Blanco López observa que hay una explosión de jóvenes soñando con el teatro, hay mucha gente abriendo ventanas de formación, y como siempre en estos casos hay de todo en esa efervescencia. “Yo tuve el privilegio de ser llamado por un grupo de jóvenes encabezado por Daniel Revette para que los dirigiera y me impresionó su calidad, su responsabilidad, talento y entrega al teatro , tan decidida, que no me queda más que ser optimista , por eso y mucho más, sueño y apuesto a proyectos como "Escénica " centro de formación para el teatro y aplaudo todos los caminos que se abran para el fomento y la formación teatral , creo en las nuevas generaciones y nosotros somos responsables de su formación”.

Para Gerardo Blanco López el teatro es una travesía de aciertos y desaciertos. “Me siento feliz y agradecido por todo lo que he recibido de él, pero satisfecho no, siempre podemos hacer más”.

Pablo García Gámez durante su última visita a Caracas.

Todo listo. La Compañía Nacional de Teatro comienza los ensayos de la pieza Oscuro, de noche, de Pablo García Gámez, ganadora del tercer Premio Nacional de Dramaturgia Apacuana. Carlos Arroyo es el director del montaje y participa elenco estable de la CNT. La expectativa es grande por tratarse de una pieza muy contemporánea y no ser precisamente sobre la violencia cotidiana.

Con Oscuro, de noche, pieza sobre un hecho que marca a una familia de clase trabajadora en Caracas y las actitudes que mantienen los vecinos ante un hecho de violencia, García Gámez aspira iniciar un diálogo sobre aspectos que supuestamente definen un carácter colectivo. “De una parte, está la estructura familiar; familia que se rehace del quiebre de relaciones anteriores y como se demuestra el afecto entre sus miembros. Por otra parte, está la calle, de particular hibridez estética, espacio de agresión, de encuentro, de pérdida. Pérdida absurda, pérdida inexplicable. El texto es un acto de circo decadente narrado por un juglar que refleja el compromiso que muestran unos pocos porque, aunque la mayoría se queje, no asumen el rol ciudadano para cambiar aspectos de nuestra sociedad que así lo requieren”, ha dicho el dramaturgo

García Gámez, quien reside en Nueva York, responde así a nuestras preguntas:

¿Tiene o acepta influencias de Rodolfo Santana en su dramaturgia?

-Sería un honor que mi dramaturgia tuviera referencias de Rodolfo Santana, lo que es muy probable. Rodolfo en piezas como Historias de cerro arriba, El animador y La empresa perdona un momento de locura, entre otras, logró una dramaturgia que conjuga poesía y preocupación social. Muchos de sus parlamentos cuentan una realidad dolorosa mientras hacen esbozar en el espectador una sonrisa. También anda por ahí, entre referencias, la estética del margen desarrollada por Chalbaud, la reflexión sobre nosotros como colectivo de Cabrujas.

¿Por qué esta temática de violencia urbana caraqueña o venezolana a pesar de tener no menos de 25 años fuera del país?

Oscuro, de noche no es sobre la violencia urbana, definitivamente no. El texto enlaza la esfera pública y la esfera privada por lo que, en todo caso, es una pieza sobre cómo un hecho ocurrido en la esfera pública afecta un hogar; la violencia opera como dispositivo para hurgar en las intimidades de sus personajes. Es la historia de una familia y su cotidianidad que deja de ser tal a partir de un hecho absurdo. Es sobre cómo dar una noticia a una abuela con Alzheimer, de enterrar a un hijo que ha caído en desgracia o como dice Zenobia, al que han matado dos veces. Es sobre cómo, a pesar de que el hijo ha sido marcado como antisocial por los medios de comunicación, Cristóbal mantiene sus prejuicios hacia otros grupos marginales. Los 26 años a los que aludes dan la distancia que permite escribir sobre una realidad en la que alguna vez se desarrolló mi rutina; cada vez que voy a Caracas, encuentro nuevas aristas a esa realidad. No, no es sobre la violencia: es sobre los individuos, es sobre sueños, sobre el futuro, sobre nosotros.

¿Cuál es el origen de este argumento?

Su origen está en un hecho ocurrido a una familia que conozco. La madre me contó la historia que constaté leyendo en diarios.

¿Qué le recomienda a los actores y al director?

A los actores, que busquen en ellos para crear ese mundo; que dejen de lado lo que podría ser una posible crónica teatralizada o una re-presentación y que entre ellos pinten el mural con las imágenes de sus cuerpos, sus ideas y sus emociones. Que la energía siempre esté en escena. Hay aspectos que exprofeso no se aclaran en el texto para que ellos opten, seleccionen, decidan y los presenten al público. Al director le sugeriría establecer los tiempos de los fragmentos para que los actores estén claros con la fragmentación del tiempo; jugar con los ritmos, ahora que lo dices, me parece que el ritmo es fundamental; jugar con el payaso y el público.

¿Qué persigue o que anhela con su texto teatral?

El anhelo es que la pieza sirva de excusa para reflexionar sobre el rol de todos y cada uno como ciudadanos. Pienso que la participación en colectivo es esencial para operar los cambios que la comunidad necesita. Por ello, reitero el rol de los testigos: Tomás, Cuatriboliao y Eusebia, fundamentales en la historia. Ellos se quejan, protestan, comentan lo malo que está la ciudad; sin embargo, no agencian solución alguna ni siquiera declarar como testigos. No es con ellos, no les incumbe… y siguen quejándose. El anhelo es no dejarnos arrastrar por los estereotipos como lo hace el empleado de la funeraria que, si murió en moto, no permite que Kenny sea velado en la funeraria. El anhelo es ver la saturación de información y el poco conocimiento que tenemos acerca de un tema, de un hecho. ¿Quién brinda la versión correcta: el periódico, alguno de los testigos? Estamos en un momento de imágenes a ser consumidas sin mediar nuestro criterio. Estas aspiraciones se resumen en dialogar.

PREMIO

El Premio Apacuana de Dramaturgia Nacional 2017, el tercero hasta ahora organizado por la CNT; está dirigido a “la pluma de autoras y autores venezolanos y extranjeros con temáticas relacionadas con el proceso liberador, con las acciones de paz y cooperación en la búsqueda de nuevos lenguajes y de profundizar la identidad y lo que hemos logrado durante las dos últimas décadas en el país” .Esta convocatoria finalizó el 31 de Octubre de 2017, con un total de 15 textos dramatúrgicos postulados. El jurado estuvo integrado por Paúl Williams, José Gabriel Núñez y Elio Palencia, quienes el día miercoles 22 de noviembre de 2017 se dieron cita en las instalaciones del MPPC para evaluar las obras participantes y deliberar la obra ganadora. El jurado por unanimidad declaró como ganadora a la pieza Oscuro, de noche de la autoría de Pablo García Gámez, “por haber concebido una estructura dramática dotada de unos elementos adecuadamente articulados con un interesante manejo de la relación tiempo-espacio, que conforma una propuesta ágil, sugerente y de singular teatralidad. Cabe destacar la pulcritud en el uso del lenguaje, así como también la creación de personajes claramente perfilados, que consolidan el valor de la pieza”. Además el jurado decidió el otorgamiento de dos menciones especiales entre las obras restantes dada su alta calidad dramatúrgica, recomendando su publicación y promoción: De por qué Ana Rosa Colmenares casi mató a Greta Pitres, por el amor de Edgar Padrón (Folletín teatral) de César Rojas y Mercdonalds de la autoría de Jorge Cogollo.

Arepita Diablito

A partir del 8 de junio, Madrid acogerá un evento que, hasta ahora, había tenido lugar en Caracas a través de sucesivas ediciones: el Ciclo de Cine de la Diversidad, una iniciativa motorizada por el cineasta venezolano John Petrizzelli y que ha recibido el respaldo de diversas personalidades e instituciones.

El ciclo responde a distintas motivaciones: por una parte, procura proyectar ante el público español el trabajo cinematográfico que se realiza en Latinoamérica y, por otra, pretende contribuir a lograr una creciente comprensión y respeto hacia las diversas orientaciones sexuales e identidades de género. También responde, por parte del Far Home Group, la cadena en cuyos espacios se desarrollará el ciclo, a mantener vinculada la vida de sus alojamientos con la ciudad, facilitando que los huéspedes sintonicen con el entorno.

El evento se desarrollará a través de tres cines foros, cada uno nucleado en torno a una situación diferente.

La primera sesión, que tendrá lugar el 8 de junio, inaugurará la muestra con un invitado de lujo: el director Miguel Ferrari, quien acudirá para presentar su laureada película Azul y no tan rosa,una historia que gira en torno a la homosexualidad masculina. La película ha despertado particular interés entre los españoles, ya que recibió el Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana en el año 2014, pero ése es solo uno de los 21 premios a los que la cinta se ha hecho acreedora. Ferrari, graduado en Dirección Cinematográfica en Madrid, ha recibido también numerosos galardones como actor, guionista y productor.

Extraterrestres, una coproducción portorriqueña- venezolana, con la participación de Prakriti Maduro y Elba Escobar, será el centro de la discusión moderada, en esta segunda sesión, por Verónica Rotondaro y el propio Petrizzelli, periodista, guionista y director de cine egresado del Departamento de Cine y Televisión de la Escuela de Artes de la Universidad de Nueva York. Desde entonces, su trabajo ha sido reconocido en incontables oportunidades a través de numerosos premios. Por su parte, Rotondaro está formada en cine, televisión y publicidad, y es egresada del Spéos Institute de Paris, en la especialidad de fotografía. Ambos reflexionarán acerca de la película de Carla Cavina, “una historia sobre dos chicas que planean su boda, una familia conservadora, muchos pollos y algunas estrellas, donde los únicos extraterrestres somos los seres humanos”.

La tercera y última sesión estará constituida por dos estremecedores documentales de Argelia Bravo: Las Trochas y Pasarelas Libertadoras, que describen la trayectoria vital de algunos transformistas y transexuales y la forma en que viven en las calles de Caracas. Presentará el programa, en esta oportunidad, Óscar Espinoza, mejor conocido como Arepita Diablitos, periodista y cantante venezolano afincado en Madrid y dedicado al mundo trans desde hace 12 años. Le acompañará la reputada guionista Annie Van der Dys, egresada de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de La Habana.

El equipo conformado por Axa Milá de La Roca, Linda D’Ambrosio y el diseñador Renzo Pineda ha secundado a Petrizzelli en la conceptualización y organización del ciclo, que cuenta además con el respaldo de la Fundación Triángulo, Les Gai Cine Mad, Alianza Lambda, Infinito Films y Chocolates Mantuano, que han prestado su apoyo irrestricto, de modo que confluyen pluralidad y diversidad en el corazón del evento, en el que participan heterosexuales, homosexuales y trans provenientes del campo del cine, el periodismo, el diseño y la actuación.

La invitación es para los viernes 8, 15 y 22 de junio en la Calle Atocha nº 45, a las 20 horas. El aforo es limitado.

El espectáculo Troyanas nuestras fue un éxito de público y de crítica para la Compañía Nacional de Teatro (CNT) durante la temporada caraqueña del 2017 y ahora regresa al escenario del teatro Alberto de Paz y Mateos, desde este viernes 8 de junio. Durante tres fines de semana.

Hay que recordar que Troyanas nuestras es una novedosa y trasgresora propuesta del director, autor y actor Costa Palamides, estrenada durante la temporada 2017 de la CNT con su elenco estable. Se trata, pues, de una adaptación dramatúrgica de cuatro piezas fundamentales del teatro trágico griego, a saber: Troyanas y Hécuba de Eurípides, Agamenón de Esquilo y Electra de Sófocles.

Costa apunta que la metáfora de Troyanas nuestras con todas esas mujeres conquistadas, esclavizadas, desplazadas, martirizadas y explotadas en tierra extranjera, calza sin duda alguna, en una visión “nuestramericana” que cuenta además, con fragmentos de dramaturgos latinoamericanos quienes redimensionaron el mito griego como también la palabra de grandes poetas de nuestro continente que se extiende desde Nehualcoyotl (México) hasta Cintio Vitier (Cuba) pasando por Sor Juana Inés de la Cruz (México), Pablo Neruda (Chile), Aimé Cesaire (Martinica), Ramón Palomares (Venezuela), José Manuel Roca (Colombia), Pedro Mir (República Dominicana) y Otto René Castillo (Guatemala), todos musicalizados por su hermano el compositor Pantelis Palamides.

Costa advierte que es la primera vez que la CNT encara la tragedia griega antigua, génesis del teatro, y lo hice a través de una tetralogía que aspira trascender a las limitaciones del tiempo y el espacio. En este esfuerzo creativo de los hermanos y Palamides ahora estarán acompañados por los aportes de Carmen Ortiz (coreografía), Lina Olmos (vestuario), Julia Carolina Ojeda (montaje vocal), Oscar Salomón (elementos escenográficos) e iluminación (Gerónimo Reyes).

Con un valioso elenco donde participan veteranos y jóvenes profesionales como Aura Rivas, Francis Rueda, Ludwig Pineda, Luis Domingo González, Livia Méndez, Maria Alejandra Tellis, Citlaly Godoy, Marxlenin Cipriani, Marcela Lunar, Jean Manuel Pérez, Arturo Santoyo y Costa Palamides y Yordano Marquina, pertenecientes el elenco estable 2018 de la CNT:

Su director y versionista Costa Palamides dice que le regocija realizar esta temporada de Troyanas nuestras porque eso significa que la CNT si está creando un repertorio teatral de primer nivel. “Debo decir que la fusión escénica de tragedias clásica, como son Troyanas, Hécuba y Agamenón se hizo esta vez para su participación el Festival Internacional de Teatro de Caracas 2018 con un lleno absoluto en el Teatro Principal. No podemos olvidar que el público ha sabido apreciar el contenido de identidad nacional puesto que en esta obra se sincretizan diferentes tradiciones dancísticas y rituales venezolanas, tales como los Turas, Vasallos de la Candelaria, Diablos Danzantes de Naiguatá, Tamunangue larense y Cantos a San Juan con la palabra fecunda y antibélica no sólo de Eurípides y Esquilo sino también de grandes poetas y dramaturgos latinoamericanos y venezolanos como Ramón Palomares, Pablo Neruda, Cintio Vitier, Gustavo Pereira, Marco Antonio de la Parra, Elio Palencia, Peky Andino Moscoso, Jose Antonio Ramos Sucre, Eugenio Montejo, Aime Cesaire, Luis Alberto Crespo, Blanca Varela, Luis Pales Matos y Eduardo Galeano entre otros”.

Explica que “este trabajo de dramaturgia fue presentada con gran éxito como Ponencia Dramatizada en el Congreso Latinoamericano sobre Violencia, Cuerpo y Territorio: Cartografías materiales y simbólicas, realizado en la UNAM de Ciudad de México en Octubre del 2017, donde pudimos acudir. El montaje de esta segunda temporada en Caracas hizo necesario una reformulación con las actrices y actores del elenco estable la Compañía Nacional 2018 y también se ha conseguido adaptar nuevas marcas temporales y espaciales. La principal premisa ha sido mantener un repertorio para consiguientes representaciones en circuitos teatrales y festivales nacionales e internacionales”.

Puntualizó que todo esto ha sido posible por la constitución de un equipo creador liderizada por Carmen Ortiz en la coreografía, Gerónimo Reyes en la iluminación, Pantelis Palamidis en la composición musical de 20 canciones originales, Julia Carolina Ojeda en la maestría de canto, Lina Olmos en el diseño de vestuario y Caramillos Artigas en el concepto escenográfico. “Todo lo cual nos ha permitido un espectáculo que durante una temporada de mes y medio plenó con sus aplausos al Teatro Nacional entre julio y agosto del 2017. Experiencia que ahora pensamos repetir. A manera de despedida, debo decir que estamos muy orgullosos de representar esta obra en el teatro que perpetúa el nombre del teatrero de Alberto de Paz y Mateos, gran amante de la tragedia griega que en 1955 montó la primera Electra de Sófocles en Caracas y además llevó a escena piezas importantes de quien fuera su maestro: Federico García Lorca, de quién el pasado 5 de junio se cumplieron 120 años de su nacimiento. En Troyanas nuestras, uno de los momentos más desgarradores de Andrómaca tiene la rúbrica poética del gran Federico: "Si tu oyeras a la amarga adelfa sollozar, ¿qué harías, amor mío? Suspirar. Si tú vieras que la luz te llama cuando se va, ¿qué harías, amor mío? Pensaría en el mar. Si yo te dijera un día, te amo, desde mi olivar. ¿Qué harías, amor mío? Clavarme un puñal”.

Teatro y muñecos en escena por una pareja de viejos

La vejez es antesala de la muerte por razones biológicas. Pero por excesos sentimentales o porque no hay suficientes actores mayores no se le utiliza en Caracas con mayor frecuencia temática en sus espectáculos teatrales, pero en esta Tierra de Gracia, donde todo cambia cada 24 horas, y no es un chiste, ya asoman dos o tres montajes, al parecer por el reflejo del espectáculo español o la cartelera de Buenos Aires. ¿O será que nuestros teatreros descubrieron o asumieron que cada día que pasa también marchan hacia la senectud?

Hemos escrito, y lo reiteramos ahora, que la vejez es un inevitable proceso individual que se vive en contextos y en sociabilidades determinadas. No es lo mismo ser anciano que anciana, no es lo mismo tener recursos económicos o no tenerlos, tener o no tener acceso a la cultura. Estas y otras variables conceptuales dibujan una vejez distinta que depende de muchos factores diferentes, tal como Simone de Beauvoir, lo plantea en su libro La Vejez (1970), donde parte de una visión concreta de la vejez: el problema de la marginación que padecen los ancianos como un elemento de discriminación que hay que superar, porque es injusto que las personas mayores resulten arrinconadas, silenciadas, al imponerse el criterio que rige la vida moderna: el de la productividad, que atrapa y hace infelices tanto a jóvenes como a ancianos.

Simone De Beauvoir al escribir sobre la vejez lo hace para romper “la conspiración del silencio” y criticar a la sociedad de consumo que trata a los ancianos como parias, quienes al no tener fuerza económica, acaban por no tener derechos, y ni siquiera se les reconoce la capacidad de tener sentimientos. En ellos el amor, los celos parecen odiosos o ridículos, la sexualidad repugnante, la violencia irrisoria. Deben dar ejemplo de todas las virtudes. Ante todo se les exige serenidad; se afirma que la poseen lo cual autoriza a desinteresarse de su desventura. Esta percepción es un fracaso de toda la cultura. Que durante los 15 o 20 últimos años de su vida un hombre no sea más que un desecho es prueba del fracaso de nuestra civilización”.

NOTICIAS DESTACADAS

Y lo reiteramos ahora porquelos viejos y las viejas de Venezuela han sido noticias destacadas en los medios informativos nacionales e internacionales, no solo porque salieron a la calle para exigir pacíficamente el respeto y el cumplimiento de sus derechos y sus beneficios, sino porque el teatrero José Jesús González, como antes lo hizo Gerardo Blanco, han realizado, o preparan, sus artísticos tributos a la ancianidad, que también es para los recuerdos y a la esencia de la vida misma, al escribir y producir la comedia Par de viejos, estrenada y aplaudida durante el pasado VIIFITCs2018, y Noche de Guardia, a mostrarse desde el 15 de junio en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural; pero antes, Blanco en el mismo escenario plasmó su texto Nos vemos el miércoles, donde de manera jocosa revela la historia de tres mujeres mayores, quienes viven, o esperan sus mutis, en un ancianato y se reúnen cada miércoles para tomar el té y sumergirse en esos recuerdos que diariamente se les repiten, hasta que no puedan más.

DOS VIEJOS EN ANCIANATO

Par de viejos, que después se presentó en la sala La Viga, del Centro Cultural Chacao, cuenta con los primeros comediantes José Francisco Silva y Magalys Álvarez. Es una estrujante comedia dramática sobre una singular pareja de artistas de avanzada edad, Gabriel, viejo actor retirado especialista en Shakespeare, y Antigua, una titiritera-marionetera. Ambos cómplices en el arte y en la vida, se congregan en el generoso espacio de su dormitorio en un asilo para ancianos, y usando sus discapacidades, sus pesares y aciertos, sumados a sus amores y miedos, con sus recuerdos y desencuentros; se reúnen para rememorar glorias pasadas y así evadir su cruda realidad. Festejan, como pretexto, durante una noche de Navidad, perdida en las brumas de sus recuerdos, y esperan la llegada del unigénito, un caballero que ahora es el gobernador de la comarca, quien puede llegar o dejarlos esperando, cual si fuesen personajes ionescanos.

González considera que su pulcro y bien escrito espectáculo Par de viejos no es más que un homenaje al adulto mayor, seres olvidados “especiales y queridos que nos dieron tantos en sus años de productividad; es una revisión al pasado, mí homenaje a Shakespeare y a la hermandad en la cual creo y práctico”.

MICROBIOGRAFIA

González lleva 25 años en el teatro. Se inició en la Escuela de Arte Dramático de Maracay con maestros como Roció Rovira, Alejando Bastidas y Mariozzy Carmona, entre otros. Decidió venirse a Caracas y aquí avanzó en su formación en la Escuela de Artes de la UCV, con maestros como Isaac Chocrón, Xiomara Moreno, Ugo Ulive, Leonardo Azpárren, Orlando Rodríguez. Simultáneamente egresó de la Escuela Juana Sujo, donde encontró el apoyo de maestros como Gilberto Pinto, José Gabriel Núñez, Esteban Herrera, Orlando Rodríguez entre otros y esa etapa finalizó con el Séptimo Taller de Formación Artística del grupo THEJA de la mano de José Simón Escalona, Rosalio Hinojosa, Javier Vidal y Angélica Escalona. Grandes experiencias que marcaron su formación para llegar a lo que hoy en día es su mayor logro: consolidar su agrupación Teatro del Encuentro, que este año celebrará sus dos décadas en la escena nacional.

González considera que “el teatro no escapa de la realidad de mi país; vivimos en una cuerda tensa y así habitamos en las artes escénicas, muchas veces desprotegidos, sin políticas culturales. Hace muchos años no disfrutamos de unos verdaderos subsidios de cooperación cultural. El precio de las producciones es incalculable y ninguna agrupación actualmente tiene para costear dignamente su realización. Pero seguimos luchando, creando; los que aún apostamos a un mejor país; aquí hay mucho talento, muchos creadores con ganas de mostrar. La dignificación depende de nosotros, de unirnos como gremio y hacer respetar nuestros derechos como creadores y hacedores de sueños, deberían de darle espacio a agrupaciones que honren la creación y la investigación, no solo el teatro ligero, tenemos que ser serios a la hora de asumir nuestra profesión, el teatro es un hecho social, que de uno u otra forma debería transformar al espectador al salir de cada función y actualmente en nuestro país es uno de los pocos medios para decir verdades”.

PIEZAS RARAS

Después de ver Par de viejos y compararla con Nos vemos el miércoles debemos reconocer son piezas raras para el contexto teatral venezolano, donde esos argumentos centrados en la vejez no se tocan sino como para hacer torpes chiste. Pero que resulta que ahí se propones unas reflexiones sobre el abandono voluntario o involuntario a que se someten a los ancianos y además se propone una revisión sobre la esencia misma de la amistad como uno de los vínculos más hermosos que podemos cultivar, un soporte para la vida, y la cual en la vejez cobra una importancia capital. ¡Ya los griegos lo escribieron y nos legaron sus piezas!

El espectáculo Par de viejos, que no supera los 70 minutos, es una exhibición de técnicas actorales por parte de los dos veteranos comediantes que ahí se presentan. Hay humor de principio a fin, pero también hay un no-sé-qué que obliga a reflexionar o aceptar de inmediato, ya que la unica forma de no llegar a viejo es morirse antes y eso no es precisamente lo que se desea, porque el ser humano se auto engaña con una eternidad que no existe ni existirá por ahora. Ver un actor viejo encarnando o a un atormentado personaje viejo es conmovedor a grado extremo, además de que exige de unas técnicas y unos dominios histriónicos respetables, como nos sucedió conJosé Francisco Silva y Magalys Álvarez. Verlos y aplaudirlos con sumo placer, es preguntarnos: ¿y para dónde vamos? De verdad que la respuesta se rechaza tácitamente…pero se admite al salir a buscar el vehículo y haber perdido, momentáneamente, su ubicación.

Recordamos que “en la gerontología social se afirma que la presencia de los mayores en manifestaciones artísticas, como el teatro, es una manera de remover pensamientos, recuerdos y sentimientos. Revivir a través del teatro, hechos y vivencias cercanas a nosotros y a nuestros ascendentes es equiparable, en muchas ocasiones, a ordena y sacarle el polvo al baúl de nuestros recuerdos”.

Baile,música y teatro,

Tropical es un novedoso espectáculo de la agrupación “Igual a Uno Teatro”, centrado en la historia de dos bailarinas comediantes, quienes emprenden un viaje a través de la búsqueda de su propio nombre y, a partir de ello, de la búsqueda del ser. Se estrena este viernes 15 de junio a las 5:00 pm, pero continuará en temporada por tres fines de semana: sábado 16, viernes 22, sábado 23, viernes 29 y sábado 30 del mismo mes de junio siempre a las 5.00 pm, en la Sala de Teatro La Rampa en Parque Central (antiguo Teatro Altosf) Sótano 1, Edificio San Martin. Más información por el teléfono 0212-5781384 y el correo: larampasaladeteatro@gmail.com .

Explica el autor y director de Tropical, Jose Gregorio Magdaleno, que “es una búsqueda para descubrir quiénes somos, frente a unas maneras, unas formas impuestas en nuestros propios comportamientos. Entonces nosotros como espectadores podemos conocer lo que podría ser el cliché, la iconografía de lo tropical, es decir, por ejemplo, los mambos, los bailes, los merengues, las cumbias, que de alguna manera signan una manera de ser y que nos contrastan en nuestra mirada interior”.

Magdaleno, autor y director, con más de 40 años de trayectoria artística, tiene una visión muy personal sobre el arte y la vida, y ahora en Tropical ha trabajado para llevarle al público en general una pieza que lo hará plantearse la razón sobre el ser, su origen y verdad; siendo su principal objetivo encontrarse con la complejidad y singularidad del ser humano.

Informa Magdaleno que, con aproximadamente dos años de exploración, continuo entrenamiento, preparación y búsqueda de las verdades de cada interprete, se ha logrado conformar el elenco de dos valiosas actrices, Osleyda Pérez y Yarumí González, quienes comparten en la última etapa de su trabajo con el actor Amílcar García.

“Igual a uno Teatro” es una agrupación nacida en el 2016, hace vida en la Sala de Teatro La Rampa, tiene como norte la búsqueda de un desarrollo estético fundamentado en la posibilidad creadora de los seres humanos como capacidad única para un desarrollo intelectual y espiritual, armonioso y creciente; esta agrupación se dedica a mostrar historias, eventos y sucesos humanos hilados por la búsqueda del significado del ser, a través de la propia búsqueda expresiva del actor o actriz.

Si quieres reír, llorar, bailar, sorprenderte, reflexionar y descubrir lo que es para ti Tropical, no dejes de asistir a esta obra que de seguro querrás ver todas las veces que sea necesario.

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