EL ESPECTADOR venezolano

El teatro es su pasión y ahí lo encuentran.

El popular primer actor Carlos Alberto Cruz Castillo, más conocido como Carlos Cruz, es como el rayo del Catatumbo. No cesa de trabajar bien para la televisión o el cine locales o el mismísimo teatro. Y cuando no hace ninguno de esos roles se presenta como director de espectáculos y es por eso que ahora exhibe en el Microteatro Venezuela -evento que se realizará hasta el próximo 25 de septiembre en el teatro Urban Cuplé, en el CCCT- la dirección del montaje Haciendo patria, del argentino Mirko Buchin, un patético monólogo encarnado por Dayana López o Heimar Rengifo sobre las vicisitudes de una actriz que no consigue trabajo en Buenos Aires y debe rebuscarse, como pueda y en lo que sea, en las provincias vecinas.

–¿Qué hace un actor como usted en esa muestra de Microteatro?

–Mi formación es totalmente teatral, estudié en la Escuela Nacional de Artes Escénicas César Rengifo y trabajé con el Grupo Actoral 80. Me ofrecieron esta oportunidad y decidí no desaprovecharla. En una ocasión, cuando viajé a Buenos Aires para hacer un taller, me traje un libro con obras cortas y monólogos. El año pasado monté el microteatro El silencio de las tortugas y ahora exhibo Haciendo patria.

Puntualizó que la televisión y el cine donde se ha destacado en las últimas décadas no lo han desviado de su camino. “Yo sigo haciendo teatro y creo que el teatro es básico para el desarrollo cultural de nuestro país, de esa manera estamos haciendo patria desde el teatro. Pero reitero que el actor es actor, haga cine, haga televisión, haga teatro. Lo importante es que no pierda su norte y abandone su oficio, hermoso, además, porque da vida a otros seres y transmites sus verdades o sus historias”.

Le preguntamos si estaba ganando muchos bolívares por aparecer permanentemente en tres o cuatro novelas en los canales de televisión caraqueños, sin citar cuando esas telenovelas les exhiben en otros países.

Y Carlos Cruz -nació en Caracas el 21 de diciembre de 1960- sin titubear nos dijo: lamentablemente los actores en Venezuela no ganamos fortunas haciendo televisión. Y menos ahora que se están repitiendo muchas telenovelas viejas y se hacen muy pocas producciones, salvo RCTV Internacional y Venevisión. Yo he estado con tres novelas simultáneas a lo largo de una programación anual y lamentablemente no cobro ‘royalties’ por eso. Esas repeticiones no las paga nadie aquí en Venezuela, es la dura realidad. Lo único que podemos a hacer los actores es llevar a la Asamblea Nacional un proyecto de ley para detener ese abuso que se comete con los artistas, además de los escritores y todo el personal que hace posible una telenovela. En otros países, los canales que repiten una telenovela le pagan a los artistas, pero aquí no hay nada parecido.

–¿Está abandonada la profesión actoral en lo referente a la seguridad social y demás derechos laborales y sociales de los profesionales que en ella participan?

–Sí, es la realidad, pero eso siempre ha sido así. Somos un gremio que no hemos podido unirnos, como sí lo lograron los cineastas. Nosotros los teatreros no hemos podido unirnos, como tampoco los actores de televisión. Algunos actores y técnicos estamos estudiando la posibilidad de unirnos. En nuestra profesión hacen mucho daño los egos malentendidos.

–¿Y que pasó con los sindicatos?

–Creo que desaparecieron por problemas internos y no queda sino una historia no muy transparente. Habría que crearlos de nuevo.

–¿Y en el cine como lo han tratado?

–Muy bien, aunque no he hecho tanto cine como quisiera. Solamente tengo cuatro películas y he ganado hasta premios por mi trabajo en ellas. He participado en castings en el exterior pero no he recibido propuestas hasta ahora.

–¿Y cuándo lo vemos en un monólogo o en un unipersonal?

–Estoy armando un espectáculo musicoteatral sobre la vida de un gran cantante y tengo más de un año estudiando canto, porque quiero que mi trabajo tenga calidad. Creo que para el primer trimestre del año entrante estará listo. Se trata de un bolerista muy famoso en los años 50, 60 y 70.

–¿Quién es ese artista que usted encarnaría?

–Yo quiero hacer una versión escénica de la vida Daniel Santos, y por eso ya tengo montados seis temas que él interpretó. Y estamos ya escribiendo el texto o la pieza misma. Creo que para el primer trimestre del 2017 se podrá mostrar al público. Yo he estado cercano a la música y no puedo olvidar que en los años 80 pertenecí a un grupo gaitero llamado Sonorigaita, el cual me permitió contactar al teatro.

Otra etapa de la historia del teatro se ha comenzado a escribir.

¡Albricias!, dijo exultante el ministro Freddy Ñáñez al conocer el nuevo elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), integrado por 44 artistas que saltaran al escenario del teatro Nacional de Caracas, durante la primeras semanas del venidero mes de noviembre, para dar vida a un texto del consagrado dramaturgo Román Chalbaud.

Ñáñez, quien este viernes 12 de agosto dirigió una amplia rueda de prensa desde la sala Juana Sujo de la Casa del Artista, para presentar al equipo profesional de la CNT, recordó que la institucion fue creada el 22 de mayo de 1984, por decreto de la Presidencia de la República, y su primer director fue el dramaturgo y novelista Isaac Chocrón Serfati. En la actualidad, dentro del proceso revolucionario bolivariano, es una institución renovada, comprometida con los procesos de cambio que vive nuestra sociedad y que participa activamente en las manifestaciones de la actividad teatral que se desarrollan en las distintas latitudes del país. La investigación, la capacitación, la documentación, la conservación, el trabajo con las comunidades y el rescate de la memoria del teatro se suman a su repertorio, según lo establecen sus estatutos.

Ñáñez apuntó que la CNT ahora en el siglo XXI tendrá un elenco, contratado anualmente a partir del 1 de septiembre, el cual estará conformado por 44 actores y actrices de amplia trayectoria, integrado por jóvenes y adultos, quienes compitieron por las distintas plazas en un casting de carácter nacional, tal y como lo anunciara el 28 de junio pasado, durante el Día Nacional del Teatro, desde Maracaibo.

Para el relanzamiento de la Compañía Nacional de Teatro se realizaron las audiciones de un amplio grupo de no más de 300 aspirantes, todos mayores de edad, para conformar así un elenco estable de 44 actores y actrices, con el cual se presentaran montajes y temporadas propias. La elección de ese primer elenco de la CNT lo adelantó un jurado, integrado por profesionales idóneos. Ellos estuvieron en el teatro Nacional, desde las nueve de la mañana, para realizar las audiciones de actores y actrices, durante los días martes 26, miércoles 27 y jueves 28 de julio. La selección de este elenco de 44 profesionales además constituyó una solicitud de empleo por parte de los actores y actrices seleccionados.

“Estamos seguros que fue elegido el mejor material humano posible, ya que el jurado estuvo integrado por personas de comprobada calidad profesional. La prueba consistió en la interpretación de un monólogo mínimo de cinco minutos, máximo 10. Posteriormente, al aspirante se sometió a una evaluación de su vocalización. El llamado fue de carácter nacional, porque lo que se buscó es que todos los actores y actrices del país pudiesen formar parte de este elenco estable que va tener sus distintas producciones a lo largo del año y seguramente con dramaturgia nacional y universal”.

Con respecto a los sueldos que devengarán los primeros comediantes de la CNT hay que recordar que el Ministerio de Cultura tiene o aplica un tabulador, el cual ya se utiliza para la Compañía Nacional de Danza. Pero eso se puede estudiar o reconsiderar. Todo depende de la cantidad de actores y actrices seleccionados. Llegó la oportunidad para las nuevas generaciones y las adultas que quieran participar en esta etapa de la institución.

Sobre la sede artística de la CNT no hay mayores preocupaciones pues salas teatrales hay muchas y eso se puede lograr por una disposición el Ejecutivo Nacional. La primera CNT era residente del teatro Nacional y ahora en la era bolivariana volverá a ocupar ese histórico espacio.

Se ha pensado que el primer repertorio de la CNT sea con cuatro textos: tres nacionales y uno foráneo. Una de las obras debe ser la ganadora del concurso Apacuana, que organiza el Centro Nacional de Teatro. Se comentó que una pieza de Román Chalbaud seria la seleccionada para el debut.

LOS 44 ARTISTAS

Aura Rivas, Francis Rueda, Ludwig Pineda y Antonio Cuevas encabezan la lista de los artistas contratados, quienes son: Francisco Aguana, Varinia Arráiz, Daifra Blanco, Larry Mauricio Antonio Castellanos, Juliana Cuervos, Citlalli Godoy, Belisario Jesús Javier Hernández, Keudy López, Rosanna Marín, Livia Méndez, Norma Monasterios, Edilsa Milagros Montilla Hernández, Zair Jahmai Mora Díaz, Margarita Morales, Andy Pérez, Jean Manuel Perez, Deivi Alejandro Restrepo Delgado, Trino Rojas, Arturo Santoyo, Maria Alejandra Tellis Vera, Sara Azocar Azpiri, Dayana Carolina Cadenas Gutiérrez, Kala Fuenmayor, Fernando Garantón, Julio Enrique García, Ana González De Sousa, Randimar Guevara, Nitay Quichu La Cruz Romero, Marcela Lunar, Julio Cesar Marcano, Yaimira Martínez, Oriana Martins, Sandra Yasorhaja Moncada González, Darling Palma, Angel Pelay, Josua Portal, Jhuraní Gabriela Servellon Alvarado, Orlandys Nahilyn Katiuska Suárez González, Meléndez Wahiari y Kelvin Zapata.

La licencida Nacaridad Escalona

No menos de 500 artistas, técnicos, personal de sala y trabajadores administrativos hacen posible que hasta el 25 de septiembre se realicen la octava y la novena entrega del eventoTeatro de 1/4 Microteatro Adulto Venezuela, en los espacios del Urban Cuplé en el Centro Comercial Ciudad Tamanaco (CCCT).

Difícil, para no decir que es casi imposible, reseñar cada uno de los 28 espectáculos, cuya duración escénica no deben superar los 15 minutos, programados para cada uno de los eventos, pero durante la noche de la apertura, el pasado 4 de agosto, pudimos ver y degustar tres unipersonales de gran factura, sobre los cuales escribimos aquí:La licenciada, dirigida por su autor José Simón Escalona y encarnada gracias a Nacarid Escalona; ¿Qué pasó con Betty Davis? escritura y dirección de Ibrahim Guerra, resuelta actoralmente por Chiki Lorens y Haciendo patria, de Mirko Buchin, puesta en escena de Carlos Cruz y caracterización de Dayana López.

La licenciada es otra lanza de Escalona para revindicar a un sector de las mujeres venezolanas que compiten abiertamente en los trabajos reservados para los hombres. Es la saga de una ejecutiva que debe imponerse en una factoría, pero antes le cuenta al público como ha sido su periplo existencial, desde su origen humilde hasta llegar a la UCV y hacerse toda una profesional competitiva. La performance de Nacarid es impactante y reitera su versatilidad, ya comprobada en los cuatro personajes expuestos en La diva, Confesionario, La culomántica y La viuda.

Nunca habíamos visto al comediante Chiki Lorenz, aunque si conocíamos de su profesionalismo, pero gracias a Guerra se le exhibe en una versión travestida de la legendaria Betty Davis, que debería ser ampliada por el autor y director.

El actor Carlos Cruz se luce como puestista de Haciendo patria, monologo de una actriz que debe ejercer además el más antiguo oficio del mundo para sobrevivir en la cosmopolita Buenos Aires. Se luce Dayana López.¡ Temible trio teatral!

Carmelo Castro, genio y figura del teatro criollo.

Carmelo Castro tiene su historia personal ligada intimamente a la saga del teatro venezolano, especialmente el que se produce para niños y niñas. Es el fundador del grupo Thalia, toda una institucion cultural que tiene 35 años de labores continuas.

Cuenta Carmelo (Caracas,1954) que hacia 1978 cursaba el tercer año de Relaciones Industriales en la Universidad Católica Andrés Bello pero por aquello del llamado de la vocación, “me seguía atrayendo la actuación. Ya tímidamente me había iniciado en primaria en el Grupo Escolar Caricuao, en una primera experiencia bajo la dirección de Eduardo Cortina. Más tarde continúe en el Liceo Francisco Fajardo, dirigido por Gilberto Varela. Estuve por un corto periodo en Arte de Venezuela, de Levy Russell. Intenté afiliarme al Sindicato de Radio, Cine y Televisión pero me exigieron estudios formales de actuación, así es como llegó a la Escuela de Arte Escénico Juana Sujo, regentada por Porfirio Rodríguez. Ahí tuve la oportunidad de recibir clases de Paul Williams, Gilberto Pinto, Lola Ferrer y Sergio Arrau. Al cabo de dos años salí directo a trabajar como actor en la telenovela Orgullo y Prejucio, por intermediación de Eduardo Cortina. Leonel Ramos me invita a trabajar como actor en su grupo La Rosa Emilia. Paralelamente José Simón Escalona lleva a escena la obra infantil musical Amigo Sol, amiga luna, mi primera pieza profesional y en la que participan como actores mis compañeros de la Juana Sujo: Ulises Castillo, Enrique Marcano y Germán Mendieta. Los dos últimos hicieron una destacada carrera en el Grupo Theja y en el caso de Mendieta llegó a ser primer actor de Rajatabla.Juntos actuamos en Calígula, primera de las obras de la trilogía de Las Pasiones, escrita y dirigida por José Simón Escalona. Llega el momento en el que decido fundar el Grupo Thalía con mi amigo José Manuel Ascensao, con quien me une una amistad de casi 40 años. Así arrancamos con el montaje de la pieza para niños Amalivaca una fábula que escribí inspirado en el mito de la creación de los Tamanacos, recopilada en el siglo XVI por el sacerdote Salvatore Gilli. La estrenamos en el Ateneo de Maracay y días después hicimos un segundo estreno en Caracas con temporada incluida en el Teatro Cadafe, que estaba bajo la gerencia de Daniel Farias y América Alonso.”

De forma alterna, prosigue su carrera de actor en la televisión hasta que comienza a desempeñarme como dialoguista, apoyado por Pilar Romero y Fausto Verdial, trabajando para RCTV y para Venevisión. “También en este lapso participo en varios talleres tanto en Venezuela como en el exterior y saco la licenciatura en Gerencia y Producción en la Universidad de las Artes. Poco a poco la actuación se hizo más aislada, dedicándome más a escribir y dirigir para Thalía principalmente. En la actualidad participo en la Maestría de Teatro Latinoamericano en la UCV, tratando de hacer un resumen de la actividad de estos años”.

¿Satisfecho de todo lo ocurrido?

La satisfacción plena no creo que sea un estado anímico fácil de alcanzar entre los que nos dedicamos al teatro. Persiste la inquietud de que las cosas pudieron hacerse mejor a lo que se suma la eterna paradoja de que todo hubiese sido diferente de contar para aquel momento con la experiencia actual.

¿Qué cambiaría o arreglaría?

Quizás leer e investigar cosas que he debido dominar en determinado momento pero, insisto, hay que ver hacia adelante.

Su pasión no ha sido solamente el teatro, sino también la televisión y el cine. ¿Cómo le ha ido en esos rubros?

La televisión ha sido un oficio fascinante con el que se llega a millones de personas y un medio con el que sigo estando agradecido. Para tener una idea de su alcance cito dos ejemplos, la telenovela Mi gorda bella, idea original de Carolina Espada y en la que participé en el equipo de escritores, se llegó a vender en 57 países y estuvo en primer lugar de sintonía en cinco de esas naciones; y La pandilla de los 7, programa infantil que estuvo a mi cargo, se llegó a negociar hasta en las naciones países árabes. Por otra parte la televisión en infinidad de ocasiones me ha facilitado los medios económicos para poder hacer teatro, aunque no tienes la libertad de creación de este último. Como escritor de televisión he tenido la oportunidad de trabajar en casi todos los formatos: desde la telenovela, el sit com, pasando por los programas infantiles, unitarios y pare usted de contar. Me quedé con las ganas de escribir comic´s en un proyecto que iba a realizar junto al maestro Salvador Garmendia. En cuanto al cine ha sido una experiencia excitante y reveladora pero más esporádicam y muy gratificante.

El teatro para niños o Infantil lo atrapo. ¿Qué magia encierra? ¿Le sirvió de algo?

Después de todos estos años no tengo la menor duda de afirmar que el teatro infantil es un género y quizás la mejor guía para entenderlo, son los postulados de Jean Piaget.Mi primera obra, La campaña(trataba sobre la conservación del ambiente), la escribí a los 16 años, la envié a un concurso patrocinado por INAVI y gané un premio. Esa misma pieza la dirigí al año siguiente. Digamos que es mi primer paso como dramaturgo y al mismo tiempo como director.El teatro para niños siempre me atrajo y cuando fundamos Thalía, nos dimos cuenta que había un vacío en el sector. Eran muy pocos los grupos que hacían un teatro comprometido y que respetara al niño. Fue en ese momento en el que decidimos que trabajaríamos para el teatro infantil conjuntamente con el de adultos. El siguiente proyecto fue Una aventura para imaginar, obra con la que gané un concurso de dramaturgia para niños promovido por AVEPROTE y de ahí hasta el presente, hemos ido sumando experiencia. Ahora se compite con la computadora, con los videos juegos y con todo un arsenal de instrumentos para entretener, aun así el teatro no ha perdido su encanto, la magia de la palabra instantánea, de la presencia del actor y la actriz, de la representación viva, donde el niño tiene la oportunidad de interrelacionarse con los personajes que lo deslumbran. A través del teatro infantil he encontrado una forma de comunicarme y de entender la vida.

¿Deja legado o herencia?

Sin pecar de vanidoso me atrevo a decir que como producto de toda esta experiencia ya podemos hablar de una forma de hacer teatro que nos distingue, donde se parte del respeto hacia el niño o la niña. Eso quiere decir que no me atrevo a adoctrinar y manipular hacia una determinada posición, esa responsabilidad corre por cuenta de los padres o representantes. Eso en cuanto al contenido. Con respecto a la forma, tenemos unos parámetros de tiempo, de temática, lenguaje, tiempos, trabajo de la voz y del cuerpo, entre otras exigencias que son características de una estética de Thalía.

¿A quiénes ayudó su teatro?

Espero que el primer beneficiado haya sido el niño@, objeto e inspiración de nuestro trabajo. A partir de ahí todos los artistas, técnicos y otros creativos involucrados en cada proyecto. La efectividad de una empresa cultural se mide en el tiempo y estoy seguro que los resultados han sido positivos en cuanto a la formación. Puedo mencionar nombres, siempre con el riesgo de omitir a otros tantos. A José Manuel Ascensao hoy por hoy lo considero uno de los productores de teatro más importantes del país. Rodolfo Cova es uno de los productores de cine más laureados y prolifero. Karl Hoffman, Wilmer Rámirez, Yugui López, José Romero, Javier Zapata, César Rojas, José Ángel Ávila y Celsa Castillo en el área de la actuación. En estos momentos cuento con un elenco con un promedio de edad de 20 años. Confieso que imito al maestro Jerzy Grotowski, cuando en algún momento buscaba jóvenes para ser formados por él y así evitar que llegaran maleados actoralmente. Tengo como asistente de dirección a un joven talento, Diego Aguilera, a quien trato de traspasarle toda la experiencia posible sin que pierda su propia visión como artista. Me aterra que una vez que desaparezca no haya continuidad como institución.

El teatro es un espacio donde se sueña y se piensa en la libertad del ser humano.

Los cuarenta y cuatro actores y actrices que conforman el nuevo elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) tienen su tarea avanzada antes de que finalice este año, ya que en noviembre montarán una pieza de Román Chalbaud en el Teatro Nacional, en Caracas. La nueva conformación para el elenco estable del CNT surgió de los encuentros realizados durante el primer trimestre de este año con el sector de las artes escénicas, en el marco de los foros sobre economía cultural, donde se palpó la preocupación por la pérdida de las compañías estables.

Se debe destacar que este talento proviene de distintas partes del territorio nacional. De ahí que el ministro de Cultura, Freddy Ñáñez, resaltó que el objetivo de la creación de este grupo de artistas es sistematizar “y motivar la construcción de un lenguaje teatral propio, que permita poner nuevamente en la vanguardia al teatro nacional e impulsar nuevas producciones estéticas acordes a los desafíos de la actualidad”.

“Queremos garantizar la posibilidad de no solo tener una compañía que investiga, que monta, que hace talleres de formación de teatro, sino sobre todo de macerar la estética del teatro venezolano, dando respuesta a la necesidad de consolidar espacios escénicos que al mismo tiempo sean escuelas”, indicó el ministro desde la Casa del Artista en Caracas, donde se oficializó la confección de esta compañía teatral., el pasado viernes 12 de agosto.

Por su parte, el director del Centro Nacional de Teatro, Alfredo Caldera, recalcó que “la expectativa de este elenco es que los actores que van a conformar este contingente de venezolanos y venezolanas tengan como principal línea de acción hacer un teatro de calidad y de profundo contenido venezolano”.

Detalló Caldera que las audiciones para esta compañía se realizarán anualmente, a mediados del mes de julio, a fin de que se integren nuevos participantes en el proyecto: “Creo que hay virar un poco la cara a los métodos con los cuales el teatro venezolano logró consolidar verdaderas formas de expresar la teatralidad desde la escritura, desde las puestas en escena y desde todo lo que corresponde a la caracterización actoral, para la creación de una estética que nos sea propia. Por eso es fundamental que nuestros grandes maestros y maestras del teatro, con todas sus técnicas y en todos sus ámbitos, puedan acompañarnos en esta sistematización y reimpulso del teatro con lenguaje propio”.

El ministro Ñáñez agregó que esta primera compañía será la base para conformar otros grupos de teatro estable en todo el país: “Este proyecto tiene una fase experimental en Caracas; pero nuestra mayor ambición es que podamos replicar, una vez más, las compañías regionales de teatro, que podamos tener elencos estables en cada uno de por lo menos en ocho estados”.

HABLA EL TALENTO

Noveles y figuras de gran renombre nacional conforman este equipo actoral. Se observó entre otros a los experimentados Norma Monasterio, Trino Rojas, Aura Rivas, Francis Rueda, Ludwig Pineda, Juliana Cuervo y Antonio Cuevas, quienes se unirán al talento emergente.

El veterano actor larense Trino Rojas trabaja en Unearte en la Facultad de Teatro, dando clases de técnica vocal, actuación e inglés: “Cuando tengo la oportunidad de montarme en la tablas lo hago porque intento todavía ser actor. Muchos otros que estamos acá amamos lo que hacemos. Generamos felicidad para el público y nosotros”.

Rojas, aparte de actuar participará como facilitador en los talleres de formación actoral. De los papeles que más recuerda en su trayectoria está uno que hizo cuando estuvo estudiando en Londres. A los 23 años interpretó el personaje de un padre en una pieza de Arthur Miller. Con César Rojas siempre estará agradecido por un papel en la obra La disculpa, basada en un hecho real ocurrido en Margarita.

Mucho más joven y proveniente de Guanare, estado Portuguesa, pasó el corte Edilsa Montilla, quien pertenece a la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa: “Hace 24 años me inicié en las tablas en la Escuela de Teatro José Antonio Páez. De las treinta y pico de obras de teatro que he realizado me marcó el Amalivaca. También una adaptación de un clásico griego realizada por el maestro Aníbal Grunn en El Reñidero, donde interpreté a Helena, que sería Electra, pero ambientada en los años treinta del siglo pasado. Y Titus Andonicus, donde hice Lavinia”.

La actriz Francis Rueda, quien integró la primera camada que en 1984 fundó la Compañía Nacional de Teatro, considera que esta iniciativa “me llena de gran satisfacción pues el teatro representa la esencia de mi carrera”.

Destacó que en los últimos años la evolución de las artes escénicas ha sido significativa, sobre todo en relación con el rescate del espectador y de las salas para el disfrute de las obras por parte del pueblo venezolano.

La larense Dayana Cadenas, talento emergente seleccionada para este elenco, esbozó: “Es un gran reto. Además de un honor es un gran compromiso con todo el país y un honor, porque estoy al lado de maestros que vi desde pequeña en el cine, en la televisión. Y soñaba con trabajar con cada uno de ellos”.

Otra veterana en la actuación, Aura Rivas, señaló que “todo lo que está pasando con respecto a este campo ha sido algo maravilloso, ya que desde hace años estuvimos desasistidos y olvidados. Esto era lo que estábamos pidiendo desde hace muchísimos años, siempre lo manifesté y hoy por fin se nos está dando. Aleluya”.

“Ahora nos toca a nosotros trabajar, dedicarnos no solo a nuestros montajes, sino también a desarrollar valores y darle calidad al trabajo del teatro en el país”, finalizó la ganadora del Premio Nacional de Teatro 2010

ELENCO 2016

Aura Rivas Francis Rueda, Antonio Cuevas, Ludwing Pineda. Francisco Aguana, Varinia Arráiz, Daifra Blanco, Larry Castellanos, Juliana Cuervos, Citlalli Godoy, Belisario Hernández, Keudy López, Rosanna Marín, Livia Méndez, Norma Monasterios, Edilsa Montilla Hernández, Zair Mora Díaz, Margarita Morales, Andy Pérez, Jean Manuel Pérez, Deivi Restrepo Delgado, Trino Rojas, Arturo Santoyo, Maria Alejandra Tellis Vera. Sara Azocar Azpiri, Dayana Cadenas Gutiérrez, Kala Fuenmayor, Fernando Garantón, Julio Enrique García, Ana González De Sousa, Randimar Guevara, Nitay La Cruz Romero, Marcela Lunar, Julio Cesar Marcano, Yaimira Martínez, Oriana Martins, Sandra Yasorhaja, Moncada González, Darling Palma, Angel Pelay, Josua Portal, Jhuraní Servellon Alvarado, Orlandys Suarez González, Meléndez Wahari y Kelvin Zapata.
EXTRAOFICIAL
El pez que fuma, de Roman Chalbaud, dirigida por Ibrahim Guerra, seria el espectáculo inaugural de la CNT.

Venezuela presente con sus obras cinematográficas en los mejores festivales del mundo

La ópera prima del director Rober Calzadilla, El Amparo, que ahora compite en la sección Horizontes Latinos, del legendario Festival de San Sebastián, es el primer largometraje producido por “Tumbarrancho Films” y “Películas Prescindibles”. De esta manera, la fuerza del cine criollo basado en textos teatrales sigue marcando la pauta, como la inició, hace años, Román Chalbaud, para citar a uno de los grandes maestros venezolanos.

El guión de la dramaturga Karin Valecillos es una adaptación de su obra Sobrevivientes 29/10/88 , inspirada en los hechos sucedidos en El Amparo, estado Apure, Venezuela en octubre de 1988, texto representado en las tablas anteriormente por la compañía Tumbarrancho Teatro, respetable colectivo de teatreros hondamente comprometidos con la realidad de su país venezolano.

El Amparo es una producción de Marianella Illas y Rubén Sierra, quienes tienen varios años posicionando proyectos venezolanos en los mercados y festivales más importantes del mundo. En la película destacan las actuaciones de Giovanny García, Vicente Quintero, Samantha Castillo, Rossana Hernández, Aura Rivas, Pancho Salazar, Luis Domingo González, Vicente Peña, Jesús Carreño, Tatiana Mabo, Patrizia Fusco, Dixon Dacosta, Ángel Pájaro, Jesús Delgado, Diego Guerrero, Roso Arcia, Sainma Rada. La misma, fue filmada en El Yagual, estado Apure y contó con el apoyo y la participación activa de sus pobladores, quienes también actúan en el film. La dirección de fotografía es de Michell Rivas, la edición de Gustavo Rondón y Mariana Rodriguez, la dirección de Arte de Matías Tikas y en el sonido Francisco Toro y Marcos Salaverría, recientemente galardonado con el Premio Platino por su trabajo en El abrazo de la serpiente.

El Amparo compite en la mencionada categoría junto a películas que vienen de pasar por los más importantes festivales de cine del mundo como Venezia, Cannes, Sundance y Locarno, siendo considerada entre las propuestas más selectas del cine latinoamericano para este año.¡Los cineastas también hacen patria y la muestran en las pantallas del mundo!

Elba Escobar, otro monstruo del teatro criollo.

Lila Rodriguez Escobar (Caracas, 1954) abandonó sus estudios de matemáticas en el caraqueño Pedagógico y se fue tras la magia de los títeres que manejaba el director José León con su agrupación Los monigotes, hasta lograr debutar en su espectáculo La pelotica encantada. Y pudo así ganarse con justicia el apodo de “la pelotica” por sus innegables redondeces. Muy pronto la conoció el dramaturgo Isaac Chocrón y la invitó a encarnar una importante sirvienta chejoviana del memorable montaje que dirigió Antonio Costante para el Nuevo Grupo de El jardín de los cerezos, en la temporada de 1977, pero antes le cambió su nombre y desde entonces se le conoció, profesionalmente, como Elba Escobar.

Pudimos apreciar a esa Elba Escobar precisamente cuando comenzaba su carrera actoral y es ahora, a casi 40 años de tales románticos inicios, que hemos logrado ponderar otra etapa de su vida profesional y disfrutar así de su unipersonal Yo si soy arrecha, un texto escrito y dirigido por Enrique Salas, en la sala Escena 8, con el cual hace una intensa gira que le organizó el empresario Jesús Fuenmayor por escenarios de Caracas, Maracaibo, Barquisimeto, Puerto Ordaz, Lecherías, Porlamar y Valencia, antes de regresar a Miami, donde ella vive y trabaja actualmente, desde hace dos años, para demostrar que el Norte es una quimera posible, durante cierto tiempo y con mucha paciencia.

Yo si soy arrecha inicialmente es una historia corta que integra el macro espectáculo Relatos borrachos, el cual desde hace cinco años permanece en la cartelera caraqueña y actualmente se exhibe en el teatro Urban Cuplé, pero que ahora su autor Salas lo ha llevado a 45 minutos de duración para hacer reír y sufrir otro tanto al público, porque es la rocambolesca y tragicómica historia de una mujer exitosa en su profesión que drena sus desequilibrios románticos y existenciales con el consumo constante de bebidas alcohólicas.

Al alargar el monologo Yo si soy arrecha, Elba tiene más material dramático para provocar la reflexión entre la audiencia, especialmente de aquellos, que son casi la mayoría de los espectadores, que vivieron o viven el síndrome del hijo del alcohólico, por lo que pueden pasar fácilmente de la risa al llanto o a la conmiseración, por que se muestra al alcohólico como un enfermo social que debe ser rescatado o recuperado con ayuda de profesionales de la medicina y la psiquiatría, lo cual se hace muy poco y condenan al borracho a su desgracia, con pocas excepciones.

Son, pues, 45 minutos de risas y de profunda reflexión donde Elba Escobar demostró, una vez más, su calidad y versatilidad interpretativa al encarnar a una exitosa ejecutiva alcohólica que celebra su ascenso laboral en el bar La soledad. Todo transcurre en un escenario en penumbra, y ella reposa, o guarda equilibrio, en la silla de una imaginaria barra y frente a una mesa con un par de copas y una botella, para que así su personaje comparta episodios de su vida, una mezcla de logros y frustraciones marcadas por la presencia del alcohol, ayudada en su discurso por una serie de videos sobre su deambular exitoso por el mundo, por así llamarlo.

Y para que el espectáculo tenga mayor impacto participa un grupo de mariachis que la acompañan al interpretar el tema “Sombras nada más”, pero antes realiza una tarea física que muestra poco a poco el derrumbe físico de una borracha que no tema a nada ni a nadie y se transforma en un ser inconsciente.

Aleccionador ese espejo que transmite desde la escena. Y ahí reside su grandeza actoral, porque ella se desplaza sobre una especie de cuerda floja que oscila entre el ridículo y la crudeza de la verdad, esa que siempre aprecian los demás, los que no están borrachos o muy pronto lo estarán.

Aquí en Caracas un público cálido rio y aplaudió con entusiasmo la entrega de esta primera actriz para dar vida a una borracha que incluso conmovió a algunos hasta el llanto.

Elba Escobar acostumbra saludar al público y expresar sus comentarios sobre esos borrachitos simpáticos, la mayoría de las veces, quienes han dado origen a una inconmensurable cantidad de chistes alrededor del licor, al tiempo que recordó la cantidad de temas musicales que promueven al alcoholismo. Y por supuesto recordó a las familias destruidas porque hay un padre o un hijo alcohólico. “Esta obra es una belleza. La gente se divierte mucho, pero también produce este momento final de reflexión. Estoy feliz de hacer esta obra que permite ver el drama subyacente detrás de los borrachitos simpáticos", expresó la actriz como colofón.

Basilio Álvarez en memorable caracterización.

El Segundo Festival de Teatro Contemporáneo Estadounidense, que se realiza desde el 10 de junio en las salas La caja de fósforos y El dedal, del backstage de la Concha Acústica de Bello Monte, entró en su recta final para concluir el 25 de septiembre. Cuando aún quedan tres montajes de los ocho programados, hemos visto Rojo, de John Logan.

Rojo, que exige del espectador un conocimiento básico de la historia de las artes plásticas nortamericanas y de lo que era su comercialización durante el siglo XX, aborda, de manera desgarrada, dos años claves para la vida del artista expresionista abstracto Mark Rothko (Daugavpils, Letonia, 1903/ Nueva York, 1970); específicamente los años 1958 y 1959, cuando el legendario arquitecto Philip Johnson le encarga pintar sendos murales para el restaurant Four Seasons del Seagram Building de Nueva York, ofreciéndole una cifra jamás pagada a ningún pintor de esa época: 50 mi dólares. Y de ahí brotan todos sus conflictos: arte o subsistencia, creatividad del artista o gusto del cliente, etcétera, a lo cual se suman los vericuetos existenciales del pintor, quien terminó suicidándose años más tarde.

El espectàculo es denso porque así lo son los perfiles de sus protagonistas, Mark (Basilio Alvarez) y su asistente Ken (Gabriel Agüero), y las exigencias mismas de la pieza, muy literaria además. El director Daniel Dannery hizo magia para lograr esa atmósfera de pesadilla a lo largo de 150 minutos en El dedal, sitio claustrofóbico con graderías de madera que dejan huellas. Pero son tan enternecedoras las caracterizaciones y las interrelaciones de aquellos personajes, bien logrados por Basilio y Gabriel, que el tiempo se hace llevadero.

Rojoes, pues, una clase sobre el drama del pintor y la sociedad capitalista, o entre el creador y el poder, que evoca algunas facetas del dramón del venezolano Armando Reverón en Macuto, y planteavarios interrogantes como ¿si el arte está destinado a ser convertido en mercancìa?, o ¿es una necesidad de expresión única del artista? o ¿es lo verdaderamente importante en la vida del pintor?

Un Guardia Civil, tres Guardias de Asalto, dos policías y un exaltado fueron los verdugos del poeta Federico García Lorca, según el libro de Miguel Caballero, Historia de una familia. La verdad sobre el asesinato de García Lorca, escrito en colaboración con Pilar Góngora, donde se descubre la identidad de los hombres que participaron en su ejecución.

Según el periodista Borja Martínez Gutiérrez, en extensa crónica publicada en el número 153 de la revista La aventura de la Historia, con el paso de los años, lenta pero inexorablemente, las muchas incógnitas que velaban el asesinato de Federico García Lorca han ido quedando despejadas, para lo cual la investigación y el texto de Caballero es fundamental

Afirma como el escritor Caballero demostró que el trágico final del poeta fue consecuencia de la rivalidad de su familia con otros dos clanes de la Vega de Granada, los Roldán y el Alba, en pugna por la preponderancia política y económica de la comarca.

Caballero desvela el rol clave desempeñado por Nicolás Velasco Simarro, teniente coronel retirado de la Guardia Civil, que tras la sublevación militar se convirtió en la mano derecha del gobernador civil de Granada, José Valdés Guzmán, y que en ausencia de éste ordeno el mismo día de su detención, el traslado de García Lorca al lugar donde sería asesinado.

Caballero, afirma Martínez Gutiérrez, que Caballero recompone el complejo entramado de rencores e intereses que provocaron su detención y asesinato y, sobre todo, desvela la identidad de los que formaron el pelotón de fusilamiento que acabó con sus vidas.

En torno a las 13.30 horas del 16 de agosto de 1936 ya la cabeza de un numeroso contingente de hombres, Ramón Luis Alonso, Federico Martin Lagos y Juan Luis Trescastro se presentan en el número 1 de la calle Angulo de Granada, el domicilio familiar de los Rosales, para conducir la poeta a la sede del Gobierno Civil. En sus dependencias, y en ausencia del gobernador, se encontraba al mando el mencionado Velasco Simarro, quien actuó como agente catalizador de la trama que acabo con la vida del poeta.

Aquel 16 de agosto estaban a sus órdenes los dos inspectores de policía adscritos al Gobierno Civil de Granada, Francisco Mingorance Jaraba y Julio Romero Funes. Ellos organizaron el traslado de García Lorca a la Colonia, un recinto situado en el municipio de Viznar, viejo molino transformado con el tiempo en fábrica de tejidos y, finalmente, habilitado como residencia escolar femenina, pero que con la guerra fue transformado en centro de detenciones de los sublevados. Fue Romero Funes el que comunico al teniente de la Guardia de Asalto, Rafael Martínez Fajardo, la orden de conducir a García Lorca a la Colonia, junto con otros tres presos para su confinamiento y posterior fusilamiento.

500 PESETAS

El poeta llegó a la Colonia al filo de las once de la noche y allí permaneció confinado en una habitación hasta que de madrugada fue llevado al lugar de la ejecución, situado en el campo de instrucción de las tropas, en un lugar muy concreto en el margen derecho de la carretera que conduce al vecino pueblo de Alfacar.

¿A quién correspondió la misión de ejecutarlo? En la Colonia actuaban de manera estable un grupo de hombres dedicados a la ejecución de los detenidos. Ahí estaba el sargento de la Guardia de Asalto, Mariano Ajenjo Moreno, que era el director de los ejecutores. El trágico rol lo hicieron: Salvador Baro Leyva, Juan Jiménez Cascales y Fernando Correo Carrasco, además de Antonio Hernández Marín, Antonio Benavides Benavides y Salvio Rodríguez García. Siete hombres que se añaden a la cadena de decisiones y actos que acabaron con García Lorca en el paredón y que a falta de la localización exacta de los restos del poeta, iluminan casi al completo el crimen más tristemente simbólico de la última guerra civil española.

Los verdugos, unos voluntarios y otros forzado, recibieron un premio en metálico de 500 pesetas y un ascenso en el escalafón del cuerpo de la Guardia de Asalto y Seguridad, posteriormente Policía Armada y de Trafico.

ÚLTIMAS 13 HORAS

La detención. Hacia las 13.30 del 16 de agosto de 1936, Lorca es detenido en el domicilio familiar de los Rosales.

La espera. El poeta es conducido al Gobierno Civil de Granada y de allí a la Colonia, un centro de detención de Viznar.

La muerte. Fue fusilado en la madrugada del 17 de agosto, en un campo de instrucción de tropas en el margen derecho de la carretera hacia Alfacar.

Se hace camino con el teatro breve o de 15 minutos.

Con la comedia breve de humor negro Matando a un muerto, el comunicador social y escritor Carlos Roa ha completado por ahora una trilogía de espectáculos escenificados en el Paseo de las Artes de Doral, al oeste de Miami, allá en el Norte donde al parecer existe una quimera.

El mencionado espacio se ha convertido en pivote de las artes escénicas venezolanas en el sur de la Florida y por ello este profesional fue requerido para incorporarse a sus actividades. Roa relata que, tras una estadía el año pasado, reactivó lazos con amigos venezolanos que le sirvieron para activarse por esas latitudes.

“Todo comenzó con el llamado de Indira Leal y Marcos Purroy para que participara en el Festival Breves y Cortos en 2015”, relata. Les hizo llegar una pieza breve titulada La solitaria Eleanor,inspirada en la canción Elanor Rigby,de Los Beatles. “Corrí con la suerte de que le gustara al director argentino Osvaldo Strongoli, quien la escenificó con la mexicana Anna Sobero y el venezolano Hely Ferrigni, obteniendo muy buenos comentarios”, asegura el autor.

Por este espectáculo, Roa recibió un certificado de reconocimiento de manos del alcalde de la ciudad de Doral, el también venezolano Luigi Boria. Meses después, Carlos fue llamado por la primera actriz Flor Núñez, con quien había trabajado previamente en varias oportunidades, y recibió el encargo de escribirle un unipersonal dirigido a la colonia venezolana en Estados Unidos.

Así nació Memorias de Tere, escrita a cuatro manos junto al guionista Eduardo Haiek, en el cual Flor interpreta a 11 personajes, a través de los cuales una madre narra a su hija cómo era la Venezuela que dejó atrás cuando decidió partir. La obra se presentó a sala llena durante tres semanas en el Teatro del Centro de Paseo de las Artes de Doral y finalmente, se le agregó una cuarta semana a la temporada.

Por si esto fuera poco, la “Tere” de Flor Núñez volverá en octubre al mismo espacio debido al éxito logrado; mientras prepara gira por otras ciudades de Estados Unidos y terceros países. Se estudia también la posibilidad de traerla a Venezuela. La reconocida manager y productora María Gómez está a cargo de la comercialización. La pieza fue coproducida y codirigida por Núñez y su esposo, el también director de TV Miguel Matos.

Paralelamente, el destacado músico venezolano Ignacio Izcaray, quien está incursionando en la actividad escénica en Miami, solicitó un texto a Roa, quien comenta que le envió tres para que eligiera, “y se quedó enganchado con Matando a un muerto, una comedia de humor negro en la cual dos inquilinos matan accidentalmente a su casero y luego no saben qué hacer con el cadáver”.

Esta pieza breve hizo temporada en el microteatro de Paseo de las Artes entre el 14 de julio y el 21 de agosto, llamando la atención por presentar una temática atípica y un tono narrativo fuera de lo común. El argentino Gualberto González y el cubano Hansel Porras dieron vida a estos diálogos de ritmo trepidante, donde los personajes temen tanto al hipotético fantasma del fallecido como a la policía; e inventan un disparate tras otro para salir del problema.

Sobre la adaptación de este trabajador venezolano de las letras a lo que demanda el teatro de Florida, comenta que se ha llevado una sorpresa tras otra. “Por suerte, tres propuestas me han funcionado en menos de un año; pero todo ha sido en forma inesperada”, según su percepción.

“Al igual que en Venezuela, el público de Miami busca entretenimiento, y por ello jamás pensé que piezas como La solitaria Eleanor o Memorias de Terepudieran funcionar, ya que llevan una fuerte carga dramática”, según confiesa.

Revela que con “Tere”, Flor y él asumieron un riesgo calculado. Arranca en comedia y se torna en drama hacia el final. “Yo pensaba que íbamos a dirigirnos a una audiencia muy pequeña, pero el público nos apoyó con una pasión enorme”.

Este texto exigió mucha investigación, ya que se remonta a los años de las retretas y la música cañonera, al habla de los venezolanos y sus particulares modismos, a la poesía y la música del país; todo lo cual sustenta las ya señaladas memorias que la protagonista despliega durante la pieza.

La solitaria Eleanornace por los recuerdos que le trae de su niñez, la Eleanor Rigby del cuarteto de Liverpool. “Mi mamá amaba esa canción. Decidí tomar un consejo del dramaturgo español Jordi Galcerán, con quien cursé un taller. El nos recomendó hurgar en la infancia para conseguir disparadores potentes de nuestras historias”.

En cuanto a Matando a un muerto,transcurre en Miami y la considera su primera obra con un tono que intenta retratar a tan compleja ciudad. Especifica que tiene mucho que ver con la supervivencia de los recién llegados, con un pragmatismo que es ajeno a los venezolanos y con un sarcasmo más cercano al humor estadounidense, a pesar de estar escrita en español.

Mientras tanto, Roa forma junto a su habitual coescritor Eduardo Haiek uno de los equipos de escritura para las series televisivas internacionales Escándalos y Prueba de fe, bajo la coordinación de libretos de César Sierra. Ambas son transmitidas en Venezuela por Televen.

También labora para los canales venezolanos de Estados Unidos TV Venezuela y El Venezolano TV. Para el primero escribe los guiones del recordado Toque de Diana, que conduce la periodista Diana Carolina Ruiz, en un tono muy similar a sus antiguos micros de Globovisión. En el segundo está al frente de un espacio dedicado a reseñar el quehacer teatral de los venezolanos en el mundo, titulado Con las tablas en la cabeza.

Confiesa estar ajustando su pluma a lo que requiere la ciudad sobre la misma marcha, por lo que sigue escribiendo y enviando textos a productores y directores conocidos en la ciudad, a ver cuáles creen que pueden funcionar.

En paralelo, sigue moviendo otras piezas en Caracas, donde se escenificó recientemente otro texto de su autoría para el microteatro de Urban Cuplé, la cual se titula A lo hecho, despechoy que probablemente vuelva a otra de las próximas temporadas.

También espera en la capital venezolana las reposiciones de sus comedias infantiles La fea despierta(2010), dirigida por Gerardo Blanco y Furi Firi empresa exitosa(1999), bajo la batuta de Lilver Tovar, quien realizó un nuevo montaje con Akeke Circo Teatro en 2015.

Ejemplar pareja de venezolanos

En estos tiempos de tantos amores furtivos unos y desafiantes otros, llega el esperado largometraje de temática histórica Luisa, de Juan Carlos Wessolossky, donde se aborda la gran historia de amor de Luisa Cáceres de Arismendi y Juan Bautista Arismendi, llega a las principales salas de cine de Venezuela el próximo 27 de Septiembre.

Se trata de una saga romántica, dramática y conmovedora, basada en hechos reales que se suscitan entre 1813 y 1818, en la convulsa y rebelde ex Capitanía General de Venezuela, protagonizada por grandes y reconocidos personajes de la historia, como fueron Luisa Cáceres y Juan Bautista Arismendi.

La guerra los separa, Juan Bautista correrá el riesgo de ser atrapado pero se escapa. Luisa es encerrada en el Castillo de Santa Rosa donde vive todo tipo de torturas. Entre tantas circunstancias adversas ambos luchan por ser leales a ese gran amor y a sus ideales. Una pareja que deberá luchar, con todas sus fuerzas, contra los chantajes y trampas para no dejarse doblegar, demostrando heroísmo y dignidad a favor de la libertad.

La película cuenta con un elenco de primeras figuras en donde se destacan reconocidos y talentosos actores venezolanos que han hecho carrera dentro y fuera de nuestras fronteras: Carlos Mata como Juan Bautista Arismendi y Eliana López como Luisa Cáceres de Arismendi son acompañados por Víctor Cámara como Bianchi en una actuación especial, Miguel Ferrari, Loly Sánchez, Abril Schreiber, Aileen Celeste, Felix Loreto, Alejandro Mata, Walter Gamberini, Perla Vonasek, Aracelis Prieto, Maricella González, Juvel Vielma, Franco Di Marchi, Brenda Hanst, Lucy Orta, José Ramón Barreto, Calógero Palmieri, Juan Carlos Lira, Rocio Bastidas, Soraya Sanz, Leandro Arvelo, Alberto Alcalá, Carlos Sabilllón, Manuel Villalba, Trino Jiménez, Julio César Marcano, Daniel Torres, Eliseo Pereira, Sergio Pinto, Carlos Clemares, Héctor Liendo, Sixela Vizquel, Jean Pierre Luneau, Luciana Wessolossky.

El guión y la dirección del film están a cargo de Juan Carlos Wessolossky, quien comparte la producción ejecutiva con Adolfo López Sojo encargado también de la dirección de producción y la producción asociada es de Vito Carlucci, José Hernández y Oswaldo Muñoz. La dirección de fotografía corre por cuenta de Jorge Luis Almeida, el montaje de Javier Beltrán y el sonido de Alejandro Molano. La música es original de Luis Fernando Laya, la dirección de arte es responsabilidad de Javier Martíntereso, la dirección de vestuario de Antonio Alfonzo y la dirección de maquillaje de Yamila Gedler.

Luisa es una coproducción entre WM Wessolossky Movies, Mestizo Producciones, con el fundamental apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, el Programa Ibermedia y en coproducción con Igolai Producciones y la Fundación Villa del Cine.

La premier de Luisa se llevará a cabo el 27 de septiembre con un gran evento que será anunciado cercana a la fecha y estará en las principales salas de cine del país desde el 30 de septiembre.

Asi avanza el cine criollo exaltando las raíces de una nacionalidad venezolana que siempre estará en construcción hasta que no se consiga su verdadera independencia.

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Elder cae en manos de la policía y todo termina o comienza para ese malandro-

La cacería de espectadores venezolanos para la película Desde alláde Lorenzo Vigas ha comenzado. En 30 salas se medirá la primera respuesta del público a una estremecedora historia de ficción, de aguda carga homoerótica y de acciones violentas, merecedora del Premio León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2015 y de otros 13 galardones obtenidos desde entonces. Recién se estrena ahora porque la pasada crisis energética pospuso su estreno.

Desde allá, cuyo guion es también del director Vigas, plasma a lo largo de 90 minutos una historia de tensión seductora porque engancha al público con su extraño protagonista, Armando (Alfredo Castro), un ortodontista de mediana edad quien pesca o levanta hombres jóvenes en las calles de Caracas para llevarlos a su apartamento, hacerlos semidesnudar y desde una prudente distancia (no más de tres metros) sacia sus instintos, tras lo cual les paga generosamente y los despide. Hasta que conoce a Elder (Luis A. Silva), otro joven malandro quien inicialmente se niega a quitarse la franela y bajarse el pantalón hasta los muslos, y opta por golpear y robar a Armando, sin sospechar lo que vendría después. El gay queda picado y busca de nuevo a Elder, lo rescata después de una paliza que le han dado y se lo lleva para su casa. Cuando se espera que florezca un romance gay, porque la pareja de hecho tiene hasta su noche loca – y no precisamente “desde allá”- se genera un asesinato no solicitado. Y al final, cuando Elder busca el pan para el desayuno del día siguiente, tras hacer su respectiva cola, lo captura la policía por el asesinato de marras.

Se termina el filme, dejando al público estupefacto y hasta muy preocupado, porque nuevamente en el cine, como en la vida, el antihéroe es un delincuente, criado sin padre y en circunstancias nace favorecedoras para que sea un ciudadano de bien. Lo mismo que han mostrado muchos cineastas criollos con sus largometrajes anteriores: una atmósfera miserable y de violencia no genera nada bueno.

Como película se destaca por los pocos diálogos de sus personajes y todo el discurso fílmico descansa en la agresiva colcha de imágenes de una ciudad convulsa y sucia, donde se acentúan los diversos niveles socioeconómicos, especialmente las barriadas humildes donde la población juvenil es carne fresca para los cazadores, como Armando.

La escuela de cine que creó Román Chalbaud hace más de 50 años está dando ahora más alumnos, porque esos personajes chalbaudianos han reencarnado ahora en lo que han mostrado los actores de Vigas. Por supuesto que los premios internacionales ganados par Desde allá están más que justificados. Sí, hay un nuevo cine pero su gran protagonista, el pueblo venezolano sigue ahí irredento y sufriendo. Pero nuestros artistas no son precisamente políticos, sino retratistas o recreadores de una realidad innegable.

Psicólogos y psiquiatras dirán, creemos nosotros, que Edipo y su legendaria saga de asesinatos y sexos prohibidos, creada por Sófocles, está presente en Desde allá. Y es verdad, el padre es básico en la sociedad familiar y ahí está la prueba

Venezuela presenta en el festival de Manizalez

De vez en cuando lo recuerdo porque hay gente insensible o encerrada en su cajita de cartón. Y es que el teatro, como el cine, venezolano no se produce y disfruta únicamente en Caracas. Hay muchas regiones y sus 336 municipios donde pululan los criollos ansiosos de aprender de sus artistas.

Y escribimos esto porque a través de una invitación que le hiciera el Festival de Teatro de Manizales al Ministerio del Poder Popular para la Cultura(con Freddy Ñáñez a la cabeza), la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, viaja este jueves 27 de Agosto a Colombia para presentarse en los Festivales de la ciudad de Medellín, 29 y 39 y de Manizales 2 y 3 de Septiembre, concluyendo la gira con una temporada en la sala Seki Sano, de la Corporación Colombiana de Teatro, respondiendo a la petición que hiciera su presidente la señora Patricia Ariza

En esta oportunidad, la CRTP, llevará la obra escrita por Tomás Jurado Zabala: Robinson en la casa de Asterión , bajo la dirección de Carlos Arroyo y con las actuaciones de Wilfredo Peraza y Aníbal Grunn.

Recordemos que esta obra se presentó en Octubre del año pasado en el Centro Cultural Kirchner, de la ciudad de Buenos Aires, en el marco del Corredor Latinoamericano de Teatro, representando a Venezuela.

También estuvo presente en el marco del Festival Internacional de Teatro de la ciudad de Caracas, en Marzo del 2015. Y nos representó en Grecia y Chipre en noviembre del año 2014

La obra narra el momento en que nuestro maestro Simón Rodríguez muere en el pueblo de Amotape y debe enfrentarse al Minotauro (Asterión) en el laberinto y expiar sus culpas.

El laberinto, el purgatorio o el limbo donde todas las almas se enfrentan a sí mismas y deciden si el cielo o el infierno. El trance espiritual entre la gloria o el olvido.

Un texto profundo donde recordamos el pensamiento de Simón Rodríguez y su relación con una América que luchaba entre la libertad, la república y la independencia de una España castrante e intolerante.

Otra vez más el teatro venezolano va al país vecino. Y la cultura gana para todos.

El hombre de la rata, legendario monólogo del dramaturgo venezolano Gilberto Pinto (Caracas, 1929/2011),vuelve a escena el viernes 2 de septiembre, a las 7 PM en la sala del Teatro San Martín de Caracas, en Artigas, gracias al apoyo de la gerente María Brito. Es una producción del grupo Las tres gracias, que es actuado por el psicólogo Ángel Pelay y bajo la direccion de Sheila Colmenares.

Este monòlogo fue escrito en el año 1963 y refleja la convulsionada sociedad venezolana de los 60 y 70, haciendo una profunda crítica social y política para aquel entonces. “Actualmente la agrupación teatral Las Tres Gracias retoma la obra desde una visión contemporánea a través de una puesta en escena dinámica, inteligente e interactiva que envuelve al espectador en diversas atmósferas y emociones que pasan rápidamente del llanto a la risa hilarante, de la nostalgia al sarcasmo, dejando a su paso un cúmulo de preguntas y dando la alerta de que hay que mirarnos vivir. Con esta obra la agrupación apuesta a darle voz a los autores de la dramaturgia nacional y sorprendernos de la vigencia de sus obras”, acota el actor Pelay.

Según Pelay, su personaje Ismael Peraza es un divertido esquizofrénico que con el pasar del tiempo se ha escapado de una realidad que le resulta insostenible. Se transforma en vagabundo y huye vehementemente de la hipocresía, de la manipulación y de las máscaras sociales que lo atormentan.

Explica Pelay que el espectàculo transcurre en una plaza pública a plena luz del día. “Ahì Ismael Peraza, hombre de aspecto desaliñado, en su imperiosa necesidad de satisfacer sus ganas de hacer pipí busca un urinario, desesperado por su situación decide orinar en la plaza, pero se percata de que está siendo observado por muchos ojos (son aquellos del público que se encuentran a oscuras), esto da pie a Ismael para contar su vida, su transcurrir por la escuela de filosofía, su vida conyugal, su lucha con la rata (símbolo diverso de las realidades humanas), sus locuras y hasta su propia muerte. Pensando reflexivamente a través de sus experiencias, Ismael al final del día se dice a si mismo que un mundo mejor es posible, pero que hay que luchar hombro a hombro para conseguirlo y quizás algún día nos liberaremos de la angustia”.

El hombre de la rata, que lleva ya más de dos años de trabajo, se presentó en el festival internacional de teatro de caracas en abril del 2014 y desde entonces ha estado presente en diversas temporadas de importantes salas caraqueñas (Teatro Catia, Teatro San Martín, Fundación Celarg, Espacio la Colina) y en diversos festivales en el interior del país (Maturín, Puerto Ordaz, Mérida y Barcelona).

El espectaculo se presentará viernes y sabados, a las 7PM, y el domingo a las 6PM, durante los dos fines de semana de la primera quincena de septiembre.

Tremendo reto para Ibrahim Guerra

El quinto montaje de la obra El pez que fuma, de Román Chalbaud, con el cual se relanza a la Compañía Nacional de Teatro, bajo la dirección de Ibrahim Guerra, se realizará en el teatro Nacional, producido por el Centro Nacional de Teatro, que comanda Alfredo Caldera, a mediados del venidero mes de noviembre, en el Teatro Nacional.

TURBIOS AMORES

El pez que fuma es un próspero bar de copas y prostíbulo, o burdel, administrado por La Garza, quien confía en su amante de turno, Dimas, para que deposite las ganancias en el banco; pero este es un dilapidador del dinero ajeno y además la engaña con otras meretrices. Desde la cárcel, Tobías, ex amante de La Garza, conspira, y le manda un “Judas” (Juan), quien se encarga de emponzoñar todo y enamora a la patrona del burdel. Dimas no se deja sustituir tan fácilmente y mata, sin querer, a la codiciada dama; termina en la cárcel y deberá resolver su conflicto con Tobías.

Ha dicho Chalbaud que “escribo mis obras a partir de los personajes que me invento, después los uno y nace toda la obra. Esos entes teatrales me dictan lo que quieren ser y así los presento. No intento explicar mis obras teatrales, ni tampoco mis películas, dejo que el público las vea, las digiera y saque sus propias conclusiones. Los prostíbulos son sitios donde, especialmente los hombres, se drenan pasiones y se trata de conseguir por horas ese amor que se sale no solo por la boca. Hay muchos sueños o anhelos que ahí se forjan o que naufragan. El poder y el amor son las dos grandes pasiones de los seres humanos y eso ahí está muy bien marcado o definido. Además, a todos nos atrae un burdel, porque en esos antros pasan muchísimas cosas. En estos tiempos hay otros sitios o espacios que han intentado sustituirlos, pero los lupanares siguen existiendo. El teatro es un espectáculo y los venezolanos son muy inteligentes y agarran todo lo que unos les dice y lo reitero yo que tengo más de medio siglo en estos avatares del teatro y el cine, además de la televisión”.

CUATRO MONTAJES

El estreno deEl pez que fuma se hizo para la temporada de El Nuevo Grupo, en el teatro Alberto de Paz y Mateos, en 1968, contó con un elenco maravilloso: Gloria Mirós sustituyó a Hilda Vera, quien después protagonizó la versión cinematográfica; trabajaron, entre otros, Herman Vallenilla, Rafael Briceño, José Ignacio Cabrujas, Humberto Buonocore, Maira Chardiet, José Luis Silva, Hercilia López, Rodolfo Parra, Nirma Prieto, Alexander Milic, Raúl Medina, William Moreno y debutó José Salas, quien además diseñó el vestuario y la escenografía. “Yo la dirigí”, dijo Chalbaud.

Nunca más montó su burdel, pero sí dejó que otros lo hicieran: en 1994, Cabrujas lo escenificó en el teatro El Paraíso, y ahí trabajaron, por cierto, Mimí Lazo como La Garza y Luis Fernández era Juan, quienes hoy son asombrosos esposos y grandes trabajadores del teatro; en la temporada 2009, Dairo Piñeres lo montó, en la sala Rajatabla, para la graduación de los alumnos de Unearte. Y durante la temporada 2013, nada menos que en el teatro Trasnocho, lo mostró Elba Escobar. “Para mí son tres, de verdad, hasta ahora y el que firma Elba Escobar”.

CATIA Y NO LA GUAIRA

Chalbaud, para que la historia teatral sea clara, comenta que nunca visitó ni tampoco sabía la historia del prostíbulo venezolano “El pez que fuma”. Supo que había existido y hasta tomó notas de algunos detalles sobre sus administradores y el tipo de clientela que tenía, porque un taxista, negro y anciano, se lo contó durante una noche del año 1953, tras llevarlo a la plaza Sucre para que se reuniera con sus compañeros de trabajo de la Televisora Nacional, en el bar “El canario”. Gobernaba el general Marcos Pérez Jiménez y la Seguridad Nacional, policía política del régimen, hacia honor al nombre, al menos en Caracas.Ese lupanar, que nunca vio, pero que se lo describieron o pintaron con muchos detalles, funcionó en las inmediaciones de la plaza Sucre y fue muy famoso durante la dictadura del general Juan Vicente Gómez. Le gustó su nombre, resultaba absurdo, poético y visto ahora hasta resulta garciamarquiano por ese realismo mágico que evoca: un pez fumador o fumón. Pero fue 15 años después, de tal revelación en Catia, que terminó y estrenó su obra, a la cual bautizó El pez que fuma, porque además transcurre en un burdel.Comentó que el original burdel “El pez que fuma” no estaba en La Guaira, existió en Catia, y dejó huellas o secuelas; en las inmediaciones de La Guaira sí existía otra mancebía famosa, “La Pedrera”, “donde rodaron la versión cinematográfica de El pez que fuma, hacia 1976 y 1977. “Nuestro público tiende a confundir la realidad con el cine, eso hasta es bueno a veces. Supe, años después, que en Francia hubo, o todavía existe, un burdel llamado El pez que fuma, en francés por supuesto”, dijo.

Valioso teatrero brasileño insertado en el teatro venezolano:Ricardo Nortier

El refrán reza “dime con quién andas y te diré quién eres” para advertir que no se puede salir limpio de una relación interpersonal con gente turbia o metida en problemas de drogas y prostitución. Y no estamos haciendo moralismo sino advirtiendo que una manzana podrida daña siempre a las demás y que hay cuidarse, más nada.

Y lo recordamos porque la amistad y el amor mal entendidos, dentro de la sociedad estadounidense -y también en la venezolana, para no ir muy lejos- son algunos de los sentimientos que reciben profundo y corrosivo cuestionamiento gracias el espectáculo teatral, El malparido del sombrero, agresivo texto de Stephen Adly Guirgis convertido en estrujante espectáculo criollo gracias a la correctísima dirección de Ricardo Nortier, quien también actúa al lado de Maria Antonieta Hidalgo, Nazarí Bazán, Giovanni García y Paul Gámez. ¡Brillante quinteto de histriones!

El malparido del sombrero (2011), cuyo obvio título en inglés es The Motherfucker with the Hates, hace temporada en La Caja de Fósforos, dentro de la programación del Segundo Festival de Teatro Contemporáneo Estadounidense, el cual se adelanta en el backstage de la Concha Acústica de Bello Monte, hasta el próximo 18 de septiembre. Ahí se lograsumergir al espectador venezolano en los bajos fondos de una Nueva York nada turística y consigue plasmar, dentro de esa inmensa tienda por departamentos que algunos la consideran como “la capital del mundo”, a cinco desesperados seres humanos que tratan de superarse sobre sus bajas pasiones o sus vicios pero perecen o fallan y deben terminar en una cárcel, de la cual no tienen escapatoria posible, o en tenebroso asilo para enfermos mentales por consumo excesivo de barbitúricos o alcoholes. Condenados sin salvación.

No es teatro moralista para mostrar a los malos o a los buenos. No, nada de eso. Sí logra desnudar a la sociedad estadounidense donde no todos triunfan y viven su American Dream y nos muestra por un huequito a una comunidad donde sino hay ayuda profesional o una familia bien establecida, casi todos los hijos sin padres y madres responsables corren el riesgo de convertirse en ladrones o delincuentes de poca monta, salvo que se atrevan a comerciar a lo grande en el mundo de los narcóticos o en alguno otro ramo de la delincuencia.

Es una pieza, un tanto fatalista, que advierte, no solo a los gringos, sino también a sus admiradores en América Latina, que la mayoría de las sociedades contemporáneas propician la existencia de algunos seres que se les considera humanos pero que en definitiva son peores que las bestias y nadie hace nada por salvarlos o recuperarlos, porque los políticos del Norte y del Sur carecen de instrucción humanística filosófica y todos juegan a ser eternos y más nada, pero ese es tema de otra obra que no hemos todavía reseñado.

Por supuesto que el autor Stephen Adly Guirgis (Nueva York 1965), no está descubriendo nada nuevo, porque ya antes, en 1949, Arthur Miller con Death of a Salesman o Muerte de un viajante, reveló como un hombre se suicida para salvar a su familia de la miseria y dejarles así al menos como herencia una casa para la sobrevivencia. Todo eso porque la sociedad del American Dream no es tan humanista como debería de ser y tendría que mirar menos hacia la colosal acumulación de riquezas y cuidar más del bienestar de sus ciudadanos. Y por supuesto que ninguno de esos dos dramaturgos son pensadores comunistas o algo parecidos, sino simples seres humanos que buscaban o perseguían la posible felicidad terrenal.

El malparido del sombrero es una especie de melodrama, acompañado de los más modernos y rumbosos ritmos musicales gringos, sobre las peripecias de un ex convicto que descubre como su novia se acuesta con su mejor amigo o padrino, y se desequilibra hasta que regresa a la cárcel de donde nunca debía retornar. Es un dramón de celos, de falsas amistades, de excesos de drogas psicotrópicas. Una historia que bien puede escenificarse en Caracas, porque sus personajes gringos son identificables con malandros criollos cotidianos, seres que no logran apoyos de psicólogos o psiquiatras ni tampoco tienen hogares solventes, y porque además deben trabajar o luchar para sobrevivir, al tiempo que piden un poquito de amor, esa pócima del afecto sincero que todos exigimos o necesitamos y cuyo lenguaje básico es físico y sensual, ciento por ciento.

El espectáculo, que consume 120 minutos sin intermedio, se desarrolla sobre una monumental cama (4x4), donde los personajes copulan o juegan, camastrón que se desmonta y sirve de mesa o de lechos para otras situaciones. Un espectáculo que no tiene desperdicio y está cargado de una envidiable fuerza física de sus cinco intérpretes. Recomiendo verla más de una vez para captar mejor la arista que nos pueden estremecer o cambiar, porque para eso se inventó el teatro hace más de cuatro mil años. Para buscar la necesaria catarsis.

Abilio Torres y Jennifer Morales en escena-

Otro dramaturgo venezolano busca tesoneramente el reconocimiento gracias a la calidad de sus obras, como debería ser siempre. Nos referimos a Jan Thomas Mora Rujano (1982), a quien ya habíamos ponderado, positivamente, su texto Yo, Federico, el cual entregó para el homónimo espectáculo de teatro-danza que dirigió Dairo Piñeres y protagonizó Theylor Plaza. Y ahora lo hemos vuelto a evaluar en Titirimeo, montaje con audaz puesta en escena que lograda la directora Maigualida Gamero y los actores Abilio Torres y Jennifer Morales, que se exhibe en la sala Rajatabla.

Titirimeo podría rotularse como rara comedia existencialista centrada en el absurdo cotidiano, a pesar de ser crudamente realista, que plasma la historia de Ángela y Gabriel, ingenieros de importante transnacional, quienes están en una oficina esperando los resultados de un casting o un concurso de oposición para acceder a un cargo importante. Son personajes que se conocen muy bien y tienen además que competir, corriendo el riesgo que todo fracase y se desmorone su relación de noviazgo de cuatro años, porque ahí se destapan las contradicciones acalladas por las mutuas conveniencias e intereses. El amor y la amistad siempre están bajo sospecha, podría concluirse ante esa situación que ninguno buscó pero que les estalló

La pieza, llena de dimes y diretes, de celos y hasta de una rara infidelidad, se hace lúdica por la misma puesta en escena donde los personajes asumen caracterizaciones bufonescas, las cuales exigen habilidades performánticas, al tiempo de suscitar incómoda expectativa porque hay un tercer personaje que podría ser el favorecido con el cargo, con lo cual toda ese enfrentamiento de Ángela y Gabriel habría sido inútil y desgastadora trampa para desunirlos y dejarlos en la siempre peligrosa soledad con proceloso camino, cada uno por su lado, hacia lo desconocido.

Las actuaciones son el bálsamo que entretiene a la audiencia ante la compleja situación teatral ahí propuesta.

De nuevo Ibrahim Guerra en la pelea por un mejor teatro para los venezolanos.

TURBIOS AMORES

CUATRO MONTAJES

CATIA Y NO LA GUAIRA

"Desde allá" se estrena en Venezuela desde este 2 de septiembre

Desde el 02 hasta el 22 de septiembre el público venezolano podrá disfrutar de la 9° Muestra de Cine Latinoamericano 2016, organizada por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), el Circuito Gran Cine, Fundación Cinemateca Nacional, Amazonia Film, Queiroz Publicidad con la colaboración de Trasnocho Cultural, Cines Unidos y el decidido apoyo de Movistar, Solera Polar. Mágica 99.1 Fm y Ceviche Bar.

A partir del viernes 2 de septiembre el espectador venezolano podrá ver esta extraordinaria selección de películas de la 9° Muestra de Cine Latinoamericano 2016, además tendrá la oportunidad de reconocerse, reflexionar y hasta reír con el cine que se hace en nuestro continente. La Muestra será presentada tanto en salas de cines comercial, salas alternativas y en espacios públicos gracias al Gran Cine Móvil tanto en Caracas como en Margarita.

En Caracas la selección oficial se exhibirá en las salas del Cine Paseo del Trasnocho Cultural y Cines Unidos Líder 1, así como también habrá una Programación Especial en los espacios culturales como la Sala Experimental del Centro Cultural Chacao, Sala Cabrujas, Cine Jardín Hacienda La Vega, la Concha Acústica de Bello Monte, CineCelarg3, Cine Cipreses, Ateneo de Caracas y la sala MBA de la Cinemateca Nacional a partir del 12 de septiembre. En el interior del país estará el Cine Club Charles Chaplin de Barquisimeto, Centro de Bellas Artes y Teatro Baralt de Maracaibo, Cine Arte Patio Trigal de Valencia, Quinta El Cangrejo de Margarita, y el Centro Cultural Tulio Febres Cordero y la Sala Comunitaria de Tabay en Mérida.

22 TITULOS

La 9° Muestra de Cine Latinoamericano 2016 está conformada por 22 títulos provenientes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Guatemala, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela. En la muestra destacan la nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera, El abrazo de la serpiente , de Ciro Guerra (Colombia-Venezuela-Argentina); la ganadora del Oso de Plata en Berlín y la película más premiada en Guatemala, Ixcanul, de Jayro Bustamante; la nominada al Globo de Oro como Mejor Película Extranjera y ganadora del Oso de Plata en Berlín, El club de Pablo Larraín (Chile) y la nominada al Premio Goya como Mejor Película Iberoamericana, Magallanes de Salvador del Solar (Perú-Argentina-España).

También integran la muestra los films: Arrebato de Sandra Gugliotta (Argentina), Eso que llaman amo de Victoria Chaya Miranda (Argentina), El cerrajero y Rompecabezas de Natalia Smirnoff (Argentina), La luz incidente de Ariel Rotter (Argentina-Francia-Uruguay), La memoria del agua de Matías Bize (España-Argentina-Alemania), Paulina de Santiago Mitre (Argentina-Brasil-Francia), Para mi amada muerta (Brasil), El bosque de Karadima de Matías Lira (Chile-Argentina), El acompañante de Pavel Girou, (Cuba-Venezuela), Chronic de Michel Franco (México), Los bañistas de Max Zunino (México), Ovnis en Zacapa de Marcos Machado Loría (Guatemala), Kenke y Puro Mula de Enrique Pérez (Guatemala), Ojos de madera de Roberto Suárez (Uruguay-Argentina-Venezuela). Asimismo se presentará el documental ¡Vengan a tocar aquí! de Laurence Doumic y Thierry Maisonnave (Coproducción Francia-Venezuela).

La cinematografía venezolana estará presente con el laureado film Desde allá del cineasta Lorenzo Vigas, y la presentación de los cortometrajes La culpa, probablemente de Michael Labarca, ganador del tercer lugar en la sección Cine Foundation de Cannes, y Para Elorza sin canción de María Fernanda Martínez

Los artistas venezolanos se atrevieron a mostrar en la escena el endoracismo.

El endoracismo y la endohomofobia son taras socioculturales

presentes en todas las sociedades occidentales y por eso pululan los crímenes de odio, exacerbados, sin querer queriendo, por los odios íntimos o eso que algunos llaman complejos de culpa, según investigadores.

Gracias al cine y al teatro es posible visualizar o palpar esos defectos sociales, algunos heredados o con profundas raíces culturales y hasta se les puede buscar correctivos, tras respectivas catarsis de las audiencias, y lograr o conseguir que los nefastos indicadores disminuyan, no mañana sino en los tiempos venideros.

Por eso, desde aquí, recomendamos a los lectores que traten de ver la película venezolana Desde alláde Lorenzo Vigas y Fascinación, el espectáculo que cierra el Segundo Festival de Teatro Estadounidense, en El dedal, mágico microespacio de la Caja de fósforos. ¡Porque vendrán tiempos mejores!

No vamos a detallar aquí al largometraje de Vigas –nunca ese León de Oro 2015, premio conquistado en Venecia, fue tan merecido- donde un atormentado gay voyerista (Armando) sacrifica el amor puro nacido de su romance de turno (Elder) y lo entrega a la autoridades para que pague por un crimen al cual fue incitado por él mismo personaje homoerótico. Muestra fehaciente de la endohomofobia, que ojala el público venezolano así lo vea y saque sus conclusiones.

Es posible que así comprendan más y mejor lo que estamos reiterando con esta reseña periodística sobre un importante hecho artístico cultural como es un evento con ocho textos teatrales importantes, que se mostraron en no más de 125 funciones para no menos de 1000 espectadores, aproximadamente, y donde Fascinación, según nuestra óptica, puede ser el montaje más importante o más corrosivo y el que más se acerca al contexto venezolano por aquello del patético e innegable endoracismo.

Pero sí nos acentuamos en el melodrama teatral Fascinación, de Lynn Nottage, el cual bajo la aguda dirección de Alexander Malinowski y con las actuaciones de Antonieta Colon y Layla Vargas, entre otros, enseña como Undine, gran triunfadora afroamericana pierde su estatus social y económico, al ser estafada por un marido (latinoamericano blanco), quien la chulea descaradamente, y como ella se recupera de ese derrumbe social que le permite tocar tierra, rescata a su familia (los había matado falsamente en un incendio), vuelve a usar su primer nombre y recomienza, desde muy abajo, pero ahora así acompañada por otro afroamericano, que verdaderamente la ama, y con una criatura recién nacida de su anterior matrimonio. Va esa pareja en pos de un horizonte nebuloso, pero donde el amor y la sinceridad se deben imponer, según la metáfora posible que propone la pieza misma.

En Fascinación, porque así lo acentuó la autora Nottage, hay una fuerte presencia de la negritud y sus creencias (la santería, entre otras), son gente pobre en lo económico, pero con básicos niveles de instrucción, y además, lamentablemente, que no solo se rechazan y ponen trampas a sus iguales en lo sociocultural. Una prueba fehaciente del endoracismo que provoca desgracias cotidianas, no solo en Estados Unidos sino en todos aquellos países donde la negritud se manifieste y trate de salir adelante. No solo no se aceptan sino que tampoco digieren al hermano étnico y le hacen la guerra abierta o soterrada. Y por si fuera poco está presente esa maldita espada de Damocles que es el uso y la compraventa de las drogas psicotrópicas, arma de desintegración social que algunos gobiernos no han logrado, o no han querido controlar, para utilizarla, por traspuesto, como presión sobre las clases sociales menos favorecidas.

Fascinación es, además, el cierre de una temporada teatral que permite conocer como el American Dream es una tramposa utopía que solo favorece a pocos y causa la desgracia de millones de seres humanos, no solo negros o afroamericanos, integrantes de una sociedad que no ha logrado superar sus contradicciones cuando lleva más de 200 años de luchas sociales de todo tipo y son potencia mundial que además imparte conductas y maneras de vida, gracias a Hollywood y otras fábricas.

El espectáculo que consume más de 120 minutos es meteórico y revela el talento en formación del habilidoso director joven, Malinowski, quien no se puede frustrar, y de un todo un aguerrido y hermoso conjunto humano integrado por Gustavo Rengel, Melissa Inojosa, Angel Pájaro, Mérida Ascanio, José Luis León, Nair Borges, Raul Simao, además de Antonieta y Layla, histórica pareja de negras que son principio y presente de una generación de actrices “de color”; porque en nuestra amada Venezuela (país mestizo) no se escribe para negros ni hay muchas oportunidades para intérpretes de ese color, hasta que hubo que buscar un elenco adecuado con esa negritud de Fascinación y lo encontraron. ¡Gracias Orlando Arocha y Diana Volpe!

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